En el arte , la apropiación es el uso de objetos o imágenes preexistentes con poca o ninguna transformación aplicada a ellos. [1] El uso de la apropiación ha jugado un papel significativo en la historia de las artes ( literarias , visuales , musicales y escénicas ). En las artes visuales, "apropiarse" significa adoptar, tomar prestado, reciclar o muestrear adecuadamente aspectos (o la forma completa) de la cultura visual hecha por el hombre . Notables a este respecto son los readymades de Marcel Duchamp .
En la concepción de la apropiación está implícito el concepto de que la nueva obra recontextualiza todo aquello que toma prestado para crear la nueva obra. En la mayoría de los casos, la "cosa" original sigue siendo accesible como tal, sin cambios.
La apropiación, similar al arte de objetos encontrados , es "como estrategia artística, el préstamo intencional, la copia y la alteración de imágenes, objetos e ideas preexistentes". [2] También se ha definido como "la toma de posesión, en una obra de arte, de un objeto real o incluso de una obra de arte existente". [3] La Tate Gallery rastrea la práctica hasta el cubismo y el dadaísmo , y continuó hasta el surrealismo de los años 40 y el arte pop de los años 50. Volvió a cobrar prominencia en los años 80 con los artistas neo-geo , [3] y ahora es una práctica común entre artistas contemporáneos como Richard Prince , Sherrie Levine y Jeff Koons . [4]
Muchos artistas hicieron referencias a obras de artistas o temas anteriores.
En 1856, Ingres pintó el retrato de Madame Moitessier . Se sabe que la inusual pose se inspiró en la famosa pintura mural romana Heracles encontrando a su hijo Telefas . Al hacerlo, el artista creó un vínculo entre su modelo y una diosa olímpica. [6]
Edouard Manet pintó Olimpia en 1865, inspirado en la Venus de Urbino de Tiziano . Su cuadro El descanso sobre la hierba también se inspiró en la obra de los antiguos maestros; en concreto, su composición se basa en un detalle de El juicio de Paris (1515) de Marcantonio Raimondi . [7]
Se cree que Gustave Courbet vio el famoso grabado en madera en color La gran ola de Kanagawa del artista japonés Katsushika Hokusai antes de pintar una serie del Océano Atlántico durante el verano de 1869. [8]
Vincent van Gogh puede ser nombrado con los ejemplos de las pinturas que hizo inspiradas por Jean Francois Millet , Delacroix , o los grabados japoneses que tenía en su colección. [9] En 1889, Van Gogh creó 20 copias pintadas inspiradas en los grabados en blanco y negro de Millet. Amplió las composiciones de los grabados y luego los pintó en color según su propia imaginación. Vincent escribió en sus cartas que se había propuesto "traducirlos a otro idioma". Dijo que no se trataba simplemente de copiar: si un intérprete "toca algo de Beethoven, le añadirá su interpretación personal... no es una regla estricta que solo el compositor toque sus propias composiciones". [10] Se pueden encontrar más ejemplos en Copias de Vincent van Gogh .
Claude Monet , coleccionista de grabados japoneses, creó varias obras inspiradas en estos, como El jardín de Sainte-Adresse, 1867, inspirada en Fuji desde la plataforma de Sasayedo de Katsushika Hokusai; La serie del estanque de nenúfares bajo el puente Mannen en Fukagawa, 1830-1831 de Hokusai o La Japonaise , 1876, probablemente inspirada en Kitagawa Tsukimaro Geisha, un par de pinturas en pergamino colgantes, 1820-1829. [11] [12] [13]
A principios del siglo XX, Pablo Picasso y Georges Braque se apropiaron de objetos de un contexto no artístico para su trabajo. En 1912, Picasso pegó un trozo de tela al óleo sobre el lienzo. [14] Composiciones posteriores, como Guitarra, periódico, vaso y botella (1913), en la que Picasso utilizó recortes de periódico para crear formas, es un collage temprano que se categorizó como parte del cubismo sintético . Los dos artistas incorporaron aspectos del "mundo real" en sus lienzos, lo que abrió el debate sobre la significación y la representación artística .
