Henry Spencer Moore OM CH FBA (30 de julio de 1898 - 31 de agosto de 1986) fue un artista inglés. Es más conocido por sus monumentales esculturas de bronce semiabstractas que se encuentran en todo el mundo como obras de arte públicas. Moore también produjo muchos dibujos, incluida una serie que representa a los londinenses que se refugian de los bombardeos durante la Segunda Guerra Mundial , junto con otras obras gráficas en papel.
Sus formas suelen ser abstracciones de la figura humana, que suelen representar a madres e hijos o figuras reclinadas. Las obras de Moore suelen sugerir el cuerpo femenino, salvo una fase en la década de 1950 en la que esculpió grupos familiares. Sus formas suelen estar perforadas o contienen espacios huecos. Muchos intérpretes comparan la forma ondulada de sus figuras reclinadas con el paisaje y las colinas de su ciudad natal , Yorkshire .
Moore se hizo muy conocido por sus esculturas de mármol tallado y de bronce fundido de gran tamaño, y fue fundamental para introducir una forma particular de modernismo en el Reino Unido. Su capacidad para realizar encargos a gran escala en etapas posteriores de su vida lo convirtió en una persona excepcionalmente rica. A pesar de ello, vivió de forma frugal; la mayor parte del dinero que ganó se destinó a financiar la Fundación Henry Moore , que sigue apoyando la educación y la promoción de las artes.
Moore nació en Castleford , West Riding of Yorkshire , Inglaterra, hijo de Mary (née Baker) y Raymond Spencer Moore. Su padre era de ascendencia irlandesa y se convirtió en ayudante de mina (responsable de la seguridad) y luego subdirector de la mina de carbón Wheldale en Castleford. Era un autodidacta con interés en la música y la literatura. Decidido a que sus hijos no trabajaran en las minas, vio la educación formal como el camino hacia su progreso. [1] Henry fue el séptimo de ocho hijos en una familia que a menudo luchaba contra la pobreza. Asistió a escuelas infantiles y primarias en Castleford, donde comenzó a modelar en arcilla y tallar en madera . Confesó haber decidido convertirse en escultor cuando tenía once años después de enterarse de los logros de Miguel Ángel en una lectura de la escuela dominical. [2]
En su segundo intento fue aceptado en la Castleford Secondary School , a la que habían asistido varios de sus hermanos, donde su director pronto notó su talento e interés por la escultura medieval . [3] Su profesora de arte, Alice Gostick, amplió su conocimiento del arte y, con su estímulo, decidió hacer del arte su carrera; primero presentándose a los exámenes para obtener una beca en la escuela de arte local. [4] Las primeras tallas registradas de Moore (una placa para la Sociedad Scott en la Castleford Secondary School y un Cuadro de Honor que conmemora a los niños que fueron a luchar en la Primera Guerra Mundial desde la escuela) se ejecutaron en esta época. [5]
A pesar de su temprana promesa, los padres de Moore se habían opuesto a que se formara como escultor, una vocación que consideraban un trabajo manual con pocas perspectivas profesionales. Después de una breve introducción como maestro en prácticas, Moore se convirtió en profesor en la escuela a la que había asistido. [4] Al cumplir los dieciocho años, Moore se presentó voluntario para el servicio militar en la Primera Guerra Mundial . Era el hombre más joven del regimiento de fusileros del Servicio Civil del Príncipe de Gales y resultó herido en 1917 en un ataque con gas , el 30 de noviembre en el bosque de Bourlon , [6] durante la batalla de Cambrai . [7] Después de recuperarse en el hospital, pasó el resto de la guerra como instructor de entrenamiento físico , y solo regresó a Francia cuando se firmó el armisticio . Recordó más tarde: "para mí, la guerra transcurrió en una neblina romántica de intentar ser un héroe". [8] Esta actitud cambió cuando reflexionó sobre la destructividad de la guerra y en 1940 escribió, en una carta a su amigo Arthur Sale, que "un año o dos después [de la guerra] la visión de un uniforme caqui comenzó a significar todo lo que en la vida era malo, derrochador y contrario a la vida . Y todavía tengo esa sensación". [9]
