John William Coltrane (23 de septiembre de 1926 - 17 de julio de 1967) fue un saxofonista, director de banda y compositor de jazz estadounidense. Se encuentra entre las figuras más influyentes y aclamadas de la historia del jazz y la música del siglo XX.
Nacido y criado en Carolina del Norte , Coltrane se mudó a Filadelfia después de graduarse de la escuela secundaria, donde estudió música. Trabajando en los lenguajes bebop y hard bop al principio de su carrera, Coltrane ayudó a ser pionero en el uso de modos y fue uno de los músicos a la vanguardia del free jazz . Dirigió al menos cincuenta sesiones de grabación y apareció en muchos álbumes de otros músicos, entre ellos el trompetista Miles Davis y el pianista Thelonious Monk . A lo largo de su carrera, la música de Coltrane adquirió una dimensión cada vez más espiritual, como se ejemplifica en su álbum más aclamado A Love Supreme (1965) y otros. [1] Décadas después de su muerte, Coltrane sigue siendo influyente y ha recibido numerosos premios póstumos, incluido un premio Pulitzer especial , y fue canonizado por la Iglesia Ortodoxa Africana . [2]
Su segunda esposa fue la pianista y arpista Alice Coltrane . La pareja tuvo tres hijos: John Jr. [3] (1964-1982), bajista; Ravi (nacido en 1965), saxofonista; y Orán (nacido en 1967), saxofonista, guitarrista, baterista y cantante. [4] [5] [6]
Coltrane nació en el apartamento de sus padres en 200 Hamlet Avenue en Hamlet, Carolina del Norte , el 23 de septiembre de 1926. [7] Su padre era John R. Coltrane [8] y su madre era Alice Blair. [9] Creció en High Point, Carolina del Norte , y asistió a la escuela secundaria William Penn . Mientras estaba en la escuela secundaria, Coltrane tocaba el clarinete y la trompa alto en una banda comunitaria [10] antes de cambiar al saxofón, después de haber sido influenciado por gente como Lester Young y Johnny Hodges . [11] [12] A partir de diciembre de 1938, su padre, su tía y sus abuelos murieron con unos pocos meses de diferencia, dejándolo a cargo de su madre y un primo cercano. [13] En junio de 1943, poco después de graduarse de la escuela secundaria, Coltrane y su familia se mudaron a Filadelfia, donde consiguió un trabajo en una refinería de azúcar . En septiembre de ese año, cuando cumplió 17 años, su madre le compró su primer saxofón, un alto. [9] De 1944 a 1945, Coltrane tomó lecciones de saxofón en la Escuela de Música de Ornstein con Mike Guerra. [14] Desde principios hasta mediados de 1945, tuvo su primer trabajo profesional como músico: un "trío de cocktail lounge" con piano y guitarra . [15]
Un momento importante en la progresión del desarrollo musical de Coltrane ocurrió el 5 de junio de 1945, cuando vio actuar a Charlie Parker por primera vez. En un artículo de la revista DownBeat de 1960 recordó: "la primera vez que escuché tocar a Bird, me golpeó justo entre los ojos".
Para evitar ser reclutado por el ejército, Coltrane se alistó en la Armada el 6 de agosto de 1945, el día en que se lanzó la primera bomba atómica estadounidense sobre Japón. [16] Fue entrenado como aprendiz de marinero en la Estación de Entrenamiento Naval de Sampson en el norte del estado de Nueva York antes de ser enviado a Pearl Harbor, [16] donde estuvo destinado en Manana Barracks, [17] el puesto más grande de militares afroamericanos en el mundo. [18] Cuando llegó a Hawaii a finales de 1945, la Armada estaba reduciendo su tamaño. El talento musical de Coltrane fue reconocido y se convirtió en uno de los pocos hombres de la Marina que sirvió como músico sin haber recibido la calificación de músico cuando se unió a Melody Masters, la banda básica de swing. [16] Debido a que Melody Masters era una banda exclusivamente blanca, Coltrane fue tratado como un artista invitado para evitar alertar a los oficiales superiores de su participación en la banda. [19] Continuó realizando otras tareas cuando no tocaba con la banda, incluida la cocina y los detalles de seguridad. Al final de su servicio, había asumido un papel de liderazgo en la banda. Sus primeras grabaciones, una sesión informal en Hawái con músicos de la Marina, se produjeron el 13 de julio de 1946. [20] Tocaba el saxofón alto en una selección de estándares de jazz y melodías de bebop. [21] Fue dado de baja oficialmente de la Armada el 8 de agosto de 1946. Fue galardonado con la Medalla de la Campaña Estadounidense , la Medalla de la Campaña Asia-Pacífico y la Medalla de la Victoria de la Segunda Guerra Mundial .