Marcel Duchamp introdujo en 1915 el concepto de readymade , en el que «los objetos utilitarios producidos industrialmente... alcanzan el estatus de arte simplemente a través del proceso de selección y presentación». [15] Duchamp exploró esta noción ya en 1913 cuando montó un taburete con una rueda de bicicleta y de nuevo en 1915 cuando compró una pala de nieve y la inscribió «por delante del brazo roto, Marcel Duchamp». [16] [17] En 1917, Duchamp organizó la presentación de un readymade en la exposición de la Sociedad de Artistas Independientes bajo el seudónimo de R. Mutt. [18] Titulada Fountain , consistía en un urinario de porcelana apoyado sobre un pedestal y firmado «R. Mutt 1917». La obra planteaba un desafío directo, yuxtaponiéndose claramente a las percepciones tradicionales de las bellas artes, la propiedad, la originalidad y el plagio, y posteriormente fue rechazada por el comité de la exposición. [19] La revista dadaísta neoyorquina The Blind Man defendió a Fountain , afirmando que "no tiene importancia si el señor Mutt hizo la fuente con sus propias manos o no. Él la ELIGIÓ. [20] Tomó un artículo cotidiano, lo colocó de tal manera que su significado útil desapareciera bajo el nuevo título y punto de vista, y creó un nuevo pensamiento para ese objeto". [19]
El movimiento Dada continuó jugando con la apropiación de objetos cotidianos y su combinación en collages. Las obras Dada se caracterizaban por una irracionalidad deliberada y el rechazo de los estándares imperantes del arte. Kurt Schwitters muestra una sensibilidad similar en sus obras "merz". Construyó partes de estas obras a partir de objetos encontrados [21] y tomaron la forma de grandes construcciones de gesamtkunstwerk que ahora se denominan instalaciones .
Durante su Período de Niza (1908-1913), Henri Matisse pintó varios cuadros de odaliscas, inspirados en Mujeres de Argel de Delacroix . [22] [23] [24]
Los surrealistas , que siguieron al movimiento dadaísta, también incorporaron el uso de « objetos encontrados », como Objeto (Almuerzo en pieles) (1936) de Méret Oppenheim o Teléfono langosta (1936) de Salvador Dalí. Estos objetos encontrados adquirieron un nuevo significado al combinarse con otros objetos inverosímiles e inquietantes.
En la década de 1950, Robert Rauschenberg utilizó lo que denominó "combinaciones", combinando objetos ready-made como neumáticos o camas, pintura, serigrafías , collages y fotografías. De manera similar, Jasper Johns , que trabajaba al mismo tiempo que Rauschenberg, incorporó objetos encontrados a su obra.
En 1958, Bruce Conner produjo la influyente A Movie , en la que recombinó fragmentos de películas ya existentes. En 1958, Raphael Montanez Ortiz produjo Cowboy and Indian Film , una obra cinematográfica de apropiación seminal. [ cita requerida ]
El movimiento artístico Fluxus también utilizó la apropiación: [25] sus miembros mezclaron diferentes disciplinas artísticas, incluidas las artes visuales, la música y la literatura. A lo largo de los años 1960 y 1970 organizaron eventos de "acción" y produjeron obras escultóricas con materiales poco convencionales.
A principios de los años 1960, artistas como Claes Oldenburg y Andy Warhol se apropiaron de imágenes del arte comercial y de la cultura popular, así como de las técnicas de estas industrias, como por ejemplo cuando Warhol pintó botellas de Coca-Cola. [26] Llamados " artistas pop ", consideraban que la cultura popular de masas era la principal cultura vernácula, compartida por todos, independientemente de su educación. Estos artistas se involucraron plenamente con lo efímero producido a partir de esta cultura producida en masa, abrazando la prescindibilidad y distanciándose de la evidencia de la mano de un artista.