Después de la guerra, Moore recibió una beca de exmilitar para continuar su educación y en 1919 se convirtió en estudiante de la Escuela de Arte de Leeds (ahora Universidad de Artes de Leeds ), que instaló un estudio de escultura especialmente para él. En la universidad, conoció a Barbara Hepworth , una compañera de estudios que también se convertiría en una conocida escultora británica, y comenzó una amistad y una suave rivalidad profesional que duró muchos años. En Leeds, Moore también tuvo acceso a las obras modernistas de la colección de Sir Michael Sadler , el vicerrector de la universidad , lo que tuvo un efecto pronunciado en su desarrollo. [10] En 1921, Moore ganó una beca para estudiar en el Royal College of Art de Londres, junto con Hepworth y otros contemporáneos de Yorkshire. [11] Mientras estaba en Londres, Moore amplió su conocimiento del arte primitivo y la escultura, estudiando las colecciones etnográficas del Museo Británico . [12]
Las esculturas de los estudiantes de Moore y Hepworth siguieron el estilo romántico victoriano estándar e incluyeron formas naturales, paisajes y modelado figurativo de animales. Moore más tarde se sintió incómodo con los ideales derivados del clasicismo; su familiaridad posterior con el primitivismo y la influencia de escultores como Constantin Brâncuși , Jacob Epstein , Henri Gaudier-Brzeska y Frank Dobson lo llevaron al método de tallado directo , en el que las imperfecciones en el material y las marcas dejadas por las herramientas se convirtieron en parte de la escultura terminada. Habiendo adoptado esta técnica, Moore estaba en conflicto con los tutores académicos que no apreciaban un enfoque tan moderno. Durante un ejercicio establecido por Derwent Wood (el profesor de escultura en el Royal College), se le pidió a Moore que reprodujera un relieve de mármol de La Virgen y el Niño de Domenico Rosselli [13] modelando primero el relieve en yeso , luego reproduciéndolo en mármol utilizando la ayuda mecánica conocida como " máquina de apuntar ", una técnica llamada "apuntar". En lugar de ello, talló el relieve directamente, incluso marcando la superficie para simular las marcas de pinchazos que habría dejado la máquina señaladora. [14]
En 1924, Moore ganó una beca de viaje de seis meses que pasó en el norte de Italia estudiando las grandes obras de Miguel Ángel , Giotto di Bondone , Giovanni Pisano y varios otros maestros antiguos . Durante este período también visitó París, aprovechó las clases de dibujo cronometrado en la Académie Colarossi y vio, en el Trocadero , un molde de yeso de una forma escultórica tolteca - maya , el Chac Mool , que había visto anteriormente en ilustraciones de libros. La figura reclinada tendría un profundo efecto en la obra de Moore, convirtiéndose en el motivo principal de su escultura. [15]
A su regreso a Londres, Moore aceptó un puesto de profesor durante siete años en el Royal College of Art. Se le exigía que trabajara dos días a la semana, lo que le permitía dedicarse a su propio trabajo. Su primer encargo público, West Wind (1928-29), fue uno de los ocho relieves de los «cuatro vientos» en lo alto de las paredes de la sede del metro de Londres en el 55 de Broadway . [16] Los otros «vientos» fueron tallados por escultores contemporáneos, incluido Eric Gill, con las piezas a nivel del suelo proporcionadas por Epstein . En 1928 se celebró la primera exposición individual de Moore, en la Warren Gallery de Londres. [17] El 19 de julio de 1929, Moore se casó con Irina Radetsky, una estudiante de pintura del Royal College. [18] Irina nació en Kiev en 1907. Su padre murió en la Revolución rusa y su madre fue evacuada a París, donde se casó con un oficial del ejército británico. Irina fue contrabandeada a París un año después y fue a la escuela allí hasta los 16 años, después de lo cual fue enviada a vivir con los parientes de su padrastro en Buckinghamshire . [19]
