Keith Allen Haring (4 de mayo de 1958 - 16 de febrero de 1990) fue un artista estadounidense cuyo arte pop surgió de la subcultura del grafiti de la ciudad de Nueva York de la década de 1980. [1] Su imaginería animada se ha "convertido en un lenguaje visual ampliamente reconocido". [2] Gran parte de su trabajo incluye alusiones sexuales que se convirtieron en activismo social al usar las imágenes para abogar por el sexo seguro y la concienciación sobre el SIDA . [3] Además de las exposiciones individuales en galerías, participó en reconocidas muestras colectivas nacionales e internacionales como la Documenta en Kassel, la Bienal Whitney en Nueva York, la Bienal de São Paulo y la Bienal de Venecia . El Museo Whitney realizó una retrospectiva de su arte en 1997.
La popularidad de Haring creció a partir de sus dibujos espontáneos en el metro de la ciudad de Nueva York : contornos de figuras, perros y otras imágenes estilizadas en tiza sobre espacios publicitarios negros en blanco. [4] Después de ganar reconocimiento público, creó murales coloridos a gran escala, muchos de ellos por encargo. [4] Produjo más de 50 obras de arte públicas entre 1982 y 1989, muchas de ellas creadas voluntariamente para hospitales, guarderías y escuelas. En 1986, abrió la Pop Shop como una extensión de su trabajo. Su trabajo posterior a menudo transmitía temas políticos y sociales (anti- crack , anti- apartheid , sexo seguro, homosexualidad y SIDA) a través de su propia iconografía. [5]
Haring murió de complicaciones relacionadas con el SIDA el 16 de febrero de 1990. [6] En 2014, fue uno de los homenajeados inaugurales en el Rainbow Honor Walk en San Francisco, un paseo de la fama que destaca a las personas LGBTQ que han "hecho contribuciones significativas en sus campos". En 2019, fue uno de los primeros 50 "pioneros, pioneros y héroes" estadounidenses incluidos en el Muro Nacional de Honor LGBTQ dentro del Monumento Nacional Stonewall en el Stonewall Inn de la ciudad de Nueva York .
Haring nació en Reading, Pensilvania , el 4 de mayo de 1958. [7] Fue criado en Kutztown, Pensilvania , por su madre, Joan Haring, y su padre, Allen Haring, un ingeniero y dibujante aficionado. Tenía tres hermanas menores, Kay, Karen y Kristen. [8] Se interesó por el arte a una edad muy temprana, pasando tiempo con su padre produciendo dibujos creativos. [9] Sus primeras influencias incluyeron los dibujos animados de Walt Disney , Dr. Seuss , Charles Schulz y los personajes de Looney Tunes en The Bugs Bunny Show . [9]
La familia de Haring asistió a la Iglesia Unida de Cristo . [10] En sus primeros años de adolescencia, estuvo involucrado con el movimiento de Jesús . [11] Más tarde hizo autostop por todo el país, vendiendo camisetas que hizo con los Grateful Dead y diseños anti- Nixon . [12] Se graduó de Kutztown Area High School en 1976. [13] Estudió arte comercial de 1976 a 1978 en la Ivy School of Professional Art de Pittsburgh , pero finalmente perdió el interés, [14] inspirado para centrarse en su propio arte después de leer The Art Spirit (1923) de Robert Henri . [9]
Haring tenía un trabajo de mantenimiento en el Centro de Artes y Oficios de Pittsburgh y pudo explorar el arte de Jean Dubuffet , Jackson Pollock y Mark Tobey . En esa época, estuvo muy influenciado por una retrospectiva de la obra de Pierre Alechinsky en 1977 y por una conferencia que el escultor Christo dio en 1978. A partir de la obra de Alechinsky, se sintió alentado a crear imágenes de gran tamaño que presentaban escritura y personajes. De la mano de Christo, Haring aprendió formas de incorporar al público a su arte. Su primera exposición importante fue en el Centro de Artes y Oficios de Pittsburgh en 1978. [15] [16]
Haring se mudó al Lower East Side de Nueva York en 1978 para estudiar pintura en la Escuela de Artes Visuales . También trabajó como ayudante de camarero durante este tiempo en el club nocturno Danceteria . [17] Mientras asistía a la escuela, estudió semiótica con Bill Beckley y experimentó con el video y el arte escénico. Haring también estuvo muy influenciado en su arte por el autor William Burroughs . [9]
En 1978, Haring escribió en su diario: "Me estoy volviendo mucho más consciente del movimiento. La importancia del movimiento se intensifica cuando una pintura se convierte en una performance. La performance (el acto de pintar) se vuelve tan importante como la pintura resultante". [18]
En diciembre de 2007, se descubrió que en una zona del American Textile Building, en el barrio TriBeCa de la ciudad de Nueva York, había una pintura de Haring de 1979. [19]
Haring recibió la atención del público por primera vez con su arte de graffiti en el metro, donde creó dibujos con tiza blanca sobre carteles publicitarios negros sin usar en las estaciones. [20] Consideraba que el metro era su "laboratorio", un lugar donde podía experimentar y crear sus obras de arte y veía el papel publicitario negro como un espacio libre y "el lugar perfecto para dibujar". [21] El Bebé Radiante, un bebé gateando que emitía rayos de luz, se convirtió en su símbolo más reconocido. Lo usó como su etiqueta para firmar su trabajo mientras era artista del metro. [11] Los símbolos e imágenes (como perros que ladran, platillos voladores y corazones grandes) se volvieron comunes en su trabajo e iconografía. Como resultado, las obras de Haring se difundieron rápidamente y se volvió cada vez más reconocible.
