El gabinete del Dr. Caligari ( en alemán : Das Cabinet des Dr. Caligari ) es una película de terror muda alemana de 1920 , dirigida por Robert Wiene y escrita por Hans Janowitz y Carl Mayer . Considerada la obra por excelencia del cine expresionista alemán , cuenta la historia de un hipnotizador demente ( Werner Krauss ) que utiliza a un sonámbulo con el cerebro lavado ( Conrad Veidt ) para cometer asesinatos. La película presenta un estilo visual oscuro y retorcido, con formas puntiagudas, líneas oblicuas y curvas, estructuras y paisajes que se inclinan y retuercen en ángulos inusuales, y sombras y rayos de luz pintados directamente sobre los decorados.
El guión se inspiró en varias experiencias de las vidas de Janowitz y Mayer, ambos pacifistas que desconfiaban de la autoridad tras sus experiencias con los militares durante la Primera Guerra Mundial . La película hace uso de una historia marco , con un prólogo y un epílogo combinados con un final retorcido . Janowitz dijo que este dispositivo fue impuesto a los escritores en contra de su voluntad. El diseño de la película estuvo a cargo de Hermann Warm , Walter Reimann y Walter Röhrig , quienes recomendaron un estilo gráfico fantástico en lugar de uno naturalista.
La película tematiza la autoridad brutal e irracional. Escritores y académicos han argumentado que la película refleja una necesidad subconsciente de un tirano en la sociedad alemana y es un ejemplo de la obediencia de Alemania a la autoridad y la falta de voluntad para rebelarse contra una autoridad trastornada. Algunos críticos han interpretado a Caligari como representante del gobierno de guerra alemán, y a César como símbolo del hombre común condicionado, como los soldados, a matar. Otros temas de la película incluyen el contraste desestabilizado entre locura y cordura, la percepción subjetiva de la realidad y la dualidad de la naturaleza humana.
El Gabinete del Dr. Caligari se estrenó justo cuando las industrias cinematográficas extranjeras estaban aliviando las restricciones a la importación de películas alemanas después de la Primera Guerra Mundial, por lo que se proyectó internacionalmente. Los relatos difieren en cuanto a su éxito financiero y crítico tras su estreno, pero los críticos e historiadores del cine moderno la han elogiado en gran medida como una película revolucionaria. La película fue votada en el puesto 12 de la prestigiosa lista de los 12 de Bruselas en la Exposición Universal de 1958. El crítico Roger Ebert la llamó posiblemente " la primera película de terror verdadera ", [3] y el crítico de cine Danny Peary la llamó la primera película de culto del cine y una precursora de las películas de autor . Considerada un clásico, ayudó a llamar la atención mundial sobre el mérito artístico del cine alemán y tuvo una gran influencia en las películas estadounidenses, particularmente en los géneros de terror y cine negro .
En lo que parece ser un parque, Francis se sienta en un banco con un hombre mayor y se queja de que los espíritus lo han alejado de su familia y de su hogar. Cuando una mujer aturdida pasa junto a ellos, Francis explica que ella es su "prometida" Jane y que han sufrido una gran experiencia. La mayor parte del resto de la película es un flashback de la historia de Francis, que tiene lugar en Holstenwall, un pueblo sombrío de edificios retorcidos y calles en espiral.
Francis y su amigo Alan, que compiten afablemente por el afecto de Jane, planean visitar la feria de la ciudad. Mientras tanto, un hombre misterioso llamado Dr. Caligari busca un permiso del grosero secretario municipal para presentar un espectáculo en la feria, en el que aparece Cesare, un sonámbulo . El empleado se burla y reprende a Caligari, pero finalmente aprueba el permiso. Esa noche, el empleado es asesinado a puñaladas en su cama.
A la mañana siguiente, Francis y Alan visitan la atracción secundaria de Caligari, donde él abre una caja parecida a un ataúd para revelar a Cesare dormido. Por orden de Caligari, Cesare se despierta y responde las preguntas de la audiencia. A pesar de las protestas de Francisco, Alan pregunta: "¿Cuánto tiempo viviré?" Para horror de Alan, Cesare responde: "El tiempo es corto. ¡Mueres al amanecer!". Más tarde esa noche, una figura irrumpe en la casa de Alan y lo mata a puñaladas en su cama. Francis, desconsolado, investiga el asesinato de Alan con la ayuda de Jane y su padre, el Dr. Olsen, quien obtiene autorización policial para investigar al sonámbulo. Esa noche, la policía detiene a un criminal en posesión de un cuchillo que es sorprendido intentando asesinar a una anciana. Interrogado por Francis y el Dr. Olsen, el criminal confiesa que intentó matar a la anciana, pero niega cualquier participación en las dos muertes anteriores; simplemente estaba aprovechando la situación para desviar la culpa de sí mismo.
Por la noche, Francis espía a Caligari y observa lo que parece ser Cesare durmiendo en su palco. Sin embargo, el verdadero Cesare se cuela en la casa de Jane mientras ella duerme. Él levanta un cuchillo para apuñalarla, pero en lugar de eso la secuestra después de una lucha, arrastrándola por la ventana hacia la calle. Perseguido por una multitud enojada, Cesare finalmente deja a Jane y huye; pronto colapsa y muere de agotamiento. Francis confirma que el criminal que confesó el asesinato de la anciana todavía está encerrado y no pudo haber sido el atacante de Jane. Francis y la policía investigan el espectáculo de Caligari y descubren que el "Cesare" que duerme en la caja es sólo un muñeco. Caligari escapa en medio de la confusión. Francis lo sigue y ve a Caligari ingresar en un manicomio.
Tras una mayor investigación, Francis se sorprende al saber que Caligari es el director del asilo. Con la ayuda del personal del asilo, Francis estudia los registros y el diario del director mientras éste duerme. Los escritos revelan su obsesión por la historia de un místico del siglo XVIII llamado Caligari, que utilizó a un sonámbulo llamado Cesare para cometer asesinatos en ciudades del norte de Italia. El director, intentando comprender al Caligari anterior, experimenta con un sonámbulo admitido en el asilo, que se convierte en su Cesare. El director del asilo grita: "¡Debo convertirme en Caligari!" Francis y los médicos llaman a la policía al consultorio de Caligari, donde le muestran el cadáver de Cesare. Caligari luego ataca a uno de los miembros del personal. Es sometido, sujeto con una camisa de fuerza y se convierte en recluso en su propio asilo.
La narración regresa al presente, donde Francisco concluye su historia. En un final retorcido , Francisco es representado como un recluso de un asilo. Jane y Cesare también son pacientes; Jane cree que es una reina, mientras que Cesare no es un sonámbulo sino que está despierto, tranquilo y no es visiblemente peligroso. El hombre al que Francisco se refiere como "Dr. Caligari" es el director del asilo. Francis lo ataca y lo sujetan con una camisa de fuerza, luego lo colocan en la misma celda donde estaba confinado Caligari en la historia de Francis. El director del asilo anuncia, ahora que comprende el engaño de Francisco, que confía en poder curarlo.
El gabinete del Dr. Caligari fue escrito por Hans Janowitz y Carl Mayer , quienes eran pacifistas cuando se conocieron después de la Primera Guerra Mundial . [4] [5] Janowitz sirvió como oficial durante la guerra, pero la experiencia lo dejó amargado con el ejército, lo que afectó su escritura. [6] [7] Mayer fingió locura para evitar el servicio militar durante la guerra, [4] [8] lo que lo llevó a intensos exámenes por parte de un psiquiatra militar. [4] [5] [9] La experiencia lo dejó desconfiado de la autoridad, [4] [6] y el psiquiatra sirvió de modelo para el personaje de Caligari. [10] [11] Janowitz y Mayer fueron presentados en junio de 1918 por un amigo común, el actor Ernst Deutsch . [12] Ambos escritores no tenían un centavo en ese momento. [13] Gilda Langer , una actriz de la que Mayer estaba enamorado, animó a Janowitz y Mayer a escribir una película juntos. Más tarde se convirtió en la base del personaje de Jane. Langer también animó a Janowitz a visitar a un adivino, quien predijo que Janowitz sobreviviría a su servicio militar durante la guerra, pero Langer moriría. Esta predicción resultó cierta, ya que Langer murió inesperadamente en 1920 a la edad de 23 años, y Janowitz dijo que inspiró la escena en la que Cesare predice la muerte de Alan en la feria. [8] [14]
Aunque ninguno tenía ninguna asociación con la industria cinematográfica, [15] Janowitz y Mayer escribieron un guión durante seis semanas durante el invierno de 1918-1919. [16] Al describir sus roles, Janowitz se llamó a sí mismo "el padre que plantó la semilla, y Mayer la madre que la concibió y maduró". [17] El cineasta expresionista Paul Wegener fue una de sus influencias. [9] [15] La historia se inspiró parcialmente en un espectáculo de circo que los dos visitaron en Kantstrasse en Berlín, [11] [18] llamado "¿Hombre o máquina?", en el que un hombre realizaba hazañas de gran fuerza después de quedar hipnotizado. [9] [16] [18] Visualizaron por primera vez la historia de Caligari la noche de ese espectáculo. [9] Varias de las experiencias pasadas de Janowitz influyeron en sus escritos, incluidos los recuerdos de su ciudad natal de Praga , [19] [20] y, como él mismo dijo, la desconfianza en "el poder autoritario de un estado inhumano que se volvió loco" debido a su servicio militar. [19] Janowitz también creyó haber presenciado un asesinato en 1913 cerca de un parque de atracciones en Reeperbahn de Hamburgo , al lado de Holstenwall , lo que sirvió de otra inspiración para el guión. Según Janowitz, observó a una mujer desaparecer entre unos arbustos, de los que momentos después emergió un hombre de aspecto respetable, y al día siguiente Janowitz se enteró de que la niña había sido asesinada. [4] [5] [19] [21] [22] Holstenwall más tarde se convirtió en el nombre de la ciudad en Caligari . [4] [5] [19]
Se dice que Janowitz y Mayer se propusieron escribir una historia denunciando la autoridad arbitraria como brutal y demencial. [4] Janowitz dijo que sólo años después del estreno de la película se dio cuenta de que exponer el "poder autoritario de un estado inhumano" era la "intención subconsciente" de los escritores. [17] [23] Hermann Warm , quien diseñó los decorados de la película, dijo que Mayer no tenía intenciones políticas cuando escribió la película. [24] [25] El historiador de cine David Robinson señaló que Janowitz no se refirió a intenciones anti-autoridad en el guión hasta muchas décadas después del estreno de Caligari , y sugirió que el recuerdo de Janowitz puede haber cambiado en respuesta a interpretaciones posteriores de la película. [25]
