Las reglas del juego (título original en francés: La règle du jeu ) es una película de comedia dramática satírica francesa de 1939 dirigida por Jean Renoir . El reparto incluye a Nora Gregor , Paulette Dubost , Mila Parély , Marcel Dalio , Julien Carette , Roland Toutain , Gaston Modot , Pierre Magnier y Renoir.
La interpretación que hace Renoir del sabio y triste Octave es la base del tono fatalista de esta reflexiva comedia de costumbres . La película retrata a los miembros de la alta sociedad francesa y a sus sirvientes justo antes del comienzo de la Segunda Guerra Mundial , mostrando su insensibilidad moral en vísperas de la destrucción.
En su momento, La regla del juego fue la película francesa más cara del mundo: su presupuesto original de 2,5 millones de francos aumentó con el tiempo a más de 5 millones de francos. Renoir y el director de fotografía Jean Bachelet hicieron un uso extensivo de los planos generales y de los planos muy nítidos en los que la cámara se mueve constantemente, técnicas cinematográficas sofisticadas en 1939.
La carrera de Renoir en Francia estaba en su apogeo en 1939 y La regla del juego era muy esperada. Sin embargo, su estreno fue recibido con desprecio y desaprobación por parte de la crítica y el público. Renoir redujo la duración de la película de 113 minutos a 85, pero incluso entonces, la película fue un desastre crítico y financiero. En octubre de 1939, fue prohibida por el gobierno francés en tiempos de guerra por "tener una influencia indeseable sobre los jóvenes". [1]
Durante muchos años, la versión de 85 minutos fue la única disponible; aun así, su reputación fue creciendo lentamente. Sin embargo, en 1956, se descubrieron cajas de material original, y ese año se estrenó una versión reconstruida de la película en el Festival de Cine de Venecia , en la que solo faltaba una escena menor del primer corte de Renoir. Desde entonces, Las reglas del juego ha sido considerada una de las mejores películas de la historia del cine . Numerosos críticos y directores de cine la han elogiado mucho, citándola como inspiración para su propio trabajo. Es la única película que se ha ganado un lugar entre las diez mejores películas en la respetada encuesta de críticos decenal Sight & Sound ( British Film Institute ) por cada década desde el inicio de la encuesta en 1952 hasta la lista de 2012 (en 2022 cayó al puesto número 13). [2] [3] [4] [5] [6] [7] [8]
Corazones sensibles, corazones fieles,
que rehuís el amor dondequiera que vaya,
dejad de ser tan amargos:
¿es un crimen cambiar?
Si a Cupido le dieron alas,
¿no fue para revolotear?
— Cita al comienzo de la película, de Le Mariage de Figaro de Beaumarchais (IV, 10) [9]
El aviador André Jurieux aterriza en el aeródromo de Le Bourget , en las afueras de París, después de cruzar el Atlántico en su avión. Es recibido por su amigo Octave, que le dice a André que Christine, la noble austro-francesa a la que André ama, no ha ido a recibirlo. André está descorazonado. Cuando un reportero de radio viene a transmitir las primeras palabras de André al aterrizar, le explica su dolor y denuncia a Christine. Ella está escuchando la transmisión en su apartamento de París, acompañada por su doncella, Lisette. Christine lleva tres años casada con Robert, marqués de la Chesnaye. Lisette lleva dos años casada con Schumacher, el guardabosques de la finca de Robert, La Colinière en Sologne , pero está más dedicada a Christine que a su marido. La relación pasada de Christine con André es conocida abiertamente por su marido, su doncella y su amigo Octave. Después de que Christine y Robert discutan en tono de broma sobre la manifestación emocional de André y se prometan devoción mutua, Robert se disculpa para hacer una llamada telefónica y queda con su amante Geneviève para la mañana siguiente.
En el apartamento de Geneviève, Robert dice que debe terminar su relación, pero la invita a unirse a ellos para un retiro de fin de semana en La Colinière. Christine también invita a su sobrina, Jackie. Más tarde, Octave induce a Robert a invitar a André a la finca también. Bromean que André y Geneviève comenzarán una relación, solucionando así los problemas de todos. En la finca, Schumacher está vigilando los terrenos e intentando eliminar a los conejos. Marceau, un cazador furtivo, se cuela en la finca para recuperar un conejo atrapado en una trampa. Antes de que Marceau pueda escapar, Schumacher lo atrapa y comienza a escoltarlo fuera de la propiedad cuando Robert exige saber qué está sucediendo. Marceau explica que puede atrapar conejos y Robert lo contrata como sirviente. Una vez dentro de la casa, Marceau coquetea con Lisette. Los invitados reunidos se lanzan a una cacería liderada por Schumacher, quien resiente a Marceau. De regreso al castillo de La Colinière, Robert le dice a Geneviève que ya no la ama. Geneviève quiere hacer las maletas y marcharse, pero Christine la convence de que se quede.
En un baile de máscaras, se producen varias relaciones románticas. André y Christine se declaran su amor y planean huir juntos. Marceau persigue a Lisette y Schumacher, celoso, se enfada. Robert y André discuten por Christine. En el invernadero, Octave declara que él también ama a Christine (que ahora tiene dudas sobre André) y deciden huir juntos. Schumacher y Marceau, que han sido expulsados de la finca por Robert después de una pelea por Lisette, observan a Octave y Christine en el invernadero. Como en Las bodas de Fígaro de Beaumarchais, la base literaria de la ópera de Mozart, confunden a Christine con Lisette porque Christine lleva la capa y la capucha de Lisette. Octave regresa a la casa para buscar su abrigo y su sombrero, donde Lisette le ruega que no se vaya con Christine.
Octave rompe su promesa a Christine y se encuentra con André, quien lo envía al invernadero para que lo cuide y le presta su abrigo. Cuando André llega al invernadero con el abrigo de Octave, Schumacher lo confunde con Octave, a quien cree que intenta huir con su esposa Lisette, y lo mata de un disparo.
En los momentos finales de la película, Octave y Marceau se alejan en la noche mientras Robert trae a Schumacher de regreso a la casa y le explica que informará el asesinato a las autoridades como nada más que un desafortunado accidente.