La técnica del recorte de textos de William S. Burroughs y Brion Gysin inspiró el trabajo de Haring con letras y palabras. [12] En 1980, creó titulares a partir de la yuxtaposición de palabras y pegó cientos de ellos en farolas de Manhattan. Entre ellos se incluían frases como «Reagan asesinado por un policía héroe» y «El Papa asesinado por un rehén liberado». [22] Ese mismo año, como parte de su participación en The Times Square Show con uno de sus primeros proyectos públicos, Haring alteró un anuncio publicitario sobre una entrada del metro en Times Square que mostraba a una mujer abrazando las piernas de un hombre, tachando la primera letra para que esencialmente dijera « hardón » en lugar de «Chardón», una marca de ropa francesa. [23] Más tarde utilizó otras formas de material comercial para difundir su trabajo y sus mensajes. Esto incluía la producción en masa de botones e imanes para repartir y el trabajo sobre anuncios del metro.
En 1980, Haring comenzó a organizar exposiciones en el Club 57 , que fueron filmadas por su amigo cercano y fotógrafo Tseng Kwong Chi . [24] En febrero de 1981, Haring tuvo su primera exposición individual en Westbeth Painters Space en el West Village . [25] [26] En noviembre de 1981, tuvo una exposición individual en Hal Bromm Gallery en Tribeca. [27]
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En enero de 1982, Haring fue el primero de doce artistas organizados por el Public Art Fund para exhibir su trabajo en la cartelera animada por computadora Spectacolor en Times Square. [28] Ese verano, Haring creó su primer gran mural al aire libre en el Houston Bowery Wall en el Lower East Side. [29] En sus pinturas, a menudo usaba líneas para mostrar energía y movimiento. [30] Haring solía trabajar rápidamente, tratando de crear la mayor cantidad de trabajo posible, a veces completando hasta 40 pinturas en un día. [18] Una de sus obras, Untitled (1982), representa dos figuras con un motivo de amor de corazón radiante, que los críticos han interpretado como un guiño audaz al amor homosexual y una declaración cultural significativa. [30]
En 1982, Haring participó en la Documenta 7 en Kassel , donde sus obras se exhibieron junto a Joseph Beuys , Anselm Kiefer , Gerhard Richter , Cy Twombly , Jean-Michel Basquiat y Andy Warhol . [31] En octubre de 1982, realizó una exposición en la Galería Tony Shafrazi con su colaborador, el artista de graffiti Angel "LA II" Ortiz . [32] Ese año, participó en varias exposiciones colectivas, incluida Fast en la Galería Alexander Milliken en Nueva York. [33] Haring diseñó el cartel del Festival de Jazz de Montreux de 1983 en Suiza. [34]
En febrero de 1983, Haring realizó una exposición individual en la Fun Gallery en el East Village, Manhattan . [35] Ese año, Haring participó en la Bienal de São Paulo en Brasil y en la Bienal Whitney en Nueva York. [36] [37] En abril de 1983, Haring recibió el encargo de pintar un mural, Construction Fence , en el sitio de construcción del Museo de Arte Haggerty en Milwaukee . [38] Más tarde ese año, Haring participó en la exposición Urban Pulses: the Artist and the City en Pittsburgh pintando con aerosol una habitación en el Centro de las Artes de Pittsburgh y creando un mural al aire libre en PPG Place . [39] En octubre de 1983, Elio Fiorucci invitó a Haring a Milán para pintar las paredes de su tienda Fiorucci . [40] Mientras Haring estaba en Londres para la inauguración de su exposición en la Galería Robert Fraser en octubre de 1983, conoció y comenzó a colaborar con el coreógrafo Bill T. Jones . Haring utilizó el cuerpo de Jones como lienzo para pintar de la cabeza a los pies. [41]
Haring y Angel "LA II" Ortiz produjeron un diseño de camiseta para la marca de ropa de sus amigos Willi Smith y Laurie Mallet, WilliWear Productions, en 1984. [42] Después de que Haring apareciera en la revista Paper , la diseñadora de moda Vivienne Westwood se puso en contacto con la editora en jefe Kim Hastreiter para facilitar una reunión con Haring. Haring le presentó a Westwood dos hojas grandes de dibujos y ella los convirtió en textiles para su colección Witches Otoño/Invierno 1983-1984. [43] La amiga de Haring, Madonna, lució una falda de la colección, sobre todo en el vídeo musical de su sencillo de 1984 " Borderline ". [44]
A medida que Haring ascendía al estrellato, continuó dibujando en el metro, en contraste con los precios en alza de su trabajo. [45] Haring disfrutaba regalando su trabajo de forma gratuita, a menudo repartiendo botones y carteles gratuitos de su trabajo. [45] En 1984, lanzó un libro titulado Art in Transit , que presentaba fotografías de Tseng Kwong Chi y una introducción de Henry Geldzahler . [46] El rápido ascenso de Haring al estatus de celebridad internacional fue cubierto por los medios. Su arte cubrió la edición de febrero de 1984 de Vanity Fair , y apareció en la edición de octubre de 1984 de Newsweek . [47] [48]
En 1984, el Departamento de Saneamiento de la Ciudad de Nueva York le pidió a Haring que diseñara un logotipo para su campaña contra la basura. [49] Haring participó en la Bienal de Venecia . [36] Fue invitado a crear murales temporales en la Galería Nacional de Victoria y la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur . [50] Durante su visita a Australia, pintó el mural permanente de Keith Haring en el Collingwood Technical College en Melbourne. [51] Ese año, Haring también pintó murales en el Walker Art Center en Minneapolis y en Río de Janeiro. [52] Más tarde ese año, diseñó el escenario para la producción de Secret Pastures de Bill T. Jones y Arnie Zane en la Academia de Música de Brooklyn . [53]