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La película que escribieron se tituló Das Cabinet des Dr. Caligari , utilizando la ortografía inglesa Cabinet en lugar de la alemana Kabinett . [13] [26] El guión completo contenía 141 escenas. [27] Janowitz ha afirmado que el nombre Caligari , que no se decidió hasta después de terminar el guión, se inspiró en un libro raro llamado Cartas desconocidas de Stendhal , que presentaba una carta del novelista francés Stendhal refiriéndose a un oficial francés llamado Caligari. lo conoció en el teatro La Scala de Milán . [4] [10] [13] Sin embargo, no existe ningún registro de dicha carta, y el historiador de cine John D. Barlow sugirió que Janowitz pudo haber inventado la historia. [28] La apariencia física de Caligari se inspiró en los retratos del filósofo alemán Arthur Schopenhauer . [29] El nombre del personaje se escribe Calligaris en la única escritura conocida que se conserva, aunque en algunos casos se elimina la s final. Otros nombres de personajes también se escriben de manera diferente a la película final: Cesare aparece como Caesare , Alan es Allan o, a veces , Alland y el Dr. Olfen es el Dr. Olfens . Del mismo modo, los personajes anónimos de la película final tienen nombres en el guión, incluido el secretario municipal ("Dr. Lüders") y el ladrón ("Jakob Straat"). [30]
La historia de Caligari se cuenta de forma abstracta, como un cuento de hadas, e incluye poca descripción o atención a las motivaciones psicológicas de los personajes, lo que se enfatiza más en el estilo visual de la película. [31] El guión original muestra pocos rastros de la influencia expresionista que prevalece en los decorados y el vestuario de la película. [32] A través del director de cine Fritz Lang , Janowitz y Mayer se reunieron con Erich Pommer , jefe de producción del estudio Decla-Film en Weissensee, el 19 de abril de 1919, para discutir la venta del guión. [18] [29] Según Pommer, intentó deshacerse de ellos, pero persistieron hasta que aceptó reunirse con ellos. [18] [29] Según los informes, Pommer pidió a los escritores que le dejaran el guión, pero se negaron y, en cambio, Mayer se lo leyó en voz alta. [29] Pommer y su asistente, Julius Sternheim, quedaron tan impresionados que se negó a dejarlos irse hasta que se firmara un contrato, y les compró el guión esa noche. [29] [33] Los escritores habían buscado originalmente no menos de 10.000 marcos, pero les dieron 3.500, con la promesa de otros 2.000 una vez que la película entrara en producción y 500 si se vendía para su estreno en el extranjero, lo que los productores consideraron poco probable. [33] El contrato, conservado hoy en el Bundesfilmarchiv de Berlín , concedía a Pommer el derecho de realizar en el guión los cambios que considerara oportunos. Pommer dijo que se sintió atraído por el guión porque creía que podía filmarse a bajo costo y que tenía similitudes con películas inspiradas en los macabros espectáculos de terror del teatro Grand Guignol de París, que eran populares en ese momento. [29] Pommer dijo más tarde: "Vieron en el guión un 'experimento'. Yo vi una película relativamente barata". [34]
El Gabinete del Dr. Caligari hace uso de una "Rahmenerzählung", o historia marco ; [35] un prólogo y un epílogo establecen el cuerpo principal de la película como un flashback delirante, [35] una técnica novedosa. [36] [37] Lang ha dicho que, durante las primeras discusiones sobre su posible participación en la película, sugirió agregar una escena inicial con un estilo "normal", que llevaría al público al resto de la película sin confusión. . [24] [38] [39] No está claro si Lang sugirió la estructura de la historia marco o simplemente dio consejos sobre cómo escribir una historia marco que ya estaba acordada, [24] y algunos escritores, como David Robinson, han cuestionado si la estructura de Lang el recuerdo es correcto. [39] El director, Robert Wiene , apoyó los cambios. [40] Janowitz ha dicho que él y Mayer no estaban al tanto de las discusiones sobre cómo agregar la historia marco y se opusieron firmemente a su inclusión, creyendo que había privado a la película de su significado revolucionario y político; [24] [30] escribió que fue "una violación ilícita, una violación de nuestro trabajo" lo que convirtió la película "en un cliché... en el que el simbolismo debía perderse". [41] Janowitz dice que los escritores buscaron acciones legales para detener el cambio, pero fracasaron. [42] También dice que no vieron la película terminada con la historia enmarcada hasta que se mostró una vista previa a los jefes de estudio, después de lo cual los escritores "expresaron nuestra insatisfacción en una tormenta de atronadoras protestas". Hubo que convencerlos de que no protestaran públicamente contra la película. [43]
En su libro de 1947 De Caligari a Hitler , Siegfried Kracauer argumentó, basándose en gran parte en un texto mecanografiado inédito escrito y proporcionado por Janowitz, [22] que la película originalmente no incluía una historia marco y comenzaba con la llegada de la feria a la ciudad y terminaba con la institucionalización de Caligari. . [44] [4] [45] [46] Kracauer argumentó que la historia marco glorificaba la autoridad y se agregó para convertir una película "revolucionaria" en una "conformista". [44] [4] [45] [46] No se creía que existieran copias supervivientes del guión hasta principios de la década de 1950, cuando el actor Werner Krauss reveló que todavía tenía su copia. [30] [46] Se negó a separarse de él; Sólo en 1978, dos décadas después de su muerte, fue adquirido por el archivo cinematográfico alemán Deutsche Kinemathek . [30] [46] No estuvo disponible para el consumo público hasta 1995, cuando se publicó una transcripción completa. [30]
El guión reveló que una historia marco era parte del guión original de Caligari , aunque diferente a la de la película. [4] [5] [46] El manuscrito original comienza en una elegante terraza de una gran villa, donde Francis y Jane organizan una fiesta y los invitados insisten en que Francis les cuente una historia que le sucedió 20 años antes. La conclusión de la historia marco falta en el guión. [4] [46] Los críticos coinciden ampliamente en que el descubrimiento del guión socava fuertemente la teoría de Kracauer, [38] [46] y algunos, como el historiador de cine alemán Stephen Brockmann, incluso argumentan que refuta sus afirmaciones por completo. [5] Otros, como John D. Barlow, argumentan que no resuelve el problema, ya que la historia marco del guión original simplemente sirve para presentar la trama principal, en lugar de subvertirla como lo hace la versión final de la película. [4]
Muchos detalles sobre la realización de El gabinete del Dr. Caligari están en disputa y probablemente seguirán sin resolverse debido a la gran cantidad de personas involucradas en la realización de la película, muchas de las cuales la recordaron de manera diferente o dramatizaron sus propias contribuciones a su producción. [47] [48] [49] [50] La producción de la película se retrasó unos cuatro o cinco meses después de que se compró el guión. [29] Pommer originalmente eligió a Lang como director de Caligari , y Lang incluso llegó a mantener conversaciones preparatorias sobre el guión con Janowitz, [29] pero no estuvo disponible debido a su participación en el rodaje de The Spiders , por lo que Wiene fue seleccionado en su lugar. [35] [51] [52] [53] Según Janowitz, el padre de Wiene, un exitoso actor de teatro, "se había vuelto un poco loco cuando ya no podía aparecer en el escenario", y Janowitz creía que la experiencia ayudó a Wiene a traer un " comprensión íntima" al material original de Caligari . [54]
El productor de Decla, Rudolf Meinert, presentó a Hermann Warm a Wiene y le proporcionó a Warm el guión de Caligari , pidiéndole que presentara propuestas para el diseño. [55] Warm creía que "las películas deben ser dibujos que cobran vida", [56] y consideró que un escenario naturalista no era adecuado para el tema de la película, recomendando en cambio un estilo gráfico fantástico, [24] [55] en el que las imágenes Sería visionario, de pesadilla y fuera de lo común. [57] Warm aportó al proyecto a sus dos amigos, los pintores y escenógrafos Walter Reimann y Walter Röhrig , [24] [58] [59] ambos asociados con la revista de arte y literatura berlinesa Der Sturm . [24] [56] [60] El trío pasó un día completo y parte de la noche leyendo el guión, [58] después de lo cual Reimann sugirió un estilo expresionista, [24] [58] [61] un estilo utilizado a menudo en su propios cuadros. [55] [58] [61] También concibieron la idea de pintar formas y sombras directamente sobre los decorados para asegurar una apariencia oscura e irreal. [24] Según Warm, los tres se acercaron a Wiene con la idea y él inmediatamente estuvo de acuerdo, [24] [58] [62] aunque Wiene ha afirmado que concibió el estilo expresionista de la película. [58] Meinert aceptó la idea después de considerarla durante un día y les dijo a Warm, Reimann y Röhrig que hicieran los decorados lo más "locos" y "excéntricos" posible. [34] [58] Abrazó la idea por razones comerciales, no estéticas: el expresionismo estaba de moda en ese momento, por lo que concluyó que incluso si la película recibía malas críticas, el estilo artístico atraería la atención y la haría rentable. [34]
Wiene filmó una escena de prueba para demostrar las teorías de Warm, Reimann y Röhrig y impresionó tanto a los productores que los artistas tuvieron rienda suelta. [51] Pommer dijo más tarde que era responsable de poner a Warm, Reimann y Röhrig a cargo de los decorados, [63] pero Warm ha afirmado que, aunque Pommer estaba a cargo de la producción en Decla cuando se hizo Caligari , en realidad no era un productor de la propia película. En cambio, dice que Meinert fue el verdadero productor de la película y que fue él quien le dio a Warm el manuscrito. [24] [58] [64] Warm afirmó que Meinert produjo la película "a pesar de la oposición de una parte de la dirección de Decla". [55] Meinert dijo que Pommer "no había aprobado" el estilo visual abstracto de la película. [64] Sin embargo, Pommer afirmó haber supervisado a Caligari y que el estilo expresionista de la película fue elegido en parte para diferenciarla de las películas de Hollywood de la competencia . [45] La actitud predominante en ese momento era que los logros artísticos conducían al éxito en las exportaciones a los mercados cinematográficos extranjeros. [65] El dominio de Hollywood en ese momento, junto con un período de inflación y devaluación de la moneda, obligó a los estudios cinematográficos alemanes a buscar proyectos que pudieran realizarse a bajo costo, con una combinación de elementos realistas y artísticos para que las películas fueran accesibles a los estadounidenses. público, pero también distinto de las películas de Hollywood. [65] [66] Pommer ha afirmado que, si bien Mayer y Janowitz expresaron un deseo de experimentación artística en la película, su decisión de utilizar lienzos pintados como escenario fue principalmente comercial, ya que supondrían un ahorro financiero significativo en comparación con la construcción de decorados. [18] [67]
Janowitz afirma que intentó encargar los decorados al diseñador y grabador Alfred Kubin , conocido por su uso intensivo de luces y sombras para crear una sensación de caos, [44] [20] [68] pero Kubin se negó a participar en el proyecto porque Estaba demasiado ocupado. [20] [63] [67] Sin embargo, en una historia contradictoria, Janowitz afirmó que solicitó a Decla "pinturas de Kubin" y que malinterpretaron sus instrucciones como " pintores cubistas " y, como resultado, contrataron a Reimann y Röhrig. [20] David Robinson sostiene que esta historia fue probablemente un adorno derivado del desdén de Janowitz por los dos artistas. [63] Janowitz ha afirmado que él y Mayer concibieron la idea de pintar los decorados sobre lienzo, y que el guión del rodaje incluía instrucciones escritas para que el escenario se diseñara al estilo de Kubin. [20] [63] Sin embargo, el redescubrimiento posterior del guión original refuta esta afirmación, ya que no incluye instrucciones sobre los decorados. [63] Esto también fue cuestionado en un artículo de 1926 de Barnet Braverman en la revista Billboard , que afirmaba que el guión no incluía ninguna mención de un estilo visual poco convencional, y que Janowitz y Mayer, de hecho, se oponían firmemente a la estilización. Ella afirma que Mayer llegó a apreciar más tarde el estilo visual, pero que Janowitz siguió oponiéndose a él años después del estreno de la película. [64]
