El gabinete del doctor Caligari ( en alemán : Das Cabinet des Dr. Caligari ) es una película muda de terror alemana de 1920 dirigida por Robert Wiene y escrita por Hans Janowitz y Carl Mayer . Considerada [¿ por quién? ] la obra por excelencia del cine expresionista alemán temprano [3] , cuenta la historia de un hipnotizador loco ( Werner Krauss ) que utiliza a un sonámbulo con lavado de cerebro ( Conrad Veidt ) para cometer asesinatos. La película presenta un estilo visual oscuro y retorcido, con formas puntiagudas, líneas oblicuas y curvas, estructuras y paisajes que se inclinan y retuercen en ángulos inusuales, y sombras y rayas de luz pintadas directamente sobre los escenarios.
El guion se inspiró en varias experiencias de las vidas de Janowitz y Mayer, ambos pacifistas que desconfiaron de la autoridad después de sus experiencias con los militares durante la Primera Guerra Mundial . La película hace uso de una historia marco , con un prólogo y un epílogo combinados con un final inesperado . Janowitz dijo que este recurso fue impuesto a los escritores contra su voluntad. El diseño de la película estuvo a cargo de Hermann Warm , Walter Reimann y Walter Röhrig , quienes recomendaron un estilo fantástico y gráfico en lugar de uno naturalista.
La película trata de una autoridad brutal e irracional. Escritores y académicos han sostenido que la película refleja una necesidad subconsciente de la sociedad alemana de un tirano, y es un ejemplo de la obediencia de Alemania a la autoridad y la falta de voluntad para rebelarse contra una autoridad perturbada. Algunos críticos han interpretado a Caligari como un representante del gobierno de guerra alemán, y a Cesare como un símbolo del hombre común condicionado, como los soldados, a matar. Otros temas de la película incluyen el contraste desestabilizado entre la locura y la cordura, la percepción subjetiva de la realidad y la dualidad de la naturaleza humana.
El gabinete del doctor Caligari se estrenó cuando las industrias cinematográficas extranjeras estaban flexibilizando las restricciones a la importación de películas alemanas después de la Primera Guerra Mundial, por lo que se proyectó internacionalmente. Los relatos difieren en cuanto a su éxito financiero y crítico tras su estreno, pero los críticos de cine e historiadores modernos la han elogiado en gran medida como una película revolucionaria. La película fue votada como la número 12 en la prestigiosa lista de las 12 de Bruselas en la Exposición Universal de 1958. El crítico Roger Ebert la llamó posiblemente " la primera película de terror verdadera ", [4] y el crítico Danny Peary la llamó la primera película de culto del cine y una precursora de las películas de arte y ensayo . La película ayudó a atraer la atención mundial hacia el mérito artístico del cine alemán y tuvo una gran influencia en las películas estadounidenses, particularmente en los géneros de terror y cine negro .
En lo que parece ser un parque, Francis se sienta en un banco con un hombre mayor que se queja de que los espíritus lo han alejado de su familia y su hogar. Cuando una mujer aturdida pasa junto a ellos, Francis explica que ella es su "prometida", Jane, y que han sufrido una gran experiencia. La mayor parte del resto de la película es un flashback de la historia de Francis, que tiene lugar en Holstenwall, un pueblo sombrío de edificios retorcidos y calles en espiral.
Francis y su amigo Alan, que compiten de buen humor por el afecto de Jane, planean visitar la feria de la ciudad. Mientras tanto, un hombre misterioso llamado Dr. Caligari busca un permiso del grosero secretario de la ciudad para presentar un espectáculo en la feria, en el que participa Cesare, un sonámbulo . El secretario se burla y reprende a Caligari, pero finalmente aprueba el permiso. Esa noche, el secretario es asesinado a puñaladas en su cama.
A la mañana siguiente, Francis y Alan visitan la atracción de Caligari, donde abre una caja parecida a un ataúd para revelar a Cesare dormido. Por orden de Caligari, Cesare se despierta y responde las preguntas de la audiencia. A pesar de las protestas de Francis, Alan pregunta: "¿Cuánto tiempo viviré?" Para horror de Alan, Cesare responde: "El tiempo es corto. ¡Morirás al amanecer!" Más tarde esa noche, una figura irrumpe en la casa de Alan y lo apuñala hasta la muerte en su cama. Un Francis afligido investiga el asesinato de Alan con la ayuda de Jane y su padre, el Dr. Olsen, quien obtiene autorización de la policía para investigar al sonámbulo. Esa noche, la policía detiene a un criminal en posesión de un cuchillo que es sorprendido intentando asesinar a una anciana. Cuando Francis y el Dr. Olsen lo interrogan, el criminal confiesa que intentó matar a la anciana, pero niega cualquier participación en las dos muertes anteriores; simplemente estaba aprovechando la situación para desviar la culpa de sí mismo.
Por la noche, Francis espía a Caligari y observa a lo que parece ser Cesare durmiendo en su caja. Sin embargo, el verdadero Cesare se cuela en la casa de Jane mientras ella duerme. Levanta un cuchillo para apuñalarla, pero en lugar de eso la secuestra después de una pelea, arrastrándola por la ventana hacia la calle. Perseguido por una multitud enfurecida, Cesare finalmente deja caer a Jane y huye; pronto se derrumba y muere de agotamiento. Francis confirma que el criminal que confesó el asesinato de la anciana todavía está encerrado y no podría haber sido el atacante de Jane. Francis y la policía investigan el espectáculo de Caligari y descubren que el "Cesare" que duerme en la caja es solo un muñeco. Caligari escapa en la confusión. Francis lo sigue y ve a Caligari ingresar en un manicomio.
Tras investigar más a fondo, Francis se sorprende al descubrir que Caligari es el director del asilo. Con la ayuda del personal del asilo, Francis estudia los registros y el diario del director mientras éste duerme. Los escritos revelan su obsesión con la historia de un místico del siglo XVIII llamado Caligari, que utilizó a un sonámbulo llamado Cesare para cometer asesinatos en las ciudades del norte de Italia. El director, intentando comprender al Caligari anterior, experimenta con un sonámbulo admitido en el asilo, que se convierte en su Cesare. El director del asilo grita: "¡Debo convertirme en Caligari!". Francis y los médicos llaman a la policía a la oficina de Caligari, donde le muestran el cadáver de Cesare. Caligari luego ataca a uno de los miembros del personal. Es sometido, inmovilizado con una camisa de fuerza y se convierte en un interno en su propio asilo.
La narración vuelve al presente, donde Francis concluye su historia. En un giro final , Francis es representado como un interno del asilo. Jane y Cesare también son pacientes; Jane cree que es una reina, mientras que Cesare no es un sonámbulo sino que está despierto, tranquilo y no es visiblemente peligroso. El hombre al que Francis se refiere como "Dr. Caligari" es el director del asilo. Francis lo ataca y es inmovilizado con una camisa de fuerza, luego colocado en la misma celda donde Caligari fue confinado en la historia de Francis. El director del asilo anuncia que ahora entiende el delirio de Francis y que confía en que puede curarlo.