Créditos adaptados del British Film Institute . [10]
En 1938, la industria cinematográfica francesa estaba en auge y Renoir estaba en la cima de su carrera. Había tenido tres películas exitosas consecutivas y La grande illusion había ganado premios de la Crítica de Cine de Nueva York , [11] el National Board of Review y el Festival de Cine de Venecia . [12] El éxito financiero de La Bête Humaine facilitó a Renoir asegurar el respaldo financiero suficiente para formar su propia compañía de producción. [13] En 1938 fundó la Nouvelle Édition Française (NEF) con su hermano Pierre Renoir , junto con André Zwoboda, Oliver Billiou y Camille François. Los cinco invirtieron 10.000 francos en la compañía y tenían la intención de producir dos películas por año. [14] La compañía se inspiró en la productora cinematográfica estadounidense United Artists , [15] que se formó en 1919 como una compañía de distribución de películas para artistas independientes por Charlie Chaplin , Douglas Fairbanks , DW Griffith y Mary Pickford . Renoir reunió a sus amigos en la industria cinematográfica en torno a la compañía y obtuvo apoyo financiero de René Clair , Julien Duvivier , Jean Gabin y Simone Simon . La sede de NEF en la Rue la Grange-Batelière fue subarrendada a la productora de Marcel Pagnol . El 8 de diciembre de 1938, Georges Cravenne publicó un comunicado de prensa en Paris-Soir anunciando que Renoir y Pagnol estaban a punto de firmar un acuerdo para adquirir un gran teatro donde proyectarían públicamente "las películas que dirigirían a partir de entonces". Las reglas del juego fue la única película producida por la compañía. [16]
En mayo de 1938, Renoir completó el drama histórico La Marsellesa y quería hacer una comedia. [17] Estaba ansioso por el acuerdo de Múnich y la fuerte posibilidad de otra guerra mundial, y quería filmar un "sueño feliz" para dominar su pesimismo. [18] Escribió una sinopsis para una película titulada Les Millions d'Arlequin , que tenía personajes similares a los de Las reglas del juego . [17] Al concebir la película, Renoir se inspiró en el arte clásico francés, como las obras de Pierre de Marivaux , Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais y especialmente la obra de Alfred de Musset Les Caprices de Marianne , [19] que Renoir inicialmente tenía la intención de adaptar; NEF anunció por primera vez la película como una adaptación de la misma. [20] Renoir dijo más tarde que nunca tuvo la intención de adaptar directamente Les Caprices de Marianne, sino solo volver a leerla y otros clásicos de la literatura francesa en busca de inspiración. [21]
En enero de 1939, tras regresar de una conferencia en Londres, Renoir abandonó París para trabajar en un guion. Le dijo a un periodista que su próxima película sería «una descripción precisa de la burguesía de nuestra época». [22] Renoir, Carl Koch y Zwoboda fueron a Marlotte para trabajar en el guion. Como Renoir quería permitir que los actores improvisaran sus diálogos, solo un tercio de la película estaba escrito en un guion y el resto era un esquema detallado. Renoir dijo más tarde que su «ambición cuando hice la película era ilustrar esta observación: estamos bailando sobre un volcán». [13] Renoir calificó la película de « divertissement » por su uso de música barroca y aspectos de las comedias clásicas francesas. [23] La inspiración inicial de Renoir en Les Caprices de Marianne llevó a que los cuatro personajes principales de la película se correlacionaran con los de la obra: una esposa virtuosa, un marido celoso, un amante desesperado y un amigo intercesor. Tanto en la obra como en la película, el amigo intercesor se llama Octave. [24] Octave es también el único de los cuatro personajes inspirados en la obra que comparte rasgos con su contraparte. En ambas obras, Octave es un "payaso triste" lleno de dudas y autocompasión. [25] Los nombres de los personajes cambiaban constantemente entre versiones del guion; [26] Renoir dijo que en un primer borrador, André Jurieux era un director de orquesta en lugar de un aviador. [21]
Renoir originalmente quería a todo el elenco de La bête humaine , incluidos Fernand Ledoux , Simone Simon, Jean Gabin y Julien Carette, para la película. [27] A Gabin se le ofreció el papel de André, pero lo rechazó y aceptó un papel en Le jour se lève de Marcel Carné . Fue reemplazado por Roland Toutain. A Simon se le ofreció el papel de Christine, pero quería 800.000 francos, que era un tercio del presupuesto total de la película. La solicitud de salario de Simon fue vetada por el administrador de la NEF, Camille François. A Ledoux se le ofreció el papel de Schumacher. Estaba casado con Simon en ese momento; se negó cuando su solicitud de salario fue denegada y en su lugar aceptó un papel en Volpone de Maurice Tourneur . Fue reemplazado por Gaston Modot. [28] A Claude Dauphin se le ofreció el papel del marqués de la Chesnaye; Renoir lo rechazó y en su lugar actuó con Simon en Cavalcade d'amour de Raymond Bernard . [26] Luego, Renoir eligió a Marcel Dalio para el papel del marqués. Años más tarde, Dalio le preguntó a Renoir por qué lo habían elegido después de haber interpretado papeles típicamente burlescos o traidores. Renoir le dijo a Dalio que él era lo opuesto al cliché de lo que era un marqués y que Dalio era el único actor que conocía que podía representar la inseguridad del personaje. [28] El hermano de Renoir, Pierre , fue elegido para el papel de Octave, y Carette fue elegido para el papel de Marceau. [27]
François sugirió a la recién famosa actriz teatral Michele Alfa para el papel de Christine, y Renoir fue con su esposa de hecho Marguerite y Zwoboda a verla actuar en una obra. [27] Mientras estaba en la obra, Renoir notó a Nora Gregor en un palco entre el público y preguntó por ella durante el intermedio. Se enteró de que Gregor era la esposa del príncipe Ernst Rüdiger von Starhemberg , un noble austríaco. Renoir se hizo amigo de Gregor y su esposo, y los conoció en varias cenas en París. [29] Starhemberg se vio obligado a renunciar a su papel de líder en la Heimwehr , un partido fascista paramilitar, porque Gregor era judío y antifascista. Cuando Alemania anexó Austria en marzo de 1938, Gregor y Starhemberg huyeron a Francia. Renoir dijo que estaban "en un estado de gran confusión. Todo en lo que creían se estaba derrumbando". [30] Gregor era una actriz del Burgtheater vienés y había aparecido en algunas películas, incluida Michael de Carl Theodor Dreyer . [26] El primer marido de Gregor había sido el pianista de concierto Mitja Nikisch , hijo del reconocido director Arthur Nikisch de la Ópera de Leipzig y según el teórico del cine Charles Drazin, una posible inspiración para algunas características de Octave. [31]