Después de ser dado de baja de la Marina como marinero de primera clase en agosto de 1946, Coltrane regresó a Filadelfia, donde la bulliciosa escena del jazz de la ciudad le ofreció muchas oportunidades tanto para aprender como para tocar. [22] Coltrane utilizó el GI Bill para inscribirse en la Escuela de Música Granoff , donde estudió teoría musical con el guitarrista y compositor de jazz Dennis Sandole . [23] Coltrane continuaría bajo la tutela de Sandole desde 1946 hasta principios de la década de 1950. [24] Coltrane también tomó lecciones de saxofón con Matthew Rastelli, un profesor de saxofón en Granoff, una vez por semana durante unos dos o tres años, pero las lecciones se detuvieron cuando se acabaron los fondos del GI Bill de Coltrane. [25] Después de una gira con King Kolax , se unió a una banda dirigida por Jimmy Heath , quien conoció la forma de tocar de Coltrane gracias a su ex compañero de la Marina, el trompetista William Massey, quien había tocado con Coltrane en los Melody Masters. [26] Aunque comenzó con el saxofón alto, comenzó a tocar el saxofón tenor en 1947 con Eddie Vinson . [27]
Coltrane llamó a este un momento en el que "se abrió para mí un área más amplia de escucha. Había muchas cosas que personas como Hawk [Coleman Hawkins] , Ben [Webster] y Tab Smith estaban haciendo en los años 40 que yo no entendía". , pero eso lo sentí emocionalmente". [28] Una influencia significativa, según el saxofonista tenor Odean Pope , fue el pianista, compositor y teórico de Filadelfia Hasaan Ibn Ali . "Hasaan fue la clave para... el sistema que utiliza Trane. Hasaan fue la gran influencia en el concepto melódico de Trane". [29] Coltrane se volvió fanático de practicar y desarrollar su oficio, practicando "25 horas al día" según Jimmy Heath . Heath recuerda un incidente en un hotel de San Francisco cuando, después de que se emitiera una denuncia, Coltrane se sacó el cuerno de la boca y practicó los dedos durante una hora completa. [30] Tal fue su dedicación; era común que se quedara dormido con el cuerno todavía en la boca o practicara una sola nota durante horas y horas. [31]
Charlie Parker, a quien Coltrane había escuchado actuar por primera vez antes de su tiempo en la Marina, se convirtió en un ídolo, y él y Coltrane tocaron juntos ocasionalmente a fines de la década de 1940. Fue miembro de grupos liderados por Dizzy Gillespie , Earl Bostic y Johnny Hodges desde principios hasta mediados de la década de 1950.
En 1955, Coltrane trabajaba por cuenta propia en Filadelfia mientras estudiaba con Sandole cuando recibió una llamada del trompetista Miles Davis . Davis había tenido éxito en la década de 1940, pero su reputación y su trabajo se habían visto dañados en parte por la adicción a la heroína; nuevamente estaba activo y a punto de formar un quinteto. Coltrane estuvo con esta edición de la banda de Davis (conocida como el "Primer Gran Quinteto", junto con Red Garland al piano, Paul Chambers al bajo y Philly Joe Jones a la batería) desde octubre de 1955 hasta abril de 1957 (con algunas ausencias). . Durante este período, Davis lanzó varias grabaciones influyentes que revelaron los primeros signos de la creciente capacidad de Coltrane. Este quinteto, representado por dos sesiones maratónicas de grabación para Prestige en 1956, dio como resultado los álbumes Cookin' , Relaxin' , Workin' y Steamin' . El "Primer Gran Quinteto" se disolvió debido en parte a la adicción a la heroína de Coltrane. [32]
Durante la última parte de 1957, Coltrane trabajó con Thelonious Monk en el Five Spot Café de Nueva York y tocó en el cuarteto de Monk (julio-diciembre de 1957), pero, debido a conflictos contractuales, sólo participó en una sesión oficial de grabación de estudio con este grupo. . Coltrane grabó muchas sesiones para Prestige bajo su propio nombre en ese momento, pero Monk se negó a grabar para su antiguo sello. [33] Blue Note Records publicó una grabación privada realizada por Juanita Naima Coltrane de una reunión del grupo en 1958 como Live at the Five Spot—Discovery! en 1993. Posteriormente se encontró una cinta de alta calidad de un concierto dado por este cuarteto en noviembre de 1957, que fue publicada por Blue Note en 2005. Grabadas por Voice of America , las actuaciones confirman la reputación del grupo y el álbum resultante, Thelonious Monk. Cuarteto con John Coltrane en el Carnegie Hall , está muy bien valorado.
Blue Train , la única cita de Coltrane como líder de Blue Note, con el trompetista Lee Morgan , el bajista Paul Chambers y el trombonista Curtis Fuller , es a menudo considerado su mejor álbum de este período. Cuatro de sus cinco temas son composiciones originales de Coltrane, y el tema principal, " Moment's Notice " y " Lazy Bird ", se han convertido en estándares.
Coltrane se reunió con Davis en enero de 1958. En octubre de ese año, el crítico de jazz Ira Gitler acuñó el término " hojas de sonido " [34] para describir el estilo que Coltrane desarrolló con Monk y estaba perfeccionando en el grupo de Davis, ahora un sexteto. Su forma de tocar era comprimida, con corridas rápidas en cascada de muchísimas notas por minuto. Coltrane recuerda: "Descubrí que había un cierto número de progresiones de acordes para tocar en un tiempo determinado y, a veces, lo que tocaba no funcionaba en corcheas, semicorcheas o tresillos. Tenía que poner las notas en orden desigual". grupos como cinco y siete para que todos puedan entrar". [35]
Coltrane permaneció con Davis hasta abril de 1960, trabajando con el saxofonista alto Cannonball Adderley ; los pianistas Red Garland , Bill Evans y Wynton Kelly ; el bajista Paul Chambers ; y los bateristas Philly Joe Jones y Jimmy Cobb . Durante este tiempo participó en las sesiones de Davis Milestones y Kind of Blue , y en las grabaciones de los conciertos Miles & Monk en Newport (1963) y Jazz at the Plaza (1958) .