La escenografía, el vestuario y la utilería tardaron unas dos semanas en prepararse. [69] Warm trabajó principalmente en los decorados, mientras que Röhrig se encargó de la pintura y Reimann fue responsable del vestuario. [47] Robinson notó que los trajes de Caligari parecen parecerse a una amplia variedad de períodos de tiempo. Por ejemplo, los trajes de Caligari y los trabajadores de la feria recuerdan a la época Biedermeier , mientras que los de Jane encarnan el Romanticismo . Además, escribió Robinson, el disfraz de Cesare y el de los policías en la película parecen abstractos, mientras que muchos de los otros personajes parecen ropa alemana común de la década de 1920. [70] La naturaleza colaborativa de la producción de la película resalta la importancia que tanto los guionistas como los escenógrafos tenían en el cine alemán de la década de 1920, [47] [58] aunque la crítica de cine Lotte H. Eisner dijo que los decorados tenían más importancia que cualquier otra cosa en el cine alemán. películas de aquella época. [58] El gabinete del Dr. Caligari fue la primera película expresionista alemana, [26] aunque Brockmann y el crítico de cine Mike Budd afirman que también fue influenciada por el romanticismo alemán ; [71] [72] Budd señala que los temas de la película, la locura y el clamor contra la autoridad, son comunes entre el romanticismo alemán en la literatura, el teatro y las artes visuales. [72] El estudioso del cine Vincent LoBrutto dijo que el teatro de Max Reinhardt y el estilo artístico de Die Brücke fueron influencias adicionales en Caligari . [73]
Janowitz originalmente pretendía que el papel de Cesare fuera para su amigo, el actor Ernst Deutsch . [12] [74] Mayer escribió el papel de Jane para Gilda Langer, [74] pero cuando se eligió la película, los intereses de Langer habían pasado de Janowitz y Mayer al director Paul Czinner , dejando el papel a Lil Dagover. . [75] Janowitz afirmó que escribió el papel de Caligari específicamente para Werner Krauss, a quien Deutsch había llamado su atención durante los ensayos para una obra de Max Reinhardt; Janowitz dijo que sólo Krauss o Paul Wegener podrían haber desempeñado el papel. [12] Los papeles de Caligari y Cesare finalmente fueron para Krauss y Conrad Veidt , respectivamente, quienes participaron con entusiasmo en muchos aspectos de la producción. [47] Krauss sugirió cambios en su propio maquillaje y vestuario, incluidos los elementos de un sombrero de copa, una capa y un bastón con un mango de marfil para su personaje. [76] Los actores de Caligari eran conscientes de la necesidad de adaptar su maquillaje, vestuario y apariencia para que coincidieran con el estilo visual de la película. [77] Gran parte de la actuación en las películas mudas alemanas de la época ya era expresionista, imitando los aspectos pantomímicos del teatro expresionista. [78] Las actuaciones de Krauss y Veidt en Caligari fueron típicas de este estilo, ya que ambos tenían experiencia en teatro de influencia expresionista y, como resultado, John D. Barlow dijo que parecen más cómodos en su entorno en la película que el otros actores. [79] Antes del rodaje, Kraus y Veidt aparecieron en escena en el invierno de 1918 en un drama expresionista, Seeschlacht de Reinhold Goering , en el Deutsches Theatre. [77] Por el contrario, Dagover tenía poca experiencia en el teatro expresionista y Barlow sostiene que su actuación es menos armoniosa con el estilo visual de la película. [79]
Wiene pidió a los actores que hicieran movimientos similares a la danza, sobre todo a Veidt, pero también a Krauss, Dagover y Friedrich Feger, que interpretó a Francis. [59] Krauss y Veidt son los únicos actores cuyas actuaciones coinciden plenamente con la estilización de los decorados, lo que lograron concentrando sus movimientos y expresiones faciales. [80] [81] Barlow señala que "Veidt se mueve a lo largo de la pared como si lo hubiera 'exudado'... más como parte de un mundo material de objetos que de uno humano", y Krauss "se mueve con crueldad angular, su sus gestos parecen quebrados o resquebrajados por la fuerza obsesiva que hay dentro de él, una fuerza que parece surgir de un estado tóxico constante, de un autoritarismo retorcido, sin escrúpulos humanos y de una insensibilidad total". [79] La mayoría de los otros actores además de Krauss y Veidt tienen un estilo más naturalista. [80] Alan, Jane y Francis interpretan el papel de un trío idílicamente feliz que disfruta de la juventud; Alan en particular representa el arquetipo de un estudiante sensible del siglo XIX. [82] Mike Budd señala que los personajes realistas en escenarios estilizados son una característica común en el teatro expresionista. [81] Sin embargo, David Robinson señala que incluso las actuaciones de los papeles secundarios más naturalistas en Caligari tienen elementos expresionistas, como el "rostro extraño y atormentado" de Hans-Heinz von Twardowski como Alan. También cita los "grandes movimientos angulares" de Feher, especialmente en la escena en la que busca en el recinto ferial desierto. [76] Otros papeles menores son de naturaleza expresionista, como dos policías que se sientan uno frente al otro en sus escritorios y se mueven con exagerada simetría, y dos sirvientes que se despiertan y se levantan de sus camas en perfecta sincronización. [76] Vincent LoBrutto dijo sobre la actuación en la película: [83]
El estilo de actuación es tan emocionalmente exagerado como el estilo narrativo y visual de El gabinete del Dr. Caligari . El comportamiento de los personajes representa las respuestas emocionales de los actores al entorno expresionista y las situaciones en las que se encuentran. La puesta en escena y el movimiento de los actores responden a la histeria de las maquinaciones de Caligari y al laberinto de casas de diversión que parece ser el reflejo de un espejo loco, no de un pueblo ordenado.
El rodaje de El gabinete del Dr. Caligari comenzó a finales de diciembre de 1919 y concluyó a finales de enero de 1920. [69] [84] Se rodó íntegramente en un estudio sin tomas exteriores, [85] [86] [87 ] lo cual era inusual para las películas de la época, pero dictado por la decisión de darle a la película un estilo visual expresionista. [88] Se discute hasta qué punto Mayer y Janowitz participaron durante el rodaje: Janowitz afirma que el dúo se negó repetidamente a permitir cambios en el guión durante la producción, y Pommer afirmó que Mayer estuvo en el set todos los días de rodaje. [74] Hermann Warm, sin embargo, afirmó que nunca estuvieron presentes en ninguno de los rodajes ni participaron en ninguna discusión durante la producción. [47] [74]
Caligari se filmó en el estudio Lixie-Film (anteriormente propiedad de Continental-Kunstfilm ) en el número 9 de Franz Joseph-Strasse (ahora Max Liebermannstraße), Weißensee , un suburbio al noreste de Berlín. [84] [88] Decla había estado haciendo películas en el estudio Lixie desde octubre de 1919, habiendo lanzado previamente tres títulos, La peste de Florencia ( Die Pest in Florenz ) (1919) y las dos partes de Las arañas ( Die Spinnen ). [88] [89] El tamaño relativamente pequeño del estudio (construido unos cinco años antes, en 1914) significó que la mayoría de los decorados utilizados en la película no superaban los seis metros de ancho y profundidad. [88] Ciertos elementos del guión original tuvieron que ser eliminados de la película debido al espacio limitado, incluida una procesión de gitanos, un carro de mano empujado por Caligari, el carruaje de Jane y una escena de persecución con taxis tirados por caballos. [70] Asimismo, el guión requería una escena de feria con rotondas, organillos , ladradores, artistas y zoológicos, nada de lo cual podía lograrse en el espacio restrictivo. En cambio, las escenas utilizan una pintura de la ciudad de Holstenwall como fondo; Una multitud de personas camina alrededor de dos carruseles que giran, lo que crea la impresión de un carnaval. [70] El guión también hacía referencias a elementos modernos como teléfonos, telegramas y luz eléctrica, pero fueron eliminados durante el rodaje, dejando el escenario final de la película sin indicación de un período de tiempo específico. [70]
Varias escenas del guión fueron cortadas durante el rodaje, la mayoría de las cuales eran breves lapsos de tiempo o escenas de transición, o pantallas de título consideradas innecesarias. [70] Una de las escenas más importantes que se eliminaron involucró al fantasma de Alan en un cementerio. [70] La escena en la que el secretario municipal reprendía a Caligari se desviaba notablemente del guión original, que simplemente pedía que el secretario estuviera "impaciente". [70] Es mucho más abusivo en la escena tal como fue filmada, y está encaramado en lo alto de un banco exageradamente alto que se eleva sobre Caligari. [70] Otra desviación del guión se produce cuando Caligari despierta por primera vez a Cesare, uno de los momentos más famosos de la película. El guión pedía que Cesare jadeara y luchara por respirar, luego temblara violentamente y colapsara en los brazos de Caligari. Tal como fue filmado, no hay tal lucha física y, en cambio, la cámara se acerca al rostro de Cesare a medida que abre gradualmente los ojos. [90] Las tarjetas de título originales de Caligari presentaban letras estilizadas y deformes con subrayados excesivos, signos de exclamación y, en ocasiones, ortografía arcaica. El estilo extraño, que coincide con el de toda la película, imita las letras de los carteles expresionistas de la época. [91] [92] Las tarjetas de título originales estaban teñidas de verde, azul acerado y marrón. Muchas copias modernas de la película no conservan las letras originales. [92]
La fotografía estuvo a cargo de Willy Hameister , quien trabajó con Wiene en varias otras películas. [61] El trabajo de cámara en Caligari es bastante simple y se utiliza principalmente para mostrar los decorados, [31] [83] alternando principalmente entre planos medios y ángulos rectos, con primeros planos ocasionalmente abruptos para crear una sensación de shock. Hay pocos planos generales o movimientos panorámicos dentro de la cinematografía. [83] [93] Asimismo, hay muy poca edición entre escenas. La mayoría de las escenas se suceden unas a otras sin intercalarse , lo que le da a Caligari una sensación más teatral que cinematográfica. [83] La iluminación intensa suele estar ausente en la película, lo que aumenta la sensación de oscuridad que prevalece en la historia. Sin embargo, en ocasiones se utiliza la iluminación para intensificar el malestar creado por las distorsiones de los decorados. Por ejemplo, cuando Cesare se despierta por primera vez en la feria, se ilumina directamente un primer plano de su rostro muy maquillado para crear un brillo inquietante. [94] Además, la iluminación se utiliza de una manera entonces innovadora para proyectar una sombra contra la pared durante la escena en la que Cesare mata a Alan, de modo que el espectador solo vea la sombra y no las figuras mismas. Técnicas de iluminación como ésta se utilizaron con frecuencia en películas alemanas posteriores. [95] [96]