Las Naciones Unidas le encargaron a Haring la creación de una portada del primer día del sello de las Naciones Unidas y una litografía de edición limitada adjunta para conmemorar 1985 como Año Internacional de la Juventud. [54] Diseñó decoraciones para sets de MTV y pintó murales para varias instituciones de arte y clubes nocturnos, como el Palladium en Manhattan. [11] En marzo de 1985, Haring pintó las paredes de la Grande Halle de la Villette para la Bienal de París . [55] En julio de 1985, hizo una pintura para el concierto Live Aid en el Estadio JFK de Filadelfia. [56] Además, pintó un automóvil propiedad del comerciante de arte Max Protetch para ser subastado y las ganancias donadas para el alivio de la hambruna en África. [57] Haring también continuó siendo políticamente activo al diseñar carteles de Free South Africa en 1985, [58] y crear un cartel para la Gran Marcha por la Paz de 1986 para el Desarme Nuclear Global . [59]
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En la primavera de 1986, Haring realizó una exposición individual en el Museo Stedelijk de Ámsterdam y pintó un mural. [60] En 1986, Haring también creó murales públicos en el vestíbulo y el departamento de atención ambulatoria del Centro Médico y de Salud Mental Woodhull en Flushing Avenue en Brooklyn. [61]
En junio de 1986, Haring creó una pancarta de 90 pies, CityKids Speak on Liberty , en conjunto con The CityKids Foundation para conmemorar el centenario de la llegada de la Estatua de la Libertad a los Estados Unidos. [62] Más tarde ese mes, creó su mural Crack Is Wack en East Harlem, visible desde FDR Drive de Nueva York . [14] Originalmente, el Departamento de Policía de Nueva York lo consideró vandalismo y Haring fue arrestado. Pero después de que los medios de comunicación locales recogieran la historia, Haring fue liberado por un cargo menor. Mientras estaba en la cárcel, la obra original de Haring fue vandalizada. Este mural es un ejemplo del uso de Haring de la concienciación en lugar del consumismo, "Crack is Wack" en lugar de " Coca-Cola es eso ". [63] Pintó una versión actualizada del mural en la misma pared en octubre de 1986. [64]
El 23 de octubre de 1986, Haring creó un mural en el Muro de Berlín para el Museo Checkpoint Charlie . [65] El mural tenía 300 metros (980 pies) de largo y mostraba figuras humanas entrelazadas de color rojo y negro sobre un fondo amarillo. Los colores eran una representación de la bandera alemana y simbolizaban la esperanza de unidad entre Alemania Oriental y Occidental . [66]
Haring comenzó a colaborar con Grace Jones , a quien había conocido a través de Andy Warhol, para una sesión de entrevistas para una revista en 1984. [67] Haring pintó una falda para que Jones la usara en su video musical " I'm Not Perfect (But I'm Perfect for You) " (1986) y fue el director asistente del video. [68] [69] También pintó el cuerpo de Jones para presentaciones en vivo en Paradise Garage , [70] y para su papel de Katrina, la Reina de los Vampiros en la película Vamp de 1986. [71] Haring colaboró con David Spada , un diseñador de joyas, para diseñar los adornos escultóricos para Jones. [72]
Haring también ilustró portadas de vinilo para varios artistas como " Without You " de David Bowie (1983), " Life Is Something Special" de NYC Peech Boys (1983), "Duck For The Oyster" de Malcolm McLaren (1983) y " Someone Like You " de Sylvester (1986). [73]
Haring colaboró con Warhol para diseñar el cartel del Festival de Jazz de Montreux de 1986 en Suiza. [74] El cartel también se utilizó para el Festival de Jazz de Montreux-Detroit de 1986 en Detroit . [74]
En abril de 1986, Pop Shop abrió en Soho, donde se vendían camisetas, carteles y otros artículos que mostraban la obra de Haring. [75] Esto hizo que la obra de Haring fuera fácilmente accesible para su compra a precios razonables. [6] Una vez que logró lo que quería, que era "dar a conocer su obra al público en general", Haring dejó de dibujar por completo en el metro. [76] También dejó de hacerlo porque la gente se llevaba los dibujos del metro y los vendía. [76]
Algunos criticaron a Haring por comercializar su trabajo. [77] [5] Cuando se le preguntó sobre esto, Haring dijo: "Podría ganar más dinero si simplemente pintara algunas cosas y aumentara el precio. Mi tienda es una extensión de lo que estaba haciendo en las estaciones de metro, rompiendo las barreras entre el arte elevado y el arte popular". [6] La Pop Shop permaneció abierta después de la muerte de Haring hasta 2005, y las ganancias beneficiaron a la Fundación Keith Haring. [75]
La Pop Shop no fue el único esfuerzo de Haring por hacer que su obra fuera ampliamente accesible. A lo largo de su carrera, Haring hizo arte en el metro y en vallas publicitarias. [6] Sus intentos de hacer que su obra fuera cercana también se pueden ver en la falta de edades, razas o identidades discernibles en sus figuras. [11] Con la llegada de la Pop Shop, su obra había comenzado a reflejar temas más sociopolíticos , como la lucha contra el apartheid , la concienciación sobre el SIDA y la epidemia de crack . [5]
Entre 1982 y 1989, Haring participó en más de 100 exposiciones individuales y colectivas y produjo más de 50 obras de arte públicas en docenas de organizaciones benéficas, hospitales, guarderías y orfanatos. [78] Haring era abiertamente gay y utilizó su trabajo para defender el sexo seguro . [79] Le diagnosticaron VIH en 1987 y SIDA en el otoño de 1988. [80] [81] Utilizó sus imágenes durante los últimos años de su vida para hablar de su enfermedad y generar activismo y concienciación sobre el SIDA. [5]
En 1987, Haring realizó exposiciones en Helsinki, París y otros lugares. Durante su estancia en París para la exposición del décimo aniversario de artistas estadounidenses en el Centro Georges Pompidou , Haring y su socio Juan Rivera pintaron el mural de la Torre en una escalera exterior de 88 pies de altura (27 m) en el Hospital Necker-Enfants Malades . [82] [83] Mientras estaba en Bélgica para su exposición en la Galería 121, Haring pintó un mural en el Museo de Arte Contemporáneo de Amberes . [84]
