El expresionismo figurativo estadounidense es un estilo o movimiento de arte visual del siglo XX que se apoderó de Boston y luego se extendió por todo Estados Unidos. Los críticos que se remontan a los orígenes del expresionismo a menudo lo han encontrado difícil de definir. [1] [2] Sin embargo, una descripción lo clasifica como una filosofía humanista , ya que está centrado en el ser humano y es racionalista. Su enfoque formal del manejo de la pintura y el espacio a menudo también se considera una característica definitoria, [3] al igual que su compromiso radical, en lugar de reaccionario, con la figura. [2]
El término "expresionismo figurativo" surgió como una contradistinción al " expresionismo abstracto ". [4] Al igual que el expresionismo alemán , el movimiento estadounidense aborda cuestiones que están en el corazón de la sensibilidad expresionista, como la identidad personal y grupal en el mundo moderno, el papel del artista como testigo de cuestiones como la violencia y la corrupción, y la naturaleza del proceso creativo y sus implicaciones. [3] Estos factores hablan de la fuerte asociación del movimiento con la expresión emocional de la visión interior del artista, con los tipos de pinceladas enfáticas y colores audaces que se encuentran en pinturas como La noche estrellada de Vincent van Gogh y El grito de Edvard Munch que han influido en generaciones de practicantes . También hablan del rechazo del "realismo" orientado hacia el exterior del impresionismo , y sugieren tácitamente la influencia del simbolismo en el movimiento, que ve significado en la línea, la forma, la figura y el color.
Los orígenes del movimiento estadounidense en Boston se remontan a una "ola de inmigrantes alemanes y judíos europeos" en la década de 1930 y sus "afinidades con la corriente alemana contemporánea de la pintura figurativa... en artistas como Otto Dix (1891-1969), Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), Oskar Kokoschka (1886-1980) y Emil Nolde (1867-1956), tanto en estilo como en temática", escribe el historiador de arte Adam Zucker. Zucker, que considera al humanismo el ideal definitorio del movimiento estadounidense, afirma que se inspiró "en gran medida en cuestiones y conflictos políticos y/o sociales", de forma muy similar a como muchos de los practicantes del "arte de mediados del siglo XX, incluidos el dadaísmo , el surrealismo y el realismo social , adoptaron posturas contra la guerra o las guerras, tanto dentro como fuera del lienzo". [5]
De hecho, muchos artistas de Boston tenían vínculos con la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston o la Galería Boris Mirski , donde pintores como Karl Zerbe (1903-1972), Hyman Bloom (1913-2009), [6] Jack Levine (1915-2010), [7] David Aronson (n. 1923) [8] estudiaron, enseñaron, expusieron y finalmente se convirtieron en activistas después de "desafiar abiertamente una declaración emitida por el Instituto de Arte Moderno de Boston bajo el título 'El arte moderno y el público estadounidense'". [5] Preocupados de que los museos brahmanes de Boston nunca los apoyarían, fundaron el Capítulo de Nueva Inglaterra de Artists Equity para luchar por sus derechos y organizaron el Festival de Artes de Boston para hacer que el arte fuera más democrático. [9]
Su obra continua y sus diálogos modernistas concibieron el arte "como una narrativa que se desarrollaba a través de la incorporación de figuras y paisajes en alegorías extraídas... de temas tradicionales o imaginarios, alimentados por las experiencias y la espiritualidad de los artistas. Sus temas tendían hacia "escenas e imágenes en las que expresaban emociones profundas, horrores y fantasías de una manera en gran medida alegórica. Las escenas espirituales y fantásticas eran, por lo tanto, comunes, y las representaciones de exhibiciones religiosas sublimes, la sátira política y los tratamientos del tema de la mortalidad humana... contribuyeron a la progresión de la pintura figurativa y a la definición cambiante del arte humanista moderno". [10]
El movimiento expresionista nació de los artistas de principios del siglo XX James Ensor , Edvard Munch y Vincent van Gogh . Pero los grupos franceses, alemanes y ruso-alemanes que trabajaron entre 1905 y 1920 ayudaron a desarrollarlo. El grupo francés, que se concentró en los aspectos pictóricos de su trabajo, en particular el color, fue clasificado como fauvista ("bestias salvajes"), y Henri Matisse es considerado un practicante clave. La corriente con base en Dresde fue conocida como Die Brücke , en referencia al deseo del grupo de "tender un puente" con el pasado. [11] Los autodidactas Die Brücke tenían un fuerte interés en el primitivismo , como los fauvistas, pero sus elecciones de color eran en una tonalidad menos natural y más alta que las de los franceses, y sus paisajes urbanos eran vanguardistas. Su contenido también era a veces sexual, en el espíritu de la alienación que expresaban en xilografías y esculturas. El último grupo, Der Blaue Reiter ("El jinete azul"), con sede en Múnich, estaba formado en su mayoría por rusos y entre sus miembros más conocidos se encontraba Wassily Kandinsky . Este grupo tenía una orientación considerablemente más abstracta y rechazaba el enfoque más realista de la pintura Der Blaue Reiter de Kandinsky , que le dio su nombre.