El gabinete del doctor Caligari fue escrito por Hans Janowitz y Carl Mayer , ambos pacifistas cuando se conocieron después de la Primera Guerra Mundial . [5] [6] Janowitz sirvió como oficial durante la guerra, pero la experiencia lo dejó amargado con los militares, lo que afectó su escritura. [7] [8] Mayer fingió locura para evitar el servicio militar durante la guerra, [5] [9] lo que lo llevó a intensos exámenes de un psiquiatra militar. [5] [6] [10] La experiencia lo dejó desconfiado de la autoridad, [5] [7] y el psiquiatra sirvió como modelo para el personaje de Caligari. [11] [12] Janowitz y Mayer fueron presentados en junio de 1918 por un amigo en común, el actor Ernst Deutsch . [13] Ambos escritores no tenían dinero en ese momento. [14] Gilda Langer , una actriz de la que Mayer estaba enamorado, animó a Janowitz y Mayer a escribir una película juntos. Más tarde se convirtió en la base del personaje de Jane. Langer también animó a Janowitz a visitar a una adivina, quien predijo que Janowitz sobreviviría a su servicio militar durante la guerra, pero Langer moriría. Esta predicción resultó ser cierta, ya que Langer murió inesperadamente en 1920 a la edad de 23 años, y Janowitz dijo que inspiró la escena en la que Cesare predice la muerte de Alan en la feria. [9] [15]
Aunque ninguno de los dos tenía relación con la industria cinematográfica, [16] Janowitz y Mayer escribieron un guion durante seis semanas durante el invierno de 1918-19. [17] Al describir sus papeles, Janowitz se llamó a sí mismo "el padre que plantó la semilla, y Mayer la madre que la concibió y la maduró". [18] El cineasta expresionista Paul Wegener estuvo entre sus influencias. [10] [16] La historia se inspiró parcialmente en un espectáculo de circo que los dos visitaron en Kantstrasse en Berlín, [12] [19] llamado "¿Hombre o máquina?", en el que un hombre realizaba hazañas de gran fuerza después de ser hipnotizado. [10] [17] [19] Visualizaron por primera vez la historia de Caligari la noche de ese espectáculo. [10] Varias de las experiencias pasadas de Janowitz influyeron en su escritura, incluidos los recuerdos de su ciudad natal de Praga , [20] [21] y, como él mismo lo expresó, una desconfianza en "el poder autoritario de un estado inhumano enloquecido" debido a su servicio militar. [20] Janowitz también creía haber presenciado un asesinato en 1913 cerca de un parque de atracciones en la Reeperbahn de Hamburgo , al lado del Holstenwall , que sirvió como otra inspiración para el guion. Según Janowitz, vio a una mujer desaparecer entre unos arbustos, de los que emergió un hombre de aspecto respetable unos momentos después, y al día siguiente Janowitz se enteró de que la niña había sido asesinada. [5] [6] [20] [22] [23] Holstenwall más tarde se convirtió en el nombre de la ciudad ambientada en Caligari . [5] [6] [20]
Se dice que Janowitz y Mayer se propusieron escribir una historia denunciando la autoridad arbitraria como brutal y demente. [5] Janowitz dijo que solo años después del estreno de la película se dio cuenta de que exponer el "poder autoritario de un estado inhumano" era la "intención subconsciente" de los escritores. [18] [24] Hermann Warm , quien diseñó los decorados de la película, dijo que Mayer no tenía intenciones políticas cuando escribió la película. [25] [26] El historiador de cine David Robinson señaló que Janowitz no se refirió a intenciones antiautoritarias en el guion hasta muchas décadas después del estreno de Caligari , y sugirió que el recuerdo de Janowitz puede haber cambiado en respuesta a interpretaciones posteriores de la película. [26]
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La película que escribieron se tituló Das Cabinet des Dr. Caligari , utilizando la ortografía inglesa Cabinet en lugar de la alemana Kabinett . [14] [27] El guion completo contenía 141 escenas. [28] Janowitz afirmó que el nombre Caligari , que no se decidió hasta después de que se terminó el guion, se inspiró en un libro raro llamado Cartas desconocidas de Stendhal , que presentaba una carta del novelista francés Stendhal refiriéndose a un oficial francés llamado Caligari que conoció en el teatro La Scala de Milán . [5] [11] [14] Sin embargo, no existe registro de ninguna carta de este tipo, y el historiador de cine John D. Barlow sugirió que Janowitz puede haber inventado la historia. [29] La apariencia física de Caligari se inspiró en los retratos del filósofo alemán Arthur Schopenhauer . [30] El nombre del personaje se escribe Calligaris en el único guion conocido que sobrevive, aunque en algunos casos se elimina la s final . Otros nombres de personajes también se escriben de forma diferente a la película final: Cesare aparece como Caesare , Alan es Allan o, a veces, Alland y el Dr. Olsen es el Dr. Olfens . Del mismo modo, los personajes sin nombre en la película final tienen nombres en el guion, incluido el secretario del ayuntamiento ("Dr. Lüders") y el ladrón de casas ("Jakob Straat"). [31]
La historia de Caligari se cuenta de forma abstracta, como un cuento de hadas, e incluye poca descripción o atención hacia las motivaciones psicológicas de los personajes, que se enfatizan más en el estilo visual de la película. [32] El guion original muestra pocos rastros de la influencia expresionista prevaleciente en los decorados y el vestuario de la película. [33] A través del director de cine Fritz Lang , Janowitz y Mayer se reunieron con Erich Pommer , jefe de producción del estudio Decla-Film en Weissensee, el 19 de abril de 1919, para discutir la venta del guion. [19] [30] Según Pommer, intentó deshacerse de ellos, pero persistieron hasta que aceptó reunirse con ellos. [19] [30] Según se informa, Pommer les pidió a los escritores que le dejaran el guion, pero se negaron y, en su lugar, Mayer se lo leyó en voz alta. [30] Pommer y su asistente, Julius Sternheim, quedaron tan impresionados que se negó a dejarlos marchar hasta que se firmara un contrato, y les compró el guion esa noche. [30] [34] Los guionistas habían pedido originalmente no menos de 10.000 marcos, pero les dieron 3.500, con la promesa de otros 2.000 una vez que la película entrara en producción y 500 si se vendía para su estreno en el extranjero, lo que los productores consideraban poco probable. [34] El contrato, hoy conservado en el Bundesfilmarchiv de Berlín , le dio a Pommer el derecho de hacer cualquier cambio al guion que considerara apropiado. Pommer dijo que se sintió atraído por el guion porque creía que se podía filmar de forma económica y tenía similitudes con películas inspiradas en los macabros espectáculos de terror del teatro Grand Guignol de París, que eran populares en ese momento. [30] Pommer dijo más tarde: "Vieron en el guion un 'experimento'. Vi una película relativamente barata". [35]
El gabinete del doctor Caligari hace uso de una "Rahmenerzählung", o historia marco ; [36] un prólogo y un epílogo establecen el cuerpo principal de la película como un flashback delirante, [36] una técnica novedosa. [37] [38] Lang ha dicho que, durante las primeras discusiones sobre su posible participación en la película, sugirió la adición de una escena de apertura con un estilo "normal", que llevaría al público al resto de la película sin confusión. [25] [39] [40] No está claro si Lang sugirió la estructura de la historia marco o simplemente dio consejos sobre cómo escribir una historia marco que ya estaba acordada, [25] y algunos escritores, como David Robinson, han cuestionado si el recuerdo de Lang es correcto. [40] El director, Robert Wiene , apoyó los cambios. [41] Janowitz ha dicho que él y Mayer no estaban al tanto de las discusiones sobre la adición de la historia marco y se opusieron firmemente a su inclusión, creyendo que había privado a la película de su significado revolucionario y político; [25] [31] escribió que era "una violación ilícita, una violación de nuestro trabajo" que convirtió la película "en un cliché ... en el que se perdería el simbolismo". [42] Janowitz dice que los escritores buscaron acciones legales para detener el cambio, pero fracasaron. [43] También dice que no vieron la película terminada con la historia marco hasta que se mostró un avance a los jefes de los estudios, después de lo cual los escritores "expresamos nuestra insatisfacción en una tormenta de protestas atronadoras". Tuvieron que ser persuadidos de no protestar públicamente contra la película. [44]