Entre los artistas pop más famosos, Roy Lichtenstein se hizo conocido por apropiarse de imágenes de cómics con pinturas como Masterpiece (1962) o Drowning Girl (1963) y de artistas famosos como Picasso o Matisse . [27]
Elaine Sturtevant (también conocida simplemente como Sturtevant ), por otro lado, creó réplicas de obras famosas de sus contemporáneos. Entre los artistas a los que "imitó" se encontraban Warhol, Jasper Johns, Joseph Beuys , Duchamp, James Rosenquist , Roy Lichtenstein y más. Si bien no se limitó a reproducir el arte pop, ese fue un enfoque importante de su práctica. [28] Replicó Flowers de Andy Warhol en 1965 en la galería Bianchini de Nueva York. Se formó para reproducir la propia técnica del artista, hasta el punto de que cuando Warhol fue cuestionado repetidamente sobre su técnica, una vez respondió "No lo sé. Pregúntele a Elaine". [29]
En Europa, un grupo de artistas llamado los Nuevos Realistas utilizaron objetos como el escultor Cesar [30] que comprimía automóviles para crear esculturas monumentales, o el artista Arman [31] que incluía objetos cotidianos hechos a máquina, desde botones y cucharas hasta automóviles y cajas llenas de basura.
Los artistas alemanes Sigmar Polke y su amigo Gerhard Richter , que definieron el "realismo capitalista", ofrecieron una crítica irónica del consumismo en la Alemania de posguerra. Utilizaron fotografías preexistentes y las transformaron. Las obras más conocidas de Polke fueron sus collages de imágenes de la cultura pop y la publicidad, como su escena "Supermercados", en la que superhéroes compran en una tienda de comestibles. [32]
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Mientras que la apropiación en épocas pasadas utilizaba elementos como el "lenguaje", la apropiación contemporánea ha sido simbolizada por la fotografía como un medio de "modelos semióticos de representación". [33] La Generación de las Imágenes fue un grupo de artistas, influenciados por el arte conceptual y el pop , que utilizaron la apropiación y el montaje para revelar la naturaleza construida de las imágenes. [34] Una exposición llamada The Pictures Generation, 1974-1984 se realizó en el Museo Metropolitano de Arte (Met) en la ciudad de Nueva York del 29 de abril al 2 de agosto de 2009 que incluyó, entre otros artistas, a John Baldessari , Barbara Kruger , Sherrie Levine , Richard Prince , David Salle , Cindy Sherman .
Sherrie Levine , quien abordó el acto de apropiación como tema en el arte. [35] Levine a menudo cita obras enteras en su propio trabajo, por ejemplo, fotografiando fotografías de Walker Evans . Desafiando las ideas de originalidad, llamando la atención sobre las relaciones entre poder , género y creatividad , consumismo y valor de la mercancía, las fuentes sociales y los usos del arte, Levine juega con el tema de "casi lo mismo".
Durante los años 1970 y 1980, Richard Prince re-fotografiaba anuncios como los de cigarrillos Marlboro [36] o tomas de fotoperiodismo . Su trabajo toma las campañas publicitarias anónimas y omnipresentes de los carteles de cigarrillos, eleva su estatus y centra nuestra mirada en las imágenes.
Los artistas de la apropiación comentan todos los aspectos de la cultura y la sociedad. Joseph Kosuth se apropió de imágenes para interactuar con la epistemología y la metafísica .
