Hunky Dory es el cuarto álbum de estudio del músico inglés David Bowie , lanzado en el Reino Unido el 17 de diciembre de 1971 a través de RCA Records . Tras el lanzamiento de su álbum de 1970, The Man Who Sold the World , Bowie se tomó un tiempo libre de las grabaciones y las giras. Se dispuso a escribir nuevas canciones, componiendo con piano en lugar de guitarra como en temas anteriores. Después de una gira por los Estados Unidos, Bowie formó una nueva banda de acompañamiento formada por el guitarrista Mick Ronson , el bajista Trevor Bolder y el baterista Mick Woodmansey , y comenzó a grabar un nuevo álbum a mediados de 1971 en los Trident Studios de Londres. Rick Wakeman , miembrode Future Yes, contribuyó en el piano. Bowie coprodujo el álbum con Ken Scott , quien había diseñado los dos discos anteriores de Bowie.
En comparación con el sonido de hard rock impulsado por la guitarra de The Man Who Sold the World , Bowie optó por un estilo pop rock y art pop más cálido y melódico basado en piano en Hunky Dory . Sus preocupaciones líricas en el disco van desde la naturaleza compulsiva de la reinvención artística en " Changes ", hasta el ocultismo y la filosofía nietzscheana en " Oh! You Pretty Things " y " Quicksand "; Varias canciones hacen referencias culturales y literarias. También se inspiró en su gira por Estados Unidos para escribir canciones dedicadas a tres íconos estadounidenses: Andy Warhol , Bob Dylan y Lou Reed . La canción " Kooks " fue dedicada al hijo recién nacido de Bowie, Duncan . La portada del álbum, fotografiada en monocromo y posteriormente recoloreada, muestra a Bowie en una pose inspirada en actrices de la Edad de Oro de Hollywood .
Tras su lanzamiento, Hunky Dory y su sencillo principal "Changes" recibieron poca promoción por parte de RCA, que temía que Bowie transformara su imagen en breve. Así, a pesar de las críticas muy positivas de la prensa musical británica y estadounidense, el álbum inicialmente se vendió mal y no llegó a las listas. Fue sólo después del avance comercial del siguiente álbum de Bowie, Ziggy Stardust, de 1972, que Hunky Dory se convirtió en un éxito comercial, alcanzando el puesto número tres en la lista de álbumes del Reino Unido . Retrospectivamente, Hunky Dory ha sido aclamado por la crítica como uno de los mejores trabajos de Bowie y figura en varias listas de los mejores álbumes de todos los tiempos. En el contexto de su carrera, se considera el álbum donde "Bowie comienza a convertirse en Bowie", descubriendo definitivamente su voz y estilo. [1]
Después de que David Bowie completara su tercer álbum de estudio, The Man Who Sold the World , en mayo de 1970, se volvió menos activo tanto en el estudio como en el escenario. Su contrato con el editor musical Essex había expirado y su nuevo manager Tony Defries enfrentaba desafíos contractuales previos. [2] [3] Bowie tampoco tenía banda de acompañamiento, ya que los músicos de The Man Who Sold the World , incluido su productor y bajista Tony Visconti , el guitarrista Mick Ronson y el baterista Mick Woodmansey , se marcharon en agosto de 1970 debido a conflictos personales con el artista. [2] [3] Después de escuchar una demostración de " Holy Holy " de Bowie , grabada en otoño de 1970, Defries firmó un contrato con el cantante con Chrysalis , pero posteriormente limitó su trabajo con Bowie para centrarse en otros proyectos. Bowie, que se dedicaba a escribir canciones, recurrió al socio de Chrysalis, Bob Grace, a quien le encantó la demo de "Holy Holy" y posteriormente reservó tiempo en los estudios de Radio Luxemburgo en Londres para que Bowie grabara sus demos. [2] [4] "Holy Holy", grabada en noviembre de 1970 y lanzada como sencillo en enero de 1971, fue un fracaso comercial. [5] [6]
Todo el álbum de Hunky Dory reflejó mi nuevo entusiasmo por este nuevo continente que se me había abierto. Esa fue la primera vez que una situación externa real me afectó tanto que cambió mi forma de escribir y mi forma de ver las cosas. [7]
—David Bowie analiza cómo Estados Unidos influyó en el álbum, 1999
The Man Who Sold the World fue lanzado en los Estados Unidos a través de Mercury Records en noviembre de 1970. [6] El álbum se vendió mal, pero obtuvo mejores resultados tanto crítica como comercialmente en los Estados Unidos que en el Reino Unido. [3] Se reprodujo frecuentemente en estaciones de radio estadounidenses y su "contenido de heavy rock" aumentó el interés en Bowie. [8] El éxito de crítica del álbum impulsó a Mercury a enviar a Bowie a una gira promocional de radio por los EE. UU. en febrero de 1971. [9] El viaje lo inspiró a escribir canciones tributo a tres íconos estadounidenses: el artista Andy Warhol , el cantautor Bob Dylan y la banda de rock The Velvet Underground , más concretamente su cantante Lou Reed . [7] [10] Después de la gira, Bowie regresó a su apartamento en Haddon Hall, Beckenham , donde grabó muchos de sus demos de principios de los años 1970, y comenzó a escribir. [11] Según su entonces esposa Angela , Bowie había pasado tiempo componiendo canciones en piano en lugar de guitarra acústica, lo que "infundiría el sabor del nuevo álbum". [3] En total, compuso más de tres docenas de canciones allí, muchas de las cuales aparecerían en Hunky Dory y su siguiente álbum The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars . [12] La primera canción que Bowie escribió para Hunky Dory fue " Oh! You Pretty Things " en enero de 1971. Después de grabar su demo en Radio Luxemburgo, Bowie le dio la cinta a Grace, quien se la mostró a Peter Noone de Herman's Hermits . Noone decidió grabar su propia versión y lanzarla como su sencillo debut. [3] [13]