Ese mismo año, Haring también fue invitado por el artista Roger Nellens a pintar un mural en su Casino Knokke . [85] Mientras trabajaba allí, Haring se alojó en Le Dragon , una casa de huéspedes con forma de monstruo propiedad de Nellens que había sido diseñada por el artista Niki de Saint Phalle . Con el consentimiento tanto del diseñador como del propietario, Haring pintó un mural al fresco a lo largo de un balcón interior y una escalera. [86] [87]
Haring diseñó un carrusel para Luna Luna de André Heller , un parque de atracciones efímero en Hamburgo de junio a agosto de 1987 con atracciones diseñadas por reconocidos artistas contemporáneos. [88] [89] En agosto de 1987, Haring pintó un gran mural en la piscina al aire libre del Carmine Street Recreation Center en West Village. [90] [91] En septiembre de 1987, pintó un mural temporal, Detroit Notes , en el Museo de Arte Cranbrook en Bloomfield Hills, Michigan . La obra revela una fase más oscura en el estilo de Haring, que el director del Museo de Arte Cranbrook, Andrew Blauvelt , especula que presagió la confirmación de su diagnóstico de SIDA. [92]
Haring diseñó la portada del álbum benéfico de 1987 A Very Special Christmas y el sencillo de Run-DMC « Christmas In Hollis »; las ganancias se destinaron a las Olimpiadas Especiales . [54] [73] La imagen del álbum recopilatorio A Very Special Christmas consiste en una figura típica de Haring sosteniendo a un bebé. Su «iconografía de Jesús» se considera inusual en los álbumes navideños de rock moderno. [93]
También en 1987, Haring pintó un mural en el barrio de Point Breeze , en Filadelfia, titulado "Nosotros, los jóvenes" para conmemorar el bicentenario de la Constitución de los Estados Unidos . Originalmente pensado como un lugar de relleno, nunca se construyó una nueva casa adosada y el lote se convirtió en un parque. El mural se sometió a una importante restauración en 2013 y es el mural público más antiguo de Haring en su ubicación original. [94]
En 1988, Haring se unió a un selecto grupo de artistas cuyo trabajo ha aparecido en la etiqueta del vino Chateau Mouton Rothschild . [95] En enero de 1988, viajó a Japón para abrir Pop Shop Tokyo; cerró en el verano de 1988. [96] En abril de 1988, Haring creó un mural en el South Lawn para el White House Easter Egg Roll anual , que donó al Children's National Hospital en Washington, DC. [97] A finales del verano, Haring viajó a Düsseldorf para una exhibición de sus pinturas y esculturas en la Galería Hans Mayer. [98] En diciembre de 1988, la exposición de Haring se inauguró en la Galería Tony Shafrazi, que afirmó que era su exhibición más importante hasta la fecha. Sentía que tenía algo que demostrar debido a su estado de salud y las muertes de sus amigos Andy Warhol y Jean-Michel Basquiat. [99]
En febrero de 1989, Haring pintó el mural Todos Juntos Podemos Parar el SIDA en el barrio Barrio Chino de Barcelona para crear conciencia sobre la epidemia del SIDA. [100] En mayo de 1989, por invitación de un profesor llamado Irving Zucker, Haring visitó Chicago para pintar un mural de 480 pies en Grant Park junto con casi 500 estudiantes. [101] Otros tres murales de Haring se materializaron en Chicago casi al mismo tiempo: dos en Rush University Medical Center , el otro en Wells Community Academy High School . [102] Este último se completó días antes de la llegada de Haring a Chicago, como una especie de bienvenida. [103] Según Zucker, Haring envió a la escuela una plantilla de diseño para el mural, que fue ejecutado por un compañero profesor, Tony Abboreno, un artista abstracto , y estudiantes de arte de Wells High School, pero Haring le dio su aprobación final y lo firmó él mismo. [103]
Para The Center Show , una exposición que celebraba el 20.º aniversario de los disturbios de Stonewall , Haring fue invitado por el Centro de Servicios Comunitarios de Lesbianas y Gays de Nueva York para crear una obra específica para el lugar. [104] Eligió el baño de hombres del segundo piso para pintar su mural Once Upon a Time... en mayo de 1989. [105] En junio de 1989, Haring pintó su mural Tuttomondo en la pared trasera del convento de la iglesia de Sant'Antonio Abate en Pisa . [106] Haring criticó la evasión de cuestiones sociales como el SIDA a través de una pieza llamada Rebel with Many Causes (1989) que gira en torno a un tema de "no escuchar el mal, no ver el mal, no decir el mal". [107] Durante la última semana de noviembre de 1989, Haring pintó un mural en el ArtCenter College of Design en Pasadena para "Un día sin arte". El mural se conmemoró el 1 de diciembre, el segundo Día de Concientización sobre el SIDA anual. Haring conmemoró el mural el 1 de diciembre, Día Mundial del SIDA , y le dijo al Los Angeles Times : "Mi vida es mi arte, está entrelazada. Cuando el SIDA se convirtió en una realidad en términos de mi vida, comenzó a convertirse en un tema en mis pinturas. Cuanto más afectaba mi vida, más afectaba mi trabajo". [5] Desde Pasadena, Haring voló a Atlanta para la inauguración de su exposición dual con el fotógrafo Herb Ritts en la Fay Gold Gallery el 2 de diciembre. [108] En 1990, Haring pintó un BMW Z1 en la Galería Hans Mayer en Düsseldorf. [109] [110] Viajó a París para lo que sería su última exposición, Keith Haring 1983 , en la Galerie 1900-2000/La Galerie de Poche en enero de 1990. [111] [112]
El 16 de febrero de 1990, Haring murió de complicaciones relacionadas con el SIDA en su apartamento de LaGuardia Place en Greenwich Village . [113] [6] Fue incinerado y sus cenizas fueron esparcidas en un campo cerca de Bowers, Pensilvania , justo al sur de su ciudad natal de Kutztown. [114] Tres meses después de su muerte, Haring apareció póstumamente en el documental de Rosa von Praunheim Silence = Death (1990) sobre artistas homosexuales en la ciudad de Nueva York que luchan por los derechos de las personas con SIDA. Se estrenó el 4 de mayo, que habría sido su 32 cumpleaños. [115]
Poco después de mudarse a Nueva York para estudiar en la Escuela de Artes Visuales, se hizo amigo de sus compañeros de clase Kenny Scharf (su antiguo compañero de habitación), [116] Samantha McEwen y John Sex . [117] Finalmente, se hizo amigo de Jean-Michel Basquiat , quien escribiría su graffiti SAMO por todo el campus. [118] Cuando Basquiat murió en 1988, Haring escribió su obituario para la revista Vogue , y le rindió homenaje con la pintura A Pile of Crowns for Jean-Michel Basquiat (1988). [119] [120]