A pesar de las objeciones de sus colegas de la NEF, Renoir contrató a Gregor para el papel de Christine. [32] Ella era mayor que el personaje original, y él hizo cambios en el personaje basándose en la personalidad de Gregor y en sus conversaciones durante la cena, como hacer que Christine fuera la hija de un director de orquesta austríaco. [33] Muchos de los amigos de Renoir creyeron que se enamoró de Gregor poco después de elegirla. Zwoboda dijo que Gregor tenía "lo que Renoir amaba por encima de todo: una clase incontestable, un estilo, los gestos y el porte de una gran distinción". Renoir dijo que eligió a Gregor por su acento austríaco, que creía que crearía "una pequeña barrera ... entre ella y su entorno" y por su apariencia, que consideraba "de pájaro" y "sincera". [34]
Renoir terminó de elegir los papeles restantes a finales de enero de 1939. [32] Cuando se le preguntó quién era el personaje principal de la película, Renoir respondió: "¡No hay ninguno! Mi concepción al principio -y al final- era hacer una película de conjunto , una película que representara a una sociedad, a un grupo de personas, casi a una clase entera, y no una película de asuntos personales". [35]
El rodaje de las escenas exteriores ambientadas en el campo comenzó el 15 de febrero de 1939, en Sologne y en el exterior del castillo de la Ferté-Saint-Aubin . [36] Renoir dijo más tarde que eligió Sologne porque su padre Pierre-Auguste Renoir "lamentaba no haber podido pintarla nunca". Qué bien comprendo la sinceridad de esos arrepentimientos ante estos hermosos paisajes de Sologne, de colores asombrosos, de una gracia tan melancólica pero tan suave". [13] Renoir dijo que la niebla de Sologne "me devolvió a los días felices de mi infancia". [37]
El reparto y el equipo llegaron a Sologne entre el 6 y el 15 de febrero. [38] [39] El hijo de Renoir, Alain, trabajó como asistente del operador de cámara y Dido Freire trabajó como guionista. [33] Los asistentes de Renoir en la película fueron Koch, Zwoboda y Henri Cartier-Bresson . Tony Corteggiani fue contratado como asesor técnico para la secuencia de caza del conejo. [39] El reparto y el equipo se alojaron en el Hotel Rat en Lamotte-Beuvron . [39] Las fuertes lluvias impidieron el inicio del rodaje en Sologne durante varias semanas y Renoir reescribió partes del guion para adaptarse a la lluvia. [33] [40] Mientras terminaba el guion, toda la compañía jugaba a las cartas y se unía; lo describieron como un momento feliz en sus vidas justo antes de que comenzaran los horrores de la Segunda Guerra Mundial . [39] Paulette Dubost dijo que rodar la película fue muy divertido. [41]
Los retrasos hicieron que Pierre Renoir se retirara de la película debido a compromisos previos con obras de teatro en París. [32] Renoir luego le pidió a Michel Simon que interpretara a Octave, pero Simon estaba ocupado con otros proyectos. [33] Renoir finalmente se eligió a sí mismo, y luego dijo que "estaba esperando el momento en que Pierre dijera '¿Por qué no interpretas el papel tú mismo, Jean?' No tuvo que pedírmelo dos veces". [42] Añadió que después de haber ganado experiencia y confianza como director, su "sueño más obstinado ha sido ser actor". [43] Renoir reescribió el papel de Octave para que se adaptara mejor a él, ya que él y Pierre eran física y personalmente muy diferentes. [44]
Para recaudar fondos adicionales para la producción que se estaba agotando, Zwoboda había utilizado el éxito de La Bête Humaine para vender derechos de exhibición anticipada en grandes salas a Jean Jay, el director de la Gaumont Film Company . [13] Cuando finalmente comenzó el rodaje en Sologne, el progreso fue lento debido a las constantes improvisaciones de los actores, que Renoir alentó, y las luchas de Gregor con su papel. Jay visitó el set y no estaba contento con el lento progreso y con la actuación de Renoir. [44] Sin embargo, el elenco y el equipo admiraron a Renoir y disfrutaron de la atmósfera despreocupada en el set, olvidándose de la inminente situación política. [40] [45] [46] Las improvisaciones del elenco causaron algunos cambios con respecto al guion original. Christine fue escrita inicialmente como una burguesa aburrida de clase alta cuya principal preocupación era planificar fiestas, pero Renoir modificó esto para acomodar la actuación de Gregor. Renoir también eliminó la mayoría de las referencias al padre director de orquesta de Christine, Stiller, como su relación con el marqués. El Marqués fue escrito inicialmente como un mecenas de las artes y la música en lugar de un coleccionista de cajas de música. [47]
Los periodistas visitaban a menudo el plató y escribían de forma positiva sobre la producción. [40] La película se rodó casi cronológicamente en Sologne y de nuevo en Joinville , Val-de-Marne , que Renoir consideró importante para las actuaciones de los actores. [48] Renoir dijo que no necesitaba dirigir mucho, ya que los actores estaban muy involucrados en sus papeles. [49] Cuando se dirigía a sí mismo, Renoir organizaba primero los movimientos de los intérpretes y luego actuaba en las escenas. [49] Jay presionó a Renoir para que terminara de rodar en Sologne y trasladara la producción a decorados erigidos en los estudios Pathé en Joinville. Renoir finalmente aceptó y dejó a Zwoboda, Corteggiani y Cartier-Bresson en Sologne para rodar metraje B-roll de la secuencia de caza del conejo. [13] Cientos de animales fueron asesinados durante el rodaje y se utilizó a la gente local como sustitutos de los actores. [50] [51]
