La Bienal de Whitney es una exposición bienal de arte contemporáneo estadounidense [1] organizada por el Museo Whitney de Arte Estadounidense en la ciudad de Nueva York , Estados Unidos. El evento comenzó como una exposición anual en 1932; la primera bienal fue en 1973. Se considera la muestra de arte contemporáneo más importante y de mayor duración en los Estados Unidos. [2] [3] [4] La Bienal ayudó a dar prominencia a artistas como Georgia O'Keeffe , Jackson Pollock y Jeff Koons , entre otros. [5]
En 2010, por primera vez la mayoría de los 55 artistas incluidos en esa encuesta sobre arte estadounidense contemporáneo eran mujeres. [6] La exposición de 2012 contó con 51 artistas, el número más pequeño en la historia del evento. [7]
Los cincuenta y un artistas que participarán en la muestra de 2012 fueron seleccionados por la curadora Elisabeth Sussman y el comisario independiente Jay Sanders. [8] La muestra estuvo abierta durante tres meses, hasta el 27 de mayo de 2012, y presentó por primera vez una muestra "de peso pesado" sobre danza, música y teatro. Estas variaciones de arte escénico estuvieron abiertas a los espectadores durante todo el día en una sala separada. [9]
El Museo Whitney tiene una larga historia, que comenzó en 1932, de organizar una gran exposición colectiva de artistas estadounidenses invitados todos los años llamada "Whitney Annual". A finales de los años sesenta, se decidió alternar entre pintura y escultura, aunque en los años setenta se decidió combinar ambas en una bienal. La primera bienal se celebró en 1973. Desde entonces, las bienales han seguido un enfoque curatorial diferente para incluir todos los medios.
En el pasado, el Museo Whitney ha intentado distintas formas de organizar su bienal. Ha recurrido a su propio personal e invitado a curadores externos, incluidos europeos, para presentar la muestra. En 2010, incluso le pidió a un ex comerciante de arte, Jay Sanders, que luego se convertiría en curador del Whitney, que ayudara a organizar una. [10]
La Bienal del Whitney a menudo se extiende a exposiciones de esculturas en Central Park. [11] La edición de 2008 se apoderó del Park Avenue Armory como espacio para el arte de performance e instalación. La Bienal del Whitney de 2014 es la última en el edificio Marcel Breuer del museo. El museo está dejando el Upper East Side para el distrito de empaquetado de carne, donde está previsto que abra su nuevo edificio, diseñado por Renzo Piano , en 2015. [10]
En 1987, el programa fue objeto de protestas por parte de las Guerrilla Girls por su presunto sexismo y racismo .
Todavía conocida como la bienal "política", la edición de 1993 incluyó obras como la instalación de Pepón Osorio Scene of the Crime (Whose Crime?) de la sala de estar de una familia hispana y los botones de metal de Daniel Joseph Martínez con el mensaje "No puedo imaginarme querer ser blanco alguna vez". [12] La Bienal del Whitney de 1993 fue la exhibición más diversa de un museo estadounidense importante hasta ese momento. [13] En 1970, menos del 1% de los artistas del Museo Whitney eran no blancos. En 1991, solo el 10% de los artistas eran no blancos. Vanessa Faye Johnson afirmó que a pesar de las intenciones, la "falta de intercambio y diálogo, la simplificación de temas complejos en la Bienal" efectivamente presentó a los artistas en gran medida como víctimas a los ojos del público. Roberta Smith, crítica de arte de The New York Times , la llamó "piadosa, [y] a menudo árida". [14] El historiador de arte Robert Hughes criticó vehementemente la falta de pintura y la "lamentable ineptitud pictórica" de los artistas, descartó la abundancia de texto como "una documentación inútil, aburrida y simulada" y se burló del enfoque en la "exclusión y marginalización... [en] un mundo que se volvió malo para los negros, los latinos, los gays, las lesbianas y las mujeres en general". [15] El sentimiento ampliamente compartido fue que el público se sintió alienado por las demandas confrontativas de la obra de arte. Fue la primera Bienal del Whitney en tratar las obras de video con la misma atención al espacio que la escultura, designándoles dos galerías enteras. Las instalaciones cargadas de texto exigían la atención y la participación del público. Los artistas hicieron que fuera extremadamente difícil asimilar la obra como un espectador pasivo.