En su libro de 1947 De Caligari a Hitler , Siegfried Kracauer argumentó, basándose en gran medida en un guión mecanografiado inédito escrito y proporcionado por Janowitz, [23] que la película originalmente no incluía una historia marco y comenzaba con la llegada de la feria a la ciudad y terminaba con Caligari institucionalizado. [45] [5] [46] [47] Kracauer argumentó que la historia marco glorificaba la autoridad y se agregó para convertir una película "revolucionaria" en una "conformista". [45] [5] [46] [47] No se creía que existieran copias sobrevivientes del guión hasta principios de la década de 1950, cuando el actor Werner Krauss reveló que todavía tenía su copia. [31] [47] Se negó a desprenderse de él; solo en 1978, dos décadas después de su muerte, fue comprado por el archivo cinematográfico alemán Deutsche Kinemathek . [31] [47] No estuvo disponible para el consumo público hasta 1995, cuando se publicó una transcripción completa. [31]
El guion reveló que una historia marco era parte del guion original de Caligari , aunque una diferente a la de la película. [5] [6] [47] El manuscrito original comienza en una elegante terraza de una gran villa, donde Francis y Jane están organizando una fiesta y los invitados insisten en que Francis les cuente una historia que le sucedió 20 años antes. La conclusión de la historia marco no está en el guion. [5] [47] Los críticos están de acuerdo en que el descubrimiento del guion socava fuertemente la teoría de Kracauer, [39] [47] y algunos, como el historiador de cine alemán Stephen Brockmann, incluso argumentan que refuta sus afirmaciones por completo. [6] Otros, como John D. Barlow, argumentan que no resuelve el problema, ya que la historia marco del guion original simplemente sirve para presentar la trama principal, en lugar de subvertirla como lo hace la versión final de la película. [5]
Muchos detalles sobre la realización de El gabinete del doctor Caligari están en disputa y probablemente permanecerán sin resolver debido a la gran cantidad de personas involucradas en la realización de la película, muchas de las cuales la recordaron de manera diferente o dramatizaron sus propias contribuciones a su producción. [48] [49] [50] [51] La producción de la película se retrasó unos cuatro o cinco meses después de que se compró el guion. [30] Pommer originalmente eligió a Lang como director de Caligari , y Lang incluso llegó a mantener discusiones preparatorias sobre el guion con Janowitz, [30] pero no estuvo disponible debido a su participación en el rodaje de Las arañas , por lo que se seleccionó a Wiene en su lugar. [36] [52] [53] [54] Según Janowitz, el padre de Wiene, un actor de teatro exitoso, se había "vuelto un poco loco cuando ya no podía aparecer en el escenario", y Janowitz creía que la experiencia ayudó a Wiene a aportar una "comprensión íntima" al material original de Caligari . [55]
El productor de Decla, Rudolf Meinert, presentó a Hermann Warm a Wiene y le proporcionó el guion de Caligari , pidiéndole que presentara propuestas para el diseño. [56] Warm creía que "las películas deben ser dibujos que cobran vida", [57] y sintió que un escenario naturalista no era adecuado para el tema de la película, por lo que recomendó un estilo fantástico y gráfico, [25] [56] en el que las imágenes serían visionarias, de pesadilla y fuera de lo común. [58] Warm trajo al proyecto a sus dos amigos, pintores y escenógrafos Walter Reimann y Walter Röhrig , [25] [59] [60] ambos asociados con la revista literaria y de arte de Berlín Der Sturm . [25] [57] [61] El trío pasó un día entero y parte de la noche leyendo el guion, [59] después de lo cual Reimann sugirió un estilo expresionista, [25] [59] [62] un estilo que a menudo usaba en sus propias pinturas. [56] [59] [62] También concibieron la idea de pintar formas y sombras directamente sobre los decorados para asegurar un aspecto oscuro e irreal. [25] Según Warm, los tres se acercaron a Wiene con la idea y él aceptó de inmediato, [25] [59] [63] aunque Wiene ha afirmado que concibió el estilo expresionista de la película. [59] Meinert aceptó la idea después de un día de consideración, y le dijo a Warm, Reimann y Röhrig que hicieran los decorados lo más "locos" y "excéntricos" posible. [35] [59] Abrazó la idea por razones comerciales, no estéticas: el expresionismo estaba de moda en ese momento, por lo que concluyó que incluso si la película recibía malas críticas, el estilo artístico atraería la atención y la haría rentable. [35]
Wiene filmó una escena de prueba para demostrar las teorías de Warm, Reimann y Röhrig, e impresionó tanto a los productores que los artistas tuvieron rienda suelta. [52] Más tarde, Pommer dijo que él era responsable de poner a Warm, Reimann y Röhrig a cargo de los decorados, [64] pero Warm ha afirmado que, aunque Pommer estaba a cargo de la producción en Decla cuando se hizo Caligari , en realidad no era productor de la película en sí. En cambio, dice que Meinert fue el verdadero productor de la película y que fue él quien le dio a Warm el manuscrito. [25] [59] [65] Warm afirmó que Meinert produjo la película "a pesar de la oposición de una parte de la gerencia de Decla". [56] Meinert dijo que Pommer "no había aprobado" el estilo visual abstracto de la película. [65] Sin embargo, Pommer afirmó haber supervisado Caligari y que el estilo expresionista de la película fue elegido en parte para diferenciarla de las películas de Hollywood de la competencia . [46] La actitud predominante en ese momento era que el logro artístico conducía al éxito en las exportaciones a los mercados cinematográficos extranjeros. [66] El dominio de Hollywood en ese momento, junto con un período de inflación y devaluación de la moneda, obligó a los estudios cinematográficos alemanes a buscar proyectos que pudieran realizarse de manera económica, con una combinación de elementos realistas y artísticos para que las películas fueran accesibles para el público estadounidense, pero también distintivas de las películas de Hollywood. [66] [67] Pommer ha afirmado que, si bien Mayer y Janowitz expresaron un deseo de experimentación artística en la película, su decisión de usar lienzos pintados como escenario fue principalmente comercial, ya que supondrían un ahorro financiero significativo en comparación con la construcción de decorados. [19] [68]
Janowitz afirma que intentó encargar los decorados al diseñador y grabador Alfred Kubin , conocido por su intenso uso de la luz y la sombra para crear una sensación de caos, [45] [21] [69] pero Kubin se negó a participar en el proyecto porque estaba demasiado ocupado. [21] [64] [68] Sin embargo, en una historia contradictoria, Janowitz afirmó que le pidió a Decla "pinturas de Kubin", y que malinterpretaron sus instrucciones como " pintores cubistas " y contrataron a Reimann y Röhrig como resultado. [21] David Robinson sostiene que esta historia fue probablemente un adorno que surgió del desdén de Janowitz por los dos artistas. [64] Janowitz ha afirmado que él y Mayer concibieron la idea de pintar los decorados en lienzo, y que el guión de rodaje incluía instrucciones escritas de que la escenografía se diseñara al estilo de Kubin. [21] [64] Sin embargo, el posterior redescubrimiento del guion original refuta esta afirmación, ya que no incluye instrucciones sobre los decorados. [64] Esto también fue cuestionado en un artículo de 1926 de Barnet Braverman en la revista Billboard , que afirmaba que el guion no incluía ninguna mención de un estilo visual poco convencional, y que Janowitz y Mayer de hecho se oponían firmemente a la estilización. Afirma que Mayer más tarde llegó a apreciar el estilo visual, pero que Janowitz siguió oponiéndose a él años después del estreno de la película. [65]
El diseño de la escenografía, el vestuario y la utilería tardaron unas dos semanas en prepararse. [70] Warm trabajó principalmente en los decorados, mientras que Röhrig se encargó de la pintura y Reimann fue responsable del vestuario. [48] Robinson señaló que el vestuario de Caligari parece asemejarse a una amplia variedad de períodos de tiempo. Por ejemplo, el vestuario de Caligari y de los trabajadores de la feria se asemeja a la era Biedermeier , mientras que el de Jane encarna el Romanticismo . Además, escribió Robinson, el vestuario de Cesare y el de los policías en la película parecen abstractos, mientras que muchos de los otros personajes parecen ropa alemana común de la década de 1920. [71] La naturaleza colaborativa de la producción de la película resalta la importancia que tuvieron tanto los guionistas como los escenógrafos en el cine alemán de la década de 1920, [48] [59] aunque la crítica de cine Lotte H. Eisner dijo que los decorados tenían más importancia que cualquier otra cosa en las películas alemanas de esa época. [59] El gabinete del doctor Caligari fue la primera película expresionista alemana, [27] aunque Brockmann y el crítico de cine Mike Budd afirman que también estuvo influenciada por el romanticismo alemán ; [72] [73] Budd señala que los temas de la película sobre la locura y el clamor contra la autoridad son comunes entre el romanticismo alemán en la literatura, el teatro y las artes visuales. [73] El estudioso del cine Vincent LoBrutto dijo que el teatro de Max Reinhardt y el estilo artístico de Die Brücke fueron influencias adicionales en Caligari . [74]