Otros artistas que trabajaron con la apropiación durante este tiempo fueron Greg Colson y Malcolm Morley . [ cita requerida ]
A finales de los años 1970, Dara Birnbaum trabajaba con la apropiación para producir obras de arte feministas . [37] En 1978-79 produjo una de las primeras apropiaciones en video. Tecnología/Transformación: Wonder Woman utilizó videoclips de la serie de televisión Wonder Woman . [38]
Richard Pettibone comenzó a reproducir en miniatura obras de artistas recién famosos como Andy Warhol y, más tarde, también de maestros modernistas, firmando con el nombre del artista original y con el suyo propio. [39] [32]
Jeff Koons ganó reconocimiento en la década de 1980 al crear esculturas conceptuales de la serie The New , una serie de aspiradoras , a menudo seleccionadas por nombres de marcas que atrajeron al artista como la icónica Hoover , y en la línea de los readymades de Duchamp. Más tarde creó esculturas en acero inoxidable inspiradas en juguetes inflables como conejos o perros. [40] [41]
En la década de 1990 los artistas continuaron produciendo arte de apropiación, utilizándolo como medio para abordar teorías y cuestiones sociales, en lugar de centrarse en las obras en sí. Este es típicamente el caso del pintor peruano Herman Braun-Vega , en quien la apropiación de las obras de los viejos maestros es casi sistemática [42] y quien, después de comenzar haciendo comentarios pintados de la pintura de otros a fines de la década de 1960, [43] termina poniendo a los personajes prestados de la iconografía de la pintura occidental en presencia de la realidad social y política de su tiempo. [44] El gran tríptico de la colección permanente del Museo Ralli Marbella [es] La familia informal (Velázquez, Goya, Picasso) [45] es un ejemplo de apropiaciones múltiples que coexisten dentro de la misma obra con los contemporáneos del pintor en escenas que describen la situación social en los países del tercer mundo donde la familia en sentido amplio es un círculo de economía de subsistencia. [46] Braun-Vega recontextualiza obras apropiadas y les da un nuevo significado. [47] Por su parte, Damian Loeb utilizó el cine para comentar temas de simulacro y realidad. Otros artistas destacados que trabajaron en esta época fueron Christian Marclay , Deborah Kass y Genco Gulan . [48]
Yasumasa Morimura es un artista de apropiación japonés que toma prestadas imágenes de artistas históricos (como Édouard Manet o Rembrandt ) para artistas modernos como Cindy Sherman , e inserta su propio rostro y cuerpo en ellas. [49]
El artista de las Primeras Naciones de Saulteaux, Robert Houle, ganó prominencia a través de su apropiación de imágenes y documentos históricos para criticar la violencia histórica contra los pueblos indígenas en Canadá . [50] La obra de Houle, Kanata (1992), utilizó imágenes de La muerte del general Wolfe (1770) de Benjamin West , renunciando al color en la mayor parte del marco para resaltar en cambio las imágenes de un guerrero delaware insertadas por West. [50]
Sherrie Levine se apropió de lo apropiado cuando hizo unos urinarios de bronce fundido pulido llamados Fountain . Se los considera un "homenaje al famoso ready-made de Duchamp. Sumándose a la audacia de Duchamp, Levine convierte su gesto nuevamente en un "objeto de arte" al elevar su materialidad y acabado. Como artista feminista, Levine rehace obras específicamente de artistas masculinos que se apoderaron del dominio patriarcal en la historia del arte". [51]
La apropiación es frecuentemente utilizada por artistas contemporáneos que a menudo reinterpretan obras de arte anteriores como el artista francés Zevs que reinterpretó logotipos de marcas como Google o obras de David Hockney. [52] Muchos artistas urbanos y callejeros también utilizan imágenes de la cultura popular como Shepard Fairey o Banksy , [53] quien se apropió de obras de arte de Claude Monet o Vermeer con su chica con un tímpano perforado. [54]
El artista cree canadiense Kent Monkman se apropia de pinturas icónicas de la historia del arte europeo y norteamericano y las puebla con visiones indígenas de resistencia. [55]
En 2014, Richard Prince publicó una serie de obras tituladas New Portraits, apropiándose de las fotos de personas anónimas y famosas (como Pamela Anderson ) que habían publicado una selfie en Instagram. Las modificaciones a las imágenes por parte del artista son los comentarios que Prince agregó debajo de las fotos. [56] [57]
En 2018, Damien Hirst fue acusado de apropiarse del trabajo de Emily Kngwarreye y otros miembros de la comunidad de pintores de Utopía, Territorio del Norte , con las pinturas de Veil, que según Hirst estaban "inspiradas en técnicas puntillistas y pintores impresionistas y postimpresionistas como Bonnard y Seurat". [58] [59] [60] [61]
Mr. Brainwash [62] es un artista urbano que se hizo famoso gracias a Banksy y cuyo estilo fusiona imágenes pop históricas e iconografía cultural contemporánea para crear su versión de un híbrido de arte pop-graffiti popularizado por primera vez por otros artistas callejeros. [63]