La historiadora de arte Judith Bookbinder estableció el expresionismo figurativo de Boston como parte integral del modernismo estadounidense en el contexto de la Segunda Guerra Mundial , [12] diciendo que "[Expresaba] la ansiedad de la era moderna con el acento particular de la ciudad". [3] Los primeros miembros del grupo expresionista de Boston eran inmigrantes, o hijos de inmigrantes, de Europa central y oriental. Muchos eran judíos y algunos tenían antecedentes germánicos.
Así, los expresionistas alemanes como Max Beckmann , George Grosz y Oskar Kokoschka fueron una fuerte influencia en los pintores de Boston, al igual que el pintor nacido en Alemania Karl Zerbe que enseñó en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston , uno de los dos ejes centrales para la formación del expresionismo de Boston, junto con la modernista Galería Boris Mirski . En la década de 1930, durante su desarrollo temprano, el movimiento atrajo solo a un pequeño grupo de partidarios y, durante ese período, muchos emigrados, críticos y académicos alemanes también intentaron negar todas las conexiones con movimientos de arte asociados de alguna manera con Alemania. [13] Pero en la década de 1940, Hyman Bloom y Jack Levine, quienes habían comenzado como pintores de la Works Progress Administration , ya habían dejado una marca. En 2006, la directora del Museo de Arte de Danforth, Katherine French, dijo: "Hubo un período de unos seis meses en el que Hyman Bloom fue el pintor más importante del mundo, y probablemente un período de unos cinco años en el que fue el pintor más importante de Estados Unidos". [14] Elogiado por la revista Time , aunque apenas había vendido un cuadro [15], fue llamado "el primer expresionista abstracto" [16] por los neoyorquinos Jackson Pollock y Willem de Kooning. De regreso en Boston, más tarde fue considerado uno de los pioneros del expresionismo de Boston, un movimiento que prosperó durante la década de 1950 y que sigue siendo influyente hoy en día.
En la década de 1950, la ciudad de Nueva York superó a París como centro mundial del arte con el nacimiento del expresionismo abstracto . [17] Ese movimiento, al igual que el expresionismo figurativo estadounidense, buscaba tanto una expresión definitiva de la modernidad como una identidad de posguerra diferente. [18] Pero donde el expresionismo figurativo abrazó el humanismo implícito en la figura, el expresionismo abstracto lo rechazó explícitamente. La estatura de Hyman Bloom en el movimiento de Nueva York disminuyó, [16] a medida que la diferencia en el punto de vista se endureció y críticos como Clement Greenberg abogaron por un arte que se refería a sí mismo, no a reliquias literarias como la figuración. Mientras tanto, el crítico y defensor de la pintura de acción , Harold Rosenberg, vio a Jackson Pollock como un ideal. [18]
"Durante los años de la guerra y hasta la década de 1950", escribe Judith E. Stein, "el público en general siguió siendo muy receloso de la abstracción, que muchos consideraban antiamericana. Si bien el crítico de arte Clement Greenberg desafió con éxito la respuesta negativa del público a la abstracción, su intento de comunicarse con los pintores figurativos de Nueva York de los años cincuenta tuvo menos éxito". [19] En 1960, Thomas B. Hess escribió: "[L]a 'nueva pintura figurativa' que algunos esperaban como reacción contra el expresionismo abstracto estaba implícita en ella desde el principio, y es una de sus continuidades más lineales". [20]
En 1953 se fundó la revista Reality [21] "para defender el derecho de todo pintor a pintar de la forma que quiera". Esta declaración de intenciones contaba con el apoyo de un comité editorial que incluía a Isabel Bishop (1902-1988), Edward Hopper (1882-1967), Jack Levine (1915-2010), Raphael Soyer (1899-1987) y Henry Varnum Poor (1888-1970).