Janowitz originalmente tenía la intención de que el papel de Cesare fuera para su amigo, el actor Ernst Deutsch . [13] [75] Mayer escribió el papel de Jane para Gilda Langer, [75] pero para cuando se eligió el reparto de la película, los intereses de Langer habían pasado de Janowitz y Mayer al director Paul Czinner , dejando el papel para que lo interpretara Lil Dagover. [76] Janowitz afirmó que escribió el papel de Caligari específicamente para Werner Krauss, a quien Deutsch le había llamado la atención durante los ensayos para una obra de Max Reinhardt; Janowitz dijo que solo Krauss o Paul Wegener podrían haber interpretado el papel. [13] Los papeles de Caligari y Cesare finalmente fueron para Krauss y Conrad Veidt , respectivamente, quienes participaron con entusiasmo en muchos aspectos de la producción. [48] Krauss sugirió cambios en su propio maquillaje y vestuario, incluidos los elementos de un sombrero de copa, una capa y un bastón con empuñadura de marfil para su personaje. [77] Los actores de Caligari eran conscientes de la necesidad de adaptar su maquillaje, vestuario y apariencia para que coincidieran con el estilo visual de la película. [78] Gran parte de la actuación en las películas mudas alemanas de la época ya era expresionista, imitando los aspectos pantomímicos del teatro expresionista. [79] Las actuaciones de Krauss y Veidt en Caligari eran típicas de este estilo, ya que ambos tenían experiencia en teatro de influencia expresionista y, como resultado, John D. Barlow dijo que parecen más cómodos en su entorno en la película que los otros actores. [80] Antes de la filmación, Kraus y Veidt aparecieron en el escenario en el invierno de 1918 en un drama expresionista, Seeschlacht de Reinhold Goering , en el Deutsches Theater. [78] Por el contrario, Dagover tenía poca experiencia en teatro expresionista, y Barlow argumenta que su actuación es menos armoniosa con el estilo visual de la película. [80]
Wiene pidió a los actores que hicieran movimientos similares a la danza, sobre todo de Veidt, pero también de Krauss, Dagover y Friedrich Feger, que interpretó a Francis. [60] Krauss y Veidt son los únicos actores cuyas actuaciones coinciden plenamente con la estilización de los decorados, que consiguieron concentrando sus movimientos y expresiones faciales. [81] [82] Barlow señala que "Veidt se mueve a lo largo de la pared como si lo hubiera 'exudado' ... más una parte de un mundo material de objetos que de uno humano", y Krauss "se mueve con crueldad angular, sus gestos parecen rotos o agrietados por la fuerza obsesiva dentro de él, una fuerza que parece surgir de un estado tóxico constante, un autoritarismo retorcido sin escrúpulos humanos y una insensibilidad total". [80] La mayoría de los demás actores además de Krauss y Veidt tienen un estilo más naturalista. [81] Alan, Jane y Francis interpretan los papeles de un trío idílicamente feliz que disfruta de la juventud; Alan, en particular, representa el arquetipo del estudiante sensible del siglo XIX. [83] Mike Budd señala que los personajes realistas en escenarios estilizados son una característica común en el teatro expresionista. [82] Sin embargo, David Robinson señala que incluso las interpretaciones de los papeles secundarios más naturalistas en Caligari tienen elementos expresionistas, como el "rostro extraño y atormentado" de Hans-Heinz von Twardowski como Alan. También cita los "grandes movimientos angulares" de Feher, especialmente en la escena en la que busca en el recinto ferial desierto. [77] Otros papeles menores son de naturaleza expresionista, como dos policías que se sientan uno frente al otro en sus escritorios y se mueven con una simetría exagerada, y dos sirvientes que se despiertan y se levantan de sus camas en perfecta sincronización. [77] Vincent LoBrutto dijo sobre la actuación en la película: [84]
El estilo actoral es tan emocionalmente exagerado como el estilo narrativo y visual de El gabinete del doctor Caligari . El comportamiento de los personajes representa las respuestas emocionales de los actores al entorno expresionista y a las situaciones en las que se encuentran. La puesta en escena y el movimiento de los actores responden a la histeria de las maquinaciones de Caligari y al laberinto de la casa de la risa que parece ser el reflejo de un espejo loco, no de una aldea ordenada.
El rodaje de El gabinete del doctor Caligari comenzó a finales de diciembre de 1919 y concluyó a finales de enero de 1920. [70] [85] Se rodó íntegramente en un estudio sin tomas exteriores, [86] [87] [88] lo que era inusual para las películas de la época, pero que estaba dictado por la decisión de darle a la película un estilo visual expresionista. [89] Se discute hasta qué punto participaron Mayer y Janowitz durante el rodaje: Janowitz afirma que el dúo se negó repetidamente a permitir cambios de guión durante la producción, y Pommer afirmó que Mayer estuvo en el set todos los días de rodaje. [75] Hermann Warm, sin embargo, afirmó que nunca estuvieron presentes en ninguno de los rodajes ni participaron en ninguna discusión durante la producción. [48] [75]
Caligari se filmó en el estudio Lixie-Film (anteriormente propiedad de Continental-Kunstfilm ) en 9 Franz Joseph-Strasse (ahora Max Liebermannstraße), Weißensee , un suburbio al noreste de Berlín. [85] [89] Decla había estado haciendo películas en el estudio Lixie desde octubre de 1919, habiendo lanzado previamente tres títulos, La plaga de Florencia ( Die Pest in Florenz ) (1919) y las dos partes de Las arañas ( Die Spinnen ). [89] [90] El tamaño relativamente pequeño del estudio (construido unos cinco años antes en 1914) significó que la mayoría de los decorados utilizados en la película no excedían los seis metros de ancho y profundidad. [89] Ciertos elementos del guion original tuvieron que ser cortados de la película debido al espacio limitado, incluyendo una procesión de gitanos, un carro de mano empujado por Caligari, el carruaje de Jane y una escena de persecución que involucraba taxis de caballos. [71] Asimismo, el guion requería una escena de feria con rotondas, organillos , vendedores ambulantes, artistas y animales salvajes, nada de lo cual se podía lograr en el espacio restrictivo. En cambio, las escenas utilizan una pintura de la ciudad de Holstenwall como fondo; multitudes de personas caminan alrededor de dos tiovivos giratorios, lo que crea la impresión de un carnaval. [71] El guion también hizo referencias a elementos modernos como teléfonos, telegramas y luz eléctrica, pero fueron eliminados durante el rodaje, dejando el escenario de la película final sin indicación de un período de tiempo específico. [71]
Varias escenas del guion fueron cortadas durante el rodaje, la mayoría de las cuales eran breves lapsos de tiempo o escenas de transición, o pantallas de título consideradas innecesarias. [71] Una de las escenas más importantes que se cortaron involucraba al fantasma de Alan en un cementerio. [71] La escena con el secretario municipal reprendiendo a Caligari se desvió notablemente del guion original, que simplemente exigía que el secretario fuera "impaciente". [71] Es mucho más abusivo en la escena tal como fue filmada, y está encaramado sobre un banco exageradamente alto que se eleva sobre Caligari. [71] Otra desviación del guion se produce cuando Caligari despierta por primera vez a Cesare, uno de los momentos más famosos de la película. El guion exigía que Cesare jadeara y luchara por respirar, luego temblara violentamente y colapsara en los brazos de Caligari. Tal como fue filmado, no hay tal lucha física, y en cambio la cámara se acerca al rostro de Cesare mientras abre gradualmente los ojos. [91] Los títulos originales de Caligari presentaban letras estilizadas y deformes con subrayados excesivos, signos de exclamación y, en ocasiones, ortografías arcaicas. El estilo extraño, que coincide con el de la película en su conjunto, imita las letras de los carteles expresionistas de la época. [92] [93] Los títulos originales estaban teñidos de verde, azul acero y marrón. Muchas copias modernas de la película no conservan las letras originales. [93]