El estilo visual de El gabinete del Dr. Caligari es oscuro, retorcido y extraño; Las distorsiones radicales y deliberadas en perspectiva, forma, dimensión y escala crean una apariencia caótica y desquiciada. [24] [51] [59] Los decorados están dominados por formas puntiagudas y líneas oblicuas y curvas, con calles estrechas y en espiral, [92] y estructuras y paisajes que se inclinan y retuercen en ángulos inusuales, dando la impresión de que podrían colapsar o explotar en un momento dado. [24] [87] El crítico de cine Roger Ebert lo describió como "un paisaje irregular de ángulos agudos y paredes y ventanas inclinadas, escaleras que suben en locas diagonales, árboles con hojas puntiagudas, hierba que parece cuchillos". [3] Los decorados se caracterizan por pinceladas de pintura negra y atrevida. [87] El paisaje de Holstenwall está pintado sobre lienzo, a diferencia de un decorado construido, y las sombras y los rayos de luz se pintan directamente sobre los decorados, distorsionando aún más la sensación de perspectiva y tridimensionalidad del espectador. [94] Los edificios están agrupados e interconectados en una arquitectura de estilo cubista, rodeados de callejones oscuros y retorcidos. [20] [83] [92] [97] Lotte Eisner, autora de The Haunted Screen , escribe que los objetos de la película parecen cobrar vida y "parecen vibrar con una espiritualidad extraordinaria". [92] Rudolf Kurtz, guionista y autor de Expressionismus und Film , también escribió "la fuerza dinámica de los objetos aúlla su deseo de ser creados". [98] Las habitaciones tienen ventanas radicalmente desplazadas con marcos distorsionados, puertas que no están cuadradas y sillas demasiado altas. [51] [83] [92] [99] Se pintan figuras y diseños extraños en las paredes de los pasillos y habitaciones, y los árboles en el exterior tienen ramas retorcidas que a veces parecen tentáculos. [99]
El profesor de cine alemán Anton Kaes escribió: "El estilo del expresionismo alemán permitió a los realizadores experimentar con tecnología cinematográfica y efectos especiales y explorar el retorcido reino de los deseos reprimidos, los miedos inconscientes y las fijaciones trastornadas". [100] El estilo visual de Caligari transmite una sensación de ansiedad y terror al espectador, [92] dando la impresión de una pesadilla o una sensibilidad trastornada, [24] [59] o un lugar transformado por el mal, de una manera más efectiva. que las ubicaciones realistas o los conceptos de diseño convencionales. [83] Siegfried Kracauer escribió que los escenarios "equivalían a una transformación perfecta de objetos materiales en adornos emocionales". [101] La mayoría de la historia y las escenas de la película son recuerdos recordados por un narrador loco y, como resultado, el estilo visual distorsionado adquiere la calidad de su colapso mental, [102] dando a los espectadores la impresión de que están dentro de la mente. de un loco. [91] [103] [104] Al igual que con las pinturas expresionistas contemporáneas , el estilo visual de Caligari refleja una reacción emocional al mundo, [36] y los personajes de la película representan una respuesta emocional al terror de la sociedad encarnado por Caligari y Cesare. . [87] A menudo en la película, las escenas son emblemáticas del estado emocional de los personajes en la escena. Por ejemplo, el patio del manicomio durante la historia marco está muy desproporcionado. Los personajes parecen demasiado grandes para el pequeño edificio, y el suelo del patio presenta un patrón extraño, todo lo cual representa los estados mentales dañados de los pacientes. [71] Asimismo, la escena con el criminal en una celda de prisión presenta un conjunto con largas sombras verticales pintadas que se asemejan a puntas de flecha, apuntando hacia el prisionero en cuclillas en un efecto opresivo que simboliza su estado de descomposición. [105]
Stephen Brockmann sostiene que el hecho de que Caligari fuera filmada íntegramente en un estudio realza la locura retratada por las imágenes de la película porque "no hay acceso a un mundo natural más allá del reino de la psique humana torturada". [85] Los decorados presentan ocasionalmente imágenes circulares que reflejan el caos de la película, presentando patrones de movimiento que parecen no ir a ninguna parte, como el tiovivo de la feria, que se mueve en un ángulo titulado que lo hace parecer en riesgo de derrumbe. [106] Otros elementos de la película transmiten los mismos motivos visuales que los decorados, incluido el diseño de vestuario y maquillaje de Caligari y Cesare, los cuales son muy exagerados y grotescos. Incluso el cabello de los personajes es un elemento de diseño expresionista, especialmente los mechones negros, puntiagudos y dentados de Cesare. [83] Son los dos únicos personajes de la película con maquillaje y vestuario expresionistas, [81] haciéndolos parecer como si fueran los únicos que realmente pertenecen a este mundo distorsionado. Sin embargo, a pesar de su aparente normalidad, Francis y los demás personajes nunca parecen perturbados por la locura que los rodea reflejada en los decorados; en cambio, reaccionan como si fueran parte de un entorno normal. [107]
Unas pocas escenas seleccionadas alteran el estilo expresionista de la película, como en la casa de Jane y Alan, que incluyen fondos normales y muebles burgueses que transmiten una sensación de seguridad y tranquilidad que de otro modo no se encuentra en la película. [102] [106] Eisner llamó a esto un error de continuidad "fatal", [80] pero John D. Barlow no está de acuerdo, argumentando que es una característica común de las narrativas de sueños tener algunos elementos normales y que la normalidad de la casa de Jane en particular podría representar el sentimiento de consuelo y refugio que Francisco siente en su presencia. [80] Mike Budd sostiene que si bien el estilo visual expresionista es discordante y desagradable al principio, los personajes comienzan a mezclarse más armoniosamente a medida que avanza la película y el escenario queda más relegado a un segundo plano. [108]
Robinson sugirió que Caligari no es un verdadero ejemplo de expresionismo en absoluto, sino simplemente una historia convencional a la que se le aplican algunos elementos de la forma de arte. Sostiene que la historia en sí no es expresionista y que la película podría haberse producido fácilmente en un estilo tradicional, pero que se le aplicaron imágenes de inspiración expresionista como decoración. [109] De manera similar, Budd ha llamado a la película una narrativa clásica y convencional, que se asemeja a una historia de detectives en la búsqueda de Francis para exponer al asesino de Alan, y dijo que son solo los escenarios expresionistas de la película los que la hacen transgresora. [110] Hans Janowitz también ha albergado pensamientos similares: "¿Era este particular estilo de pintura sólo una prenda con la que revestir el drama? ¿Fue sólo un accidente? ¿No habría sido posible cambiar esta prenda, sin dañar el ¿Efecto profundo del drama? No lo sé." [111]
Aunque algunos críticos y académicos modernos la consideran a menudo una película de arte , Caligari se produjo y comercializó de la misma manera que una producción comercial normal de su época, capaz de dirigirse tanto al mercado artístico de élite como a una audiencia más comercial del género de terror. [112] [113] La película se comercializó ampliamente antes de su estreno y los anuncios se publicaron incluso antes de que terminara. Muchos carteles y anuncios en periódicos incluían la enigmática frase que aparece en la película, "¡Du musst Caligari werden!", o "¡Debes convertirte en Caligari!". [114] [115] Caligari se estrenó en el teatro Marmorhaus de Berlín el 26 de febrero de 1920, menos de un mes después de su finalización. [114] Los realizadores estaban tan nerviosos por el estreno que Erich Pommer, de camino al teatro, supuestamente exclamó: "¡Será un fracaso horrible para todos nosotros!" [43] [116] Al igual que con la realización de la película, varias leyendas urbanas rodean el estreno de la película. [114] Uno, ofrecido por los escritores Roger Manvell y Heinrich Fraenkel en The German Cinema , sugiere que la película fue archivada "por falta de una salida adecuada", y sólo se proyectó en Marmorhaus porque otra película había fracasado. [117] Otro sugirió que el teatro retiró la película después de sólo dos funciones porque el público exigió reembolsos y se manifestó en contra de ella con tanta fuerza. Esta historia fue contada por Pommer, quien afirmó que Marmorhaus volvió a elegir a Caligari y lo ejecutó con éxito durante tres meses después de que él pasó seis meses trabajando en una campaña publicitaria para la película. David Robinson escribió que ninguna de estas leyendas urbanas era cierta y que Pommer inventó la última para aumentar su propia reputación. [114] Por el contrario, Robinson dijo que el estreno fue un gran éxito, se proyectó en el teatro durante cuatro semanas, una cantidad inusual para la época, y luego regresó dos semanas después. Dijo que fue tan bien recibido que las mujeres del público gritaron cuando Cesare abrió los ojos durante su primera escena y se desmayaron durante la escena en la que Cesare secuestra a Jane. [43] [116]
Caligari se estrenó en un momento en que las industrias cinematográficas extranjeras acababan de comenzar a aliviar las restricciones a la importación de películas alemanas después de la Primera Guerra Mundial. [112] La película fue adquirida para su distribución estadounidense por Goldwyn Distributing Company y tuvo su estreno estadounidense en el Capitolio. Teatro en la ciudad de Nueva York el 3 de abril de 1921. [118] Se le dio un prólogo y un epílogo teatrales en vivo, [68] [119] lo que no era inusual para los estrenos de películas en los principales teatros de la época. En el prólogo, la película es presentada por un personaje llamado "Cranford", que se identifica como el hombre con el que habla Francis en la escena inicial. En el epílogo, Cranford regresa y exclama que Francis se ha recuperado completamente de su locura. [119] Mike Budd cree que estas adiciones simplificaron la película y "la ajustaron para el consumo masivo", [120] aunque Robinson argumentó que era simplemente una novedad teatral normal para la época. [121] El director del Capitol Theatre, Samuel Roxy Rothafel, encargó al director Ernö Rapée que compilara un acompañamiento musical que incluyera partes de canciones de los compositores Johann Strauss III , Arnold Schoenberg , Claude Debussy , Igor Stravinsky y Sergei Prokofiev . Rotafel quería que la partitura coincidiera con el ambiente oscuro de la película y dijo: "La música tenía que ser, por así decirlo, elegible para la ciudadanía en un país de pesadilla". [122]