Irina encontró seguridad en su matrimonio con Moore y pronto posó para él. Poco después de casarse, la pareja se mudó a un estudio en Hampstead en 11a Parkhill Road NW3, uniéndose a una pequeña colonia de artistas de vanguardia que estaban echando raíces allí. Poco después, Hepworth y su segundo marido, Ben Nicholson, se mudaron a un estudio a la vuelta de la esquina de Moore, mientras que Naum Gabo , Roland Penrose , Cecil Stephenson y el crítico de arte Herbert Read también vivían en la zona (Read se refirió a la zona como "un nido de artistas gentiles"). [20] La zona también fue un punto de parada para muchos artistas, arquitectos y diseñadores refugiados de la Europa continental en camino a América. [21]
En 1932, después de seis años de docencia en el Royal College, Moore aceptó un puesto como jefe del Departamento de Escultura en la Chelsea School of Art . [22] Artísticamente, Moore, Hepworth y otros miembros de The Seven and Five Society desarrollarían de forma constante un trabajo más abstracto, [23] en parte influenciados por sus frecuentes viajes a París y su contacto con los principales artistas progresistas, en particular Pablo Picasso , Georges Braque , Jean Arp y Alberto Giacometti . Moore coqueteó con el surrealismo , uniéndose al movimiento de arte moderno de Paul Nash , " Unit One ", en 1933. En 1934, Moore visitó España; visitó la cueva de Altamira (que describió como la "Real Academia de Pintura Rupestre"), Madrid, Toledo y Pamplona. [24]
En 1936, Moore se unió a un grupo de artistas surrealistas fundado por Roland Penrose , y ese mismo año fue tesorero honorario del comité organizador de la Exposición Surrealista Internacional de Londres . [25] En 1937, Roland Penrose compró una 'Madre e hijo' abstracta en piedra de Moore que exhibió en el jardín delantero de su casa en Hampstead. La obra resultó controvertida entre otros residentes y la prensa local realizó una campaña contra la pieza durante los siguientes dos años. En esta época, Moore pasó gradualmente de la talla directa a la fundición en bronce, modelando maquetas preliminares en arcilla o yeso en lugar de hacer dibujos preparatorios. [ cita requerida ]
En 1938, Moore conoció a Kenneth Clark por primera vez. [26] A partir de ese momento, Clark se convirtió en un defensor improbable pero influyente de la obra de Moore, [27] y a través de su posición como miembro del Consejo de las Artes de Gran Bretaña consiguió exposiciones y encargos para el artista. [28]
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Al estallar la Segunda Guerra Mundial, la Escuela de Arte de Chelsea fue evacuada a Northampton y Moore renunció a su puesto de profesor. Durante la guerra, Moore produjo poderosos dibujos de londinenses durmiendo en el metro de Londres mientras se refugiaban de los bombardeos . [29] Kenneth Clark , el presidente del Comité Asesor de Artistas de Guerra (WAAC), había intentado previamente contratar a Moore como artista de guerra asalariado a tiempo completo y ahora aceptó comprar algunos de los dibujos de refugios y emitió contratos para más ejemplos. Los dibujos de refugios que adquirió WAAC se completaron entre el otoño de 1940 y la primavera de 1941 y se consideran entre los mejores productos del programa WAAC. [30] En agosto de 1941, WAAC encargó a Moore que dibujara a los mineros que trabajaban bajo tierra en la mina de carbón Wheldale en Yorkshire, donde su padre había trabajado a principios de siglo. Moore dibujó a la gente en los refugios esperando pasivamente el visto bueno mientras los mineros trabajaban agresivamente en las caras del carbón. [31] Se ha sugerido que los dibujos de Moore sobre el subsuelo y las minas de carbón en tiempos de guerra se inspiraron, en parte, en las ilustraciones de Gustave Doré para la "Divina Comedia" de Dante. [32] Los dibujos de Moore ayudaron a impulsar su reputación internacional, particularmente en Estados Unidos, donde se incluyeron ejemplos en la exposición WAAC Britain at War que recorrió América del Norte durante la guerra. [30]