Lanzada en abril de 1971, la versión de Noone de "Oh! You Pretty Things" fue un éxito comercial, alcanzando el puesto 12 en la lista de singles del Reino Unido . Era la primera vez que la mayoría de los oyentes escuchaban hablar de Bowie desde " Space Oddity " (1969). [14] [9] Noone dijo a NME : "Mi opinión es que David Bowie es el mejor escritor de Gran Bretaña en este momento... sin duda el mejor desde Lennon y McCartney ". [15] Tras el éxito del sencillo, Defries intentó liberar a Bowie de su contrato con Mercury, [2] [3] que expiraba en junio de 1971. Defries sintió que Mercury no le había hecho justicia a Bowie financieramente. Aunque Mercury tenía la intención de renovarlo en mejores condiciones, Defries obligó al sello a rescindir el contrato en mayo amenazando con entregar un álbum de baja calidad. Luego, Defries pagó las deudas de Bowie con Mercury a través de Gem Productions, y el sello renunció a sus derechos de autor sobre David Bowie (1969) y The Man Who Sold the World . [3]
Después de que su efímera banda Arnold Corns cerrara en febrero, Bowie regresó al estudio en mayo de 1971 para grabar su siguiente álbum. [16] Concluyó que no podía hacer el proyecto sin Ronson, [3] quien se mostró entusiasmado cuando Bowie lo contactó por primera vez en nueve meses. Woodmansey regresó con Ronson, quien comenzó a buscar un bajista para reemplazar a Visconti. Ronson inicialmente sugirió a Rick Kemp , con quien Bowie había grabado a mediados de la década de 1960, pero Bowie no quedó impresionado con la audición de Kemp en Haddon Hall. Según algunos informes, según el biógrafo Nicholas Pegg , fue Defries quien rechazó a Kemp debido a su "entrada del cabello". [3] Ronson luego sugirió a su conocido Trevor Bolder , un ex peluquero y afinador de pianos que había visto previamente a Bowie en concierto en 1970 y conoció a Ronson en Haddon Hall. [3] [16] Después de que contrataron a Bolder, el trío se reunió en Haddon para ensayar parte del nuevo material de Bowie, como la canción " Andy Warhol ". [3] Bowie y su nuevo trío de acompañamiento, que pronto se llamará Spiders from Mars , tocaron por primera vez el 3 de junio en el programa de radio In Concert del DJ John Peel de la BBC . El set incluyó presentaciones debut de varias canciones que Bowie había escrito recientemente, como " Queen Bitch ", " Bombers ", " Song for Bob Dylan " y "Andy Warhol". En esta sesión también se anunció el título "Hunky Dory". [16] [17]
Bowie and the Future Spiders comenzaron a trabajar oficialmente en el nuevo álbum en Trident Studios en Londres el 8 de junio de 1971. [16] Ken Scott , que había diseñado los dos discos anteriores de Bowie, fue contratado para coproducir junto a él. [1] Scott aceptó el puesto como una forma de ganar experiencia, aunque en ese momento no creía que Bowie se convirtiera en una gran estrella. [18] En su debut como productor, Scott tomó prestados algunos de los sonidos acústicos de All Things Must Pass (1970) de George Harrison , un álbum que él mismo diseñó. [3] [19] Scott conservaría el papel de coproductor de los siguientes tres discos de Bowie: Ziggy Stardust , Aladdin Sane y Pin Ups . [10] Bowie tocó demos para Scott y los dos eligieron cuáles se grabarían para el álbum. [19] El 8 de junio, la banda grabó "Song for Bob Dylan", [16] aunque según Pegg esta versión fue descartada y la versión publicada no se grabó hasta el 23 de junio. [3] Scott recordó más tarde que la grabación fue muy rápida: "Casi todo se hizo en una sola toma". [16] Se sorprendió cuando él y los Spiders pensaron que era necesario volver a grabar una parte de voz o guitarra, pero Bowie decía "No, espera, escucha", y cuando todo se tocaba simultáneamente sonaba perfecto. [19] Respecto al talento de Bowie como vocalista, Scott declaró: "Era único. [Él es] el único cantante con el que trabajé donde prácticamente cada toma era maestra". [18] Bolder describió grabar con Bowie por primera vez como una "experiencia estresante", diciendo: "Cuando se encendió esa luz roja en el estudio, fue, Dios, ¡en el fondo de qué!" [16] Como coproductor, Bowie se interesó activamente en el sonido y los arreglos del álbum, un cambio radical con respecto a su actitud generalmente de no intervención durante las sesiones de Man Who Sold the World . [2] [3]
El teclista Rick Wakeman , destacado músico de sesión y miembro de los Strawbs , [3] toca el piano en el álbum; [19] Anteriormente interpretó a Mellotron en David Bowie (1969). [20] En 1995 recordó que se reunió con Bowie a finales de junio de 1971 en Haddon Hall, donde escuchó demos de "Changes" y " Life on Mars? " en "su brillantez cruda... la mejor selección de canciones que tengo". escuchado de una sola vez en toda mi vida... No podía esperar para entrar al estudio y grabarlos". [21] El piano que tocó Wakeman fue el mismo Bechstein de 1898 utilizado por Paul McCartney para " Hey Jude " y más tarde por Queen para " Bohemian Rhapsody ". [3] Según Wakeman, las primeras sesiones comenzaron mal ya que la banda no había aprendido las canciones. Recordó que Bowie tuvo que detener las sesiones, regañar a los músicos y que volvieran cuando conocieran la música. Cuando regresaron después de una semana, Wakeman pensó: "¡La banda estaba buena! Eran muy buenos y las pistas simplemente fluían". [3] Esta historia ha sido cuestionada por otros miembros de la banda, incluido Bolder, quien le dijo al biógrafo Kevin Cann: "[Eso es] basura. David nunca habría regañado a la banda en el estudio. Especialmente porque Mick y Woody ya lo habían dejado una vez. , y ahora todos se llevaban bien. La banda no habría sobrevivido a eso, definitivamente no sucedió". Scott sostuvo: "Definitivamente no recuerdo eso, y no es algo que olvidaría. Definitivamente lo discutiría". [3] [21]