Brian Donnelly, conocido como Kaws , ha utilizado la apropiación en su serie, The Kimpsons, y pintó The Kaws Album inspirado en el Simpsons Yellow Album, que en sí mismo era una parodia de la portada del álbum de los Beatles Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band reemplazado por personajes de Los Simpsons . [64] El 1 de abril de 2019, en Sotheby's en Hong Kong, The Kaws Album (2005), se vendió por 115,9 millones de dólares de Hong Kong, o alrededor de $ 14,7 millones de dólares estadounidenses. [65] Además, ha reelaborado otros personajes familiares como Mickey Mouse , el Hombre Michelin , los Pitufos , Snoopy y Bob Esponja . [66]
Desde los años 1990, la explotación de los precursores históricos es tan multifacética como confusa es la noción de apropiación. Una cantidad sin precedentes de apropiaciones invade no sólo el campo de las artes visuales, sino también todas las áreas culturales. La nueva generación de apropiadores se considera a sí misma "arqueóloga[s] del tiempo presente". [67] Algunos hablan de "posproducción", que se basa en obras preexistentes, para reeditar "el guión de la cultura". [68] La anexión de obras realizadas por otros o de productos culturales disponibles sigue en su mayoría el concepto de uso. Los llamados "prosumidores" [69] —aquellos que consumen y producen al mismo tiempo— navegan por el archivo omnipresente del mundo digital (más raramente por el analógico), para probar las imágenes, palabras y sonidos siempre accesibles mediante "copiar y pegar" o "arrastrar y soltar" para "piratearlos", "mezclarlos" o "remezclarlos" a su gusto. El comisario francés Nicolas Bourriaud acuñó el neologismo Semionaut –una combinación de semiótica y astronauta– para describirlo. Escribe: “Los DJ, los internautas y los artistas de posproducción implican una configuración similar de conocimiento, que se caracteriza por la invención de caminos a través de la cultura. Los tres son “semionautas” que producen caminos originales a través de signos”. [70] Las apropiaciones se han convertido hoy en un fenómeno cotidiano.
La nueva “generación remix” [71] —que ha ocupado los escenarios no sólo de las artes visuales, sino también de la música, la literatura, la danza y el cine— provoca, por supuesto, debates muy controvertidos. El especialista en medios Lawrence Lessig acuñó aquí a principios de la década de 2000 el término de cultura remix [72] . Por un lado, están los celebrantes que prevén una nueva era de formas innovadoras, útiles y entretenidas para el arte del siglo XXI digitalizado y globalizado. Los nuevos apropiacionistas no sólo harán realidad el dictamen de Joseph Beuys de que todo el mundo es un artista, sino que también “construirán sociedades libres” [73] . Al liberar finalmente al arte de conceptos tradicionales como aura, originalidad y genio, conducirán a nuevos términos de comprensión y definición del arte. Los observadores más críticos ven esto como el punto de partida de un enorme problema. Si la creación se basa en nada más que procesos despreocupados de búsqueda, copia, recombinación y manipulación de medios, conceptos, formas, nombres, etc. preexistentes de cualquier origen, la comprensión del arte se desplazará a su modo de ver hacia una actividad trivializada, poco exigente y regresiva. En vista de la limitación del arte a las referencias a conceptos y formas preexistentes, prevén un sinfín de productos recopilados y reutilizados. Los escépticos llaman a esto una cultura del reciclaje con una adicción al pasado [74]
Algunos dicen que sólo la gente perezosa que no tiene nada que decir se deja inspirar de esta manera por el pasado. [75] Otros temen que esta nueva tendencia de apropiación no sea causada por nada más que el deseo de embellecerse con una genealogía atractiva. [76] El término apropiacionismo [77] refleja la sobreproducción de reproducciones, remakes, reenactments, recreaciones, revisiones, reconstrucciones, etc. mediante la copia, imitación, repetición, cita, plagio, simulación y adaptación de nombres, conceptos y formas preexistentes. El apropiacionismo se analiza -en comparación con las formas y conceptos de apropiación del siglo XX que ofrecen nuevas representaciones del conocimiento establecido [78] - como una especie de "parada de la carrera", [79] refiriéndose a la aceleración de operaciones aleatorias e incontrolables en sociedades occidentales altamente movilizadas y fluidas que están gobernadas cada vez más por formas abstractas de control. El acceso ilimitado al archivo digital de creaciones y a tecnologías digitales fácilmente factibles, así como la prioridad de ideas frescas y procesos creativos sobre una obra maestra perfecta, conducen a un ajetreo hiperactivo en torno al pasado en lugar de lanzarse a nuevas expediciones hacia territorios inexplorados que podrían dar visibilidad a los fantasmas olvidados y a los espectros ignorados de nuestros mitos e ideologías comunes.