Al final de este período, Coltrane grabó Giant Steps (1960), su álbum publicado como líder de Atlantic que contenía únicamente sus composiciones. [36] Generalmente se considera que la canción que da título al álbum tiene una de las progresiones de acordes más difíciles de cualquier composición de jazz ampliamente interpretada, [37] eventualmente denominada cambios de Coltrane . [38] Su desarrollo de estos ciclos lo llevó a una mayor experimentación con melodías improvisadas y armonía que continuó a lo largo de su carrera. [39]
Coltrane formó su primer cuarteto para presentaciones en vivo en 1960 para una presentación en la Jazz Gallery de la ciudad de Nueva York. [40] Después de pasar por diferentes miembros del personal, incluidos Steve Kuhn , Pete La Roca y Billy Higgins , mantuvo al pianista McCoy Tyner , al bajista Steve Davis y al baterista Elvin Jones . [41] [42] Tyner, nativo de Filadelfia, había sido amigo de Coltrane durante algunos años, y los dos hombres entendieron que Tyner se uniría a la banda cuando se sintiera listo. [43] [44] My Favourite Things (1961) fue el primer álbum grabado por esta banda. [45] Fue el primer álbum de Coltrane con saxofón soprano , [46] que comenzó a practicar mientras estaba con Miles Davis. [47] Se consideró un movimiento poco convencional porque el instrumento estaba más asociado con el jazz anterior. [48]
En mayo de 1961, Impulse compró el contrato de Coltrane con Atlantic . . [49] ¡El paso a Impulse! significó que Coltrane retomó su relación discográfica con el ingeniero Rudy Van Gelder , quien había grabado sus sesiones y las de Davis para Prestige. Grabó la mayoría de sus álbumes para Impulse! en el estudio de Van Gelder en Englewood Cliffs, Nueva Jersey .
A principios de 1961, el bajista Davis había sido reemplazado por Reggie Workman , mientras que Eric Dolphy se unió al grupo como segundo trompeta. El quinteto tuvo una residencia celebrada y ampliamente grabada en el Village Vanguard , que demostró la nueva dirección de Coltrane. Incluía la música más experimental que había tocado, influenciada por ragas indios , jazz modal y free jazz . John Gilmore , saxofonista del músico Sun Ra , fue particularmente influyente; Después de escuchar una actuación de Gilmore, se dice que Coltrane dijo: "¡Él lo tiene! ¡Gilmore tiene el concepto!". [50] La más famosa de las melodías de Vanguard, el blues de 15 minutos "Chasin' the 'Trane", se inspiró fuertemente en la música de Gilmore. [51]
En 1961, Coltrane comenzó a emparejar a Workman con un segundo bajista, generalmente Art Davis o Donald Garrett . Garrett recordó haber tocado una cinta para Coltrane donde "yo estaba tocando con otro bajista. Estábamos haciendo algunas cosas rítmicamente y Coltrane se entusiasmó con el sonido. Obtuvimos el mismo tipo de sonido que se obtiene del tambor de agua de las Indias Orientales. Un bajo permanece en el registro más bajo y es lo estabilizador y pulsante, mientras que el otro bajo es libre de improvisar, como lo haría la mano derecha en el tambor. Así que a Coltrane le gustó la idea". [52] Coltrane también recordó: "Pensé que otro bajo agregaría ese cierto sonido rítmico. Estábamos tocando muchas cosas con una especie de ritmo suspendido, con un bajo tocando una serie de notas alrededor de un punto, y parecía que otro bajo El bajo podría llenar los espacios." [53] Según Eric Dolphy , una noche: "Wilbur Ware entró y se subió al estrado, así que tenían tres bajos tocando. John y yo nos bajamos del estrado y escuchamos". [53] Coltrane empleó dos bajos en los álbumes de 1961 Olé Coltrane y Africa/Brass , y más tarde en The John Coltrane Quartet Plays y Ascension . Tanto Reggie Workman como Jimmy Garrison tocan el bajo en las grabaciones de Village Vanguard de 1961 de "India" y "Miles' Mode". [54]
Durante este período, los críticos estaban divididos en su valoración de Coltrane, quien había alterado radicalmente su estilo. El público también quedó perplejo; En Francia fue abucheado durante su última gira con Davis. En 1961, la revista DownBeat llamó a los músicos Coltrane y Dolphy "anti-jazz" en un artículo que desconcertó y molestó a los músicos. [51] Coltrane admitió que algunos de sus primeros solos se basaban principalmente en ideas técnicas. Además, la interpretación angular y parecida a una voz de Dolphy le valió la reputación de ser una figura decorativa del "New Thing", también conocido como free jazz, un movimiento liderado por Ornette Coleman que fue denigrado por algunos músicos de jazz (incluido Davis) y críticos. Pero a medida que se desarrolló el estilo de Coltrane, estaba decidido a hacer de cada actuación "una expresión completa del propio ser". [55]
En 1962, Dolphy se fue y Jimmy Garrison reemplazó a Workman como bajista. A partir de entonces, el "Cuarteto Clásico", como se le conoció, con Tyner, Garrison y Jones, produjo un trabajo de búsqueda y espiritualidad. Coltrane avanzaba hacia un estilo más armónicamente estático que le permitía ampliar sus improvisaciones rítmica, melódica y motivadamente. La música armónicamente compleja todavía estaba presente, pero en el escenario Coltrane favorecía la reelaboración continua de sus "estándares": "Impressions", "My Favourite Things" y "I Want to Talk About You".