El rodaje en los sets de Joinville continuó a un ritmo lento. Renoir solía filmar entre quince y veinte tomas de escenas individuales y cambiaba los diálogos en el set, lo que hacía que las tomas anteriores fueran inútiles. [52] El historiador de cine Joel Finler dijo que la película " evolucionó verdaderamente " durante su realización, ya que Renoir trabajó en escribir y reescribir el guion, equilibrando y reequilibrando los personajes y las relaciones, las tramas y las subtramas". [53] Cartier-Bresson dijo que la improvisación durante el rodaje era como una sesión de improvisación; tanto los miembros del elenco como del equipo eran alentados a sugerir ideas y el diálogo a menudo cambiaba en la mañana del rodaje. [51]
El 16 de marzo de 1939, Alemania invadió Checoslovaquia , rompiendo el Acuerdo de Múnich, [54] lo que provocó que el ejército francés comenzara a movilizarse en previsión de una guerra inminente. Poco después, varios de los electricistas y técnicos de la película se marcharon para unirse al ejército. [55] El escenógrafo Eugène Lourié se fue porque era judío y comunista, y Max Douy asumió el cargo de escenógrafo de la película. [56]
Durante el rodaje, Renoir se sintió decepcionado por la actuación de Gregor. Comenzó a cortar sus escenas [57] y a añadir nuevas escenas para Paulette Dubost y Mila Parély. [58] El historiador de cine Gerald Mast encontró que la actuación de Gregor era "tan inquietante y fascinante como una jirafa de plástico". [59] Durante la producción, Jay le dijo a Renoir que odiaba su actuación como Octave. Renoir se ofreció a reemplazarse por Michel Simon, pero Jay se negó porque dos tercios de la película ya se habían filmado. Jay le pidió a Renoir que eliminara las escenas de Octave, que aún no se habían filmado. Renoir se negó, [58] y durante el rodaje agregó nuevas escenas para Octave. [60] El rodaje en Joinville finalmente terminó en mayo de 1939; [18] la película estaba sobre el cronograma y el estudio de sonido alquilado era necesario para otras películas. [40] Renoir originalmente quería estrenar la película en junio porque la posible guerra haría imposible un estreno después del verano. [40]
Renoir continuó filmando escenas adicionales con algunos de los actores. La escena de apertura en el aeródromo se filmó a mediados de junio en el aeropuerto de Bourget en medio de la noche con todos los extras que pudieron encontrar. [40] Renoir casi se quedó sin dinero cuando filmó la escena del accidente automovilístico, que se filmó muy rápidamente con Alain Renoir como operador de cámara. [40] [45] A Renoir nunca le gustó la escena e inicialmente la eliminó. [40] La fotografía principal se retrasó nueve semanas y media cuando finalmente terminó en junio. [38]
A pesar de haber comenzado el rodaje enamorado de Gregor, el enamoramiento de Renoir no fue correspondido. Durante la producción de la película, terminó su relación con Marguerite y comenzó otra con la guionista Dido Freire, a quien conocía desde hacía 12 años y era la niñera de Alain Renoir. [61] Finalmente, Dido se casó con Renoir. [62]
Renoir editó la película mientras rodaba; [40] su primer corte tenía una duración de tres horas. [60] Él y la montadora Marguerite completaron un corte final de 113 minutos de la película en julio de 1939. Jay lo odió y exigió que Renoir hiciera cortes, incluida la eliminación de toda la actuación de Renoir como Octave. Renoir se negó a omitir por completo a Octave, pero aceptó eliminar 13 minutos de la película. [63]
Las reglas del juego fue la película más cara producida en Francia en el momento de su estreno. [64] Su presupuesto original había sido de 2,5 millones de francos (lo que ya la convertía en la película francesa más cara de ese año) y se incrementó en otros 2 millones de francos, con lo que el coste total fue de más de 5 millones de francos. [65]
La película tuvo una elaborada campaña publicitaria que comenzó una semana antes de su estreno, en previsión de que se convirtiera en otro éxito cinematográfico de Renoir. Esta campaña incluyó un crucigrama promocional publicado tres días antes de la noche de estreno de la película; el premio por resolver el crucigrama eran entradas gratis. [64]
El 28 de junio de 1939 se realizó la primera proyección preliminar de la versión de 113 minutos de Las reglas del juego, que recibió una mala respuesta del público. El 29 de junio, la película se proyectó para el ministro de Educación Nacional y Bellas Artes, Jean Zay , y para el jurado del Premio anual Louis Delluc a la mejor película francesa. Cuando se anunciaron los premios diez días después, Le Quai des brumes , de Marcel Carne, ganó el primer premio y Las reglas del juego no quedó en segundo lugar. [64] Debido al éxito y la popularidad de las películas anteriores de Renoir, Las reglas del juego era muy esperada y Zay esperaba otorgarle el premio. [40] Renoir dijo más tarde que pensaba que la película sería un éxito comercial. [66]
La regla del juego se estrenó el viernes 7 de julio de 1939 en el Teatro Colisée de París con sala llena y más tarde en el Palacio Aubert también en París. [40] Se mostró en un programa doble con un documental patriótico sobre la historia francesa. El público en la proyección estuvo compuesto por miembros de las organizaciones de derecha, que abuchearon después de un rato de la proyección; [67] Paulette Dubost dijo que la gente en la proyección se peleó y una persona intentó prender fuego al teatro. [41] [58] Renoir dijo que "retrató personajes agradables y simpáticos, pero los mostró en una sociedad en proceso de desintegración, de modo que fueron derrotados desde el principio ... el público reconoció esto. La verdad es que se reconocieron a sí mismos. Las personas que se suicidan no se preocupan de hacerlo delante de testigos". [58]
En Francia, la asistencia al cine era típicamente baja en julio; [40] La regla del juego terminó su exhibición en el Teatro Colisée después de tres semanas debido a la baja asistencia. [68] Más tarde se mostró en el Aubert-Palace en París. [38] [60] Renoir dijo sobre la asistencia: "Me quedé completamente estupefacto cuando se hizo evidente que la película, que quería que fuera agradable, irritó a la mayoría de la gente". [67] Renoir inicialmente quería proyectar la película en la Feria Mundial de 1939 en la ciudad de Nueva York, pero esta idea fue abandonada después del desastroso estreno en Francia. [69]