Con Wakeman en la formación, el 9 de julio Bowie y su banda grabaron dos tomas de "Bombers" y "It Ain't Easy", esta última con los coros de Dana Gillespie . Cinco días después, el grupo grabó cuatro tomas de " Quicksand ", la última de las cuales aparece en el álbum terminado. [21] El 18 de julio, el grupo pasó el día ensayando y mezclando. Se llevaron a cabo más sesiones de mezcla entre el 21 y el 26 de julio para compilar un álbum promocional para Gem Productions. En este punto, se habían grabado las canciones "Oh! You Pretty Things", "Eight Line Poem", "Kooks", "Queen Bitch" y "Andy Warhol"; Las mezclas de "Eight Line Poem" y "Kooks" del álbum promocional diferían de las versiones finales de Hunky Dory . [21] El 30 de julio se grabaron dos tomas de " The Bewlay Brothers " , y la segunda apareció en el álbum final; fue grabado en una cinta que contenía versiones desechadas de "Song for Bob Dylan" y "Fill Your Heart". [21] El 6 de agosto, la banda grabó "Life on Mars?" y "Song for Bob Dylan", tras lo cual se dio por finalizado el proceso de grabación. [a] Antes de que terminaran las sesiones, Bowie le preguntó a Wakeman si quería ser parte de Spiders from Mars. Wakeman se negó y se unió a la banda de rock progresivo Yes . [21]
Después del sonido hard rock de The Man Who Sold the World , Hunky Dory presenta un cambio estilístico de Bowie hacia el art pop y el pop rock melódico . [24] Las canciones son en su mayoría de piano en lugar de guitarra. [3] El biógrafo Marc Spitz cree que el piano incita una sensación más cálida en este disco en comparación con sus dos predecesores. [12] El biógrafo Christopher Sandford afirma que "las canciones [se] caracterizan por el ambiente exuberante establecido por la voz y el piano de Bowie" y, junto con Elton John y Phil Collins , ayudaron a crear música en el "continuo de fácil escucha". [25] Lior Phillips de Consequence of Sound escribió que las canciones son accesibles, tanto musical como líricamente, lo que permite al oyente analizarlas una y otra vez. [26] El periodista musical Peter Doggett está de acuerdo y considera a Hunky Dory como "un colectivo de canciones pop atractivamente accesibles, a través de las cuales Bowie puso a prueba sus sentimientos sobre la naturaleza del estrellato y el poder". [27] Rick Quinn describió las canciones de PopMatters como una fusión de "pop británico, obras orquestales, art-rock , folk y baladas" que emergen para formar glam rock . [28]
Robert Dimery, en su libro 1001 álbumes que debes escuchar antes de morir , lo llama "una caja de juguetes de rarezas acústicas, homenajes a héroes y surrealismo". [29] Stephen Thomas Erlewine de AllMusic lo describe como "una variedad caleidoscópica de estilos pop, unidos sólo por el sentido de la visión de Bowie: una amplia mezcla cinematográfica de arte elevado y bajo, sexualidad ambigua, kitsch y clase". [30] Michael Gallucci de Ultimate Classic Rock señala que es el primer disco de Bowie que incluye "una mezcla de pop, glamour, arte y folk envuelto en una pose ambisexual que llegaría a definir al artista". [1] James Perone describe de manera similar el álbum como "una mezcla única de folk, pop, glam y rock progresivo" que distinguió a Bowie de otros músicos de la época. [31] Peter Ormerod de The Guardian escribe que la música de Hunky Dory celebra "la incertidumbre, el desarraigo, el caos interior, la diferencia, la alteridad, la duda y la impermanencia" y lo hizo con "belleza, estilo y carisma". [32]
La pista de apertura, " Changes ", se basa en un riff de piano distintivo. [22] La letra se centra en la naturaleza compulsiva de la reinvención artística y el distanciamiento de la corriente principal del rock. [19] El biógrafo David Buckley escribe que "extraña fascinación" es una frase que "encarna una búsqueda continua de lo nuevo y lo extraño". [19] Pegg resume la letra como Bowie "sosteniendo un espejo frente a su cara" justo cuando está a punto de alcanzar el estrellato. [33] La letra contribuyó a que fuera apodado el " camaleón del rock" y uno de los mayores innovadores del rock. [19] [34] Doggett señala que "Changes" es una "declaración de propósito": como tema de apertura, la canción proporciona un marcado contraste con el sonido de hard rock de su predecesor. La canción también se diferenciaba de "Space Oddity" y su álbum principal de 1969, sino más bien "pop puro, descaradamente melódico, alegremente comercial y maravillosamente melifluo". [22]