El arte de apropiación ha dado lugar a polémicas cuestiones de derechos de autor en relación con su validez conforme a la legislación sobre derechos de autor. Estados Unidos ha sido especialmente litigioso a este respecto. Han surgido varios ejemplos de jurisprudencia que investigan la división entre obras transformativas y obras derivadas . [80]
La Ley de Derechos de Autor de 1976 en los Estados Unidos proporciona una defensa contra la infracción de los derechos de autor cuando un artista puede demostrar que su uso de la obra subyacente es "justo".
La Ley establece cuatro factores que deben tenerse en cuenta para determinar si un uso particular es un uso justo:
Andy Warhol se enfrentó a una serie de demandas por parte de fotógrafos de cuyo trabajo se apropió y serigrafió . Patricia Caulfield, una de esas fotógrafas, había tomado una fotografía de flores para una demostración fotográfica para una revista de fotografía. Sin su permiso, Warhol cubrió las paredes de la galería Leo Castelli de Nueva York con sus reproducciones serigrafiadas de la fotografía de Caulfield en 1964. Después de ver un póster de reproducciones no autorizadas de Warhol en una librería, Caulfield demandó a Warhol por violar sus derechos como propietaria de los derechos de autor, y Warhol llegó a un acuerdo en efectivo fuera de los tribunales. [81]
En 2021, el Segundo Circuito sostuvo que el uso que hizo Warhol de una fotografía de Prince para crear una serie de 16 serigrafías e ilustraciones a lápiz no constituía un uso legítimo . La fotografía, tomada por el fotógrafo de celebridades Lynn Goldsmith , fue encargada en 1981 como referencia del artista para la revista Newsweek . En 1984, Warhol utilizó la fotografía como fuente para crear una obra para Vanity Fair junto con 15 piezas adicionales. Goldsmith no tuvo conocimiento de la serie hasta después de la muerte del músico en 2016, cuando Condé Nast publicó un homenaje con una de las obras de Warhol. En su opinión, el Tribunal sostuvo que cada uno de los cuatro factores de "uso legítimo" favorecía a Goldsmith, y concluyó además que las obras eran sustancialmente similares como cuestión de derecho, dado que "cualquier espectador razonable... no tendría ninguna dificultad para identificar la [fotografía de Goldsmith] como el material original de la Serie Prince de Warhol". [82] La Corte Suprema confirmó en una decisión de 7 a 2, sosteniendo que la licencia del Príncipe Naranja para su uso como portada de una revista no calificaba como uso justo de una fotografía protegida por derechos de autor tomada para su uso en una revista, dejando para otro día si la pintura en sí misma podía calificar como uso justo. [83]
Por otra parte, las famosas latas de sopa Campbell de Warhol generalmente se consideran un uso justo no infractor de la marca registrada del fabricante de sopas , a pesar de haber sido claramente apropiadas, porque "es poco probable que el público vea la pintura como patrocinada por la empresa de sopas o que represente un producto competidor. Las pinturas y las latas de sopa no son en sí mismas productos competidores", según el abogado experto en marcas registradas Jerome Gilson . [84]
Jeff Koons también se ha enfrentado a problemas de derechos de autor debido a su trabajo de apropiación (véase Rogers v. Koons ). El fotógrafo Art Rogers presentó una demanda contra Koons por violación de derechos de autor en 1989. La obra de Koons, String of Puppies, reproducía escultóricamente la fotografía en blanco y negro de Rogers que había aparecido en una tarjeta de felicitación del aeropuerto que Koons había comprado. Aunque alegó uso justo y parodia en su defensa, Koons perdió el caso, en parte debido al tremendo éxito que tuvo como artista y la forma en que fue retratado en los medios. [ cita requerida ] El argumento de la parodia también fracasó, ya que el tribunal de apelaciones trazó una distinción entre crear una parodia de la sociedad moderna en general y una parodia dirigida a una obra específica, encontrando que la parodia de una obra específica, especialmente de una muy oscura, era demasiado débil para justificar el uso justo del original.