Caligari tuvo su estreno en Los Ángeles en el Miller's Theatre el 7 de mayo de 1921, pero el teatro se vio obligado a cancelarlo debido a las manifestaciones de los manifestantes. Sin embargo, la protesta fue organizada por la rama de Hollywood de la Legión Americana debido al temor al desempleo derivado de la importación de películas alemanas a Estados Unidos, no por objeciones al contenido de Caligari . [123] Después de presentarse en grandes salas comerciales, Caligari comenzó a proyectarse en salas más pequeñas y sociedades cinematográficas de las principales ciudades. [124] Las cifras de taquilla no se publicaban regularmente en la década de 1920, por lo que ha sido difícil evaluar el éxito o el fracaso comercial de Caligari en los Estados Unidos. Los historiadores del cine Kristin Thompson y David B. Pratt estudiaron por separado las publicaciones comerciales de la época en un intento de tomar una determinación, pero llegaron a conclusiones contradictorias; Thompson concluyó que fue un éxito de taquilla y Pratt concluyó que fue un fracaso. Sin embargo, ambos coincidieron en que tuvo más éxito comercial en las grandes ciudades que en los cines de comunidades más pequeñas, donde los gustos se consideraban más conservadores. [125]
Caligari no recibió inmediatamente una amplia distribución en Francia debido a los temores sobre la importación de películas alemanas, pero el director de cine Louis Delluc organizó una única proyección el 14 de noviembre de 1921, en el cine Colisée de París, como parte de una función benéfica para el Cruz Roja Española. Posteriormente, la empresa Cosmograph compró los derechos de distribución de la película y la estrenó en la Ciné-Opéra el 2 de marzo de 1922. [123] Caligari actuó en un cine de París durante siete años consecutivos, un récord que permaneció intacto hasta el estreno de Emmanuelle (1974). . [15] Según Janowitz, Caligari también se exhibió en ciudades europeas como Londres, Roma, Amsterdam, Estocolmo, Bruselas, Praga, Viena, Budapest y Bucarest, así como fuera de Europa en China, Japón, India y Turquía, así como en en naciones sudamericanas . [126]
Hay diferentes relatos sobre cómo Caligari fue recibido por primera vez por el público y la crítica inmediatamente después de su lanzamiento. Stephen Brockmann, Anton Kaes y la teórica del cine Kristin Thompson dicen que fue popular entre el público en general y muy respetado por la crítica. [127] [128] [129] Robinson escribió: "Los críticos alemanes, casi sin excepción, iban desde favorables hasta exultantes". [116] Kracauer dijo que los críticos fueron "unánimes al elogiar a Caligari como la primera obra de arte en la pantalla", [115] pero también dijo que era "demasiado intelectual para volverse popular en Alemania". [130] Barlow dijo que a menudo fue objeto de desaprobación crítica, lo que cree que se debe a que los primeros críticos de cine intentaron asignar definiciones fijas al joven arte del cine y, por lo tanto, tuvieron problemas para aceptar los elementos extraños e inusuales de Caligari . [26] Algunos críticos sintieron que imitaba demasiado una producción teatral. [56] Otros comentaristas, como el crítico Herbert Ihering y el novelista Blaise Cendrars , se opusieron a la presentación de la historia como el engaño de un loco porque sentían que menospreciaba el expresionismo como forma de arte. [131] El crítico de teatro Helmut Grosse condenó el diseño visual de la película como cliché y derivado, calificándolo de "dibujos animados y [una] reproducción de diseños en lugar de lo que realmente sucedió en el escenario". [132] Varios críticos, como Kurt Tucholsky y Blaise Cendrars, criticaron el uso de actores reales frente a escenarios pintados artificialmente, diciendo que creaba un nivel inconsistente de estilización. El crítico Herbert Ihering se hizo eco de este punto en una reseña de 1920: "Si los actores actúan sin energía y juegan en paisajes y habitaciones formalmente 'excesivos', falta la continuidad del principio". [133]
Si bien Robinson dijo que la respuesta de los críticos estadounidenses fue en gran medida positiva y entusiasta, [134] Kaes dijo que los críticos y el público estadounidenses estaban divididos: algunos elogiaron su valor artístico y otros, particularmente aquellos que desconfiaban de Alemania después de la Primera Guerra Mundial, deseaban prohibirlo por completo. [128] Algunos en la industria cinematográfica de Hollywood se sintieron amenazados por la potencial rivalidad y se pronunciaron en contra de la liberación de Caligari , condenándola como una "invasión extranjera". [128] Sin embargo, la película siguió siendo popular en los Estados Unidos. [26] Varios críticos estadounidenses la compararon con una historia de Edgar Allan Poe , [134] incluso en una reseña de 1921 en la revista Variety , que elogiaba la dirección y el "tempo perfecto" de la película, así como los decorados que "aprietan y giran". y ajusta el ojo, y a través del ojo la mentalidad". [121] Una reseña del New York Times lo comparó con el arte modernista , comparando los decorados de la película con Desnudo descendiendo una escalera, No. 2 de Marcel Duchamp , y dijo que la película "da dimensiones y significado a la forma, convirtiéndola en una parte activa de la historia, en lugar de simplemente el trasfondo convencional e inerte", lo cual fue clave para la "importancia de la película como obra cinematográfica". [135] Albert Lewin , un crítico que eventualmente se convirtió en director de cine y guionista, llamó a Caligari "la única película seria, exhibida en Estados Unidos hasta ahora, que en el mismo grado tiene la auténtica emoción y el impacto del arte". [134] Una historia en una edición de noviembre de 1921 de Exceptional Photoplays , una publicación independiente publicada por la Junta Nacional de Revisión de Películas , decía que "ocupa la posición de mérito artístico único", y dijo que las películas estadounidenses en comparación parecían ser hecho para "un grupo de adultos defectuosos del nivel de nueve años". [136]
Caligari fue un éxito de crítica en Francia, pero los cineastas franceses tenían opiniones divididas después de su estreno. Abel Gance lo calificó de "magnífico" y escribió: "¡Qué lección para todos los directores!" [137] y René Clair dijo que "derrocó el dogma realista" del cine. [138] El crítico de cine y director Louis Delluc dijo que la película tiene un ritmo convincente: "Al principio lento, deliberadamente laborioso, intenta irritar. Luego, cuando los motivos en zigzag del recinto ferial comienzan a girar, el ritmo salta hacia adelante, agitato, accelerando, y termina sólo con la palabra 'Fin', tan abruptamente como una bofetada en la cara". [139] Jean Epstein , sin embargo, lo llamó "un excelente ejemplo del abuso de la decoración en el cine" y dijo que "representa una grave enfermedad del cine". [137] Asimismo, Jean Cocteau lo calificó como "el primer paso hacia un grave error que consiste en la fotografía plana de decorados excéntricos, en lugar de obtener la sorpresa mediante la cámara". [140] El crítico francés Frédéric-Philippe Amiguet escribió sobre la película: "Tiene olor a comida contaminada. Deja un sabor a cenizas en la boca". [141] Al director ruso Sergei Eisenstein le desagradaba especialmente Caligari , calificándolo de "una combinación de histeria silenciosa, lienzos parcialmente coloreados, pisos pintados, rostros pintados y los gestos y acciones antinaturales de quimeras monstruosas". [142]
Si bien las primeras críticas estaban más divididas, los críticos e historiadores del cine moderno han elogiado en gran medida a Caligari como una película revolucionaria. El crítico de cine Roger Ebert la llamó posiblemente "la primera película de terror verdadera", [3] y el crítico Danny Peary la llamó la primera película de culto del cine y una precursora de las películas de autor . [15] En octubre de 1958, Caligari fue clasificada como la duodécima mejor película de todos los tiempos durante una encuesta organizada en la Exposición Universal de Bruselas . Con el aporte de 117 críticos de cine, cineastas e historiadores de todo el mundo, fue la primera encuesta cinematográfica universal de la historia. [143] [144] El historiador de cine estadounidense Lewis Jacobs dijo que "su interpretación estilizada, su calidad inquietante, su falta de explicación y sus escenarios distorsionados eran nuevos en el mundo del cine". [145] El historiador y crítico de cine Paul Rotha escribió al respecto: "Por primera vez en la historia del cine, el director ha trabajado a través de la cámara y ha roto con el realismo en la pantalla; que una película podría ser dramáticamente efectiva cuando no es fotográfica. y finalmente, lo más importante posible, que la mente del público se pusiera en juego psicológicamente". [146] Asimismo, Arthur Knight escribió en Rogue : "Más que cualquier otra película, ( Caligari ) convenció a los artistas, críticos y público de que la película era un medio de expresión artística". [15] Entertainment Weekly incluyó a Caligari en su "Guía de las mejores películas jamás realizadas" de 1994, calificándola de "película muda histórica" y diciendo: "La dirección de arte de ninguna otra película ha creado una visualización tan original de la demencia". [147]
La película tiene un índice de aprobación del 96% en Rotten Tomatoes según 80 reseñas, con un promedio ponderado de 9,30/10. [148] [149] El consenso de los críticos del sitio afirma: "Posiblemente la primera película de terror verdadera, El gabinete del Dr. Caligari estableció un listón brillantemente alto para el género, y sigue siendo aterradora casi un siglo después de que acechó por primera vez en la pantalla". [148]
Akira Kurosawa , el legendario director japonés, nombró esta película como una de sus 100 películas favoritas. [150]
Caligari es considerada la obra por excelencia del cine expresionista alemán y, con diferencia, el ejemplo más famoso del mismo. [26] [127] [151] [152] [134] [153] Se considera una película clásica, que a menudo se proyecta en cursos de iniciación al cine, sociedades cinematográficas y museos, [154] y es una de las películas alemanas más famosas de la era del silencio. [26] El estudioso del cine Lewis Jacobs la llamó "la película más discutida de la época". [155] Caligari ayudó a llamar la atención mundial sobre el mérito artístico del cine alemán, [52] [127] [128] al mismo tiempo que le dio legitimidad al cine entre los intelectuales literarios dentro de la propia Alemania. [113] Lotte Eisner ha dicho que fue en el expresionismo, personificado en Caligari , donde "el cine alemán encontró su verdadera naturaleza". [127] Como resultado, se acuñó el término caligarismo , refiriéndose a un estilo de películas similares que se centran en temas como la locura extraña y la obsesión, particularmente mediante el uso de distorsión visual. [26] El expresionismo tardó en llegar al cine y, cuando se estrenó Caligari , muchos críticos alemanes sintieron que la forma de arte se había comercializado y trivializado; [156] [157] [158] [159] escritores tan conocidos como Kasimir Edschmid , René Schickele e Yvan Goll ya habían declarado muerto el movimiento expresionista cuando Caligari llegó a los cines. [157] Se produjeron pocas películas puramente expresionistas, y Caligari fue la única de fácil acceso durante varias décadas. [52] [160] Entre las pocas películas que abrazaron plenamente el estilo expresionista se encuentran Genuine (1920) y Raskolnikow (1923), ambas dirigidas por Wiene, así como From Morn to Midnight (1920), Torgus (1921), Das Haus zum Mond (1921), Haus ohne Tür und ohne Fenster (1921) y Waxworks . [140] [161]