Claude Gauteur examinó las críticas de Las reglas del juego publicadas en París y dijo que 12 eran "absolutamente desfavorables", 13 eran "favorables con reservas" y 10 eran "favorables". [70] Muchas críticas criticaron la película por ser "antipatriótica, frívola e incomprensible". [59] Una crítica mixta provino de Nino Frank de Pour Vous , quien la llamó "una obra copiosa, incluso demasiado, muy compleja y profundamente inteligente de un extremo a otro". [69] Le Figaro la llamó un "espectáculo extraño" que era "una larga sucesión de errores... una fantasía torpe con diálogos confusos". [71] En la edición de 1943 de Histoire du cinéma , Robert Brasillach escribió que Las reglas del juego estaba entre las películas más "desordenadas" y "confusas" de Renoir, pero aplaudió la sátira mordaz, que consideró " proustiana ". Brasillach también elogió la variación técnica empleada por el director y dijo que la película era una obra maestra no realizada. [72] En los Estados Unidos, una crítica negativa de Variety dijo que Renoir "intenta meter demasiadas ideas en 80 minutos de película, lo que resulta en confusión". [73] Según François Truffaut , la película fue muy desconcertante para el público de la época debido a su atmósfera peculiar, lo que explica su fracaso comercial. [74]
Aunque la película recibió críticas mayoritariamente desfavorables, la mayoría de los críticos elogiaron la actuación, incluida la de Renoir, y solo la prensa de extrema derecha criticó la actuación de Marcel Dalio. [40] En julio de 1939, un periódico francés de derecha criticó la película por retratar al marqués judío casado con la austriaca Christine. [75] La Union Sacrée, un grupo fascista clerical francés, organizó manifestaciones dondequiera que se proyectara la película. [76] Renoir era un conocido pacifista y partidario del Partido Comunista , lo que lo hizo impopular en las tensas semanas antes de que comenzara la Segunda Guerra Mundial. [67] Años después, Renoir dijo que "no había cuestión de artificio; mis enemigos no tuvieron nada que ver con su fracaso. En cada sesión a la que asistí pude sentir la desaprobación unánime de la audiencia". [67]
En las semanas posteriores al estreno, Renoir redujo la duración de la película de sus 113 minutos originales a 100 minutos, luego a 90 minutos y finalmente a 85 minutos. [58] Le dijo a Margurite Renoir y Zwoboda que cortaran las escenas que el público había encontrado más perturbadoras. [70] Renoir dijo que cortó principalmente sus propias escenas o diálogos "como si estuviera avergonzado, después de este desaire, de mostrarme en la pantalla". [67] Más tarde defendió su propia actuación como incómoda, como debería haber sido Octave. [77] La reducción de la duración eliminó la complejidad de Octave y cambió por completo los motivos del personaje al final de la película. En la versión de 85 minutos, Octave no tiene la intención de huir con Christine y simplemente le presta a André su abrigo para abrigarse antes de enviarlo al invernadero. [78] La omisión de este elemento en la trama resultó en la idea errónea de que la película tiene un final alternativo; Roger Manvell fue el primero en informar sobre esto después de verla en su estreno en Londres en 1946. [79] En un momento, Jean Jay le dijo a Renoir que restaurara la película a la versión de 100 minutos "para evitar un desastre comercial", pero ninguna de las versiones más cortas mejoró su recepción o cifras de asistencia. [70] Cuando se le preguntó sobre la mala recepción de la película entre los miembros de la audiencia, Renoir dijo: "Pensé que era amable con ellos, y ellos pensaron que me estaba riendo de ellos". [76]
En octubre de 1939, Las reglas del juego fue prohibida oficialmente en Francia por ser "deprimente, morbosa, inmoral [y] tener una influencia indeseable sobre los jóvenes". Otras películas que fueron prohibidas de manera similar incluyeron Le Quai des brumes y Le Jour Se Lève de Marcel Carné . [1] El Ministerio de Asuntos Exteriores declaró que "estamos especialmente ansiosos por evitar representaciones de nuestro país, nuestras tradiciones y nuestra raza que cambien su carácter, mientan sobre él y lo deformen a través del prisma de un individuo artístico que a menudo es original pero no siempre sólido". [80] Las bodas de Fígaro , una de las inspiraciones para la película, había sido prohibida por razones similares. [81] Después del final de la Segunda Guerra Mundial, la versión de 85 minutos de la película se relanzó en París el 26 de septiembre de 1945 y fue prohibida nuevamente. [82]
Renoir dijo que de todas sus películas, La regla del juego fue el mayor fracaso en el momento de su estreno. [83] También dijo que su fracaso "me deprimió tanto que decidí abandonar el cine o irme de Francia". [84] Durante el rodaje, a Renoir se le ofreció la oportunidad de filmar una adaptación de Tosca por parte de productores italianos; aceptó el trato el 14 de julio de 1939 y lo vio como una oportunidad para salir de Francia. [85] Renoir y Carl Koch viajaron a Roma el 10 de agosto para la preproducción, pero tuvieron que irse el 23 de agosto después de que el pacto germano-soviético hiciera que su ciudadanía francesa fuera un problema. Koch dirigió la película en su lugar y Renoir emigró a Hollywood. [86]
En 1942, durante uno de los bombardeos aliados de Boulogne-sur-Seine , el GM Film Lab, que albergaba el negativo original de Las reglas del juego , fue destruido. [87] En 1946, se encontró una copia de la versión de 85 minutos en una caja, y se hizo una nueva copia a partir de ella. Esta versión se proyectó ocasionalmente en clubes de cine, cinematecas y festivales de cine, y su reputación comenzó a crecer lentamente. Finalmente se estrenó en la ciudad de Nueva York en abril de 1950, pero no tuvo éxito crítico. [88] Una reseña en The New York Times la llamó "una para los buitres" [59] y afirmó que "el maestro ha asestado a sus admiradores un puñetazo inútil y contundente debajo del cinturón". [89] En 1952, la versión de 85 minutos se incluyó en la lista inaugural de Sight & Sound de las 10 mejores películas jamás realizadas. [2]