La fotografía estuvo a cargo de Willy Hameister , quien luego trabajó con Wiene en varias otras películas. [62] El trabajo de cámara en Caligari es bastante simple y se utiliza principalmente para mostrar los decorados, [32] [84] alternando principalmente entre planos medios y ángulos rectos, con primeros planos ocasionalmente abruptos para crear una sensación de shock. Hay pocos planos largos o movimientos panorámicos dentro de la cinematografía. [84] [94] Asimismo, hay muy poca edición entre escenas. La mayoría de las escenas siguen a la otra sin intercalar , lo que le da a Caligari una sensación más teatral que cinematográfica. [84] La iluminación intensa suele estar ausente de la película, lo que aumenta la sensación de oscuridad que prevalece en la historia. Sin embargo, la iluminación se utiliza ocasionalmente para intensificar la inquietud creada por las distorsiones de los decorados. Por ejemplo, cuando Cesare se despierta por primera vez en la feria, se ilumina directamente un primer plano de su rostro muy maquillado para crear un brillo inquietante. [95] Además, la iluminación se utiliza de una manera innovadora para proyectar una sombra contra la pared durante la escena en la que Cesare mata a Alan, de modo que el espectador solo ve la sombra y no las figuras en sí. Técnicas de iluminación como esta se utilizaron con frecuencia en películas alemanas posteriores. [96] [97]
El estilo visual de El gabinete del doctor Caligari es oscuro, retorcido y extraño; distorsiones radicales y deliberadas en perspectiva, forma, dimensión y escala crean una apariencia caótica y desquiciada. [25] [52] [60] Los decorados están dominados por formas puntiagudas y líneas oblicuas y curvas, con calles estrechas y en espiral, [93] y estructuras y paisajes que se inclinan y se retuercen en ángulos inusuales, dando la impresión de que podrían colapsar o explotar en cualquier momento. [25] [88] El crítico de cine Roger Ebert lo describió como "un paisaje irregular de ángulos agudos y paredes y ventanas inclinadas, escaleras que trepan diagonales locas, árboles con hojas puntiagudas, hierba que parece cuchillos". [4] Los decorados se caracterizan por pinceladas de pintura negra audaz. [88] El paisaje de Holstenwall está pintado sobre lienzo, a diferencia de un decorado construido, y las sombras y los rayos de luz se pintan directamente sobre los decorados, distorsionando aún más la sensación de perspectiva y tridimensionalidad del espectador. [95] Los edificios están agrupados e interconectados en una arquitectura de estilo cubista, rodeados de callejones oscuros y retorcidos. [21] [84] [93] [98] Lotte Eisner, autora de The Haunted Screen , escribe que los objetos en la película parecen cobrar vida y "parecen vibrar con una espiritualidad extraordinaria". [93] Rudolf Kurtz, guionista y autor de Expressionismus und Film , también escribió que "la fuerza dinámica de los objetos aúlla su deseo de ser creados". [99] Las habitaciones tienen ventanas radicalmente desplazadas con marcos distorsionados, puertas que no son cuadradas y sillas que son demasiado altas. [52] [84] [93] [100] Diseños y figuras extraños están pintados en las paredes de los pasillos y las habitaciones, y los árboles del exterior tienen ramas retorcidas que a veces se asemejan a tentáculos. [100]
El profesor de cine alemán Anton Kaes escribió: "El estilo del expresionismo alemán permitió a los cineastas experimentar con tecnología cinematográfica y efectos especiales y explorar el retorcido reino de los deseos reprimidos, los miedos inconscientes y las fijaciones trastornadas". [101] El estilo visual de Caligari transmite una sensación de ansiedad y terror al espectador, [93] dando la impresión de una pesadilla o una sensibilidad trastornada, [25] [60] o un lugar transformado por el mal, de una manera más efectiva que las ubicaciones realistas o los conceptos de diseño convencionales. [84] Siegfried Kracauer escribió que los escenarios "equivalían a una transformación perfecta de objetos materiales en adornos emocionales". [102] La mayoría de la historia y las escenas de la película son recuerdos recordados por un narrador loco y, como resultado, el estilo visual distorsionado adquiere la calidad de su colapso mental, [103] dando a los espectadores la impresión de que están dentro de la mente de un loco. [92] [104] [105] Al igual que con las pinturas expresionistas contemporáneas , el estilo visual de Caligari refleja una reacción emocional al mundo, [37] y los personajes de la película representan una respuesta emocional al terror de la sociedad encarnado por Caligari y Cesare. [88] A menudo en la película, las piezas del decorado son emblemáticas del estado emocional de los personajes de la escena. Por ejemplo, el patio del manicomio durante la historia marco está enormemente desproporcionado. Los personajes parecen demasiado grandes para el pequeño edificio, y el suelo del patio presenta un patrón extraño, todo lo cual representa los estados de ánimo dañados de los pacientes. [72] Del mismo modo, la escena con el criminal en una celda de prisión presenta un decorado con largas sombras verticales pintadas que se asemejan a puntas de flecha, apuntando hacia el prisionero en cuclillas en un efecto opresivo que simboliza su estado desmoronado. [106]
Stephen Brockmann sostiene que el hecho de que Caligari se filmara íntegramente en un estudio realza la locura retratada por las imágenes de la película porque "no hay acceso a un mundo natural más allá del reino de la torturada psique humana". [86] Los decorados presentan ocasionalmente imágenes circulares que reflejan el caos de la película, presentando patrones de movimiento que parecen no ir a ninguna parte, como el tiovivo de la feria, que se mueve en un ángulo inclinado que lo hace parecer en riesgo de derrumbarse. [107] Otros elementos de la película transmiten los mismos motivos visuales que los decorados, incluido el vestuario y el diseño de maquillaje para Caligari y Cesare, ambos muy exagerados y grotescos. Incluso el cabello de los personajes es un elemento de diseño expresionista, especialmente los mechones negros, puntiagudos y dentados de Cesare. [84] Son los únicos dos personajes de la película con maquillaje y vestuario expresionistas, [82] lo que los hace parecer los únicos que realmente pertenecen a este mundo distorsionado. Sin embargo, a pesar de su aparente normalidad, Francis y los demás personajes nunca parecen perturbados por la locura que los rodea reflejada en los decorados; en cambio, reaccionan como si fueran parte de un entorno normal. [108]
Unas pocas escenas seleccionadas interrumpen el estilo expresionista de la película, como en la casa de Jane y Alan, que incluye fondos normales y muebles burgueses que transmiten una sensación de seguridad y tranquilidad que de otro modo estaría ausente en la película. [103] [107] Eisner llamó a esto un error de continuidad "fatal", [81] pero John D. Barlow no está de acuerdo, argumentando que es una característica común de las narraciones de sueños tener algunos elementos normales en ellas, y que la normalidad de la casa de Jane en particular podría representar la sensación de comodidad y refugio que Francis siente en su presencia. [81] Mike Budd argumenta que si bien el estilo visual expresionista es discordante y desagradable al principio, los personajes comienzan a mezclarse más armoniosamente a medida que avanza la película, y el escenario queda más relegado a un segundo plano. [109]
Robinson sugirió que Caligari no es un verdadero ejemplo de expresionismo en absoluto, sino simplemente una historia convencional con algunos elementos de la forma de arte aplicados a ella. Sostiene que la historia en sí no es expresionista, y que la película podría haberse producido fácilmente en un estilo tradicional, pero que se le aplicaron imágenes inspiradas en el expresionismo como decoración. [110] De manera similar, Budd ha llamado a la película una narrativa clásica y convencional, parecida a una historia de detectives en la que Francis busca exponer al asesino de Alan, y dijo que son solo los escenarios expresionistas de la película los que hacen que la película sea transgresora. [111] Hans Janowitz también ha tenido pensamientos similares: "¿Era este estilo particular de pintura solo una prenda con la que vestir el drama? ¿Fue solo un accidente? ¿No habría sido posible cambiar esta prenda sin dañar el efecto profundo del drama? No lo sé". [112]