Si bien se hicieron pocas películas puramente expresionistas, Caligari todavía tuvo una gran influencia sobre otros directores alemanes, [162] y muchos de los elementos expresionistas de la película (particularmente el uso del escenario, la luz y la sombra para representar la psicología oscura de sus personajes) se convirtieron en frecuente en el cine alemán. [130] [143] Entre las películas que utilizaron estos elementos se encuentran Nosferatu (1922) y The Last Laugh (1924) de Murnau, [95] [127] [163] Secrets of a Soul de GW Pabst (1926), [52 ] y Metrópolis de Lang (1927) y M (1931). [161] [163] El éxito de Caligari también afectó la forma en que se produjeron las películas alemanas durante la década de 1920. Por ejemplo, la mayoría de las principales películas alemanas de los años siguientes se alejaron del rodaje en exteriores y se rodaron íntegramente en estudios, [164] [143] lo que dio mucha más importancia a los diseñadores en el cine alemán. [143] Robinson sostiene que esto condujo al surgimiento de un gran número de diseñadores cinematográficos, como Hans Dreier , Rochus Gliese , Albin Grau , Otto Hunte , Alfred Junge , Erich Kettelhut y Paul Leni , y ese efecto se sintió en el extranjero, ya que muchos de ellos Estos talentos emigraron más tarde de Alemania con el ascenso del Partido Nazi . [143] Además, el éxito del esfuerzo colaborativo de Caligari , incluidos su director, escenógrafos y actores, influyó en la producción cinematográfica posterior en Alemania durante muchos años, haciendo del trabajo en equipo un sello distintivo del cine alemán en la República de Weimar. [47]
El efecto de Caligari no sólo se dejó sentir en el cine alemán, sino también a nivel internacional. [153] [160] [165] Tanto Rotha como el historiador de cine William K. Everson escribieron que la película probablemente tuvo tanto efecto a largo plazo en los directores de Hollywood como El acorazado Potemkin (1925). [166] En su libro The Film Til Now , Rotha escribió que Caligari y Potemkin fueron los "dos avances más trascendentales en el desarrollo del cine", y dijo que Caligari "sirvió para atraer al público del cine a muchas personas que hasta entonces habían considerado el El cine como la marca más baja de la inteligencia". [146] Caligari influyó en el estilo y el contenido de las películas de Hollywood en la década de 1920 y principios de la de 1930, [162] [167] particularmente en películas como The Bells (1926), The Man Who Laughs (1928) y Murders in the Rue Morgue ( 1932), [100] [166] y tuvo una gran influencia en las películas de terror estadounidenses de la década de 1930, algunas de las cuales presentaban a un antagonista que usaba habilidades sobrenaturales similares a las de Caligari para controlar a otros, como Drácula (1931), Svengali (1931) y El genio loco (1931). [168] Kaes dijo que tanto los elementos estilísticos de Caligari , como el personaje de Cesare en particular, influyeron en las películas de terror de Universal Studios de la década de 1930, que a menudo presentaban de manera destacada algún tipo de monstruo, como Frankenstein (1931), La Momia (1932). , El gato negro (1934) y La novia de Frankenstein (1935). [95] [100] El expresionismo de Caligari también influyó en el cine de vanguardia estadounidense , particularmente en aquellos que utilizaban escenarios fantásticos para ilustrar un entorno inhumano que dominaba a un individuo. Los primeros ejemplos incluyen La caída de la casa Usher (1928), El último momento (1928) y La vida y muerte de 9413: un extra de Hollywood (1928). [169] LoBrutto escribió: "Pocas películas a lo largo de la historia del cine han tenido más influencia en el cine de vanguardia, artístico y estudiantil que Caligari ". [153]
Caligari y el expresionismo alemán influyeron fuertemente en el período del cine negro estadounidense de las décadas de 1940 y 1950, tanto en estilo visual como en tono narrativo. [128] [170] [171] Las películas negras tendían a retratar a todos, incluso a los inocentes, como objeto de sospecha, un hilo común en Caligari . El género también emplea varios elementos expresionistas en su estilo visual oscuro y sombrío, fotografía estilizada y abstracta, y maquillaje y actuación distorsionados y expresivos. [100] Caligari también influyó en películas producidas en la Unión Soviética , como Aelita (1924) y The Overcoat (1926). [172] Los observadores han notado que las películas en blanco y negro de Ingmar Bergman se parecen a las películas alemanas de la década de 1920, y el historiador de cine Roy Armes lo ha llamado "el verdadero heredero" de Caligari . El propio Bergman, sin embargo, ha restado importancia a la influencia del expresionismo alemán en su obra. [173] Caligari también ha afectado al teatro escénico. Siegfried Kracauer escribió que el uso de la toma del iris en la película se ha imitado en producciones teatrales, con iluminación utilizada para destacar a un actor solitario. [56]
Caligari sigue siendo una de las películas más discutidas y debatidas de la República de Weimar. [61] Dos libros importantes han desempeñado un papel importante en la configuración de la percepción de la película y su efecto en el cine en su conjunto: De Caligari a Hitler (1947) de Siegfried Kracauer y La pantalla encantada (1974) de Lotte Eisner . [154] [151] [174] De Caligari a Hitler basó sus afirmaciones sobre la película en gran medida en un texto mecanografiado inédito de Hans Janowitz llamado Caligari: La historia de una historia famosa , [22] que dio a Janowitz y Carl Mayer el crédito principal por la realización de Caligari . [20] [175] [176] Mike Budd escribió sobre el libro de Kracauer: "Quizás ninguna película o período haya sido comprendido tan completamente a través de una interpretación particular como Caligari , y el cine de Weimar en general, a través del enfoque sociopsicológico de Kracauer". [177] Antes de la publicación de De Caligari a Hitler , pocos críticos habían derivado algún significado político simbólico de la película, pero el argumento de Kracauer de que simbolizaba la obediencia alemana hacia la autoridad y una premonición del ascenso de Adolf Hitler cambió drásticamente las actitudes sobre Caligari . Muchas de sus interpretaciones de la película todavía son aceptadas, [23] [25] [174] [177] incluso por aquellos que han estado totalmente en desacuerdo con su premisa general, [23] [177] e incluso cuando ciertas afirmaciones que hizo Kracauer han sido refutado, como su afirmación de que el guión original no incluía una historia marco. [174] El libro de Eisner, mientras tanto, colocó a Caligari en un contexto histórico al identificar cómo influyó en las características expresionistas de otras películas de la década de 1920. [151] [174]
El historiador de cine David Robinson afirmó que Wiene, a pesar de ser el director de Caligari , a menudo recibe el menor crédito por su producción. [69] Él cree que esto se debe en parte a que Wiene murió en 1938, más cerca del estreno de la película que cualquier otro colaborador importante, y por lo tanto no pudo defender su participación en el trabajo mientras otros se atribuían el mérito. [48] De hecho, Robinson sostiene que Caligari finalmente dañó la reputación de Wiene porque sus películas posteriores no igualaron su éxito, por lo que a menudo se le considera erróneamente "un director de una sola película" para quien Caligari fue "un golpe de suerte". [69]
La banda japonesa de visual kei rock Cali Gari derivó su nombre de la película. [178]
Caligari , al igual que varias películas de Weimar que le siguieron, tematiza la autoridad brutal e irracional al convertir a una figura de autoridad violenta y posiblemente demente en su antagonista. [71] [154] Kracauer dijo que Caligari era un símbolo del gobierno de guerra alemán y de las tendencias fatales inherentes al sistema alemán, diciendo que el personaje "representa una autoridad ilimitada que idolatra el poder como tal y, para satisfacer su ansia de dominación, despiadadamente viola todos los derechos y valores humanos". [179] Asimismo, John D. Barlow describió a Caligari como un ejemplo del poder y la autoridad tiránicos que habían plagado durante mucho tiempo a Alemania, mientras que Cesare representa el "hombre común de obediencia incondicional". [4] [180] Janowitz ha afirmado que Cesare representa al ciudadano común que está condicionado a matar o ser asesinado, tal como se entrena a los soldados durante su servicio militar, y que Caligari es un símbolo del gobierno alemán que envía a esos soldados a morir en el guerra. [65] [181] El control que Caligari ejerce sobre las mentes y acciones de los demás resulta en caos y perversión tanto moral como social. [182] Cesare carece de individualidad y es simplemente una herramienta de su maestro; Barlow escribe que depende tanto de Caligari que cae muerto cuando se aleja demasiado de la fuente de su sustento, "como una máquina que se ha quedado sin combustible". [79]
En su libro De Caligari a Hitler , Kracauer sostiene que el personaje de Caligari es sintomático de una necesidad subconsciente en la sociedad alemana de un tirano, al que llama el "alma colectiva" alemana. [46] [182] [127] Kracauer sostiene que Caligari y Cesare son premoniciones de Adolf Hitler y su gobierno sobre Alemania, y que su control sobre el sonámbulo de voluntad débil y parecido a un títere prefigura aspectos de la mentalidad que permitió al Partido Nazi elevar. [95] [182] [127] Él llama al uso del hipnotismo por parte de Caligari para imponer su voluntad un presagio de la "manipulación del alma" de Hitler. [183] Kracauer describió la película como un ejemplo de la obediencia de Alemania a la autoridad y el fracaso o la falta de voluntad para rebelarse contra la autoridad trastornada, [184] y refleja una "retirada general" hacia un caparazón que ocurrió en la Alemania de la posguerra. [151] Cesare simboliza a aquellos que no tienen mente propia y deben seguir los caminos de los demás; [87] Kracauer escribió que presagia un futuro alemán en el que "el autoproclamado Caligaris hipnotizó a innumerables Césares para que asesinaran". [185] Barlow rechaza las afirmaciones de Kracauer de que la película glorifica la autoridad "sólo porque no ha hecho una declaración sermoneadora en su contra", y dijo que la conexión entre Caligari y Hitler radica en el estado de ánimo que transmite la película, no en un respaldo a tal tirano en el parte de la película. [186]