El escultor Philip Pavia se convirtió en el "editor partidario" de It is, una revista de arte abstracto que fundó en 1958. En una carta abierta a Leslie Katz, el nuevo editor de Arts Magazine , [22] escribió: "Les ruego que le den un trato mejor al artista figurativo. Los artistas figurativos y casi abstractos olvidados, no los abstraccionistas, necesitan un defensor en estos días".
Aunque ninguno de estos defensores de la figuración tenía la estatura de críticos como Clement Greenberg o Harold Rosenberg , fueron reconocidos por los críticos como radicales, "representando a una nueva generación para la que el arte figurativo era en cierto sentido más revolucionario que la abstracción". [23] Una conversación recordada por Thomas B. Hess enfatizó el poder percibido del crítico: "Hoy es imposible pintar una cara", pontificó el crítico Clement Greenberg alrededor de 1950. "Así es", dijo de Kooning, "y es imposible no hacerlo". [24]
La historiadora literaria Marjorie Perloff ha argumentado de manera convincente que los poemas de Frank O'Hara sobre las obras de Garace Hartigan y Larry Rivers demostraron "que en realidad se sentía más a gusto con la pintura que conserva al menos algo de figuración que con la abstracción pura". [25] Enumerando a Grace Hartigan , Larry Rivers , Elaine de Kooning , Jane Freilicher , Robert De Niro, Sr. , Felix Pasilis, Wolf Kahn y Marcia Marcus como artistas que respondieron al "canto de sirena de la naturaleza", O'Hara se explicó en "Nature and New Painting", 1954. Los expresionistas figurativos de Nueva York pertenecen al expresionismo abstracto, argumentó, señalando que siempre habían tomado una posición firme contra un protocolo implícito, "ya sea en el Museo Metropolitano o en el Club de Artistas".
El curador del Museo de Arte Contemporáneo de Detroit (MOCAD), Klaus Kertess [26], observó que "en vísperas de la purga de la figuración por parte de la nueva abstracción y su ascenso a una prominencia que lo abarcaba todo, la figura comenzó a adquirir un vigor nuevo y poderoso". Ese vigor fue representado a través del mito y la espiritualidad por Max Weber (1881-1961) y Marsden Hartley (1877-1943). Pero también fue representado con una moderación lírica por Milton Avery (1885-1965) y por una claridad y una franqueza visibles en el caso de Edwin Dickinson (1891-1978).