En 1979, Haring conoció al fotógrafo Tseng Kwong Chi en el East Village. Se hicieron amigos y él documentó gran parte de la carrera de Haring. [121] En 1980, Haring conoció y comenzó a colaborar con el artista de graffitis Angel "LA II" Ortiz . [29] Haring contó: "Nos llevamos bien de inmediato. Es como si nos conociéramos de toda la vida. Es como mi hermano pequeño". [29] El arte de Ortiz formó una parte importante del trabajo de Haring que no había sido reconocida por el mundo del arte. [122] [123] Después de la muerte de Haring, Ortiz dejó de recibir crédito y pago por su participación en el trabajo de Haring. Según Montez, autor del libro Keith Haring's Line: Race and the Performance of Desire , la Fundación Keith Haring y el mundo del arte han dado pasos desde entonces para rectificar el borrado de Ortiz. [124]
A principios de la década de 1980, Haring había establecido amistades con otros artistas emergentes como Fab 5 Freddy y Futura 2000 , y la cantante Madonna . [12] [125] En 1982, Haring se hizo amigo de Andy Warhol, quien se convirtió en su mentor y más tarde en el tema de su serie Andy Mouse de 1986. [126] Warhol también creó un retrato de Haring y su compañero Juan Dubose en 1983. [127] A través de Warhol, Haring se hizo amigo de Grace Jones , Francesco Clemente y Yoko Ono . [12] También formó amistades con George Condo , Jean-Charles de Castelbajac y Claude Picasso . [128]
Haring conoció al diseñador de accesorios Bobby Breslau a principios de los años 1980. Haring buscó la guía de Breslau y lo llamó su "madre judía". [129] Breslau le presentó a Haring a su amigo Larry Levan , DJ residente en Paradise Garage. [129] Breslau inspiró a Haring a trabajar con pieles de cuero y fue el gerente de Pop Shop hasta su muerte en 1987. [130]
El marchante de arte Yves Arman era un amigo íntimo de Haring, y Haring era el padrino de su hija. Haring dijo que Arman fue "probablemente el mejor apoyo que tuve en el mundo del arte". [12] En 1989, Arman murió en un accidente de coche cuando se dirigía a ver a Haring en España. [12]
En 1988, Gil Vazquez fue invitado por un amigo a visitar el estudio de Haring en Broadway . [131] Haring y Vazquez se hicieron amigos cercanos y pasaron mucho tiempo juntos. Antes de su muerte, Haring creó una fundación que lleva su nombre. Nombró a su asistente y directora del estudio, Julia Gruen, como directora ejecutiva; ella comenzó a trabajar para él en 1984. [132] Vazquez es el presidente de la junta directiva de la fundación, que tiene su sede en el estudio de Haring en Broadway. [133]
En 1989, Haring creó la Fundación Keith Haring para proporcionar fondos e imágenes a organizaciones de lucha contra el sida y programas para niños. El objetivo declarado de la fundación es cumplir sus deseos y ampliar su legado proporcionando subvenciones y fondos a organizaciones sin ánimo de lucro que educan a jóvenes desfavorecidos e informan al público sobre el VIH y el sida. También comparte su trabajo y contiene información sobre su vida. [134] La fundación también apoya a instituciones artísticas y educativas financiando exposiciones, programas educativos y publicaciones. [134] En 2010, la fundación se asoció con el AIDS Service Center NYC para abrir el Keith Haring ASC Harlem Center para proporcionar educación entre pares sobre el VIH y acceso a servicios de atención en Harlem. [135]
Como celebración de su vida, Madonna declaró que la última fecha estadounidense de su gira mundial Blond Ambition de 1990 sería un concierto benéfico en memoria de Haring. Los más de 300.000 dólares que recaudó el espectáculo con las ventas de entradas se donaron a la Fundación para la Investigación del SIDA . [136] El acto quedó documentado en la película de 1991 Madonna: Truth or Dare . [137]
El trabajo de Haring apareció en varios de los esfuerzos de Red Hot Organization para recaudar dinero para la lucha contra el sida y la concienciación sobre esta enfermedad, en concreto en sus dos primeros álbumes, Red Hot + Blue (1990) y Red Hot + Dance (1992), el último de los cuales utilizó el trabajo de Haring en su portada. Su arte sigue en exposición en todo el mundo. [6]
En 1991, Haring fue homenajeado en la colcha conmemorativa del sida con su famoso icono del bebé sobre un panel de tela. El bebé fue bordado por la tía de Haring, Jeannette Ebling, y la madre de Haring, Joan Haring, hizo gran parte de la costura. [138]
Tim Finn escribió la canción "Hit The Ground Running", en su álbum Before & After (1993), en memoria de Haring. [139]
En 2006, Haring fue nombrado por Equality Forum como uno de sus 31 íconos del Mes de la Historia LGBT . [140]
En 2008, Haring tuvo un globo en homenaje a él en el Desfile del Día de Acción de Gracias de Macy's . [141] Según artnet.com, Haring siempre había soñado con crear un globo para el desfile. "Dieciocho años después de su muerte, este deseo se hizo realidad en lo que habría sido su 50 cumpleaños. Más tarde, estuvo frente a la entrada principal de la Caminata contra el SIDA de Central Park en 2014. El globo también es recordado por estrellarse en el stand de NBC en el lugar y sacar su transmisión temporalmente del aire". [142] El 4 de mayo de 2012, en lo que habría sido el 54 cumpleaños de Haring, Google lo honró en un Google Doodle . [143]
En 2014, Haring fue uno de los homenajeados inaugurales en el Rainbow Honor Walk . El Rainbow Honor Walk es un paseo de la fama en el barrio Castro de San Francisco que reconoce a las personas LGBTQ que han "hecho contribuciones significativas en sus campos". [144] [145] [146]