La realidad cotidiana en Caligari está dominada por aspectos tiránicos. Las autoridades se sientan en lo alto de las personas con las que tratan y mantienen oficinas fuera de la vista al final de largas e imponentes escaleras. [187] La mayoría de los personajes de la película son caricaturas que encajan perfectamente en roles sociales prescritos, como los ciudadanos indignados que persiguen a un enemigo público, la policía autoritaria que es deferente con sus superiores, el secretario municipal burocrático a menudo acosado y los asistentes de asilo. que actúan como los estereotipados "hombrecitos de traje blanco". [79] Sólo Caligari y Cesare son atípicos de los roles sociales y, en cambio, sirven como, en palabras de Barlow, "abstracciones de miedos sociales, encarnaciones de fuerzas demoníacas de un mundo de pesadilla que la burguesía temía reconocer, donde la autoafirmación es empujada a poder voluntario y arbitrario sobre los demás". [82] Kracauer escribió que la película demuestra un contraste entre el control rígido, representado por personajes como Caligari y el secretario municipal, y el caos, representado por la multitud de personas en la feria y el giro aparentemente interminable del tiovivo. -rondas. Dijo que la película no deja lugar a un punto medio entre estos dos extremos, y que los espectadores se ven obligados a abrazar la locura o la rigidez autoritaria, dejando poco espacio para la libertad humana. [188] [189] Kracauer escribe: " Caligari expone el alma que oscila entre la tiranía y el caos, y que se enfrenta a una situación desesperada: cualquier escape de la tiranía parece arrojarla a un estado de total confusión". [164]
Caligari no es el único símbolo de autoridad arrogante en la película. De hecho, él mismo es víctima de una dura autoridad durante la escena con el desdeñoso secretario municipal, quien lo ignora y lo ignora para concentrarse en su papeleo. [71] [190] El historiador de cine Thomas Elsaesser sostiene que el ataque asesino de Caligari a través de Cesare puede verse como una vena rebelde y antiautoritaria en respuesta a experiencias como estas, incluso a pesar de su propio autoritarismo. [191] La escenografía expresionista de esta escena amplifica aún más el poder del funcionario y la debilidad de su suplicante; el empleado se eleva en una silla excesivamente alta sobre el pequeño y humillado Caligari. [71] [155] La escena representa diferencias de clase y estatus, y transmite la experiencia psicológica de estar simultáneamente indignado e impotente frente a una pequeña burocracia. [190] Otro motivo visual común es el uso de escaleras para ilustrar la jerarquía de figuras de autoridad, como las múltiples escaleras que conducen a la sede de la policía y tres escaleras que ascienden a Caligari en el asilo. [155]
Francisco expresa resentimiento hacia todas las formas de autoridad, particularmente durante el final de la historia marco, cuando siente que ha sido institucionalizado debido a la locura de las autoridades, no porque haya algo malo en él. [192] Francisco puede ser visto, al menos dentro de la narrativa principal, como un símbolo de la razón y la ilustración que triunfan sobre el tirano irracional y desenmascaran el absurdo de la autoridad social. [4] [67] Pero Kracauer sostuvo que la historia marco socava esa premisa. Sostiene que, si no fuera por la historia marco, la historia de los esfuerzos de Francisco contra Caligari habría sido un ejemplo digno de elogio de independencia y rebelión contra la autoridad. Sin embargo, con la adición de la historia marco, que pone en duda la veracidad de las afirmaciones de Francisco, Kracauer sostiene que la película glorifica la autoridad y convierte una historia reaccionaria en una película autoritaria: [44] [4] [95] [184] "La El resultado de estas modificaciones fue falsificar la acción y, en última instancia, reducirla a los desvaríos de un loco". [25] Kracauer creía que estos cambios no eran necesariamente intencionales, sino más bien una "sumisión instintiva a las necesidades de la pantalla" porque las películas comerciales tenían que "responder a los deseos de las masas". [44] Fritz Lang no estuvo de acuerdo con el argumento de Kracauer y, en cambio, cree que la historia marco hace que las inclinaciones revolucionarias de la película sean más convincentes, no menos. [24] David Robinson dijo que, a medida que pasaba el tiempo, los espectadores se han mostrado menos inclinados a interpretar la película como una reivindicación de la autoridad porque el público moderno se ha vuelto más escéptico con respecto a la autoridad en general y está más inclinado a creer la historia de Francisco e interpretar al director del asilo. como comprometer erróneamente a Francisco a silenciarlo. [131]
Otro tema importante de Caligari es, escribe Stephen Brockmann, "el contraste desestabilizado entre locura y cordura y, por tanto, la desestabilización de la noción misma de cordura". [71] Al final de la película, según Brockman, los espectadores se dan cuenta de que la historia que han estado viendo ha sido contada desde la perspectiva de un narrador loco y, por lo tanto, no pueden aceptar nada de lo que han visto como confiable. Las inusuales abstracciones visuales de la película y otros elementos estilizados sirven para mostrar el mundo como lo experimenta un loco. [193] De manera similar, se ha descrito que la película retrata la historia como una pesadilla y la historia marco como el mundo real. [36] John D. Barlow dijo que la película ejemplifica un tema expresionista común de que "la percepción última de la realidad parecerá distorsionada y demencial para la mente sana y práctica". [194] La película sirve como recordatorio de que cualquier historia contada a través de un flashback subjetiviza la historia desde la perspectiva del narrador. [37] Al final de la película, el director del asilo no da ninguna indicación de que se refiera a la mala voluntad de Francis y, de hecho, a Barlow le parece que realmente se preocupa por sus pacientes. Sin embargo, Francisco cree que está siendo perseguido, por lo que en la historia contada desde su perspectiva, Caligari asume el papel de perseguidor. [192]
Sin embargo, los elementos visuales expresionistas de la película están presentes no sólo en la narrativa principal, sino también en las escenas del epílogo y el prólogo de la historia marco, que se supone que son un relato objetivo de la realidad. [36] [51] [103] [193] [195] Por ejemplo, las escenas de la historia marco todavía tienen árboles con ramas en forma de tentáculos y una pared alta y siniestra en el fondo. Se ven extraños patrones de hojas y líneas en el banco en el que se sienta Francis, se pueden ver diseños geométricos en forma de llamas en las paredes y su celda de asilo tiene la misma forma distorsionada que en la narrativa principal. [196] Si la historia principal fueran estrictamente los delirios de un loco, la historia marco estaría completamente desprovista de esos elementos, pero el hecho de que estén presentes no deja claro si esa perspectiva tampoco puede considerarse confiable. [36] [85] [196] En cambio, la película no ofrece ningún mundo verdadero o normal que se pueda oponer al mundo retorcido y de pesadilla descrito por Francisco. [152] Como resultado, después de la escena final de la película, puede verse como ambiguo si Francis o el director del asilo son realmente los locos, o si ambos están locos. [85] [197] [198] Asimismo, la toma final de la película, con un iris que se desvanece hasta convertirse en un primer plano del rostro del director del asilo, crea aún más dudas sobre si el personaje está realmente cuerdo y es digno de confianza. [198] [199] En palabras de Brockman, "Al final, la película no se trata sólo de un loco desafortunado; se trata de un mundo entero que posiblemente esté fuera de equilibrio". [85] Mike Budd señala que, durante la escena en la que los médicos del asilo restringen a Francis, sus movimientos imitan fielmente los de Caligari en una escena similar durante la historia principal. Budd dice que esto sugiere una "lógica onírica de repetición" que genera más confusión sobre qué perspectiva es la realidad. [198]
Más allá de las circunstancias individuales de Francis, el uso de la perspectiva del narrador en Dr. Caligari puede verse como un reflejo de la visión del mundo de los guionistas. Mayer y Janowitz eran pacifistas que se oponían a lo que Eisner describió como la voluntad de los alemanes de comprometerse con las fuerzas oscuras, como la magia demoníaca y los poderes sobrenaturales, que conducían a la muerte en el campo de batalla. [200] Aunque no cree que sea posible reducir la narrativa o la película a las creencias de sus creadores, Eisner afirma que se puede considerar que Francisco encarna la política del antinaturalismo del expresionismo, a través de la cual un protagonista no ve el mundo objetivamente. , pero tiene "visiones" que se abstraen de la individualidad y la psicología. [201] El recurso marco de un manicomio, para Eisner, tiene una connotación más amplia como declaración sobre la realidad social en el contexto del " estado de excepción ". Aquí, afirma Eisner, la tendencia militarista e imperialista del capitalismo monopolista se combina con lo que Sigmund Freud más tarde llamaría el anhelo de protección por parte de una figura paterna tiránica, o lo que Kracauer caracterizó como "autoridad asocial". [58]
La dualidad es otro tema común en Caligari . Caligari es retratado en la narrativa principal como un tirano loco, y en la historia marco como una autoridad respetada y directora de una institución mental. Como resultado de esta dualidad, es posible que el espectador sospeche de un aspecto malévolo en él al final de la película, incluso a pesar de que la evidencia indica que es un hombre amable y afectuoso. [106] Incluso dentro de la narrativa principal sola, Caligari vive una doble vida: ocupando una posición respetable como director del asilo, pero convirtiéndose en hipnotizador y asesino por la noche. [202] Además, el personaje es en realidad un doble del Caligari "real", un místico del siglo XVIII con quien el personaje de la película se obsesiona tanto que desea penetrar sus secretos más íntimos y "convertirse en Caligari". [203] Francisco también asume una especie de doble vida, sirviendo como protagonista heroico en la narrativa principal y como paciente en una institución mental en la historia marco. Anton Kaes describió la historia que cuenta Francis como un acto de transferencia con su psiquiatra, así como una proyección de sus sentimientos de que es una víctima bajo el hechizo del todopoderoso director del asilo, del mismo modo que Cesare es la víctima hipnotizada de Caligari. [203] El personaje de Cesare actúa como perseguidor y víctima, ya que es a la vez un asesino y el esclavo involuntario de un amo opresivo. [106] [190]
Siegfried Kracauer dijo que al combinar una fantasía en la que Francisco derroca a una autoridad tiránica con una realidad en la que la autoridad triunfa sobre Francisco, Caligari refleja un doble aspecto de la vida alemana, sugiriendo que reconsideren su creencia tradicional en la autoridad incluso cuando la abrazan. [44] Existe un contraste entre niveles de realidad no sólo en las caracterizaciones, sino también en la presentación de algunas de las escenas. [204] Esto, escribe Barlow, "revela un contraste entre la calma externa y el caos interno". [204] Por ejemplo, las escenas retrospectivas en las que Francis lee el diario de Caligari, en las que se muestra al médico cada vez más obsesionado con aprender poderes hipnóticos, tienen lugar mientras Caligari duerme pacíficamente en el presente. Otro ejemplo es la feria, que en la superficie parece representar diversión y escapismo, pero revela una sensación latente de caos y desastre en la forma de Caligari y Cesare. [204] Los elementos visuales de la película también transmiten una sensación de dualidad, particularmente en los contrastes entre el blanco y el negro. Esto es especialmente frecuente en los decorados, donde las sombras negras se contrastan con las paredes blancas, pero también en otros elementos como el vestuario y el maquillaje. Por ejemplo, Caligari viste principalmente de negro, pero hay rayas blancas en su cabello y en sus guantes. El rostro de Cesare es de un blanco fantasmal, pero la oscuridad de sus ojos está fuertemente delineada en negro. Asimismo, el rostro pálido de Jane contrasta con sus ojos oscuros y profundos. [106]