"¡Oh! You Pretty Things" fue la primera pista escrita para el álbum. [14] El estilo del piano ha sido comparado con " Martha My Dear " de los Beatles . [19] [35] El biógrafo Chris O'Leary escribe que Bowie tocó el piano solo en la pista. [23] Wakeman sostuvo en una entrevista de la BBC en 2017 que Bowie tocó el piano en la sección inicial antes de hacerse cargo del resto de la pista. [36] [37] La letra hace referencia a las enseñanzas del ocultista Aleister Crowley y su Amanecer Dorado y del filósofo Friedrich Nietzsche , particularmente con las líneas "el homo superior", "los dorados" y "el homo sapiens ha superado su uso". . [19] "Homo Superior" se refiere a la teoría de Nietzsche del Übermensch , o "Superman". [14] La música en sí proporciona un contraste con los temas más oscuros. Doggett describe la interpretación vocal de Bowie como "bastante sencilla, presentada de manera tan cruda... que [es] casi inquietante". [38]
Diseñado para sonar como una "continuación" de la pista anterior, [22] Pegg describe "Eight Line Poem" como la canción más "pasada por alto" del álbum. [39] Presenta a Bowie en un piano suave y esporádico mientras canta y una línea de guitarra con influencia country de Ronson. [23] [39] Con exactamente ocho líneas, [22] la letra describe una habitación donde un gato acaba de derribar un móvil que gira y un cactus se sienta en una ventana. [40] Doggett cree que existe una metáfora entre el cactus y una pradera. [22] En el momento del lanzamiento del álbum, Bowie describió la canción como la ciudad que es "una especie de verruga de la alta vida en la parte trasera de la pradera". [39]
Buckley describe " Life on Mars? " como una "balada cinematográfica altísima". [19] Aunque Bowie estaba obsesionado con convertirse en Ziggy Stardust en el momento de su grabación, la canción no tiene conexión con el propio Marte ; el título era una referencia al reciente frenesí mediático de la carrera de Estados Unidos y la Unión Soviética para llegar al planeta rojo. [22] La canción es una parodia de " My Way " del cantante Frank Sinatra [19] y utiliza la misma secuencia de acordes para sus primeros compases. Las notas escritas a mano en la contraportada dicen "Inspirado por Frankie". [22] [41] Como la mayoría de las canciones del álbum, "Life on Mars?" está principalmente dirigido por piano, pero presenta un arreglo de cuerdas de Ronson, su primer [41] , que Doggett describe como "gigantesco". [22] La voz de Bowie, grabada en una sola toma, se expresa apasionadamente durante el estribillo y casi nasalmente en los versos. [19] [22] Menciona "la chica del pelo ratonil", cuya identidad los comentaristas han debatido, [b] [41] y que según Greene "va al cine como un escape de la vida". [7]
Unos días después del nacimiento de su hijo Duncan Zowie Haywood Jones , el 30 de mayo de 1971, Bowie completó " Kooks " y se lo dedicó. Interpretada por Bowie ya el 3 de junio, la versión de Hunky Dory presenta un arreglo de cuerdas de Ronson y la trompeta tocada por Bolder. [42] "Kooks" es notablemente más ligero que las dos pistas entre las que está secuenciado pero, según Pegg, en última instancia "lleva un indicio de la preocupación [del álbum] por la compulsión de ficcionalizar la vida, cuando Bowie invita a su hijo a 'quedarse en la historia de nuestros amantes'". [42] Doggett escribe que su inclusión en Hunky Dory "garantizó su atractivo duradero entre aquellos que estaban menos fascinados por sus exploraciones de la política, la psicología y el ocultismo en otras partes del álbum". [43] En las notas escritas a mano en la portada del LP, Bowie escribió "For Small Z". [23]
Según Pegg, "Quicksand" se inspiró en el viaje de Bowie a Estados Unidos en febrero de 1971. [44] Doggett afirma que la canción "fue escrita sobre la falta de inspiración y como un medio para acceder a ella". El escritor Colin Wilson escribió en The Occult (1971) que el pensamiento era una forma de arenas movedizas que permitía a la conciencia mantener al inconsciente fuera de su alcance, de lo que Doggett concluyó que " 'Quicksand' era la súplica de Bowie de buscar dentro de sí mismo para que le mostraran el camino". [22] A mediados de la década de 1970, Bowie describió la canción como "una mezcla de narrativa y surrealismo" y un "precursor" de la música de su álbum Low de 1977 . A lo largo del tema, Bowie hace numerosas referencias a Crowley y su Amanecer Dorado, Winston Churchill , Heinrich Himmler y los "superhombres" de Friedrich Nietzsche. [22] [44] "Quicksand" también evoca el espiritismo a través de la mención de enseñanzas budistas como el bardo . [44] La pista instrumental presenta múltiples capas de guitarras acústicas una encima de la otra, [19] lo cual se hizo ante la insistencia de Scott. [44]
"Fill Your Heart", escrita por Biff Rose y Paul Williams , es la única pista de Hunky Dory que no está escrita por Bowie; [45] es su primer cover grabado en seis años. [46] Reemplazó a "Bombers" como tema de apertura de la cara dos al final del desarrollo del álbum. "Fill Your Heart" es una de las pistas más animadas del álbum, [45] y según Doggett es "prácticamente idéntica" a la versión original de Rose, aunque más "animada" y menos "swing". [47] El arreglo con piano difiere de las interpretaciones en vivo de la canción que hizo Bowie en 1970, cuando dominaba la guitarra acústica. Pegg escribe que la pista proporciona un "contrapunto convincente" a la "angustia" de "Quicksand" y las "advertencias de precaución" de "Changes" y es mejor recordada por la pausa del saxofón de Bowie, el arreglo de cuerdas de Ronson y el solo de piano de Wakeman. [45]