Aunque algunos críticos y académicos modernos la consideran a menudo una película de arte , Caligari se produjo y se comercializó de la misma manera que una producción comercial normal de su época, capaz de apuntar tanto al mercado artístico de élite como a una audiencia más comercial del género de terror. [113] [114] La película se comercializó ampliamente antes del estreno, y los anuncios se publicaron incluso antes de que la película estuviera terminada. Muchos carteles y anuncios de periódicos incluían la enigmática frase que aparece en la película, "Du musst Caligari werden!", o "¡Debes convertirte en Caligari!". [115] [116] Caligari se estrenó en el teatro Marmorhaus de Berlín el 26 de febrero de 1920, menos de un mes después de su finalización. [115] Los cineastas estaban tan nerviosos por el estreno que Erich Pommer, de camino al cine, exclamó: "¡Será un fracaso horrible para todos nosotros!". [44] [117] Al igual que con la realización de la película, varias leyendas urbanas rodean el estreno de la película. [115] Una, ofrecida por los escritores Roger Manvell y Heinrich Fraenkel en The German Cinema , sugiere que la película fue archivada "por falta de un medio adecuado", y solo se mostró en Marmorhaus porque otra película había fracasado. [118] Otra sugirió que el teatro retiró la película después de solo dos funciones porque el público exigió reembolsos y se manifestó en contra de ella con mucha fuerza. Esta historia fue contada por Pommer, quien afirmó que Marmorhaus recuperó a Caligari y la presentó con éxito durante tres meses después de pasar seis meses trabajando en una campaña publicitaria para la película. David Robinson escribió que ninguna de estas leyendas urbanas era cierta, y que la última fue inventada por Pommer para aumentar su propia reputación. [115] Por el contrario, Robinson dijo que el estreno fue un gran éxito, mostrándose en el teatro durante cuatro semanas, una cantidad inusual para la época, y luego regresando dos semanas después. Dijo que fue tan bien recibido que las mujeres en la audiencia gritaron cuando Cesare abrió los ojos durante su primera escena, y se desmayaron durante la escena en la que Cesare secuestra a Jane. [44] [117]
Caligari se estrenó en un momento en el que las industrias cinematográficas extranjeras habían empezado a aliviar las restricciones a la importación de películas alemanas tras la Primera Guerra Mundial. [113] La película fue adquirida para su distribución en Estados Unidos por la Goldwyn Distributing Company , y tuvo su estreno estadounidense en el Capitol Theatre de la ciudad de Nueva York el 3 de abril de 1921. [119] Se le dio un prólogo y un epílogo teatrales en vivo, [69] [120] lo que no era inusual para los estrenos de películas en los principales cines de la época. En el prólogo, la película es presentada por un personaje llamado "Cranford", que se identifica como el hombre con el que habla Francis en la escena de apertura. En el epílogo, Cranford regresa y exclama que Francis se ha recuperado por completo de su locura. [120] Mike Budd cree que estas adiciones simplificaron la película y "la ajustaron para el consumo masivo", [121] aunque Robinson argumentó que era simplemente una novedad teatral normal para la época. [122] El director del Capitol Theatre, Samuel Roxy Rothafel, encargó al director Ernö Rapée que compilara un acompañamiento musical que incluyera fragmentos de canciones de los compositores Johann Strauss III , Arnold Schoenberg , Claude Debussy , Igor Stravinsky y Sergei Prokofiev . Rotafel quería que la banda sonora coincidiera con el tono oscuro de la película, diciendo: "La música tenía que ser, por así decirlo, elegible para la ciudadanía en un país de pesadilla". [123]
Caligari se estrenó en Los Ángeles en el Miller's Theater el 7 de mayo de 1921, pero el teatro se vio obligado a cancelar la proyección debido a las manifestaciones de los manifestantes. Sin embargo, la protesta fue organizada por la rama de Hollywood de la Legión Americana debido a los temores de desempleo derivados de la importación de películas alemanas a Estados Unidos, no por objeciones al contenido de Caligari en sí. [124] Después de exhibirse en grandes cines comerciales, Caligari comenzó a exhibirse en cines más pequeños y sociedades cinematográficas en las principales ciudades. [125] Las cifras de taquilla no se publicaron regularmente en la década de 1920, por lo que ha sido difícil evaluar el éxito o el fracaso comercial de Caligari en los Estados Unidos. Los historiadores de cine Kristin Thompson y David B. Pratt estudiaron por separado las publicaciones comerciales de la época en un intento de hacer una determinación, pero llegaron a conclusiones contradictorias; Thompson concluyó que fue un éxito de taquilla y Pratt concluyó que fue un fracaso. Sin embargo, ambos coincidieron en que tuvo más éxito comercial en las grandes ciudades que en los cines de comunidades más pequeñas, donde los gustos se consideraban más conservadores. [126]
Caligari no recibió inmediatamente una amplia distribución en Francia debido a los temores sobre la importación de películas alemanas, pero el director de cine Louis Delluc organizó una única proyección de la película el 14 de noviembre de 1921, en el cine Colisée de París como parte de una actuación benéfica para la Cruz Roja Española . Posteriormente, la compañía Cosmograph compró los derechos de distribución de la película y la estrenó en la Ciné-Opéra el 2 de marzo de 1922. [124] Caligari se representó en un teatro de París durante siete años consecutivos, un récord que se mantuvo intacto hasta el estreno de Emmanuelle (1974). [16] Según Janowitz, Caligari también se mostró en ciudades europeas como Londres, Roma, Ámsterdam, Estocolmo, Bruselas, Praga, Viena, Budapest y Bucarest, así como fuera de Europa en China, Japón, India y Turquía, y también en naciones sudamericanas . [127]
Existen diferentes versiones sobre cómo Caligari fue recibida por primera vez por el público y los críticos inmediatamente después de su estreno. Stephen Brockmann, Anton Kaes y la teórica cinematográfica Kristin Thompson dicen que fue popular tanto entre el público en general como muy respetada por los críticos. [128] [129] [130] Robinson escribió: "Los críticos alemanes, casi sin excepción, iban desde favorables a eufóricos". [117] Kracauer dijo que los críticos fueron "unánimes en elogiar a Caligari como la primera obra de arte en la pantalla", [116] pero también dijo que era "demasiado intelectual para volverse popular en Alemania". [131] Barlow dijo que a menudo fue objeto de desaprobación crítica, lo que cree que se debe a que los primeros críticos de cine intentaron asignar definiciones fijas al joven arte del cine y, por lo tanto, tuvieron problemas para aceptar los elementos extraños e inusuales de Caligari . [27] Algunos críticos sintieron que imitaba demasiado una producción teatral. [57] Otros comentaristas, como el crítico Herbert Ihering y el novelista Blaise Cendrars , se opusieron a la presentación de la historia como el delirio de un loco porque sentían que menospreciaba al expresionismo como forma de arte. [132] El crítico de teatro Helmut Grosse condenó el diseño visual de la película como un cliché y derivado, llamándolo una "caricatura y [una] reproducción de diseños en lugar de lo que realmente sucedió en el escenario". [133] Varios críticos, como Kurt Tucholsky y Blaise Cendrars, criticaron el uso de actores reales frente a decorados pintados artificialmente, diciendo que creaba un nivel inconsistente de estilización. El crítico Herbert Ihering se hizo eco de este punto en una reseña de 1920: "Si los actores actúan sin energía y están jugando dentro de paisajes y habitaciones que son formalmente 'excesivos', falta la continuidad del principio". [134]