En 1956, los entusiastas del cine Jean Gaborit y Jacques Maréchal fundaron la Société des Grands Films Classiques, una empresa de restauración de películas centrada en películas olvidadas. La regla del juego fue una de las primeras restauraciones de la empresa; Gaborit y Maréchal convencieron a Camille François para que les vendiera los derechos de la película. Con la ayuda de François, descubrieron registros que condujeron a 224 cajas que se habían encontrado en el sitio bombardeado del GM Film Lab. Estas cajas incluían copias negativas, copias duplicadas y mezclas de sonido de la película. [88] Con la ayuda y el asesoramiento de Renoir y Jacques Durand, Gaborit y Maréchal restauraron la mayor parte del metraje cortado de la versión original de Renoir y ensamblaron una versión de 106 minutos de la película. [89]
A mediados de 1959, Renoir vio la versión reconstruida de la película por primera vez y salió del cine llorando. [40] Dijo que "solo falta una escena en esta reconstrucción, una escena que no es muy importante. Es una escena conmigo y Roland Toutain que trata sobre el interés sexual de las criadas". [90] La versión restaurada se estrenó en el Festival de Cine de Venecia de 1959 , donde fue calificada de obra maestra. [38] Claude Chabrol , Alain Resnais y Louis Malle estuvieron presentes y llamaron públicamente a Renoir su maestro mientras elogiaban la versión reconstruida de la película. [91] En 1961, Howard Thompson de The New York Times declaró que la película "justificó completamente su reputación europea... [es] una experiencia memorable". [92] Archer Winsten del New York Post elogió la película por "mostrar la corrupción de la sociedad francesa de arriba a abajo" y una reseña del New York Herald Tribune la llamó "una sátira sobre la sociedad francesa... una crítica aguda de las pretensiones sociales". [93] La versión reconstruida de la película se exhibió en Francia el 23 de abril de 1965. [58] Ganó el Premio Bodil de 1966 a la Mejor Película No Estadounidense /Mejor Película Europea (Bedste europæiske film) en Dinamarca. [94]
"Todos estamos 'mistificados', es decir, engañados, embaucados, tratados como si no tuviéramos importancia. Yo tuve la suerte de que me enseñaran a ver las trampas en mi juventud. En La regla del juego transmití al público lo que sabía. Pero esto es algo que a la gente no le gusta; la verdad les hace sentir incómodos."
— Jean Renoir, de su autobiografía [95]
Las reglas del juego es recordada como un comentario sobre la insensibilidad moral de la clase alta europea y sus sirvientes justo antes de la Segunda Guerra Mundial. [96] Mientras hacía la película, Renoir sabía que se avecinaba una nueva guerra mundial; más tarde dijo que había una sensación de ello en la película, [52] y escribió "es una película de guerra y, sin embargo, no hay ninguna referencia a la guerra". [97] Esta sensación de fatalidad comenzó justo antes de que comenzara el rodaje en enero, cuando Barcelona cayó ante Franco , y durante toda la producción cuando el primer ministro de Francia, Édouard Daladier, reconoció a la España franquista , Italia anexó Albania y Adolf Hitler preparó su Invasión de Polonia . [98] Renoir articuló este tema no mencionado de la película diciendo:
Lo interesante de esta película es, quizá, el momento en que se hizo. Se rodó entre Múnich y la guerra, y la rodé absolutamente impresionado, absolutamente perturbado por el estado de ánimo de una parte de la sociedad francesa, de una parte de la sociedad inglesa, de una parte de la sociedad mundial. Y me pareció que una manera de interpretar ese estado de ánimo, de cara al mundo, no era hablar de esa situación, sino contar una historia frívola. Busqué inspiración en Beaumarchais, en Marivaux, en los autores clásicos de la comedia. [99]
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Renoir quería retratar a las personas como realmente eran en ese momento de la historia; dijo que Las reglas del juego era "un documental reconstruido, un documental sobre la condición de una sociedad en un momento dado". [100] Creía que esta representación era la razón detrás del desastroso estreno de la película, diciendo que "la reacción del público se debió a mi franqueza". [101] Las bodas de Fígaro , una inspiración para la película, también había sido considerada controvertida por su ataque al sistema de clases. [102] Las reglas del juego siguió siendo controvertida entre el público francés poco después de la Segunda Guerra Mundial, cuando fue prohibida una vez más. El biógrafo de Renoir, Ronald Bergan, dijo que la película tocó una fibra sensible en el público al retratar a "personas que podrían haber tenido una influencia en la configuración del mundo, [pero] no hicieron nada para evitar un avance del fascismo; algunos de los cuales, de hecho, lo acogieron con agrado". [103]
La escena de la caza del conejo se compara a menudo con la muerte sin sentido que se produce durante la guerra; Renoir dijo que quería mostrar a cierta clase de personas matando sin motivo. El propio Renoir nunca había matado a un animal y calificó la caza como "un ejercicio abominable de crueldad". [45] [104] Bergan vio la analogía con los acontecimientos mundiales y escribió "en la gran escena de la caza, la crueldad insensible de los invitados queda al descubierto mientras disparan a cualquier conejo y pájaro que se mueva después de que los batidores hayan llevado la presa al matadero". [96]
La línea de diálogo más citada de la película, dicha por Octave, es: "Verás, en este mundo hay una cosa terrible, y es que cada uno tiene sus razones". [105] El sentimiento de humanismo objetivo de Renoir por los personajes de la película se articula en la observación de Octave y muestra su empatía por las personas a las que criticaba simultáneamente. Richard Roud elogió el papel de Renoir en la película, observando que la honestidad de Renoir lo obligó a incluir su propio papel en su crítica social: "no quería quedarse fuera. Y Renoir/Octave sirve como el estándar contra el cual se puede medir la realidad y la ficción". [67] En su esquema original para la película, Renoir dijo que pretendía que todos los personajes fueran sinceros y que la película no tendría villanos. [106]