La canción "Andy Warhol" es un homenaje al artista, productor y director estadounidense Andy Warhol, [19] que había inspirado a Bowie desde mediados de los años 1960 y fue descrito por él como "uno de los líderes" de "los medios de comunicación del calles, mensajes callejeros". [48] Originalmente escrita para la amiga de Bowie, Dana Gillespie, [49] la canción se basa en un riff tocado con dos guitarras acústicas que se parece mucho a la introducción de "Silent Song Across the Land" de Ron Davies . [50] La letra enfatiza la creencia de Warhol de que la vida y el arte se confunden. [48] La apertura de la canción presenta a Ken Scott diciendo "Este es 'Andy Warhol', y toma uno", solo para que Bowie corrija su pronunciación de "Warhol". [12] [50] Cuando Bowie conoció a Warhol en septiembre de 1971 y le tocó la canción, Warhol la odió y abandonó la habitación; Bowie recordó en 1997 que el encuentro le pareció "fascinante" porque Warhol no tenía "nada que decir, absolutamente nada". [50]
"Song for Bob Dylan" es una canción homenaje al cantautor Bob Dylan. [19] Bowie lo describió en ese momento como "cómo algunos ven BD", y su título es una parodia del tributo de Dylan en 1962 al cantante folk Woody Guthrie , " Song to Woody ". [51] A lo largo de la canción, Bowie se dirige a Dylan por su nombre real "Robert Zimmerman". [52] Pegg y Doggett creen que la canción resalta la lucha de Bowie con la identidad, desde su nombre real David Jones, hasta su nombre artístico David Bowie y, muy pronto, hasta Ziggy Stardust. [51] [52] La letra presenta específicamente a Dylan como si ya no fuera una figura heroica de la música rock y exige que regrese a sus raíces y venga al rescate de los infieles. [19] [51] Según Doggett, Bowie inicialmente lo escribió para su amigo George Underwood. [52] La música contiene cambios de acordes dylanescos y el estribillo se deriva de los títulos de dos canciones de Velvet Underground, "Here She Comes Now" y "There She Goes Again". Buckley escribe que la canción es "probablemente la más débil" del álbum y Pegg la considera "poco considerada". [19] [51]
La última canción tributo del álbum, "Queen Bitch", está inspirada en gran medida en la banda de rock Velvet Underground, específicamente en su cantante Lou Reed. [19] Las notas escritas a mano en la contraportada decían: "algunos VU White Light regresaron con agradecimiento". [53] La canción es descrita por Jon Savage de The Guardian como glam rock y por Joe Lynch de Billboard como proto-punk . [54] [55] A diferencia de la mayoría de las pistas del álbum, "Queen Bitch" se basa principalmente en la guitarra en lugar del piano. [53] El coro canta sobre Bowie picando su "satin and tat" como referencia a la bailarina Lindsay Kemp . Pegg afirma: "Parte de la genialidad de 'Queen Bitch' es que filtra la picardía de Marc Bolan y Kemp a través de la actitud callejera de Reed: esta es una canción que logra hacer que la frase 'bipperty-bopperty hat' suene obscena y Frío." [53] Daryl Easlea de BBC Music escribe que el sonido glam rock de la canción presagiaba la dirección que Bowie iba a tomar frente a Ziggy Stardust . [56]
[Es] otra pieza vagamente anecdótica sobre mis sentimientos hacia mí y mi hermano, o mi otro doppelgänger. Nunca estuve muy seguro de qué posición real tenía Terry en mi vida, si Terry era una persona real o si en realidad me refería a otra parte de mí, y creo que 'Bewlay Brothers' realmente trataba de eso. [57]
—David Bowie describiendo "Los hermanos Bewlay", en el documental de la BBC Golden Years
El cierre del álbum, "The Bewlay Brothers", fue una adición tardía y la única pista que no fue demostrada. [57] La instrumentación hace eco de la música de El hombre que vendió el mundo , con efectos de sonido "siniestros" y la voz de Bowie acompañada por la guitarra acústica de Ronson. [19] [57] La letra oscura de la canción ha causado confusión entre los biógrafos y fanáticos de Bowie. [22] Inmediatamente antes de la toma vocal, Bowie le dijo a Scott: "No escuches las palabras, no significan nada". [18] Pegg la describe como "probablemente la grabación de Bowie más críptica, misteriosa, insondable y francamente aterradora que existe", [57] y Buckley la considera "uno de los momentos más inquietantes de Bowie grabados, una encapsulación de alguna cualidad distante e indefinible". del terror expresionista". [19] Muchos críticos han percibido que la pista tiene matices homoeróticos; otros creían que se trataba de la relación de Bowie con su medio hermano esquizofrénico Terry Burns, lo que Bowie confirmó en 1977. [57] Buckley no está seguro de si este relato es ficticio o real. Algunas de las letras hacen referencia a otras pistas de Hunky Dory , incluidas "Song for Bob Dylan", "Oh! You Pretty Things" y "Changes". Bowie también usa la palabra "camaleón" en la canción, que se convirtió en un término muy utilizado para describirlo. [19] [57]