En octubre de 2006, Koons defendió con éxito una obra diferente alegando " uso justo ". Para un encargo de siete pinturas para el Deutsche Guggenheim de Berlín, Koons se basó en parte de una fotografía tomada por Andrea Blanch titulada Silk Sandals by Gucci y publicada en el número de agosto de 2000 de la revista Allure para ilustrar un artículo sobre maquillaje metálico. Koons tomó la imagen de las piernas y las sandalias de diamantes de esa foto (omitiendo otros detalles del fondo) y la utilizó en su pintura Niagara , que también incluye otros tres pares de piernas de mujer colgando surrealistamente sobre un paisaje de tartas y pasteles.
En su decisión, el juez Louis L. Stanton del Tribunal de Distrito de Estados Unidos determinó que Niagara era, en efecto, un "uso transformador" de la fotografía de Blanch. "El uso de la pintura no 'sustituye' ni duplica el objetivo del original", escribió el juez, "sino que la utiliza como materia prima de una manera novedosa para crear nueva información, nueva estética y nuevos conocimientos. Tal uso, ya sea exitoso o no artísticamente, es transformador".
El detalle de la fotografía de Blanch utilizada por Koons sólo es susceptible de protección por derechos de autor en forma marginal. Blanch no tiene derechos sobre las sandalias Gucci, "quizás el elemento más llamativo de la fotografía", escribió el juez. Y sin las sandalias, sólo queda una representación de las piernas de una mujer, que se consideró "no lo suficientemente original como para merecer mucha protección por derechos de autor".
En 2000, la escultura Hymn de Damien Hirst (que Charles Saatchi había comprado por un millón de libras esterlinas) se exhibió en Ant Noises en la Galería Saatchi. Hirst fue demandado por violación de los derechos de autor sobre esta escultura. El tema era un "Young Scientist Anatomy Set" que pertenecía a su hijo Connor, del cual Hull (Emms) Toy Manufacturer vende 10.000 al año. Hirst creó una ampliación de 20 pies y seis toneladas de la figura Science Set, cambiando radicalmente la percepción del objeto. Hirst pagó una suma no revelada a dos organizaciones benéficas, Children Nationwide y Toy Trust en un acuerdo extrajudicial. La donación caritativa fue menor de lo que Emms había esperado. Hirst vendió tres copias más de su escultura por cantidades similares a la primera. [85]
La apropiación de un objeto familiar para crear una obra de arte puede impedir que el artista reclame la titularidad de los derechos de autor. Jeff Koons amenazó con demandar a una galería por derechos de autor, alegando que la galería infringía sus derechos de propiedad al vender sujetalibros con forma de perros con forma de globo. [86] Koons abandonó esa reclamación después de que la galería presentara una demanda de reparación declaratoria en la que afirmaba: "Como prácticamente cualquier payaso puede atestiguar, nadie es dueño de la idea de hacer un perro con forma de globo, y la forma creada al torcer un globo hasta darle forma de perro es parte del dominio público". [87]
En 2008, el fotoperiodista Patrick Cariou demandó al artista Richard Prince , a la Galería Gagosian y a los libros Rizzoli por violación de derechos de autor. Prince se había apropiado de 40 de las fotos de Cariou de rastafaris de un libro, creando una serie de pinturas conocidas como Canal Zone . Prince alteró las fotos de diversas formas, pintando objetos, manos de gran tamaño, mujeres desnudas y torsos masculinos sobre las fotografías, y posteriormente vendió las obras por un valor de más de 10 millones de dólares. En marzo de 2011, un juez falló a favor de Cariou, pero Prince y Gargosian apelaron sobre varios puntos. Tres jueces del Tribunal de Apelaciones de Estados Unidos confirmaron el derecho a apelar. [88] El abogado de Prince argumentó que "el arte de apropiación es una forma de arte moderna y posmoderna bien reconocida que ha desafiado la forma en que la gente piensa sobre el arte, desafiado la forma en que la gente piensa sobre los objetos, las imágenes, los sonidos, la cultura". [89] El 24 de abril de 2013, el tribunal de apelaciones revocó en gran medida la decisión original, decidiendo que muchas de las pinturas habían transformado suficientemente las imágenes originales y, por lo tanto, su uso estaba permitido. [90] Véase Cariou v. Prince . [91]