Renoir dijo que André era "la víctima que, tratando de encajar en un mundo al que no pertenece, no respeta las reglas del juego", [104] y que André pensó que podía romper las reglas con una huida por el mundo, mientras que Christine pensó que podía hacer lo mismo siguiendo su corazón. [107] Las "reglas" del título de la película son su único villano. Renoir dijo que "el mundo está formado por camarillas... Cada una de estas camarillas tiene sus costumbres, sus costumbres, de hecho, su propio lenguaje. Para decirlo simplemente, cada una tiene sus reglas, y estas reglas determinan el juego". [107] Renoir dijo que toda actividad humana está "sujeta a protocolos sociales que son menos evidentes que, pero tan estrictos como, los practicados por Luis XIV ". [106] El hijo de Renoir, Alain, dijo que la película sigue siendo relevante y popular porque muestra la alegría artificial de la era moderna en contraste con las reglas de esa (o cualquier) era. [45]
El rodaje de La bestia humana de Émile Zola inspiró a Renoir a «hacer un corte, y quizás alejarse del naturalismo por completo, para intentar acercarse a un género más clásico, más poético». [20] Durante el rodaje, Renoir comenzó a escuchar música barroca de Louis Couperin , Jean-Philippe Rameau , Jean-Baptiste Lully y André Grétry . Más tarde dijo: «Poco a poco, mi idea fue tomando forma y el tema se hizo más simple. Seguí viviendo de ritmos barrocos y, después de unos días más, el tema se hizo cada vez más preciso». También dijo que comenzó a imaginar a Simone Simon «moviéndose al ritmo de la música». Esta preocupación por la música barroca durante el rodaje llevó a la idea original de Renoir de adaptar Los caprichos de Marianne en una película. [108]
Las reglas del juego es conocida por su uso temprano y elaborado de la cinematografía de foco profundo . Renoir dijo que él y su director de fotografía Jean Bachelet "ordenaron algunos lentes especiales, lentes muy rápidos , pero que aún nos daban una profundidad considerable, de modo que pudiéramos mantener nuestros fondos enfocados casi todo el tiempo". [96] Esta profundidad de campo en sus tomas le permitió a Renoir filmar en habitaciones grandes y pasillos largos en las secuencias del castillo, y los personajes podían moverse libremente entre el fondo y el primer plano. [109] Aproximadamente la mitad de las tomas de la película tienen movimientos de cámara. En muchas tomas, la cámara se mueve, se detiene en el lugar, cambia de dirección y gira alrededor de los sujetos. El crítico de cine David Thomson dijo que "uno tiene la impresión de una cámara que siempre está en movimiento para cubrir todo lo que puede. Uno no nota los cortes, uno se deleita en una continuidad que a menudo está al borde del caos y finalmente conduce a la tragedia en la intrusión de la subtrama en la trama, de lo teatral en lo real y del desastre en los equilibrios". [53]
Renoir utilizó pocos primeros planos o tomas inversas y la mayoría de las tomas son de dos tomas . La escena de la caza difiere del resto de la película; utiliza una edición rápida, mientras que la mayor parte de la película utiliza tomas largas de diálogo o acción. [109] Renoir quería rodar la película en color para aprovechar la belleza de Sologne en invierno, pero no pudo conseguir financiación de Jean Jay. Una semana antes de que comenzara el rodaje, Renoir intentó persuadir a Technicolor para que financiara la cinematografía en color, pero la compañía se negó. [54] [44]
El sonido de la película era complejo para su época; incluía diálogos hablados sobre ruidos ambientales como multitudes en el aeropuerto y disparos durante la cacería. El director de la película, Jean Prat, dijo que la banda sonora de la película era "de una perfección nunca igualada por ninguna película francesa". Los personajes a menudo hablan a la vez o hablan sobre las líneas de los demás. Un ejemplo de la densa banda sonora es la escena de la fiesta, que incluye diálogos sobre gritos, disparos y música. A excepción de los créditos iniciales y el final de la película, toda la música que se escucha en la película es incidental . El ingeniero de sonido fue Joseph de Bretagne. [110] La música utilizada en la película incluye Las tres danzas alemanas de Mozart , Le déserteur de Monsigny , En revenant de la revue de Louis Byrec, Léon Garnier y Eugène Rimbault , Die Fledermaus de Strauss , Danse macabre de Saint-Saëns , Minute Waltz de Chopin y À Barbizon de Scotto . La música fue arreglada por Joseph Kosma y Roger Désormière . [109]
Los escenógrafos de la película, Eugène Lourié y Max Douy, construyeron uno de los decorados más caros de la historia del cine francés en el Estudio Joinville. [13] Según Douy, se basaron en el guion y no eran reproducciones del interior del castillo de la Ferté-Saint-Aubin, donde se rodaron escenas exteriores. Las cajas de música utilizadas en la película se tomaron prestadas de varias fuentes y algunas se encuentran ahora en un museo en Neuilly-sur-Seine . [56] Renoir pensó que la escena del órgano musical y la actuación de Dalio en ella era la mejor escena que había filmado nunca. Filmó la escena varias veces antes de estar satisfecho con ella. [49] El vestuario de la película fue diseñado por Coco Chanel . [111]
Desde su restauración, La regla del juego ha llegado a ser considerada por muchos críticos y directores de cine como una de las mejores películas de todos los tiempos . [112] [113] En Rotten Tomatoes , la película tiene una calificación del 97% basada en 59 reseñas, con una calificación promedio de 9.50/10. El consenso del sitio web dice: "Su genialidad escapó a muchos espectadores en ese momento, pero en retrospectiva, La regla del juego se mantiene como una de las mejores obras de Jean Renoir y del cine". [114] La encuesta decenal de críticos internacionales realizada por la revista Sight & Sound la clasificó en el puesto número 10 en 1952, [2] la elevó al número 3 en 1962, [3] y al número 2 en 1972, [4] 1982 [5] y 1992. [6] En 2002 cayó al número 3 detrás de Ciudadano Kane y Vértigo . [7] En 2012, cayó al puesto número 4, detrás de Vértigo , Ciudadano Kane y Tokyo Story . [8] Es la única película que ha sido incluida en todas las listas de las diez mejores desde 1952. La revista Empire la ubicó en el puesto número 13 en su lista de "Las 100 mejores películas del cine mundial" en 2010. [115] En la lista de 2008 de Le Figaro de las mejores películas de la historia, empató en segundo lugar con La noche del cazador , detrás de Ciudadano Kane . [116] En 2018, la película ocupó el quinto lugar en la lista de la BBC de las 100 mejores películas en lengua extranjera, según la votación de 209 críticos de cine de 43 países. [117]