Aunque Robinson dijo que la respuesta de los críticos estadounidenses fue en gran medida positiva y entusiasta, [135] Kaes dijo que los críticos y el público estadounidenses estaban divididos: algunos elogiaron su valor artístico y otros, particularmente aquellos que desconfiaban de Alemania después de la Primera Guerra Mundial, deseaban prohibirla por completo. [129] Algunos en la industria cinematográfica de Hollywood se sintieron amenazados por la potencial rivalidad y se manifestaron en contra del estreno de Caligari , condenándolo como una "invasión extranjera". [129] Sin embargo, la película siguió siendo popular en los Estados Unidos. [27] Varios críticos estadounidenses la compararon con una historia de Edgar Allan Poe , [135] incluso en una reseña de 1921 en la revista Variety , que elogió la dirección y el "ritmo perfecto" de la película, así como los decorados que "aprietan, giran y ajustan el ojo, y a través del ojo la mentalidad". [122] Una reseña del New York Times la comparó con el arte modernista , comparando los decorados de la película con Desnudo bajando una escalera, n.º 2 de Marcel Duchamp , y dijo que la película "da dimensiones y significado a la forma, convirtiéndola en una parte activa de la historia, en lugar de simplemente el fondo convencional e inerte", lo que fue clave para la "importancia de la película como obra cinematográfica". [136] Albert Lewin , un crítico que eventualmente se convirtió en director de cine y guionista, llamó a Caligari "la única película seria, exhibida en Estados Unidos hasta ahora, que en algo parecido al mismo grado tiene las emociones y el impacto auténticos del arte". [135] Una historia en una edición de noviembre de 1921 de Exceptional Photoplays , una publicación independiente emitida por la National Board of Review of Motion Pictures , dijo que "ocupa la posición de mérito artístico único", y dijo que las películas estadounidenses en comparación parecían hechas para "un grupo de adultos defectuosos al nivel de un niño de nueve años". [137]
Caligari fue un éxito de crítica en Francia, pero los cineastas franceses estaban divididos en sus opiniones después de su estreno. Abel Gance la calificó de "magnífica" y escribió: "¡Qué lección para todos los directores!" [138] y René Clair dijo que "derrocó el dogma realista" del cine. [139] El crítico de cine y director Louis Delluc dijo que la película tiene un ritmo convincente: "Al principio es lenta, deliberadamente laboriosa, intenta irritar. Luego, cuando los motivos en zigzag de la feria comienzan a girar, el ritmo avanza, agitato, accelerando, y se detiene solo en la palabra 'Fin', tan abruptamente como una bofetada en la cara". [140] Jean Epstein , sin embargo, la llamó "un ejemplo destacado del abuso de la decoración en el cine" y dijo que "representa una grave enfermedad del cine". [138] Asimismo, Jean Cocteau la llamó "el primer paso hacia un grave error que consiste en la fotografía plana de decorados excéntricos, en lugar de obtener la sorpresa por medio de la cámara". [141] El crítico francés Frédéric-Philippe Amiguet escribió sobre la película: "Tiene el olor de la comida contaminada. Deja un sabor a cenizas en la boca". [142] Al director ruso Sergei Eisenstein le disgustó especialmente Caligari , calificándola de "combinación de histeria silenciosa, lienzos parcialmente coloreados, planos embadurnados, caras pintadas y los gestos rotos y antinaturales y la acción de quimeras monstruosas". [143]
Aunque las primeras críticas estaban más divididas, los críticos de cine e historiadores modernos han elogiado en gran medida a Caligari como una película revolucionaria. El crítico de cine Roger Ebert la llamó posiblemente "la primera película de terror verdadera", [4] y el crítico Danny Peary la llamó la primera película de culto del cine y precursora de las películas de arte y ensayo . [16] En octubre de 1958, Caligari fue clasificada como la duodécima mejor película de todos los tiempos durante una encuesta organizada en la Feria Mundial de Bruselas . Con el aporte de 117 críticos de cine, cineastas e historiadores de todo el mundo, fue la primera encuesta cinematográfica universal de la historia. [144] [145] El historiador de cine estadounidense Lewis Jacobs dijo que "su interpretación estilizada, calidad inquietante, falta de explicación y escenarios distorsionados eran nuevos en el mundo del cine". [146] El historiador y crítico de cine Paul Rotha escribió sobre ella: "Por primera vez en la historia del cine, el director ha trabajado a través de la cámara y ha roto con el realismo en la pantalla; que una película puede ser efectiva dramáticamente cuando no es fotográfica y finalmente, de la mayor importancia posible, que la mente de la audiencia se puso en juego psicológicamente". [147] Del mismo modo, Arthur Knight escribió en Rogue : "Más que cualquier otra película, ( Caligari ) convenció a los artistas, críticos y audiencias de que la película era un medio para la expresión artística". [16] Entertainment Weekly incluyó a Caligari en su "Guía de las mejores películas jamás realizadas" de 1994, calificándola de "película muda histórica" y diciendo: "Ninguna otra dirección artística de película ha logrado jamás una visualización tan original de la demencia". [148]
La película tiene un índice de aprobación del 96% en Rotten Tomatoes basado en 80 reseñas, con un promedio ponderado de 9.30/10. [149] [150] El consenso de los críticos del sitio afirma: "Podría decirse que es la primera película de terror verdadera, El gabinete del doctor Caligari estableció un estándar brillantemente alto para el género y sigue siendo aterradora casi un siglo después de que acechara por primera vez la pantalla". [149]
Akira Kurosawa , el legendario director japonés, nombró a esta película como una de sus 100 películas favoritas. [151]
Caligari es considerada [¿ por quién? ] la obra por excelencia del cine expresionista alemán, y por lejos el ejemplo más famoso del mismo. [27] [128] [152] [153] [135] [154] Se considera una película clásica, a menudo mostrada en cursos introductorios de cine, sociedades cinematográficas y museos, [155] y es una de las películas alemanas más famosas de la era del cine mudo. [27] El erudito en cine Lewis Jacobs la llamó la "película más discutida de la época". [156] Caligari ayudó a atraer la atención mundial al mérito artístico del cine alemán, [53] [128] [129] al mismo tiempo que le dio legitimidad al cine entre los intelectuales literarios dentro de la propia Alemania. [114] Lotte Eisner ha dicho que fue en el expresionismo, como se personifica en Caligari , que "el cine alemán encontró su verdadera naturaleza". [128] El término caligarismo fue acuñado como resultado, refiriéndose a un estilo de películas similares que se centran en temas como la locura extraña y la obsesión, particularmente a través del uso de la distorsión visual. [27] El expresionismo llegó tarde al cine, y cuando se estrenó Caligari , muchos críticos alemanes sintieron que la forma de arte se había comercializado y trivializado; [157] [158] [159] [160] escritores tan conocidos como Kasimir Edschmid , René Schickele e Yvan Goll ya habían declarado muerto el movimiento expresionista cuando Caligari llegó a los cines. [158] Se produjeron pocas otras películas puramente expresionistas, y Caligari fue la única fácilmente accesible durante varias décadas. [53] [161] Entre las pocas películas que abrazaron plenamente el estilo expresionista se encuentran Genuine (1920) y Raskolnikow (1923), ambas dirigidas por Wiene, así como From Morn to Midnight (1920), Torgus (1921), Das Haus zum Mond (1921), Haus ohne Tür und ohne Fenster (1921) y Waxworks . [141] [162]
Aunque se hicieron pocas otras películas puramente expresionistas, Caligari todavía tuvo una gran influencia sobre otros directores alemanes, [163] y muchos de los elementos expresionistas de la película, en particular el uso del escenario, la luz y la sombra para representar la psicología específica de sus personajes, se volvieron frecuentes en el cine alemán. [131] [144] Entre las películas que utilizaron estos elementos estaban Nosferatu (1922) y La última risa (1924) de Murnau, [96] [128] [164] Los secretos de un alma (1926) de GW Pabst , [53] y Metrópolis (1927) y M (1931) de Lang. [162] [164] El éxito de Caligari también afectó la forma en que se produjeron las películas alemanas durante la década de 1920. Por ejemplo, la mayoría de las películas alemanas más importantes de los siguientes años dejaron de rodarse en exteriores y se filmaron íntegramente en estudios, [165] [144] lo que asignó mucha más importancia a los diseñadores en el cine alemán. [144] Robinson sostiene que esto llevó al surgimiento de un gran número de diseñadores de películas, como Hans Dreier , Rochus Gliese , Albin Grau , Otto Hunte , Alfred Junge , Erich Kettelhut y Paul Leni , y ese efecto se sintió en el extranjero, ya que muchos de estos talentos emigraron más tarde de Alemania con el surgimiento del Partido Nazi . [144] Además, el éxito del esfuerzo colaborativo de Caligari , incluido su director, escenógrafos y actores, influyó en la producción cinematográfica posterior en Alemania durante muchos años, haciendo del trabajo en equipo un sello distintivo del cine alemán en la República de Weimar. [48]