En junio de 2019, Haring fue uno de los primeros cincuenta "pioneros, pioneros y héroes" estadounidenses incluidos en el Muro Nacional de Honor LGBTQ dentro del Monumento Nacional Stonewall (SNM) en el Stonewall Inn de la ciudad de Nueva York . [147] [148] El SNM es el primer monumento nacional de EE. UU. dedicado a los derechos y la historia LGBTQ , [149] y la inauguración del muro se programó para que tuviera lugar durante el 50 aniversario de los disturbios de Stonewall. [150]
En 2021, Polaroid honró a Haring con una cámara Polaroid Now y una película instantánea Polaroid i-Type decorada con sus motivos característicos. [151] [152]
El estilo característico de Haring se ve con frecuencia en varias colecciones de moda. Su patrimonio ha colaborado con marcas como Adidas , Lacoste , UNIQLO , Supreme , Reebok y Coach . [153] [154]
Haring es el tema de una composición, Haring at the Exhibition , escrita e interpretada por el compositor italiano Lorenzo Ferrero en colaboración con el DJ Nicola Guiducci. La obra combina extractos de música popular de los años 80 con muestras de composiciones de música clásica de Lorenzo Ferrero y sonidos sintetizados. Fue presentada en "The Keith Haring Show", una exposición que tuvo lugar en 2005 en la Trienal de Milán . [155]
En 2008, la cineasta Christina Clausen estrenó el documental The Universe of Keith Haring . En la película, el legado de Haring "resucita a través de imágenes de archivo llenas de color y es recordado por amigos y admiradores como los artistas Kenny Scharf y Yoko Ono, los galeristas Jeffrey Deitch y Tony Shafrazi, y el coreógrafo Bill T. Jones ". [156]
Madonna utilizó el arte de Haring como fondo animado para su gira Sticky and Sweet Tour de 2008/2009 . La animación presentaba sus características figuras cuadradas bailando al ritmo de un remix actualizado de " Into the Groove ". [157]
Keith Haring: Double Retrospect es un rompecabezas gigantesco de Ravensburger que mide 5,2 x 1,8 m (17 x 6 pies) y tiene 32 256 piezas, rompiendo el récord Guinness del rompecabezas más grande jamás creado en 2011. El rompecabezas utiliza 32 piezas de su trabajo y pesa 19 kg (42 libras). [158]
En 2017, su hermana Kay Haring escribió un libro para niños, Keith Haring: The Boy Who Just Kept Drawing, que se ubicó entre los diez libros más vendidos cada semana durante más de un año en la categoría de Amazon de Historia del Arte Infantil. [159]
En julio de 2020, BBC Two transmitió el documental Keith Haring: Street Art Boy , que se basa en una serie de entrevistas entre Haring y el crítico de arte John Gruen en 1989. [160] [161] El documental, que fue dirigido por Ben Anthony, se emitió en diciembre de 2020 en PBS como parte de la serie American Masters . [162] [163]
La obra de Haring muestra influencias políticas y personales. Las referencias a su orientación sexual son evidentes en toda su obra, y sus diarios confirman el impacto de ésta en su obra. [164] Hay alusiones simbólicas a la epidemia del SIDA en algunas de sus últimas piezas, como Sin título (cat. n.º 27) , Silencio=Muerte y su boceto Mujer llorando . En algunas de sus obras, incluida la cat. n.º 27, el simbolismo es sutil, pero también produjo algunas obras abiertamente activistas. Silencio=Muerte , que refleja el cartel de ACT UP y utiliza su lema, es considerado casi universalmente como una obra de activismo contra el VIH/SIDA . [165]
Haring fue influenciado por el trabajo de William Burroughs con Brion Gysin y su libro The Third Mind . [12] También fue influenciado por otros artistas, incluidos Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, George Condo y Angel "LA II" Ortiz. [29] [12] En algunas de sus obras trazó conexiones entre el fin del mundo y el virus del SIDA. En una pieza que hizo con William Burroughs , representa el virus como criaturas demoníacas, el número 666 y una nube de hongo. [11]
La proximidad de Haring a la fusión nuclear en Three Mile Island tuvo un gran impacto en él. Su miedo al desastre nuclear comenzó a aparecer en su arte. Un ejemplo de esto es una bandera de rayas blancas y negras que, según él, simbolizaba el peligro de un apocalipsis nuclear. [11]
Haring estuvo profundamente influenciado por el Movimiento de Jesús cuando era joven, y continuó desempeñando un papel en su arte durante toda su carrera. El movimiento era un grupo de cristianos extremadamente evangélicos , poco organizados y diversos . Eran conocidos por su antimaterialismo y creencias contrarias al establishment, su enfoque en el Juicio Final y su trato compasivo hacia los pobres. Cuando era un adolescente, Haring se involucró mucho en el movimiento. Los símbolos religiosos comenzaron a incorporarse en sus dibujos alrededor de esa edad, así como los sentimientos del Movimiento de Jesús. Esto incluye puntos de vista contra el establishment de la iglesia que se pueden ver en algunos de sus trabajos posteriores. [11] Aunque su tiempo como "persona de Jesús" no duró más allá de su adolescencia, las imágenes, los símbolos y las referencias religiosas continuaron apareciendo en su arte. En una entrevista cerca del final de su vida, comentó: "[Todo] eso se me quedó grabado en la cabeza e incluso ahora hay muchas imágenes religiosas en mi trabajo. Algunas personas incluso piensan que mi trabajo es de un fanático o un maníaco religioso". [11]
Cuando Haring dibujaba grafitis en el metro, utilizaba una etiqueta para firmar su obra. Su etiqueta, Radiant Baby, representa a un bebé con líneas que irradian de él, aludiendo al Niño Jesús . Continuó haciendo imágenes que representan al Niño Jesús, incluidas escenas de la Natividad en su estilo característico durante su época como artista del metro. [11] Sus últimas piezas fueron dos trípticos religiosos; ambos fueron a parar a catedrales episcopales . En ellos ilustra el Juicio Final, aunque quién se salva en las piezas es ambiguo. [11]
Durante su vida, Haring realizó más de 50 exposiciones individuales y estuvo representado por galerías reconocidas como la Tony Shafrazi Gallery y la Leo Castelli Gallery. [166] Desde su muerte, ha aparecido en más de 150 exposiciones en todo el mundo. [167] También ha sido objeto de varias retrospectivas internacionales .