Después de que su casa de Hampstead fuera alcanzada por la metralla de una bomba en septiembre de 1940, Moore e Irina se mudaron de Londres para vivir en una casa de campo llamada Hoglands en la aldea de Perry Green cerca de Much Hadham , Hertfordshire . [33] Esta se convertiría en el hogar y taller de Moore durante el resto de su vida. A pesar de adquirir una riqueza significativa más tarde en la vida, Moore nunca sintió la necesidad de mudarse a unas instalaciones más grandes y, aparte de la adición de una serie de dependencias y estudios, la casa cambió poco a lo largo de los años. En 1943 recibió un encargo de la iglesia de San Mateo, Northampton , para tallar una Virgen con el Niño; esta escultura fue la primera de una importante serie de esculturas de grupos familiares. [34]
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Después de la guerra y tras varios abortos espontáneos previos, Irina dio a luz a su hija, Mary Moore, en marzo de 1946. [35] La niña recibió el nombre de la madre de Moore, que había fallecido dos años antes. Tanto la pérdida de su madre como la llegada de un bebé centraron la atención de Moore en la familia, que expresó en su obra produciendo muchas composiciones de "madre e hijo", aunque las figuras reclinadas y las figuras internas/externas también siguieron siendo populares. Ese mismo año, Moore hizo su primera visita a Estados Unidos cuando se inauguró una exposición retrospectiva de su obra en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York. [36]
Antes de la guerra, el educador Henry Morris se había puesto en contacto con Moore para intentar reformar la educación con su concepto del Village College . Morris había contratado a Walter Gropius como arquitecto para su segundo colegio comunitario en Impington , cerca de Cambridge , y quería que Moore diseñara una gran escultura pública para el lugar. Sin embargo, el Consejo del Condado no podía permitirse el diseño completo de Gropius y redujo el proyecto cuando Gropius emigró a Estados Unidos. Al carecer de fondos, Morris tuvo que cancelar la escultura de Moore, que no había pasado de la etapa de maqueta. [37] Moore pudo reutilizar el diseño en 1950 para un encargo similar en el exterior de una escuela secundaria para la nueva ciudad de Stevenage . Esta vez, el proyecto se completó y Family Group se convirtió en el primer bronce público a gran escala de Moore. [38]
En la década de 1950, Moore comenzó a recibir encargos cada vez más importantes. Expuso Reclining Figure: Festival en el Festival of Britain en 1951, [39] y en 1958 produjo una gran figura reclinada de mármol para el edificio de la UNESCO en París. [40] Con muchas más obras de arte públicas, la escala de las esculturas de Moore creció significativamente y comenzó a emplear un número cada vez mayor de asistentes para trabajar con él en Much Hadham, incluidos Anthony Caro [41] Roland Piché [42] y Richard Wentworth . [43]
En diciembre de 1967, veinticinco años después de que el equipo de físicos dirigido por Enrico Fermi lograra la primera reacción nuclear en cadena controlada y autosostenida, se presentó la Energía nuclear de Moore en el lugar que alguna vez ocuparon las gradas del campo de fútbol de la universidad, en la cancha de raquetas bajo la cual se habían llevado a cabo los experimentos. [45] A menudo se piensa que esta pieza de 12 pies de alto en medio de una gran plaza abierta representa una nube en forma de hongo coronada por un enorme cráneo humano, pero la interpretación de Moore era muy diferente. Una vez le dijo a un amigo que esperaba que los espectadores "la rodearan, mirando a través de los espacios abiertos, y que pudieran tener la sensación de estar en una catedral". [46] En Chicago, Illinois , Moore también conmemoró la ciencia con un gran reloj de sol de bronce, llamado localmente El hombre entra en el cosmos (1980), que se encargó de reconocer el programa de exploración espacial . [47]