Las críticas al quinteto con Dolphy pueden haber afectado a Coltrane. En contraste con el radicalismo de sus grabaciones de 1961 en el Village Vanguard, sus álbumes de estudio de los dos años siguientes (con la excepción de Coltrane , 1962, que incluía una versión apasionante de "Out of This World" de Harold Arlen ) fueron mucho más más conservador. Grabó un álbum de baladas y participó en colaboraciones discográficas con Duke Ellington y el cantante Johnny Hartman , un barítono especializado en baladas. El álbum Ballads (grabado entre 1961 y 1962) es emblemático de la versatilidad de Coltrane, ya que el cuarteto arrojó nueva luz sobre estándares como "It's Easy to Remember". A pesar de un enfoque más pulido en el estudio, en concierto el cuarteto continuó equilibrando los "estándares" y su propia música más exploratoria y desafiante, como se puede escuchar en los álbumes Impressions (grabado entre 1961 y 1963), Live at Birdland y Newport '63. (ambos grabados en 1963). Impressions consta de dos improvisaciones extendidas que incluyen la canción principal junto con "Dear Old Stockholm", "After the Rain" y un blues. Coltrane dijo más tarde que disfrutaba tener un "catálogo equilibrado". [56]
El 6 de marzo de 1963, el grupo ingresó al Van Gelder Studio en Nueva Jersey y grabó una sesión que se perdió durante décadas después de que Impulse Records destruyera su cinta maestra para reducir el espacio de almacenamiento. El 29 de junio de 2018, ¡Impulso! lanzó Both Directions at Once: The Lost Album , compuesto por siete temas elaborados a partir de una copia de repuesto que Coltrane le había dado a su esposa. [57] [58] El 7 de marzo de 1963, Hartman se unió a ellos en el estudio para la grabación de seis pistas para el álbum de John Coltrane y Johnny Hartman , lanzado en julio.
¡Impulso! Siguió el exitoso lanzamiento del "álbum perdido" con Blue World de 2019 , compuesto por una banda sonora de 1964 de la película The Cat in the Bag , grabada en junio de 1964.
El Classic Quartet produjo su álbum más vendido, A Love Supreme , en diciembre de 1964. Esta suite de cuatro partes, culminación de gran parte del trabajo de Coltrane hasta este momento, es una oda a su fe y amor por Dios. Estas preocupaciones espirituales caracterizaron gran parte de la composición y la interpretación de Coltrane a partir de ese momento, como se puede ver en títulos de álbumes como Ascension , Om y Meditations . El cuarto movimiento de A Love Supreme , "Psalm", es, de hecho, un escenario musical para un poema original a Dios escrito por Coltrane e impreso en las notas del álbum. Coltrane toca casi exactamente una nota por cada sílaba del poema y basa su fraseo en las palabras. El álbum fue compuesto en la casa de Coltrane en Dix Hills en Long Island.
El cuarteto tocó A Love Supreme en vivo sólo tres veces y grabó dos veces: en julio de 1965 en un concierto en Antibes , Francia, y en octubre de 1965 en Seattle, Washington. [59] ¡Impulse publicó una grabación del concierto de Antibes ! en 2002 en la Edición Deluxe remasterizada de A Love Supreme , [60] y nuevamente en 2015 en la "Edición Super Deluxe" de The Complete Masters. [61] En 2021 se lanzó una segunda grabación amateur recientemente descubierta titulada "A Love Supreme: Live in Seattle".
En su última etapa, Coltrane mostró interés por el jazz de vanguardia de Ornette Coleman, [63] Albert Ayler , [64] y Sun Ra. Estuvo especialmente influenciado por la disonancia del trío de Ayler con el bajista Gary Peacock , [65] que había trabajado con Paul Bley , y el baterista Sunny Murray , cuya interpretación se perfeccionó con Cecil Taylor como líder. Coltrane defendió a muchos jóvenes músicos de free jazz como Archie Shepp , [66] y bajo su influencia Impulse! se convirtió en un sello líder en free jazz.
Después de que se grabara A Love Supreme , el estilo de Ayler se volvió más prominente en la música de Coltrane. Una serie de grabaciones con el Classic Quartet en la primera mitad de 1965 muestran que la forma de tocar de Coltrane se vuelve abstracta, con una mayor incorporación de dispositivos como multifónicos , uso de armónicos y ejecución en el registro altissimo , así como un regreso mutado de las hojas de sonido de Coltrane. . En el estudio, prácticamente abandonó el saxofón soprano para concentrarse en el tenor. El cuarteto respondió tocando con cada vez más libertad. La evolución del grupo se puede rastrear a través de los álbumes The John Coltrane Quartet Plays , Living Space , Transition , New Thing at Newport , Sun Ship y First Meditations .