Haring tuvo su primera exposición individual en Westbeth Painters Space en febrero de 1981. [25] [26] Ese mes también participó en la exhibición New York/New Wave en el MoMA PS1 . [168] Más tarde ese año tuvo una exposición individual en la Hal Bromm Gallery, [169] seguida por su exposición revelación en la Tony Shafrazi Gallery en 1982. [117] Ese mismo año, participó en la documenta 7 en Kassel, así como en la serie Messages to the Public del Public Art Fund en la que creó obras para una valla publicitaria de Spectacolor en Times Square. [11] En 1983, Haring contribuyó con trabajos a la Bienal de Whitney y la Bienal de São Paulo . También tuvo exposiciones individuales en la Fun Gallery , Galerie Watari en Tokio y su segunda muestra en la Tony Shafrazi Gallery. [170] [171] [35]
En 1984, Haring participó en la muestra colectiva Arte di Frontiera: New York Graffiti in Italy. [172] Participó en la Bienal de Venecia en 1984 y 1986. [173] [36] En 1985, Haring participó en la Bienal de París y tuvo su primera exposición individual en un museo en el CAPC en Burdeos . [174] [3] En 1986, tres de las esculturas de Haring se colocaron en la Plaza Dag Hammarskjöld fuera de la sede de las Naciones Unidas . [175] [90] Dos de las obras se exhibieron en Riverside Park desde mayo de 1988 hasta mayo de 1989. [90] En 1991-92, la Figura de Haring en equilibrio sobre un perro se exhibió en Dante Park en Manhattan. [90]
En 1996, una retrospectiva en el Museo de Arte Contemporáneo de Australia fue la primera gran exposición de su obra en Australia. Su arte fue el tema de una retrospectiva de 1997 en el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York, comisariada por Elisabeth Sussman. [176] El Fondo de Arte Público, en colaboración con el patrimonio de Keith Haring, organizó una instalación en varios sitios de sus esculturas al aire libre en la plaza Doris C. Freedman de Central Park y a lo largo de los centros comerciales de Park Avenue . [177] Esta exposición pública se llevó a cabo simultáneamente con la retrospectiva en el Whitney. [178] Las esculturas viajaron más tarde a la Costa Oeste en 1998. La Comisión de Artes de San Francisco exhibió 10 esculturas en San Francisco para coincidir con la retrospectiva de Haring en el Museo de Arte Moderno de San Francisco. [179] La ciudad de West Hollywood y el patrimonio de Haring también presentaron sus esculturas en Santa Monica Boulevard . [180]
En 2007, la escultura de aluminio pintada de Haring Autorretrato (1989) se exhibió en el vestíbulo del Arsenal en Central Park, como parte de la exposición retrospectiva The Outdoor Gallery: 40 Years of Public Art in New York City Parks . [90]
En 2008, se realizó una exposición retrospectiva en el MAC de Lyon, Francia. En febrero de 2010, con motivo del 20 aniversario de la muerte de Haring, la galería Tony Shafrazi mostró una exposición que contenía docenas de obras de todas las etapas de la carrera de Haring. [181] En marzo de 2012, se inauguró una exposición retrospectiva de su obra, Keith Haring: 1978–1982 , en el Museo de Brooklyn en Nueva York. [182] En abril de 2013, Keith Haring: The Political Line se inauguró en el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris y Le Cent Quatre . En noviembre de 2014, se inauguró en el Museo De Young en San Francisco. [183]
De diciembre de 2016 a junio de 2017, el Petersen Automotive Museum de Los Ángeles exhibió The Unconventional Canvases of Keith Haring , que incluía cinco vehículos que Haring pintó. [184] En 2019, el trabajo de Haring se exhibió en Gladstone Gallery en Bélgica. [185] La primera gran exposición del Reino Unido del trabajo de Haring, con más de 85 obras de arte, fue en Tate Liverpool de junio a noviembre de 2019. [186] De diciembre de 2019 a marzo de 2020, la National Gallery of Victoria en Melbourne exhibió Keith Haring y Jean-Michel Basquiat: Crossing Lines . [187]
En febrero de 2021, el Museo de Arte Contemporáneo de Denver inauguró la exposición Keith Haring: Grace House Mural , que muestra 13 paneles de un mural que Haring pintó en un centro juvenil católico en el Upper West Side de Manhattan en marzo de 1983 o 1984. [188] El mural, que presentaba las figuras de un bebé radiante, un perro que ladraba y un hombre bailando de Haring, se extendía por tres pisos y 85 pies. Cuando se vendió Grace House, su operador, la Iglesia de la Ascensión , fue en contra de los deseos de la Fundación Keith Haring de conseguir un comprador que mantuviera la obra. En cambio, la iglesia hizo recortar secciones del mural y las vendió en una subasta en 2019 a un coleccionista privado anónimo por $ 3,86 millones. Los paneles están en préstamo al museo y aparecerán en exhibición hasta el 22 de agosto de 2021.