La fotografía de portada fue tomada por Brian Ward, quien conoció a Bowie gracias a Bob Grace en el estudio de Ward en Heddon Street . Una de las primeras ideas fue que Bowie se vistiera como un faraón , en parte inspirada por el enamoramiento de los medios de comunicación con la nueva exposición de Tutankamón en el Museo Británico . [3] Según Pegg, se tomaron fotografías de Bowie posando "como una esfinge y en posición de loto" (una de ellas fue publicada como parte de la reedición de Space Oddity de 1990 ), pero la idea finalmente se abandonó. Bowie recordó: "No lo seguimos, como dicen. Probablemente sea una buena idea". [3] Bowie optó por una imagen más minimalista que refleja la "preocupación por la pantalla grande" del álbum. Más tarde dijo: "Me gustaban los bolsos Oxford y, de hecho, hay un par en la parte posterior del álbum. [Estaba intentando] lo que supuse que era una especie de estilo Evelyn Waugh Oxbridge". [3] La imagen final es un primer plano de Bowie mirando más allá de la cámara mientras se recoge el cabello. Pegg escribe que su pose fue influenciada por las actrices Lauren Bacall y Greta Garbo . [3] Originalmente filmada en monocromo, la imagen fue recoloreada por el ilustrador Terry Pastor, socio del recientemente iniciado estudio de diseño Main Artery de Covent Garden con George Underwood; Más tarde, Pastor diseñó la portada y la portada de Ziggy Stardust . Pegg escribe: "La decisión de Bowie de utilizar una fotografía recoloreada sugiere una tarjeta de lobby teñida a mano de la época del cine mudo y, simultáneamente, las famosas serigrafías del Díptico Marilyn de Warhol". [3] Dimery escribe que Bowie se llevó un libro de fotografías que contenía múltiples impresiones de Marlene Dietrich a la sesión de fotos. [29] [58]
Aunque Bowie normalmente esperaba hasta el último momento posible para nombrar sus álbumes, el título "Hunky Dory" se anunció en la sesión de John Peel. Grace tuvo la idea del propietario de un pub de Esher . Le dijo a Peter y Leni Gillman, los autores de Alias David Bowie , que el propietario tenía un vocabulario inusual que estaba impregnado de "jerga de la clase alta" como "prang" y "whizzo" y "todo va bien". Grace se lo dijo a Bowie, a quien le encantó. Pegg señala que había una canción de 1957 de la banda estadounidense de doo-wop Guytones, también titulada "Hunky Dory", que también pudo haber influido. [3] Spitz afirma que "hunky-dory" es un término de la jerga inglesa que significa que todo está bien en el mundo. [12] La portada original del Reino Unido presentaba el nombre de Bowie y el título del álbum; En los EE. UU., el título se imprimió en una pegatina y se colocó sobre el envoltorio translúcido. Según Cann, se laminaron las impresiones iniciales en el Reino Unido, lo que realzó el color para crear un "acabado superior"; Estas impresiones son ahora piezas de colección. La contraportada presentaba notas escritas a mano por Bowie sobre cada canción del álbum. [10] También llevaba el crédito de "Producida por Ken Scott (asistido por el actor)"; el "actor" era el propio Bowie, cuya "presunción favorita", en palabras de los críticos de NME Roy Carr y Charles Shaar Murray , era " pensar en sí mismo como actor". [59]
Unos meses después de haber rescindido el contrato de Bowie con Mercury, Defries presentó el recién grabado Hunky Dory a varios sellos en los EE. UU., incluido RCA Records de la ciudad de Nueva York . Defries le dijo a RCA que "no tenían nada desde los años cincuenta", pero que podrían "poseer los años setenta" si contrataban a Bowie. "Porque David Bowie va a rehacer la década, tal como lo hicieron los Beatles en los años sesenta". [60] Su director, Dennis Katz, nunca había oído hablar de Bowie, pero reconoció el potencial de las canciones de piano que Defries tocaba para él y firmó con el artista un contrato para tres discos el 9 de septiembre de 1971; RCA sería el sello de Bowie durante el resto de la década. [61] [62]
Hunky Dory fue lanzado en el Reino Unido el 17 de diciembre de 1971 a través de RCA. [c] [1] [63] [66] En ese momento, las sesiones de Ziggy Stardust estaban en marcha. [63] El lanzamiento del álbum fue apoyado por el sencillo "Changes" el 7 de enero de 1972. [23] El álbum recibió poca promoción por parte de RCA debido a su imagen de portada inusual y una advertencia de que Bowie cambiaría su imagen para su próximo álbum. Pegg escribe que hubo desacuerdos sobre cuánto dinero se invirtió en el álbum y si Bowie era una "maravilla de un solo éxito no probada". [3] El director de marketing Geoff Hannington recordaba en 1986: "Pronto supimos que estábamos en una situación en la que el artista iba a cambiar como un camaleón de vez en cuando". [63] Debido a esto, el álbum inicialmente se vendió mal y no logró romper la lista de álbumes del Reino Unido . [67] Según Sandford, el álbum apenas vendió 5.000 copias en el primer trimestre. [68]
Sólo después del avance de Ziggy Stardust a mediados de 1972, Hunky Dory se convirtió en un éxito comercial. Subió al número tres en el Reino Unido (dos lugares por encima de Ziggy Stardust ), [3] [69] y permaneció en la lista durante 69 semanas. [70] Hunky Dory también alcanzó el puesto 39 en el Kent Music Report en Australia. [71] Gallucci escribe que aunque el álbum no convirtió a Bowie en una estrella, "hizo que se notara", y el éxito de Ziggy Stardust ayudó a Hunky Dory a conseguir una audiencia más amplia. [1] RCA publicó "¿Vida en Marte?" como sencillo el 22 de junio de 1973, [23] que también llegó al número tres en Gran Bretaña. [72] Una reedición devolvió el álbum a las listas del Reino Unido en enero de 1981, donde permaneció durante 51 semanas. [70]