En junio de 1965, entró en el estudio de Van Gelder con otros diez músicos (incluidos Shepp, [67] Pharoah Sanders , [67] Freddie Hubbard , [67] Marion Brown y John Tchicai [67] ) para grabar Ascension , un disco de 38 años. pieza diminuta que incluía solos de jóvenes músicos de vanguardia. [66] El álbum fue controvertido principalmente por las secciones de improvisación colectiva que separaban los solos. Después de grabar con el cuarteto durante los meses siguientes, Coltrane invitó a Sanders a unirse a la banda en septiembre de 1965. Mientras que Coltrane utilizaba con frecuencia la exageración como signo de exclamación emocional, Sanders "estaba involucrado en la búsqueda de sonidos 'humanos' en su instrumento, " [68] empleando "un tono que explotaba como un soplete" [69] y ampliando drásticamente el vocabulario de su trompeta empleando multifónicos , gruñidos y "chillidos de registro alto [que] podían imitar no sólo la canción humana sino también la canción humana". Llorar y chillar también." [70] Con respecto a la decisión de Coltrane de agregar a Sanders a la banda, Gary Giddins escribió: "Aquellos que habían seguido a Coltrane hasta el borde de la galaxia ahora tenían el desafío adicional de un jugador que parecía tener poco contacto con la tierra". [71]
A finales de 1965, Coltrane aumentaba periódicamente su grupo con Sanders y otros músicos de free jazz. Rashied Ali se unió al grupo como segundo baterista. Este fue el final del cuarteto. Alegando que no podía oírse a sí mismo por culpa de los dos bateristas, Tyner dejó la banda poco después de la grabación de Meditations . Jones se fue a principios de 1966, insatisfecho por compartir las tareas de batería con Ali y afirmando que, en lo que respecta a la última música de Coltrane, "sólo los poetas pueden entenderla". [72] En entrevistas, Tyner y Jones expresaron su descontento con la dirección de la música; sin embargo, incorporarían algo de la intensidad del free jazz en su trabajo en solitario. Más tarde, ambos músicos expresaron un tremendo respeto por Coltrane: con respecto a su última música, Jones afirmó: "Bueno, por supuesto que está muy lejos, porque hay una mente tremenda la que está involucrada, ¿sabes? No esperarías que Einstein estuviera jugando a las jotas, ¿lo harías?" [73] Tyner recordó: "Estaba constantemente avanzando. Nunca se dormía en los laureles, siempre estaba buscando lo que iba a suceder... siempre estaba buscando, como un científico en un laboratorio, buscando algo nuevo, una dirección diferente. ... Seguía escuchando estos sonidos en su cabeza..." [74] Jones y Tyner grabaron tributos a Coltrane, Tyner con Echoes of a Friend (1972) y Blues for Coltrane: A Tribute to John Coltrane (1987), y Jones con Live in Japan 1978: Dear John C. (1978) y Tribute to John Coltrane “A Love Supreme” (1994).
Se especula que en 1965 Coltrane comenzó a usar LSD , [75] [76] informando la trascendencia "cósmica" de su último período. Nat Hentoff escribió: "es como si él y Sanders estuvieran hablando con 'el don de lenguas', como si sus ideas fueran de una fuerza tan convincente que tuvieran que trascender las formas ordinarias de habla musical y las texturas ordinarias para poder transmitir eso. parte de la esencia del ser que han tocado." [77] Después de la partida de Tyner y Jones, Coltrane dirigió un quinteto con Sanders al saxofón tenor, su segunda esposa Alice Coltrane al piano, Garrison al bajo y Ali a la batería. Cuando estaban de gira, el grupo era conocido por tocar versiones largas de su repertorio, muchas de las cuales abarcaban más de 30 minutos a una hora. En concierto, los solos de los miembros de la banda a menudo se extendían más allá de los quince minutos.
Se puede escuchar al grupo en varias grabaciones de conciertos de 1966, incluido Live at the Village Vanguard Again! y Vivir en Japón . En 1967, Coltrane entró varias veces en el estudio. Aunque han aparecido piezas con Sanders (el inusual "To Be" tiene a ambos hombres en la flauta), la mayoría de las grabaciones fueron con el cuarteto sin Sanders ( Expression y Stellar Regions ) o como dúo con Ali. Este último dúo produjo seis actuaciones que aparecen en el álbum Interstellar Space . Coltrane también continuó de gira con el segundo cuarteto hasta dos meses antes de su muerte; su penúltima actuación en vivo y última grabada, una transmisión de radio para el Centro Olatunji de Cultura Africana en la ciudad de Nueva York, finalmente se lanzó como álbum en 2001.
Coltrane murió de cáncer de hígado a la edad de 40 años el 17 de julio de 1967 en el Hospital Huntington de Long Island. Su funeral se celebró cuatro días después en la Iglesia Luterana de San Pedro en la ciudad de Nueva York. El servicio fue iniciado por el Albert Ayler Quartet y finalizado por el Ornette Coleman Quartet. [78] Coltrane está enterrado en el cementerio Pinelawn en Farmingdale , Nueva York.