En noviembre de 2010, Chuck Close amenazó con emprender acciones legales contra el artista informático Scott Blake por crear un filtro de Photoshop que creaba imágenes a partir de pinturas diseccionadas de Chuck Close. [92] [93] La historia fue reportada por primera vez por la revista de arte en línea Hyperallergic , fue reimpresa en la portada de Salon.com y se difundió rápidamente a través de la web. [94] Kembrew McLeod , autor de varios libros sobre muestreo y apropiación, dijo en Wired que el arte de Scott Blake debería caer bajo la doctrina del uso justo . [95]
En septiembre de 2014, el Tribunal de Apelaciones de los Estados Unidos para el Séptimo Circuito cuestionó la interpretación que el Segundo Circuito había hecho de la doctrina del uso justo en el caso Cariou . Cabe destacar que el Séptimo Circuito señaló que el "uso transformativo" no es uno de los cuatro factores enumerados del uso justo, sino que es simplemente parte del primer factor del uso justo, que se ocupa del "propósito y el carácter" del uso. La crítica del Séptimo Circuito da crédito al argumento de que existe una división entre los tribunales de los Estados Unidos en cuanto al papel que debe desempeñar el "carácter transformador" en cualquier investigación sobre el uso justo. [91]
En 2013, Andrew Gilden y Timothy Greene publicaron un artículo de revisión jurídica en The University of Chicago Law Review en el que analizaban las similitudes fácticas y las diferencias jurídicas entre el caso Cariou y el caso Salinger v. Colting , y expresaban inquietudes sobre la posibilidad de que los jueces estén creando un "privilegio de uso justo reservado en gran medida para los ricos y famosos". [96]
Los siguientes son artistas notables conocidos por su uso de objetos o imágenes preexistentes con poca o ninguna transformación aplicada a ellos:
'Apropiación' es el primer término que aparece al querer categorizar o clasificar la obra de Herman Braun-Vega. [...] Efectivamente, el autor se 'apropia' de las imágenes que otros crearán. Pero se trata de una utilización que no busca el reemplazo, la reedición o el acoplamiento, sino que ejerce su libertad de darle un contenido nuevo en un contexto creado por él.
Que un pintor utiliza como temas de sus cuadros obras de otros pintores no es una novedad. Lo novedoso es ahondar este procedimiento y hacer de él, forzando un poco el término, un sistema. Tal es el caso de Herman Braun. [...] Se podría pues hablar de una metapintura, en la medida en que sus cuadros son comentarios pictóricos de otros cuadros. Pero esta definición resulta estrecha, si se tiene en cuenta la evolución de su obra.
[...] a lo largo de estos quince años, trabajó con la iconografía de occidente, tratando de ofrecer un testimonio de la situación social.
la pieza central de la muestra es "La familia informal", un gran tríptico que [Braun-Vega] preparó para las celebraciones españolas del V Centenario del llamado encuentro entre dos Mundos, aludiendo tanto a las economías de subsistencia en que viven los habitantes más pobres del tercer mundo, como al mestizaje cultural que este intercambio posibilita
la apropiación de la imagen otorga un nuevo significado a la obra, a la vez que es recontextualizada y reinterpretada, porque las apropiaciones en la obra de este artista tienen la intención de hacer una rearticulación de la memoria (individual, sociopolítica e histórica).