Hunky Dory recibió críticas muy positivas de varias publicaciones británicas y estadounidenses. [3] [59] Melody Maker lo llamó "la pieza de composición más inventiva que ha aparecido grabada en un tiempo considerable", mientras que Danny Holloway de NME lo describió como Bowie "en su mejor momento brillante". [3] [83] Holloway agregó que "[ Hunky Dory es] un soplo de aire fresco en comparación con el habitual LP de rock convencional de [1972]. Es muy posible que este sea el álbum más importante de un artista emergente en 1972. porque él no sigue las tendencias, sino que las marca". [83] En Estados Unidos, John Mendelsohn de Rolling Stone calificó el álbum de Bowie como "el álbum más atractivo musicalmente" hasta ese momento y elogió su composición, particularmente su capacidad para transmitir ideas sin emplear "un aluvión de verborrea aparentemente inexpugnable". [84] Billboard le dio al álbum una crítica positiva, elogiándolo como "un gran debut para RCA, cargado con el tipo de atractivo Top 40 y FM que debería abrirle paso en las listas. Material sólido, propio, para programación incluye 'Cambios', '¡Oh! Ustedes, cosas bonitas' y '¿Vida en Marte?'". [85]
Varios críticos elogiaron a Bowie como artista. El New York Times escribió que con Hunky Dory , Bowie se convirtió en "el hombre intelectualmente más brillante que haya elegido el álbum de larga duración como medio de expresión", mientras que la revista Rock lo llamó "el artista más singularmente talentoso que hace música hoy en día". "El genio fue para los años 70 lo que Lennon, McCartney, Jagger y Dylan fueron para los años 60". [86] En The Village Voice , Robert Christgau elogió a Bowie como "un cantante y compositor con cerebro, imaginación y una buena idea de cómo utilizar una consola de grabación", y el álbum es "un tour de force de cambio rápido que es a la vez pegadizo y profundamente sentido". [87]
Hunky Dory ha seguido recibiendo elogios de la crítica y está considerado como uno de los mejores trabajos de Bowie. Muchos críticos han elogiado la composición, y un escritor de Blender calificó las canciones como algunas de las mejores que Bowie haya escrito jamás. [73] Otros, incluido Bryan Wawzenek de Ultimate Classic Rock , han elogiado la amplia gama de géneros presentes en las canciones y su capacidad para combinarse en todas partes. [88] Erlewine escribió: "En la superficie, [tener] una gama tan amplia de estilos y sonidos haría que un álbum fuera incoherente, pero la composición mejorada de Bowie y su decidido sentido del estilo convirtieron a Hunky Dory en una piedra de toque para reinterpretar las tradiciones del pop en formas frescas y modernas. música pop posmoderna". [30] De manera similar, Greg Kot del Chicago Tribune describió el álbum como "la primera muestra del genio multifacético de Bowie". [74]
En una encuesta de lectores de 2013 para Rolling Stone , Hunky Dory fue votado como el segundo mejor álbum de Bowie, detrás de Ziggy Stardust . [89] Douglas Wolk de Pitchfork revisó la remasterización del álbum para la caja de 2015 Five Years 1969-1973 y le dio una calificación de 10 sobre 10, creyendo que las canciones estaban "dispersas pero espléndidas" y encontrando la composición de Bowie como " gran salto" con respecto a sus trabajos anteriores. [78] Otro escritor de Pitchfork , Ryan Schrieber, declaró: "El álbum no es de ninguna manera su lanzamiento más coherente, pero sigue siendo uno de los más encantadores, e indiscutiblemente, uno de los mejores". [90] Tras la muerte de Bowie en 2016 , Rob Sheffield de Rolling Stone lo incluyó como uno de los álbumes esenciales de Bowie y escribió: " Hunky Dory fue el álbum en el que se afirmó como el ego más alterado del rock & roll". [91]
Hunky Dory me dio una sensación fabulosa. Supongo que me proporcionó, por primera vez en mi vida, una audiencia real; es decir, gente que se me acercó y me dijo: 'Buen álbum, buenas canciones'. Eso no me había pasado antes. [92]
—David Bowie, 1999
Muchos biógrafos y críticos coinciden en que Hunky Dory marcó el comienzo del éxito artístico de Bowie. Pegg escribe: " Hunky Dory se encuentra en la primera gran encrucijada en la carrera de Bowie. Fue su último álbum hasta Low que se presentó puramente como un artefacto sonoro en lugar de un vehículo para el elemento visual dramático con el que pronto se haría un nombre como un intérprete". [3] Buckley señala que 1971 fue un año crucial para Bowie, el año en el que se convirtió en "una especie de agente provocador del arte pop ". [19] En una época en la que los músicos de rock buscaban tradiciones y estándares establecidos, Bowie parecía ser radicalmente diferente y desafiar la tradición, reinventándose a sí mismo una y otra vez, creando así nuevos estándares y convenciones. [19] Buckley dijo además: "Su estatus casi fácil de escuchar y su sensibilidad musical convencional han restado valor al hecho de que, líricamente, este disco establece el modelo para la futura carrera de Bowie". [93] Spitz escribe que muchos artistas tienen su disco "todo se unió en este". "Para David Bowie, es Hunky Dory ". [12] El biógrafo Paul Trynka afirma que el disco marcó un "nuevo comienzo" para el artista y que tiene una "frescura" de la que carecían todos los álbumes de estudio anteriores de Bowie, principalmente porque al hacer sus álbumes anteriores, Bowie estaba trabajando para satisfacer ejecutivos discográficos. Al hacer Hunky Dory , Bowie estaba trabajando para satisfacerse, lo cual se refleja en el disco. [18]