El biógrafo Lewis Porter especuló que la causa de la enfermedad de Coltrane era la hepatitis , aunque también atribuyó la enfermedad al consumo de heroína por parte de Coltrane en un período anterior de su vida. [79] Frederick J. Spencer escribió que la muerte de Coltrane podría atribuirse al uso de la aguja "o la botella, o ambos". [80] Afirmó que "[l]as agujas que usó para inyectar las drogas pueden haber tenido todo que ver con" la enfermedad hepática de Coltrane: "Si alguna aguja estaba contaminada con el virus de la hepatitis apropiado, pudo haber causado una infección crónica que condujo a cirrosis o cáncer." [80] Señaló que a pesar del "despertar espiritual" de Coltrane en 1957, "para entonces, es posible que haya tenido hepatitis crónica y cirrosis... A menos que haya desarrollado un enfoque primario en otra parte de su vida posterior y que se haya extendido a su hígado, Las semillas del cáncer de John Coltrane se sembraron en sus días de adicción." [81]
La muerte de Coltrane sorprendió a muchos en la comunidad musical que desconocían su condición. Miles Davis dijo: "La muerte de Coltrane conmocionó a todos, tomó a todos por sorpresa. Sabía que no se veía muy bien... Pero no sabía que estaba tan enfermo, o incluso enfermo en absoluto". [82]
En 1947, cuando se unió a la banda de King Kolax , Coltrane pasó al saxofón tenor, instrumento por el que se hizo conocido. [83] A principios de la década de 1960, durante su contrato con Atlantic, también tocaba el saxofón soprano. [83]
Su preferencia por tocar melodías más altas en el rango del saxofón tenor se atribuye a su formación en trompa alto y clarinete. Su "concepto sonoro", manipulado en el tracto vocal, del tenor estaba fijado en un rango más alto que el rango normal del instrumento. [84] Coltrane observó cómo su experiencia tocando el saxofón soprano afectó gradualmente su estilo en el tenor, afirmando que "la soprano, al ser un instrumento pequeño, descubrí que tocar la nota más baja era como tocar... una de las notas medias". notas en el tenor... Descubrí que tocaba todo este instrumento... Y en el tenor, no siempre había tocado todo, porque estaba tocando ciertas ideas que simplemente se ejecutaban en ciertos rangos... Al tocar en soprano y acostumbrarme a tocar desde ese si bemol bajo hacia arriba, pronto llegó a ser así, cuando pasé a tenor, me encontré haciendo lo mismo... Y esto provocó... la voluntad de cambiar y Sólo trata de tocar... la mayor cantidad posible del instrumento". [85]
Hacia el final de su carrera, experimentó con la flauta en sus presentaciones en vivo y grabaciones de estudio ( Live at the Village Vanguard Again!, Expression ) . Después de la muerte de Eric Dolphy en junio de 1964, su madre le dio a Coltrane su flauta y su clarinete bajo. [86]
Según el baterista Rashied Ali, Coltrane tenía interés en la batería. [87] A menudo tenía una batería de repuesto en los escenarios de conciertos que tocaba. [88] Su interés por la batería y su inclinación por tener solos con la batería resonaron en temas como "Pursuance" y "The Drum Thing" de A Love Supreme y Crescent , respectivamente. Resultó en el álbum Interstellar Space con Ali. [89] En una entrevista con Nat Hentoff a finales de 1965 o principios de 1966, Coltrane declaró: "Siento la necesidad de más tiempo, más ritmo a mi alrededor. Y con más de un baterista, el ritmo puede ser más multidireccional. " [77] En una entrevista de agosto de 1966 con Frank Kofsky , Coltrane enfatizó repetidamente su afinidad por la batería, diciendo: "Siento una gran pasión por la batería, de verdad". [90] Más tarde ese año, Coltrane grabaría la música lanzada póstumamente en Offer: Live at Temple University , que presenta a Ali en la batería complementado por tres percusionistas.
Los saxofones tenor ( Selmer Mark VI , número de serie 125571, fechado en 1965) y soprano (Selmer Mark VI, número de serie 99626, fechado en 1962) de Coltrane se subastaron el 20 de febrero de 2005 para recaudar fondos para la Fundación John Coltrane. [91]
Aunque rara vez tocaba el alto, poseía un prototipo de saxofón alto Yamaha que la compañía le regaló en 1966. Se le puede escuchar tocándolo en álbumes en vivo grabados en Japón, como Second Night in Tokyo , y aparece en la foto usándolo. en la portada del recopilatorio Live in Japan . También se le puede escuchar tocando el alto de Yamaha en el álbum Stellar Regions . [92]
Coltrane nació y creció en un hogar cristiano. Fue influenciado por la religión y la espiritualidad desde la infancia. Su abuelo materno, el Reverendo William Blair, fue ministro en una Iglesia Episcopal Metodista Africana de Sión [93] [94] en High Point, Carolina del Norte , y su abuelo paterno, el Reverendo William H. Coltrane, fue ministro de AME Sión en Hamlet, Carolina del Norte . [93] El crítico Norman Weinstein observó el paralelo entre la música de Coltrane y su experiencia en la iglesia del sur, [95] que incluyó practicar música allí cuando era joven.