Desde el año 2000, el Premio Bucksbaum se otorga a un artista que expone en la Bienal.
La Bienal Whitney de 2014 también fue algo controvertida por su falta de diversidad: 9 de los 109 artistas eran negros o afroamericanos, [16] entre ellos Donelle Woolford, un personaje ficticio creado por el artista blanco de 52 años Joe Scanlan. Ella fue la única artista negra femenina incluida en la exposición de la curadora Michelle Grabner . Eunsong Kim y Maya Isabella Mackrandilal criticaron la pieza: "La inserción de personas de color en el espacio blanco no lo hace menos colonial o más radical; esa es la retórica del multiculturalismo imperialista, una teoría pasada de moda". y sugieren que esta pieza trata a "los cuerpos alterizados [como] subcontratables". [17 ]
Además, The YAMS Collective, o HOWDOYOUSAYYAMINAFRICAN?, un colectivo de 38 artistas, escritores, compositores, académicos, cineastas e intérpretes, en su mayoría negros y queer, participó y se retiró de la Bienal de 2014 [18] como protesta por las políticas del Museo Whitney. [19]
Sienna Shields, miembro del Colectivo Yams y artista, dijo: "En cada Bienal del Whitney a la que he asistido, apenas se puede contar con los dedos de una mano el número de artistas negros en la muestra. No quería ser parte de eso", dijo Shields. "Hay tantos artistas de color increíbles que he conocido en los últimos 12 años en Nueva York que son básicamente ignorados. Pero sentí que era hora de una intervención". La poeta Christa Bell explicó: "Toda nuestra participación fue una protesta... El hecho de que la gente no lo sepa no significa que sea menos protesta. La retirada fue el acto final de la protesta. Que la gente negra esté en masa dentro de una institución como el Whitney, presentando arte, es en sí mismo una forma de protesta. Simplemente la seguimos hasta su inevitable conclusión". [20]
La Bienal Whitney de 2017 presentó una controvertida pintura de Emmett Till , titulada Open Casket de Dana Schutz , que provocó protestas y una petición muy difundida que pedía que la pintura fuera retirada y destruida. [21]
La Bienal del Whitney de 2019 fue boicoteada por un grupo de artistas, en protesta contra el vicepresidente del museo, Warren Kanders . Las empresas de Warren Kanders venden suministros militares (gases lacrimógenos y balas) a través de Safariland . Estas balas fueron utilizadas por las fuerzas israelíes y los francotiradores durante las protestas fronterizas de Gaza de 2018-2019 . Las Naciones Unidas publicaron un informe que afirma que las fuerzas de seguridad israelíes pueden haber cometido crímenes de guerra y deberían rendir cuentas individual y colectivamente por la muerte de 189 manifestantes palestinos en Gaza. Como tal, la Bienal del Whitney de 2019 fue etiquetada como "La Bienal del Gas Lacrimógeno" por Hannah Black , Ciarán Finlayson y Tobi Haslett en una carta abierta en Artforum . [22] Entre los artistas que se retiraron se encuentran: Korakrit Arunanondchai , Meriem Bennani , Nicole Eisenman , Nicholas Galanin , Eddie Arroyo , Christine Sun Kim , Agustina Woodgate y Forensic Architecture . La presentación bienal de Forensic Architecture, “Triple-Chaser” (2019), recopiló evidencia, municiones y testimonios de testigos oculares que vinculan a Warren Kanders con los asesinatos y mutilaciones de palestinos. Es una colaboración con la documentalista Laura Poitras . [23]
la exposición contemporánea estadounidense más prestigiosa
La encuesta más importante y de mayor duración sobre el arte estadounidense contemporáneo.
Como evento emblemático del Museo Whitney, la Bienal es una exposición muy esperada que a menudo actúa como barómetro de las tendencias e ideas que se filtran en las comunidades artísticas globales, contadas a través de una lente estadounidense.
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