Daryl Easlea de BBC Music escribió que en el álbum Bowie encontró su propia voz después de "luchar estilísticamente" durante casi una década y "finalmente demostró [su] enorme potencial al público que lo escucha". [56] Schrieber declaró: " Hunky Dory marcó el verdadero comienzo de lo que sería una de las carreras más exitosas en la música rock, generando millones de fanáticos aterradoramente obsesivos". [90] De manera similar, Michael Gallucci de Ultimate Classic Rock sostuvo que Hunky Dory es "donde Bowie comienza a convertirse en Bowie", presentando temas líricos y estilísticos que replicaría en futuros lanzamientos. Concluye que todas las futuras apariencias de Bowie comienzan a encontrar sus voces con Hunky Dory . [1] Emily Barker de NME lo llamó "el álbum más probado" de Bowie y escribió: "fueron [sus] increíbles dotes para escribir canciones en [el disco] lo que nos convenció de que había sido irradiado desde las estrellas". [94] El escritor Colin Larkin lo llamó su álbum más "ecléctico" y sirvió como preparación para los cambios posteriores de Bowie en la dirección musical. [95] En 2016, Joe Lynch de Billboard argumentó que Hunky Dory proporcionó el "modelo" para los discos de pop indie de baja fidelidad durante los siguientes 25 años, citando a Ariel Pink como un artista influenciado por el álbum. [55]
Muchos músicos han reconocido la influencia del álbum. En 1999, Dave Stewart de Eurythmics dijo: " Hunky Dory . Me encanta cómo suena. Todavía lo uso como una especie de punto de referencia". [3] En 2002, Boy George de Culture Club citó a Hunky Dory como el disco que cambió su vida, diciendo: "El álbum en su conjunto es tan inusual, tan alejado de cualquier cosa que escuches en la radio. Es tan completo, todo encaja." [3] En una entrevista con Mojo en 2007, KT Tunstall declaró a Hunky Dory su álbum favorito, diciendo: "Es el único disco en el que he experimentado un asombro total y asombroso por todo el tema porque ese sentimiento de estar perdido y estar llevado a otro lugar es tan fuerte." [3] En una entrevista con NME al año siguiente, Guy Garvey de Elbow reconoció a Hunky Dory como el álbum que más lo había influido. [3]
El álbum ha sido reeditado varias veces. Tras su lanzamiento en disco compacto a mediados de la década de 1980, [96] Hunky Dory fue relanzado por Rykodisc / EMI en 1990 con bonus tracks, incluido el descarte "Bombers". [97] En 1999, el álbum original se volvió a publicar en CD a través de Virgin /EMI con sonido remasterizado digitalmente de 24 bits. [98] Esta edición fue reeditada en 2014 por Parlophone , habiendo adquirido el catálogo de Bowie, propiedad de Virgin. [99] En 2015, el álbum fue remasterizado para la caja Five Years (1969-1973) . [100] [101] Fue lanzado en formato CD, vinilo y digital, tanto como parte de esta compilación como por separado. [102] En 2021, para celebrar el 50 aniversario del disco, Parlophone anunció una reedición en disco de imágenes en vinilo del álbum (remasterización de 2015), que se lanzó el 7 de enero de 2022. El anuncio coincidió con el lanzamiento digital de una nueva mezcla de "Changes " por Scott. [103] En noviembre de 2022, se lanzó una caja de varios discos centrada en Hunky Dory con el título Divine Symmetry: The Journey to Hunky Dory . La colección comprende demos caseros, sesiones de radio de la BBC, mezclas alternativas y otras grabaciones en vivo y de estudio de 1971. También incluye la remasterización de 2015, así como una versión "alternativa" de Hunky Dory , compuesta por mezclas alternativas; este último se lanzó por separado en vinilo en febrero de 2023. [104]
Hunky Dory ha aparecido con frecuencia en varias listas de los mejores álbumes de todos los tiempos según múltiples publicaciones. En 1998, los lectores de la revista Q lo votaron como el 43º mejor álbum de todos los tiempos; [105] en 2000, la misma revista lo colocó en el puesto 16 de su lista de los 100 mejores álbumes británicos de todos los tiempos. [106] El álbum ocupó el puesto 16 y 23 en las ediciones de 1998 y 2000 del libro All Time Top 1000 Albums de Colin Larkin , respectivamente. [95] [107] En su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos , Rolling Stone lo clasificó en el puesto 107 en 2003, [108] en el número 108 en la lista revisada de 2012, [109] y en el número 88 en la lista revisada de 2020. [110] En 2004, Pitchfork clasificó el álbum en el puesto 80 en su lista de los 100 mejores álbumes de la década de 1970, un lugar por encima de Ziggy Stardust . [90] En el mismo año, VH1 lo colocó en el puesto 47 en su lista de los 100 mejores álbumes. [111] En 2010, la revista Time lo eligió como uno de los 100 mejores álbumes de todos los tiempos, y el periodista Josh Tyrangiel elogió la "ambición terrenal de Bowie de ser un poeta boho con un estilo pródigo". [112] El mismo año, Consequence of Sound clasificó el álbum en el puesto 18 en su lista de los 100 mejores álbumes de todos los tiempos. [113] En 2013, NME clasificó el álbum en tercer lugar en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos , detrás de Revolver de los Beatles y The Queen Is Dead de los Smiths . [94] En 2015, Ultimate Classic Rock lo incluyó en su lista de los 100 mejores álbumes de rock de la década de 1970. [114] Robert Dimery incluyó el álbum en su libro de 2005 1001 álbumes que debes escuchar antes de morir . [29]
Todas las pistas están escritas por David Bowie, excepto "Fill Your Heart", escrita por Biff Rose y Paul Williams . [115]
Lado uno
Lado dos
Créditos del álbum según las notas de Hunky Dory y el biógrafo Nicholas Pegg, [3] [115] excepto donde se indique.
Producción