Las últimas tres décadas de la vida de Moore continuaron en una tónica similar; se realizaron varias retrospectivas importantes en todo el mundo, en particular una exposición muy destacada en el verano de 1972 en los terrenos del Forte di Belvedere con vistas a Florencia . Después del documental pionero 'Henry Moore', producido por John Read en 1951, apareció en muchas películas. En 1964, por ejemplo, Moore apareció en el documental "5 British Sculptors (Work and Talk)" del cineasta estadounidense Warren Forma . A fines de la década de 1970, había unas 40 exposiciones al año que presentaban su trabajo. El número de encargos continuó aumentando; completó Knife Edge Two Piece en 1962 para College Green cerca de las Casas del Parlamento en Londres. Según Moore, "Cuando me ofrecieron el sitio cerca de la Cámara de los Lores ... me gustó tanto el lugar que no me molesté en ir a ver un sitio alternativo en Hyde Park : una escultura solitaria puede perderse en un gran parque. El sitio de la Cámara de los Lores es bastante diferente. Está al lado de un camino por el que la gente camina y tiene algunos asientos donde pueden sentarse y contemplarlo". [48]
A medida que su riqueza crecía, Moore comenzó a preocuparse por su legado. Con la ayuda de su hija Mary, creó el Henry Moore Trust en 1972, con el objetivo de proteger su patrimonio de los impuestos sobre la herencia . En 1977, pagaba cerca de un millón de libras al año en impuestos sobre la renta ; para mitigar su carga fiscal, estableció la Henry Moore Foundation como una organización benéfica registrada con Irina y Mary como fideicomisarias. La Fundación se estableció para fomentar la apreciación pública de las artes visuales y especialmente las obras de Moore. Ahora administra su casa y su propiedad en Perry Green , con una galería, un parque de esculturas y estudios. [49]
En 1979, Henry Moore se hizo inesperadamente conocido en Alemania cuando su escultura Large Two Forms se instaló en la explanada de la Cancillería alemana en Bonn, que era la capital de Alemania Occidental antes de la reunificación alemana en octubre de 1990. [50]
Moore murió el 31 de agosto de 1986 en su casa de Perry Green. Su cuerpo fue enterrado en el cementerio de la iglesia de Santo Tomás. [51]
La forma característica de Moore es una figura reclinada. La exploración de esta forma por parte de Moore, bajo la influencia de la figura maya-tolteca que había visto en el Louvre, lo llevó a una creciente abstracción a medida que dirigía sus pensamientos hacia la experimentación con los elementos del diseño. Las primeras figuras reclinadas de Moore tratan principalmente de la masa, mientras que las posteriores contrastan los elementos sólidos de la escultura con el espacio, no solo alrededor de ellos sino generalmente a través de ellos, a medida que perforaba las formas con aberturas. [ cita requerida ]
Las primeras figuras se perforan de manera convencional, en la que las extremidades dobladas se separan y se vuelven a unir al cuerpo. Las figuras posteriores, más abstractas, suelen estar atravesadas por espacios directamente a través del cuerpo, por lo que Moore explora y alterna formas cóncavas y convexas. Estas perforaciones más extremas se desarrollaron en paralelo con las esculturas de Barbara Hepworth . [52] Hepworth perforó por primera vez un torso después de leer mal una reseña de una de las primeras exposiciones de Henry Moore. [ cita requerida ] La figura reclinada de yeso : Festival (1951) en la Tate , es característica de las esculturas posteriores de Moore: una figura femenina abstracta intercalada con huecos. Como ocurre con gran parte de la obra de posguerra, hay varios moldes de bronce de esta escultura. [ cita requerida ] Cuando la sobrina de Moore le preguntó por qué sus esculturas tenían títulos tan simples, respondió:
Todo arte debe tener un cierto misterio y plantear exigencias al espectador. Darle a una escultura o a un dibujo un título demasiado explícito quita parte de ese misterio, de modo que el espectador pasa al siguiente objeto, sin hacer ningún esfuerzo por reflexionar sobre el significado de lo que acaba de ver. Todo el mundo cree que está mirando, pero en realidad no lo está haciendo. [53]