Los críticos han sugerido que Caligari resalta algunas de las neurosis prevalecientes en Alemania y la República de Weimar cuando se hizo la película, [186] [205] particularmente a la sombra de la Primera Guerra Mundial, [206] en un momento en que el extremismo era rampante, los reaccionarios Todavía controlaba las instituciones alemanas y los ciudadanos temían el daño que el Tratado de Versalles tendría en la economía. [186] Siegfried Kracauer escribió que la paranoia y el miedo retratados en la película eran señales de lo que vendría en Alemania, [44] [205] y que la película reflejaba una tendencia de los alemanes a "retraerse en sí mismos" y alejarse del compromiso político. después de la guerra. [44] [87] Vincent LoBrutto escribió que la película puede verse como una analogía social o política de "el colapso moral y físico de Alemania en ese momento, con un loco suelto causando estragos en una sociedad distorsionada y desequilibrada". , una metáfora de un país en caos". [87]
Anton Kaes, quien calificó a Caligari como "una declaración agresiva sobre la psiquiatría de guerra, el asesinato y el engaño", escribió que la pregunta de Alan a Cesare: "¿Cuánto tiempo me queda de vida?" reflejaba el trauma que experimentaron los ciudadanos alemanes durante la guerra, ya que esa pregunta estaba a menudo en la mente de los soldados y de los familiares en casa preocupados por sus seres queridos en el ejército. La desesperación de Francisco tras el asesinato de Alan también puede compararse con la de muchos soldados que sobrevivieron a la guerra pero vieron morir a sus amigos en el campo de batalla. Kaes notó otros paralelos entre la película y las experiencias de guerra, señalando que Cesare atacó a Alan al amanecer, un momento común para los ataques durante la guerra. [207] Thomas Elsaesser llamó a Caligari un "ejemplo sobresaliente de cómo las representaciones 'fantásticas' en las películas alemanas de principios de la década de 1920 parecen llevar la huella de presiones de eventos externos, a los que se refieren sólo a través de la violencia con la que las disfrazan y desfiguran". ". [190]
Se hicieron varios intentos fallidos de producir secuelas y remakes en las décadas posteriores al lanzamiento de Caligari . Robert Wiene compró los derechos de Caligari a Universum Film AG en 1934 con la intención de filmar una nueva versión sonora, que nunca se materializó antes de la muerte de Wiene en 1938. Tenía la intención de contratar a Jean Cocteau como Cesare y un guión, que se cree que fue escrito por Wiene. , indicó que el estilo expresionista habría sido reemplazado por un estilo surrealista francés . [208] En 1944, Erich Pommer y Hans Janowitz intentaron cada uno por separado obtener los derechos legales de la película, con la esperanza de una nueva versión de Hollywood. [68] [209] Pommer intentó argumentar que tenía más derechos sobre los derechos porque el valor principal de la película original no provenía de la escritura, sino "de la forma revolucionaria en que se produjo la película". [210] Sin embargo, tanto Janowitz como Pommer se toparon con complicaciones relacionadas con la invalidez de la ley nazi en los Estados Unidos y la incertidumbre sobre los derechos legales de las películas sonoras y mudas. [68] [209] Janowitz escribió un tratamiento para una nueva versión, y en enero de 1945 se le ofreció una garantía mínima de 16.000 dólares contra una regalía del cinco por ciento por sus derechos sobre la película original para una secuela que sería dirigida por Fritz Lang , pero el El proyecto nunca llegó a concretarse. [209] [211] Más tarde, Janowitz planeó una secuela llamada Caligari II e intentó sin éxito vender la propiedad a un productor de Hollywood por 30.000 dólares. [211]
Alrededor de 1947, el agente de Hollywood Paul Kohner y el cineasta alemán Ernst Matray también planearon una secuela de Caligari ; Matray y su esposa Maria Solveg escribieron un guión llamado El regreso de Caligari . [211] Ese guión habría reimaginado a Caligari como un ex oficial nazi y criminal de guerra, pero la película nunca se produjo. [209] [211] En 1960, el productor independiente de Hollywood Robert Lippert adquirió los derechos de Caligari de Matray y Universum Film AG por 50.000 dólares y produjo una película llamada El gabinete de Caligari , que se estrenó en 1962. [211] El guionista Robert Bloch No tenía la intención de escribir una nueva versión de Caligari y, de hecho, el director Roger Kay le impuso el título a su guión sin título. [212] La película tenía pocas similitudes con la Caligari original excepto por su título y un giro de la trama al final, [209] [213] en el que se revela que la historia era simplemente el engaño de la protagonista, quien creía que estaba siendo mantenido cautivo por un personaje llamado Caligari. En cambio, él era su psiquiatra y la cura al final de la película. [209]
En 1989 se estrenó una cuasi secuela, llamada Dr. Caligari , [214] dirigida por Stephen Sayadian y protagonizada por Madeleine Reynal como la nieta del Caligari original, que ahora dirige un asilo y realiza extraños experimentos hormonales con sus pacientes. En última instancia, la historia basada en el sexo tenía poco en común con la película original. [212] [215] En 1992, el director de teatro Peter Sellars estrenó su único largometraje, El gabinete del Dr. Ramírez , una película experimental basada libremente en Caligari . Sin embargo, la trama se creó mientras se hacía la película, por lo que tiene pocas similitudes con la película original. [216] [217] La película se proyectó sólo en el Festival de Cine de Sundance de 1992 y nunca se estrenó en cines. [216] En 2005 se estrenó una nueva versión cinematográfica independiente de Caligari editada, escrita y dirigida por David Lee Fisher, en la que se colocaron nuevos actores frente a los fondos reales de la película original. Los actores actuaron frente a una pantalla verde , luego sus actuaciones se superpusieron frente a tomas mate basadas en los decorados originales. Doug Jones interpretó el papel de Cesare. [218] [219] [220]
Numerosos músicos han compuesto nuevas partituras para acompañar la película. La Club Foot Orchestra estrenó una partitura escrita por el fundador del conjunto y director artístico Richard Marriott en 1987. [221] El grupo israelí de electrónica TaaPet compuso una banda sonora para la película y la interpretó varias veces en Israel en 2000. [222] El compositor británico y El músico Geoff Smith compuso una nueva banda sonora para la película en 2003. [223] La banda psicodélica holandesa Monomyth compuso una nueva banda sonora y la interpretó durante una proyección de Caligari en el Imagine Film Festival en los Países Bajos en abril de 2016. [224] Bertelsmann/ BMG encargó a Timothy Brock que adaptara su partitura para orquesta de cuerdas de 1996 para una restauración en 2014; Brock dirigió el estreno en Bruselas el 15 de septiembre de 2014. [225] En 2012, Chatterbox Audio Theatre grabó una banda sonora en vivo, que incluía diálogos, efectos de sonido y música para Caligari , que se lanzó en YouTube el 30 de octubre de 2013. [226] Se grabaron dos nuevas partituras para un lanzamiento en DVD de Caligari en 2016 : una partitura tradicional de Timothy Brock interpretada por la Filarmónica de Bruselas y una partitura electroacústica de Edison Studio , un colectivo de compositores. [227]
En 1981, la Yorkshire Actors Company le pidió a Bill Nelson que creara una banda sonora para una adaptación teatral de la película. Esa música fue grabada más tarde para su álbum de 1982 Das Kabinet (El gabinete del doctor Caligari) . [228]
En 1983, la cadena de televisión alemana ZDF encargó al compositor Peter Michael Hamel la creación de una nueva partitura para una restauración de la película, basada en una copia de 1921. La versión con música de Hamel se estrenó en ZDF en mayo de 1983 y posteriormente se transmitió durante las décadas de 1980 y 1990 en estaciones de televisión de varios países europeos, incluidos España y Polonia.
Caligari fue adaptada a la ópera en 1997 por el compositor John Moran . Se estrenó en el American Repertory Theatre de Cambridge, Massachusetts , en una producción de Robert McGrath. [229] Joseph Kahn y Rob Zombie dirigieron un vídeo musical para el sencillo de 1999 " Living Dead Girl " con imágenes directamente inspiradas en The Cabinet of Dr. Caligari , [230] [231] con la esposa de Zombie, Sheri Moon Zombie , interpretando el papel de Cesare. [232] En 2015, el escenógrafo y director indio Deepan Sivaraman adaptó la película en una pieza de medios mixtos de una hora de duración con los estudiantes de estudios de performance de la Universidad Ambedkar de Delhi como parte de un curso titulado "Espacio y espectador". [233] Connect Company de la Ópera Escocesa encargó a la compositora Karen MacIver y al libretista Allan Dunn producir una ópera basada en El gabinete del Dr. Caligari , [234] [235] [236] que se representó por primera vez en 2016. [234] [ 235] Aunque compartía la misma historia que la película, el escenario se cambió a Glasgow Green y Gartloch en Glasgow , Escocia . [234]
En 2020, la banda española de post-rock Toundra lanzó su propia banda sonora para la película. [237] Se estrenó exactamente 100 años después del estreno de la película original. El álbum consta de 7 canciones, que coinciden con la estructura de la película: secuencia del título de apertura, además de seis actos cinematográficos. Las canciones también tienen la misma duración que los actos, por lo que la música se puede sincronizar con la película. [238]
En 2024, el músico alemán y ex miembro de Kraftwerk Karl Bartos lanzó una nueva banda sonora para la película. Se estrenó el 17 de febrero en la Alte Oper de Frankfurt am Main.
En 1998, Tangled Web Audio lanzó una adaptación de audio de El gabinete del Dr. Caligari escrita y dirigida por Yuri Rasovsky en casete de audio. El elenco incluía a John de Lancie , Kaitlin Hopkins y Robertson Dean. [239] La dramatización ganó el premio Independent Publisher Book Award a la mejor producción directa en audio en 1998. [240] En 2008, BBC Radio 3 transmitió una adaptación de audio de Amanda Dalton titulada Caligari , protagonizada por Luke Treadaway , Tom Ferguson y Sarah McDonald. Hughes, Terence Mann y el contratenor Robin Blaze como Cesare. [241] [242] Caligari era un personaje completamente silencioso en esta adaptación. [243]
... ella no se perdió a Caligari porque estaba muerta.
En realidad, estuvo viva durante toda la producción.
Dividida entre Mayer y Janowitz, Gilda Langer aprovechó la oportunidad para dejar a un par de escritores hambrientos en favor de un prometedor director y productor llamado Paul Czinner.
Al casarse con Czinner, Gilda abandonó efectivamente su órbita...