Entre los críticos y directores que la han incluido en sus listas de Sight & Sound se incluyen Richard Peña , Michel Ciment , David Denby , Lawrence Kasdan , Steve McQueen y Paul Schrader . [10] Schrader dijo que la película "lo tiene todo... [representa] todo lo que el cine puede ser". [118] Martin Scorsese la incluyó en una lista de "39 películas extranjeras esenciales para un joven cineasta". [119] El crítico de cine francés André Bazin elogió el estilo cinematográfico móvil de la película; dijo que su profundidad de campo y su puesta en escena de enfoque profundo se parecían a las vistas en Ciudadano Kane y Los mejores años de nuestra vida . [120]
Muchos críticos de cine contemporáneos han escrito favorablemente sobre la película. Ha sido aclamada como una obra maestra por Kent Jones , [121] Adolf Heinzlmeier, Berndt Schulz [122] y Penelope Gilliatt , quien dijo que era "no solo una obra maestra del cine, no solo una gran obra de humanismo en un marco rococó perfecto , sino también un acto de testimonio histórico". [123] Sus temas han sido analizados por el estudioso del cine y biógrafo de Renoir, Leo Braudy , quien observó que la película "encarna un mundo social en el que hay reglas pero no valores. Si no conoces las reglas, estás aplastado; pero si las conoces, estás separado de tu propia naturaleza". [124] Dudley Andrew describió la "compleja crítica social" de la película [125] mientras que Kenneth Browser [126] y Peter Cowie escribieron sobre su sentido de humanidad. [127] Otros críticos han escrito sobre los temas más oscuros de la película; Andrew Sarris elogió su representación de las diferencias de clase. [93] La complejidad de las técnicas narrativas de Renoir ha sido examinada por Roger Ebert , quien la llamó "tan simple y tan laberíntica, tan cándida y tan furiosa, tan inocente y tan peligrosa, que no puedes simplemente mirarla, tienes que absorberla", [128] Lucy Sante , quien la etiquetó como "un denso mecanismo de relojería" [129] y Robin Wood , quien dijo que la película "opera en todos los niveles". [130] Los críticos han elogiado sus elementos farsescos: Pauline Kael la caracterizó como "una gran comedia satírica, una danza de la muerte" [131] y Gerald Mast escribió "[que] representa el fracaso del amor, el fracaso de la sociedad y el fracaso de los hombres para elevarse por encima de lo ridículo. Su único éxito es que lo intentan y les importa". [132] David Thomson elogió la actuación de Renoir y destacó "la admisión de Renoir de que el director, supuestamente la figura autoritaria y manipuladora, es tanto víctima como creador de circunstancias". [53] Amy Taubin dijo: "No puedo pensar en ninguna otra película que sea tan infaliblemente generosa: con su público, sus personajes, sus actores, el entorno y el medio". [129] J. Hoberman escribió sobre su influencia en Woody Allen , Robert Altman y Mike Leigh . [133]
La película fue especialmente apreciada por los cineastas y críticos de cine asociados con el movimiento de la Nouvelle Vague francesa . Bazin dijo que "como una historia de amor convencional, la película podría haber sido un éxito si el escenario hubiera respetado las reglas del juego cinematográfico. Pero Renoir quería hacer su propio estilo de drame gai [drama alegre], y la mezcla de géneros resultó desconcertante para el público". [134] El crítico de cine Claude Beylie la llamó "la piedra angular de la obra de Jean Renoir, el punto de llegada y el canto del cisne del cine francés de los años treinta... La regla del juego es una rara combinación de sátira, vodevil y tragedia". [135] Fue una importante fuente de inspiración para Alain Resnais , quien dijo que ver la película fue "la experiencia más abrumadora que he tenido en el cine"; [89] y Louis Malle, quien dijo "para todos nosotros, mi generación de cineastas franceses, La Règle du jeu fue la obra maestra absoluta". [136] François Truffaut articuló la enorme influencia de la película y dijo que "no es casualidad que La regla del juego haya inspirado a un gran número de jóvenes que primero habían pensado en expresarse como novelistas a emprender carreras como cineastas". También dijo que "es el credo de los amantes del cine, la película de películas, la película más odiada cuando se hizo y más apreciada después, hasta el punto de que finalmente se convirtió en un verdadero éxito comercial". [70]
Satyajit Ray la llamó "una película que no lleva sus innovaciones en la manga... ¿Humanista? ¿Clásica? ¿Vanguardista ? ¿Contemporánea? Desafío a cualquiera a ponerle una etiqueta. Este es el tipo de innovación que me atrae". [137] Otros cineastas notables que la han elogiado incluyen a Bernardo Bertolucci , [41] Wim Wenders , [133] Peter Bogdanovich , [41] Noah Baumbach [121] y Cameron Crowe . [127] Henri Cartier-Bresson, quien trabajó en la película antes de comenzar una larga carrera como fotoperiodista, la llamó "una de las cumbres del arte y una premonición de todo lo que iba a suceder en el mundo". [51] Robert Altman dijo " Las reglas del juego me enseñaron las reglas del juego". [127]
Gosford Park de Altman es similar a The Rules of the Game en muchos de sus elementos de la trama, incluida la relación entre las personas ricas y sus sirvientes, así como la secuencia de caza. [138] El crítico de cine italiano Francis Vanoye afirmó que The Rules of the Game ha influido en numerosas películas que presentan a un grupo de personajes que pasan un breve tiempo juntos en una fiesta o reunión, a menudo mientras cazan animales, durante la cual se revelan sus verdaderos sentimientos mutuos. Junto con Gosford Park , estas películas incluyen Luz de verano de Jean Grémillon , Sonrisas de una noche de verano de Ingmar Bergman , La caza de Carlos Saura , Escenas de caza en Baviera de Peter Fleischmann , Una pieza inacabada para pianola de Nikita Mikhalkov , Los cazadores de Theo Angelopoulos y La decadencia del imperio americano de Denys Arcand . [139] También se han comparado Escenas de la lucha de clases en Beverly Hills de Paul Bartel [ 140] y Reencuentro de Lawrence Kasdan [141] con Las reglas del juego .
Notas
Bibliografía
DVD