Los primeros trabajos de Moore se centran en el tallado directo , en el que la forma de la escultura evoluciona a medida que el artista va tallando repetidamente el bloque. En la década de 1930, la transición de Moore al modernismo fue paralela a la de Barbara Hepworth; los dos intercambiaron nuevas ideas entre sí y con varios otros artistas que vivían en Hampstead. Moore hizo muchos bocetos y dibujos preparatorios para cada escultura. La mayoría de estos cuadernos de bocetos han sobrevivido y brindan una idea del desarrollo de Moore. Le dio gran importancia al dibujo; en la vejez, cuando tuvo artritis, continuó dibujando. [54]
Después de la Segunda Guerra Mundial, los bronces de Moore adquirieron una escala mayor, que era particularmente adecuada para encargos de arte público. Por cuestiones prácticas, abandonó en gran medida el tallado directo y contrató a varios asistentes para que lo ayudaran a producir las formas más grandes basadas en maquetas. A fines de la década de 1940, produjo esculturas cada vez más mediante modelado, trabajando la forma en arcilla o yeso antes de fundir la obra final en bronce utilizando la técnica de cera perdida . Estas maquetas a menudo comenzaban como pequeñas formas moldeadas por las manos de Moore, un proceso que le da a su trabajo una sensación orgánica. Son del cuerpo. En su casa en Much Hadham, Moore reunió una colección de objetos naturales: calaveras, madera flotante, guijarros, rocas y conchas, que usaría para inspirarse para formas orgánicas. Para sus obras más grandes, generalmente produjo un modelo de trabajo a media escala antes de aumentar la escala para el moldeado y fundición final en una fundición de bronce . Moore a menudo refinó la forma final de yeso completo y agregó marcas superficiales antes de fundir. [ cita requerida ]
Moore produjo al menos tres ejemplos significativos de escultura arquitectónica durante su carrera. En 1928, a pesar de sus propias "reservas extremas", según él mismo lo describió, aceptó su primer encargo público para West Wind para el edificio del metro de Londres en el 55 de Broadway en Londres, uniéndose a la compañía de Jacob Epstein y Eric Gill . [55] En 1953, completó un biombo de cuatro partes tallado en piedra de Portland para el edificio Time-Life en New Bond Street, Londres, [56] y en 1955 Moore se dedicó a su primer y único trabajo en ladrillo tallado, Wall Relief en el Bouwcentrum en Rotterdam. El relieve de ladrillo fue esculpido con 16.000 ladrillos por dos albañiles holandeses bajo la supervisión de Moore. [57]
Las secuelas de la Segunda Guerra Mundial , el Holocausto y la era de la bomba atómica inculcaron en la escultura de mediados de la década de 1940 la sensación de que el arte debía volver a sus orígenes preculturales y prerracionales. En la literatura de la época, escritores como Jean-Paul Sartre defendían una filosofía reduccionista similar. [58] En un discurso de presentación en la ciudad de Nueva York para una exposición de uno de los mejores escultores modernistas , Alberto Giacometti , Sartre habló del "principio y el fin de la historia". [59] La idea de Moore de que Inglaterra emergía invicta del asedio lo llevó a centrarse en piezas caracterizadas por la resistencia y la continuidad. [58]
La mayoría de los escultores que surgieron durante el apogeo de la fama de Moore y después de su muerte se vieron a la sombra de él. A finales de la década de 1940, Moore era una celebridad mundial; era la voz de la escultura británica y del modernismo británico en general. La siguiente generación fue constantemente comparada con él y reaccionó desafiando su legado, sus credenciales de "establishment" y su posición. En la Bienal de Venecia de 1952 , ocho nuevos escultores británicos produjeron sus obras Geometry of Fear como un contraste directo con los ideales detrás de la idea de Moore de Resistencia, Continuidad ; [60] su gran figura de bronce Double Standing Figure se encontraba fuera del pabellón británico y contrastaba fuertemente con las obras más toscas y angulares del interior. [61]
Sin embargo, Moore ejerció una influencia directa sobre varias generaciones de escultores de renombre tanto británicos como internacionales. Entre los artistas que han reconocido la importancia de Moore para su obra se encuentran Sir Anthony Caro , [62] Phillip King [63] e Isaac Witkin , [64] los tres fueron asistentes de Moore. Otros artistas cuyo trabajo se vio influenciado por él incluyen a Helaine Blumenfeld , Drago Marin Cherina , Lynn Chadwick , Eduardo Paolozzi , Bernard Meadows , Reg Butler , William Turnbull , Robert Adams , Kenneth Armitage y Geoffrey Clarke. [65]