En 1955, Coltrane se casó con Naima (de soltera Juanita Grubbs). Naima Coltrane, una musulmana conversa, influyó mucho en su espiritualidad. Cuando la pareja se casó, ella tuvo una hija de cinco años llamada Antonia, más tarde llamada Syeeda. Coltrane adoptó a Syeeda. Conoció a Naima en la casa del bajista Steve Davis en Filadelfia. La balada de amor que escribió en honor a su esposa, "Naima", era la composición favorita de Coltrane. En 1956, la pareja dejó Filadelfia con su hija de seis años a cuestas y se mudó a la ciudad de Nueva York. En agosto de 1957, Coltrane, Naima y Syeeda se mudaron a un apartamento en la calle 103 y la avenida Amsterdam en Nueva York. Unos años más tarde, John y Naima Coltrane compraron una casa en 116-60 Mexico Street en St. Albans, Queens . [96] Esta es la casa donde se separarían en 1963. [97]
Sobre la ruptura, Naima dijo en Chasin' the Trane de JC Thomas : "Podía sentir que iba a suceder tarde o temprano, así que no me sorprendió mucho cuando John se mudó de la casa en el verano de 1963. No lo hizo". No me ofreció ninguna explicación. Sólo me dijo que había cosas que tenía que hacer, y se fue sólo con su ropa y sus cuernos. A veces se quedaba en un hotel, otras veces con su madre en Filadelfia. Todo lo que dijo fue: 'Naima'. , Voy a hacer un cambio.' Aunque podía sentirlo venir, me dolía y no lo superé durante al menos un año más". Pero Coltrane mantuvo una relación cercana con Naima, incluso la llamó en 1964 para decirle que el 90% de su interpretación sería oración. Permanecieron en contacto hasta su muerte en 1967. Naima Coltrane murió de un infarto en octubre de 1996.
En 1957, Coltrane tuvo una experiencia religiosa que pudo haberlo ayudado a superar la adicción a la heroína [98] [99] y el alcoholismo [99] con el que había luchado desde 1948. [100] En las notas de A Love Supreme , Coltrane afirma que en 1957 experimentó "por la gracia de Dios, un despertar espiritual que me conduciría a una vida más rica, más plena y más productiva. En ese momento, en agradecimiento, pedí humildemente que se me concedieran los medios y el privilegio de hacer felices a los demás". a través de la música." Las notas parecen mencionar a Dios en un sentido universalista y no defienden una religión sobre otra. [101] Se pueden encontrar más pruebas de esta visión universal en las notas de Meditaciones (1965) en las que Coltrane declara: "Creo en todas las religiones". [102]
En 1963 conoció a la pianista Alice McLeod . [103] Él y Alice se mudaron juntos y tuvieron dos hijos antes de que él "se divorciara oficialmente de Naima en 1966, momento en el que [él] y Alice se casaron inmediatamente". [102] John Jr. nació en 1964, Ravi en 1965 y Oranyan ("Orán") en 1967. [102] Según el músico Peter Lavezzoli, "Alice trajo felicidad y estabilidad a la vida de John, no sólo porque tenían niños, sino también porque compartían muchas de las mismas creencias espirituales, particularmente un interés mutuo en la filosofía india. Alice también entendió lo que era ser músico profesional". [102]
Después de Un Amor Supremo , muchos de los títulos de sus canciones y álbumes tuvieron connotaciones espirituales: Ascensión , Meditaciones , Om , Desinterés , "Amén", "Ascenso", "Alcanzar", "Querido Señor", "Suite de Oración y Meditación", y "El Padre y el Hijo y el Espíritu Santo". [102] Su biblioteca de libros incluía El Evangelio de Sri Ramakrishna , el Bhagavad Gita y la Autobiografía de un yogui de Paramahansa Yogananda . El último de ellos describe, en palabras de Lavezzoli, una "búsqueda de la verdad universal, un viaje que Coltrane también había emprendido. Yogananda creía que los caminos espirituales tanto orientales como occidentales eran eficaces, y escribió sobre las similitudes entre Krishna y Cristo. Esta apertura a Diferentes tradiciones resonaron en Coltrane, quien estudió el Corán , la Biblia, la Cabalá y la astrología con igual sinceridad". [104] También exploró el hinduismo , Jiddu Krishnamurti , la historia africana , las enseñanzas filosóficas de Platón y Aristóteles , [105] y el budismo zen . [106]
En octubre de 1965, Coltrane grabó Om , en referencia a la sílaba sagrada en el hinduismo , que simboliza el infinito o el universo entero. Coltrane describió a Om como la "primera sílaba, la palabra primordial, la palabra de poder". [107] La grabación de 29 minutos contiene cánticos del Bhagavad Gita hindú [108] y del Libro budista tibetano de los muertos , [109] y una recitación de un pasaje que describe la verbalización primordial "om" como un denominador común cósmico/espiritual. en todas las cosas.