En 2022, la exposición Keith Haring: Grace House Mural se exhibió en el Museo Schunck en Heerlen . [189] En 2023, The Broad presentó la primera exposición de Haring en un museo de Los Ángeles, Keith Haring: Art is for Everyone . [190]
Un reportaje de CBS Evening News de octubre de 1982 muestra escenas de la exposición individual de Haring en la galería Tony Shafrazi en SoHo. Se informó que se vendieron más de un cuarto de millón de dólares en pinturas en los primeros días de la inauguración de la muestra. [191] Aunque ya era un artista establecido en 1983, Shafrazi afirmó que Haring quería mantener sus precios bajos. [192] Sus precios oscilaban entre los 3.000 dólares por un dibujo y los 15.000 dólares por una pintura grande. [192] En 1984, sus obras se vendían por hasta 20.000 dólares y tenía un ingreso anual de 250.000 dólares. [45] [193]
Haring creó la Pop Shop en 1986 en el distrito SoHo de Manhattan, donde vendía camisetas, juguetes, carteles y otros objetos que mostraban sus obras, lo que permitió que sus obras fueran accesibles a un mayor número de personas. [77] Hablando sobre la Pop Shop en 1989, Haring dijo: "Durante los últimos cinco o seis años, las recompensas que he recibido son muy desproporcionadas con respecto a lo que merezco... Gano mucho más dinero del que debería ganar, así que siento un poco de culpa, de querer devolverlo". [5]
Haring estuvo representado hasta su muerte por el comerciante de arte Tony Shafrazi. [194] Desde su muerte en 1990, su patrimonio ha sido administrado por la Fundación Keith Haring, que está representada por Gladstone Gallery . [195] En mayo de 2017, la pintura de Haring Sin título (1982), que presenta sus símbolos característicos (el bebé radiante, perros que ladran, ángeles y X rojas) se vendió por $ 6,5 millones en Sotheby's en Nueva York, convirtiéndose en la obra de arte de Haring más cara vendida en una subasta. [196] Sin embargo, el postor ganador, Anatole Shagalov, no pagó y Sotheby's la revendió por $ 4,4 millones en agosto de 2017. [197]
En octubre de 2020, la Fundación Keith Haring contrató a Sotheby's para realizar una subasta en línea de más de 140 obras de la colección de Haring. [198] Dear Keith superó su estimación de $1,4 millones para lograr $4,6 millones con una tasa de venta del 100 por ciento por lote. Todas las ganancias de la venta se destinaron al Centro Comunitario de Lesbianas, Gays, Bisexuales y Transgénero de Nueva York. [198] En diciembre de 2021, la pintura de Haring de 1982 Sin título (Acróbatas) de la colección de Peter M. Brant y Stephanie Seymour , se vendió por $5,5 millones en Sotheby's en Nueva York. [199]
En 2022, el dibujo de "Radiant Baby" que había hecho en la pared de la casa de su infancia a principios de la década de 1980 fue retirado por sus propietarios (junto con parte de los paneles de la pared) y puesto a la venta. [200]
La obra de Haring se encuentra en importantes colecciones públicas y privadas, incluyendo el Museo de Arte Moderno , la Biblioteca y Museo Morgan y el Museo Whitney de Arte Estadounidense en la ciudad de Nueva York; el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles ; el Instituto de Arte de Chicago ; el Museo Bass en Miami; el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris ; el Centro de Estudios de Arte de la Fundación Brant en Greenwich, Connecticut; el Museo de Arte Carnegie y el Museo Andy Warhol en Pittsburgh; el Museo Ludwig en Colonia; y el Museo Stedelijk en Ámsterdam. [201] También creó una amplia variedad de obras públicas, incluyendo la enfermería en Children's Village en Dobbs Ferry, Nueva York , [202] y el baño de hombres del segundo piso en el Centro Comunitario de Lesbianas, Gays, Bisexuales y Transgénero en Manhattan, que luego se transformó en una oficina y se conoce como la Sala Keith Haring. [203] [204] En enero de 2019, se inauguró la exposición "La Nueva York de Keith Haring" en la Facultad de Derecho de Nueva York , en el edificio principal de su campus de Tribeca . [205]
La Colección Nakamura Keith Haring , establecida en 2007 en Hokuto, Yamanashi , Japón, es un museo de arte que exhibe exclusivamente las obras de arte de Haring. [206] [207]
No existe un catálogo razonado de Haring, pero hay abundante información sobre él en el sitio web de la finca y en otros lugares, lo que permite a los posibles compradores o vendedores investigar el historial de exposiciones. [208] Si bien no existe un catálogo razonado formal para las obras de Haring, "Keith Haring 1982–1990: Editions on Paper – the Complete Printed Works" de Klaus Littmann es ampliamente considerado como la guía más autorizada sobre el tema de sus ediciones impresas. [209]
En 2012, la Fundación Keith Haring disolvió su junta de autenticación para centrarse en sus actividades benéficas. [210] Ese mismo año, donó $1 millón para apoyar exposiciones en el Museo Whitney de Arte Estadounidense . [194] En 2014, un grupo de nueve coleccionistas de arte demandó a la fundación, alegando que les había costado al menos $40 millones al negarse a autenticar 80 supuestas obras de Haring. [211] En 2015, un juez falló a favor de la fundación. [212]
En 1980, Haring tenía 22 años y era un artista prometedor que pintaba en el patio de una escuela en el Lower East Side cuando Ortiz, que entonces tenía 13 años, se acercó a él por primera vez. Ortiz había escuchado que Haring estaba impresionado por su graffiti y que lo estaba buscando... Ortiz sostiene que se le ha negado el crédito y las ganancias de la venta y licencia de obras de arte que ayudó a crear.
Había pintado un cuadro en el concierto Live Aid en el estadio JFK de Filadelfia el verano pasado, para ser subastado en ayuda de la hambruna.
La lucha y la historia de LA2 lo hacen importante para mí. Era un joven puertorriqueño que vino a mí en busca de ayuda. Se había unido al circo de Keith Haring a los 15 años. Keith tenía el perro que ladraba y el bebé radiante. Pero son gráficos, no bellas artes. LA2 creó los rellenos. Esos pequeños símbolos en el trabajo de Keith son las firmas de LA2. Keith y LA2 fueron una colaboración, y la gente no habla de su trabajo de esa manera. LA2 no fue solo la ayuda. El establishment del arte lo ha estafado.
En 2008, Ortiz le dijo a The New York Times que le habían pagado por el trabajo que ayudó a crear durante la vida de Haring, pero que no había visto ninguna de las ganancias del patrimonio de Haring desde su muerte. Según Montez, la Fundación Haring y el mundo del arte han hecho avances desde entonces para rectificar la eliminación de LA2.