La Fundación Henry Moore ayuda a preservar su legado apoyando a escultores y creando exposiciones. Su objetivo es fomentar el aprecio por las artes visuales. La Fundación fue fundada por Henry y su familia en 1977 en Inglaterra y todavía sigue en funcionamiento. [66]
En diciembre de 2005, la figura reclinada de dos toneladas (1969-70), asegurada por 3 millones de libras, fue levantada con una grúa desde los terrenos de la Fundación Henry Moore hasta un camión y no ha sido recuperada. [67] Dos hombres fueron encarcelados durante un año en 2012 por robar una escultura llamada Sundial (1965) y el pedestal de bronce de otra obra, también del patrimonio de la fundación. [68] En octubre de 2013, Standing Figure (1950), una de las cuatro piezas de Moore en Glenkiln Sculpture Park , cuyo valor se estima en 3 millones de libras, fue robada. [69] [70]
En 2012, el consejo del distrito londinense de Tower Hamlets anunció sus planes de vender otra versión de Draped Seated Woman 1957–58 , una escultura de bronce de 1,6 toneladas. [71] Moore, un conocido socialista, había vendido la escultura a una fracción de su valor de mercado al antiguo Consejo del Condado de Londres con el entendimiento de que se exhibiría en un espacio público y podría enriquecer las vidas de quienes viven en un área socialmente desfavorecida. Apodada Old Flo , se instaló en la finca del consejo de Stifford en 1962, pero fue vandalizada y trasladada al Yorkshire Sculpture Park en 1997. El Consejo de Tower Hamlets más tarde había considerado trasladar Draped Seated Woman a un terreno privado en Canary Wharf, pero en su lugar optó por "explorar opciones" para una venta. [72] En respuesta al anuncio, se publicó una carta abierta en The Guardian , firmada por Mary Moore, la hija del artista, por Sir Nicholas Serota , director de la Tate Gallery , por el cineasta Danny Boyle y por artistas como Jeremy Deller . La carta decía que la venta "va en contra del espíritu de la venta original de la obra de Henry Moore". [73] La venta se retrasó por un caso legal y un cambio de alcalde provocó que se mantuviera; a partir de 2024 [actualizar], se exhibe en Cabot Square en los Docklands de Londres.
En la actualidad, la Fundación Henry Moore gestiona la antigua casa del artista en Perry Green, en Hertfordshire, como destino para visitantes, con 70 acres (28 ha) de terrenos para esculturas, así como su casa restaurada y estudios. También dirige el Instituto Henry Moore en Leeds, que organiza exposiciones y actividades de investigación sobre escultura internacional. Algunos percibieron que el interés popular en la obra de Moore había disminuido durante un tiempo en el Reino Unido, pero se ha revivido en los últimos tiempos con exposiciones, incluidas las de Kew Gardens en 2007, Tate Britain en 2010 y Hatfield House en 2011. La fundación que dotó sigue desempeñando un papel esencial en la promoción del arte contemporáneo en el Reino Unido y en el extranjero a través de su programa de subvenciones y exposiciones. [74]
La colección más grande del mundo de la obra de Moore está abierta al público y se encuentra en la casa y los terrenos de la finca de 70 acres que fue el hogar de Moore durante 40 años en Perry Green, en Hertfordshire. El sitio y la colección ahora son propiedad de la Fundación Henry Moore . [75]
En diciembre de 2005, unos ladrones entraron en un patio de la Fundación Henry Moore y robaron un molde de la Figura reclinada de Moore, 1969-70 (LH 608), una escultura de bronce de 3,6 m (12 pies) de largo y 2,1 toneladas. Las imágenes de circuito cerrado de televisión mostraron que utilizaron una grúa para bajar la pieza a un camión de plataforma robado. La fundación ofreció una recompensa sustancial por información que condujera a su recuperación. En mayo de 2009, después de una investigación exhaustiva, los funcionarios británicos dijeron que creían que la obra, una vez valorada en 3 millones de libras, probablemente se vendió como chatarra , por unas 5.000 libras. [76] [77] En julio de 2012, el bronce de 22 pulgadas (56 cm) Sundial 1965 , valorado en 500.000 libras, fue robado de la Fundación Moore. [78] Más tarde ese año, después de que los detalles del robo se hicieran públicos en el programa de televisión BBC Crimewatch , se recuperó la obra y los ladrones fueron condenados a doce meses de prisión. [79]