El viaje espiritual de Coltrane estuvo entrelazado con su investigación de las músicas del mundo. Creía no sólo en una estructura musical universal que trascendiera las distinciones étnicas, sino también en la capacidad de aprovechar el lenguaje místico de la música misma. Su estudio de la música india le llevó a creer que ciertos sonidos y escalas podían "producir significados emocionales específicos". Según Coltrane, el objetivo de un músico era comprender estas fuerzas, controlarlas y provocar una respuesta del público. Dijo: "Me gustaría llevar a la gente algo parecido a la felicidad. Me gustaría descubrir un método para que, si quiero que llueva, empiece a llover inmediatamente. Si uno de mis amigos está enfermo, le daría "Me gustaría tocar una determinada canción y se curaría; cuando estuviera arruinado, le sacaría una canción diferente e inmediatamente recibiría todo el dinero que necesitaba". [110]
Después de la muerte de Coltrane, una congregación llamada Templo Yardbird en San Francisco comenzó a adorarlo como Dios encarnado. [112] El grupo recibió su nombre de Charlie "Yardbird" Parker , a quien equipararon con Juan el Bautista . [112] La congregación se afilió a la Iglesia Ortodoxa Africana ; Esto implicó cambiar el estatus de Coltrane de dios a santo. [112] La Iglesia Ortodoxa Africana St. John Coltrane resultante , San Francisco, es la única iglesia ortodoxa africana que incorpora la música de Coltrane y sus letras como oraciones en su liturgia. [113]
El reverendo FW King, al describir la Iglesia Ortodoxa Africana de San Juan Coltrane, dijo: "Somos conscientes de Coltrane... Dios habita en la majestuosidad musical de sus sonidos". [114]
Samuel G. Freedman escribió en The New York Times que
... la iglesia de Coltrane no es un truco ni una mezcla forzada de música de discoteca y fe etérea. Su mensaje de liberación a través del sonido divino es en realidad bastante consistente con la propia experiencia y mensaje de Coltrane. ... Tanto de manera implícita como explícita, Coltrane también funcionó como una figura religiosa. Adicto a la heroína en la década de 1950, la dejó de golpe y luego explicó que había escuchado la voz de Dios durante su angustiosa abstinencia. ... En 1966, un entrevistador en Japón le preguntó a Coltrane qué esperaba ser en cinco años, y Coltrane respondió: "un santo". [112]
Coltrane está representado como uno de los 90 santos en el ícono de los Dancing Saints de la Iglesia Episcopal de San Gregorio de Nyssa en San Francisco. El icono es una pintura de 3000 pies cuadrados (280 m 2 ) de estilo iconográfico bizantino que envuelve toda la rotonda de la iglesia. Fue ejecutado por Mark Dukes, un diácono ordenado en la Iglesia Ortodoxa Africana de Saint John Coltrane que pintó otros iconos de Coltrane para la Iglesia de Coltrane. [115] La Iglesia Episcopal de San Bernabé en Newark, Nueva Jersey, incluyó a Coltrane en su lista de santos negros históricos y defendió "la santidad" en un artículo en su sitio web. [116]
Los documentales sobre Coltrane y la iglesia incluyen The Church of Saint Coltrane (1996) de Alan Klingenstein , [111] [117] y un programa de 2004 presentado por Alan Yentob para la BBC . [118]
La siguiente discografía enumera los álbumes concebidos y aprobados por Coltrane como líder durante su vida. No incluye sus numerosos lanzamientos como acompañante, las sesiones reunidas en álbumes por varios sellos discográficos después de que expirara el contrato de Coltrane, las sesiones con Coltrane como acompañante posteriormente reeditadas con su nombre destacado, ni las compilaciones póstumas, excepto la que aprobó antes. su muerte. Consulte el enlace de discografía principal arriba para obtener la lista completa.
En 1965, Coltrane fue incluido en el Salón de la Fama del Down Beat Jazz . En 1972, A Love Supreme obtuvo la certificación de oro de la RIAA por vender más de medio millón de copias en Japón. Este álbum obtuvo la certificación de oro en Estados Unidos en 2001. En 1982 recibió un Grammy póstumo a la Mejor Interpretación Solista de Jazz por el álbum Bye Bye Blackbird , y en 1997 recibió el Grammy Lifetime Achievement Award . [28] En 2002, el académico Molefi Kete Asante lo nombró uno de sus 100 afroamericanos más grandes . [119] Recibió un premio Pulitzer especial en 2007 citando su "improvisación magistral, musicalidad suprema y centralidad icónica en la historia del jazz". [2] Fue incluido en el Salón de la Fama de la Música de Carolina del Norte en 2009. [120]
Una antigua casa, la Casa John Coltrane en Filadelfia, fue designada Monumento Histórico Nacional en 1999. Se agregó su última casa, la Casa John Coltrane en el distrito Dix Hills de Huntington, Nueva York, donde residió desde 1964 hasta su muerte. al Registro Nacional de Lugares Históricos el 29 de junio de 2007.
En 1990, el también músico Robert Palmer realizó un documental sobre el jazz , titulado El mundo según John Coltrane .
Chasing Trane: The John Coltrane Documentary , es una película estadounidense de 2016 dirigida por John Scheinfeld. [121]
{{cite book}}: Mantenimiento CS1: varios nombres: lista de autores ( enlace )[Coltrane] estaba en una cosa de baterista.
Sólo quería liberarse de estos cambios estrictos.
El bajista y el pianista tocaban estos acordes, ya sabes, y él tocaba casi todo lo que podía tocar con estos acordes.
Los jugó al revés.
Él les daría la vuelta.
Los jugó de lado.
Hizo casi todo lo que pudo por ellos.
Y al tocar la batería no tenía que lidiar con cambios de acordes, tonalidades y cosas así.
Así que era libre de jugar como quisiera.
Hubo momentos en que toqué con Trane, él tenía una batería de bateristas, como tres congueros, muchachos tocando batas, agitadores y barriles y todo.
En uno de sus discos hizo eso.
En el Village Vanguard, en vivo, teníamos un montón de bateristas además de los traps.
Y a veces tenía trampas dobles.
Como en Chicago, toqué doble trap con un joven baterista llamado Jack DeJohnette.
[Coltrane] amaba tanto la batería que si tuviéramos un segundo juego de batería en el escenario, a veces él subía y tocaba.
Quiero decir, se sentaba detrás de la batería y tocaba con la banda, ya sabes.
Realmente tenía algo en la batería que le encantaba.
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