El expresionismo figurativo neoyorquino de la década de 1950 representó una tendencia en la que "diversos artistas neoyorquinos contrarrestaron el modo abstracto predominante para trabajar con la figura". [27] La figura tenía diferentes propósitos para diferentes artistas:
El curador del Museo de Arte Contemporáneo de Detroit ( MOCAD ), Klaus Kertess, describió la trayectoria de la figura de esta manera: "Durante finales de los años cuarenta y principios de los cincuenta... la figura, en su papel de precursora del conservadurismo, se convirtió en un objetivo obvio para la actitud defensiva abstraccionista , una actitud defensiva propensa a desdibujar las vastas distinciones entre pintores figurativos y a exagerar la diferencia entre lo figurativo y lo no figurativo. No fue hasta finales de los sesenta y principios de los setenta que se le permitió a la figura regresar del exilio e incluso reclamar su centralidad". [29]
El movimiento figurativo del Área de la Bahía se considera el primer movimiento artístico importante que surgió de la Costa Oeste. Tiene sus raíces en la Escuela de Bellas Artes de California en San Francisco , donde muchos de los expresionistas figurativos de la zona enseñaron o estudiaron. [30] Sus inicios formales se remontan tradicionalmente a una exposición de 1957 en el Museo de Oakland, donde artistas locales, trabajando en una variedad de géneros, representaron paisajes, figuras y escenarios contemporáneos, rechazando definitivamente la abstracción pura que dominaba entonces la escena expresionista abstracta de Nueva York. Esta exposición, que se llamó "Pintura figurativa contemporánea del Área de la Bahía", atrajo la atención generalizada sobre la tendencia [31] que presentaba imágenes figurativas dentro de un modo pictórico condicionado por la pincelada rica y vigorosa del expresionismo abstracto. [32] Hay críticos que también notaron un sentido de colaboración entre los artistas del Área de la Bahía mientras traducían el expresionismo abstracto a un estilo figurativo viable. [33]
Entre las figuras clave del movimiento del Área de la Bahía se encontraban Richard Diebenkorn (1922-1993), David Park (1911-1960) y Elmer Bischoff (1916-1991). Estos tres, junto con James Weeks (1922-1998), fueron considerados los cuatro fundadores del movimiento. [34] Crearon obras de arte que se centraban en temas reconocibles como el paisaje del Área de la Bahía. [34] En particular, Park proporcionó la chispa que dio origen al movimiento artístico después de que su pintura de una banda de jazz causara revuelo en la comunidad artística de San Francisco después de que fuera incluida en una exposición colectiva. [31] Su pintura de 1951 Kids on Bikes también se considera emblemática del movimiento. [30] [35]
"El artista y crítico Franz Schulze nombró a la docena de artistas "The Monster Roster" por su temática y como referencia a los "Monstruos de Midway", apodo del equipo de fútbol de la Universidad de Chicago". [37] [38] Muchos miembros de este grupo lucharon durante la Segunda Guerra Mundial y asistieron a la Escuela del Instituto de Arte de Chicago gracias al apoyo proporcionado por el GI Bill . [39] / [40] Los expresionistas figurativos de Chicago de la década de 1950 "compartían una profunda preocupación por una imagen humana existencial de resistencia frustrada pero inexorable". [41] El poeta y crítico de arte Carter Ratcliff dijo: "Los habitantes de Chicago de la década de 1950 nunca se unieron en un grupo. [42] A pesar de toda su incompatibilidad, su arte compartía un propósito: anunciar la alienación del artista en términos lo suficientemente claros para ser ampliamente comprendidos".
Leon Golub (1922-2004) encabezó el Monster Roster al escribir una apasionada defensa del expresionismo figurativo en un artículo para el College Art Journal en 1953 que también criticaba la abstracción como una negación de la humanidad del hombre, llamándola una forma deshumanizada y deshumanizante. [34] Otras figuras clave en la contribución más importante del Medio Oeste al arte estadounidense incluyeron a George Cohen (1919-1999), Seymour Rosofsky (1924-1981) y HC Westermann (1922-1981).
Richard Diebenkorn fue uno de los primeros expresionistas abstractos que volvieron a la figura antes de la crisis del expresionismo abstracto, pero muchos otros lo seguirían. Phillip Guston comenzó a denunciar públicamente el expresionismo abstracto en 1970, según su hija, la escritora Musa Mayer, despotricando que "el arte abstracto estadounidense es una mentira, una farsa, un encubrimiento de la pobreza de espíritu. Una máscara para enmascarar el miedo a revelarse. Una mentira para encubrir lo malo que uno puede ser... Es un escape de los verdaderos sentimientos que tenemos, de los sentimientos 'crudos', primitivos sobre el mundo -y nosotros en él-". [43] La crisis del expresionismo abstracto liberó a muchos... artistas para seguir su inclinación, frustrada durante mucho tiempo, de pintar la figura", lo que resultó en el resurgimiento del expresionismo figurativo estadounidense, [44] con el expresionismo de Boston ahora en su tercera generación. [45]
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