Moore presentó 36 esculturas, así como dibujos, maquetas y otras obras a la Tate Gallery en 1978. [80]
El Centro de Escultura Henry Moore en la Galería de Arte de Ontario , Toronto, abrió sus puertas en 1974. Comprende la colección pública más grande del mundo de la obra de Moore, la mayor parte donada por él entre 1971 y 1974. La obra Three Way Piece No. 2 (The Archer) de Moore también ha estado en exhibición en Nathan Phillips Square en el Ayuntamiento de Toronto desde 1966. [81] [82]
Las obras de Moore se encuentran en las colecciones de instituciones en 25 estados y el Distrito de Columbia. [83]
En el Museo de Arte Nelson-Atkins de Kansas City (Misuri) se encuentran once grandes esculturas de bronce de Moore . [84] [85] También hay un gran bronce, "Seated Woman" (Mujer sentada) de 1957, dentro del museo. [86] Se trata de la colección más grande de bronces monumentales de Moore en los Estados Unidos. [87] El museo también contiene alrededor de 43 esculturas más pequeñas de Moore que normalmente no se exhiben. Las posesiones del museo también incluyen algunas obras en papel y cuatro grandes piezas tejidas, tituladas "Seated Figures: Ideas for Terracotta" (Figuras sentadas: ideas para terracota) (1981-1982), que son tapices de 7 a 8 pies de largo realizados por tejedores británicos basados en dibujos de Moore. [88] Durante la vida de Moore se produjeron veintiocho tapices más. [89]
En 1948, Moore ganó el Premio Internacional de Escultura en la Bienal de Venecia . [90] Rechazó el título de caballero en 1951 porque sintió que la concesión llevaría a una percepción de él como una figura establecida y que "tal título podría tender a separarme de otros artistas cuyo trabajo tiene objetivos similares a los míos". [65] Sin embargo, fue nombrado miembro de la Orden de los Compañeros de Honor en 1955 [91] y miembro de la Orden del Mérito en 1963, [92] y recibió el Premio Erasmo en 1968. [93] También fue miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias y de la Sociedad Filosófica Estadounidense . [94] [95]
Fue fideicomisario de la National Gallery y de la Tate Gallery . [96] Su propuesta de que un ala de esta última se dedicase a sus esculturas despertó hostilidad entre algunos artistas. En 1975, se convirtió en el primer presidente de la Turner Society , [97] que se había fundado para hacer campaña a favor de un museo independiente en el que se pudiera reunir todo el legado de Turner [98] , un objetivo que fue derrotado por la National Gallery y la Tate Gallery. [ cita requerida ]
Donada a la ciudad de Londres por Moore y la Sociedad de Arte Contemporáneo en 1967, Knife Edge Two Piece 1962–65 se exhibe en Abingdon Street Gardens , frente a las Casas del Parlamento , donde su aparición regular en el fondo de los informes de noticias televisados de Westminster la convierte en la pieza más destacada de Moore en Gran Bretaña. La propiedad de Knife Edge Two Piece 1962–65 fue disputada hasta su adquisición en 2011 por la Colección de Arte Parlamentario. [99]
Al final de su carrera, Moore era el artista vivo más exitoso del mundo en subastas. En 1982, cuatro años antes de su muerte, Sotheby's en Nueva York vendió una Figura reclinada de 6 pies (1,8 m) (1945), por $1,2 millones al coleccionista Wendell Cherry. Aunque se estableció un primer récord de $4,1 millones en 1990, el mercado de Moore se desplomó durante la recesión que siguió. En 2012, su bronce de ocho pies, Figura reclinada: Festival (1951) se vendió por un récord de £19,1 millones en Christie's , lo que lo convirtió en el segundo artista británico del siglo XX más caro después de Francis Bacon . [100]