El efecto de Caligari se sintió no sólo en el cine alemán, sino también a nivel internacional. [154] [161] [166] Tanto Rotha como el historiador de cine William K. Everson escribieron que la película probablemente tuvo un efecto a largo plazo tanto en los directores de Hollywood como El acorazado Potemkin (1925). [167] En su libro The Film Til Now , Rotha escribió que Caligari y Potemkin fueron los "dos avances más trascendentales en el desarrollo del cine", y dijo que Caligari "sirvió para atraer al público del cine a muchas personas que hasta entonces habían considerado la película como el punto más bajo de la inteligencia". [147] Caligari influyó en el estilo y el contenido de las películas de Hollywood en la década de 1920 y principios de la de 1930, [163] [168] particularmente en películas como The Bells (1926), The Man Who Laughs (1928) y Murders in the Rue Morgue (1932), [101] [167] y tuvo una gran influencia en las películas de terror estadounidenses de la década de 1930, algunas de las cuales presentaban a un antagonista que usaba habilidades sobrenaturales similares a las de Caligari para controlar a otros, como Drácula (1931), Svengali (1931) y The Mad Genius (1931). [169] Kaes dijo que tanto los elementos estilísticos de Caligari , como el personaje de Cesare en particular, influyeron en las películas de terror de Universal Studios de la década de 1930, que a menudo presentaban de forma destacada algún tipo de monstruo, como Frankenstein (1931), La momia (1932), El gato negro (1934) y La novia de Frankenstein (1935). [96] [101] El expresionismo de Caligari también influyó en el cine de vanguardia estadounidense , en particular en aquellas que utilizaban escenarios fantásticos para ilustrar un entorno inhumano que dominaba a un individuo. Los primeros ejemplos incluyen La caída de la casa Usher (1928), El último momento (1928) y La vida y muerte de 9413: un extra de Hollywood (1928). [170] LoBrutto escribió: "Pocas películas a lo largo de la historia del cine han tenido más influencia en la vanguardia, el arte y el cine estudiantil que Caligari ". [154]
Caligari y el expresionismo alemán influyeron fuertemente en el periodo del cine negro estadounidense de los años 1940 y 1950, tanto en estilo visual como en tono narrativo. [129] [171] [172] Las películas negras tendían a retratar a todos, incluso a los inocentes, como objeto de sospecha, un hilo conductor en Caligari . El género también emplea varios elementos expresionistas en su estilo visual oscuro y sombrío, fotografía estilizada y abstracta, y maquillaje y actuación distorsionados y expresivos. [101] Caligari también influyó en películas producidas en la Unión Soviética , como Aelita (1924) y El capote (1926). [173] Los observadores han notado que las películas en blanco y negro de Ingmar Bergman guardan un parecido con las películas alemanas de la década de 1920, y el historiador de cine Roy Armes lo ha llamado "el verdadero heredero" de Caligari . El propio Bergman, sin embargo, ha restado importancia a la influencia del expresionismo alemán en su obra. [174] Caligari también ha afectado al teatro. Siegfried Kracauer escribió que el uso del iris en la película ha sido imitado en producciones teatrales, con iluminación utilizada para destacar a un actor solitario. [57]
Caligari sigue siendo una de las películas más discutidas y debatidas de la República de Weimar. [62] Dos libros importantes han jugado un papel importante en la configuración de la percepción de la película y su efecto en el cine en su conjunto: From Caligari to Hitler (1947) de Siegfried Kracauer y The Haunted Screen (1974) de Lotte Eisner . [155] [152] [175] From Caligari to Hitler basó sus afirmaciones sobre la película en gran medida en un manuscrito inédito de Hans Janowitz llamado Caligari: The Story of a Famous Story , [23] que le dio a Janowitz y Carl Mayer el crédito principal por la realización de Caligari . [21] [176] [177] Mike Budd escribió sobre el libro de Kracauer: "Quizás ninguna película o período haya sido tan completamente comprendido a través de una interpretación particular como Caligari , y el cine de Weimar en general, a través del enfoque socio-psicológico de Kracauer". [178] Antes de la publicación de De Caligari a Hitler , pocos críticos habían derivado algún significado político simbólico de la película, pero el argumento de Kracauer de que simbolizaba la obediencia alemana hacia la autoridad y una premonición del ascenso de Adolf Hitler cambió drásticamente las actitudes sobre Caligari . Muchas de sus interpretaciones de la película aún son aceptadas, [24] [26] [175] [178] incluso por aquellos que han estado en total desacuerdo con su premisa general, [24] [178] e incluso ciertas afirmaciones que hizo Kracauer han sido refutadas, como su declaración de que el guion original no incluía una historia marco. [175] El libro de Eisner, por su parte, colocó a Caligari en un contexto histórico al identificar cómo influyó en las características expresionistas en otras películas de la década de 1920. [152] [175]
El historiador de cine David Robinson afirmó que a Wiene, a pesar de ser el director de Caligari , a menudo se le da la menor cantidad de crédito por su producción. [70] Él cree que esto se debe en parte a que Wiene murió en 1938, más cerca del estreno de la película que cualquier otro colaborador importante, y por lo tanto no pudo defender su participación en el trabajo mientras otros se atribuyeron el mérito. [49] De hecho, Robinson argumenta que Caligari en última instancia dañó la reputación de Wiene porque sus películas posteriores no igualaron su éxito, por lo que a menudo se lo considera erróneamente "un director de una sola película" para quien Caligari fue "una casualidad afortunada". [70]
La banda japonesa de rock visual kei Cali Gari obtuvo su nombre de la película. [179]
Caligari , al igual que varias películas de Weimar que le siguieron, tematiza la autoridad brutal e irracional al hacer de una figura de autoridad violenta y posiblemente demente su antagonista. [72] [155] Kracauer dijo que Caligari era un símbolo del gobierno de guerra alemán y las tendencias fatales inherentes al sistema alemán, diciendo que el personaje "representa una autoridad ilimitada que idolatra el poder como tal y, para satisfacer su lujuria por la dominación, viola sin piedad todos los derechos y valores humanos". [180] Del mismo modo, John D. Barlow describió a Caligari como un ejemplo del poder y la autoridad tiránicos que habían plagado a Alemania durante mucho tiempo, mientras que Cesare representa al "hombre común de obediencia incondicional ". [5] [181] Janowitz ha afirmado que Cesare representa al ciudadano común que está condicionado a matar o ser asesinado, tal como se entrena a los soldados durante su servicio militar, y que Caligari es un símbolo del gobierno alemán que envía a esos soldados a morir en la guerra. [66] [182] El control que Caligari ejerce sobre las mentes y acciones de los demás resulta en caos y perversión moral y social. [183] Cesare carece de individualidad y es simplemente una herramienta de su amo; Barlow escribe que es tan dependiente de Caligari que cae muerto cuando se aleja demasiado de la fuente de su sustento, "como una máquina que se ha quedado sin combustible". [80]
En su libro De Caligari a Hitler , Kracauer sostiene que el personaje de Caligari es sintomático de una necesidad subconsciente en la sociedad alemana de un tirano, al que llama el "alma colectiva" alemana. [47] [183] [128] Kracauer sostiene que Caligari y Cesare son premoniciones de Adolf Hitler y su gobierno sobre Alemania, y que su control sobre el sonámbulo de voluntad débil y parecido a una marioneta prefigura aspectos de la mentalidad que permitió el surgimiento del Partido Nazi . [96] [183] [128] Él llama al uso del hipnotismo de Caligari para imponer su voluntad un presagio de la "manipulación del alma" de Hitler. [184] Kracauer describió la película como un ejemplo de la obediencia de Alemania a la autoridad y el fracaso o la falta de voluntad para rebelarse contra la autoridad trastornada, [185] y refleja un "retiro general" a un caparazón que ocurrió en la Alemania de la posguerra. [152] Cesare simboliza a aquellos que no tienen mente propia y deben seguir los caminos de otros; [88] Kracauer escribió que presagia un futuro alemán en el que "los autoproclamados Caligaris hipnotizaron a innumerables Cesares para que cometieran asesinatos". [186] Barlow rechaza las afirmaciones de Kracauer de que la película glorifica la autoridad "sólo porque no ha hecho una declaración sermoneadora en contra de ella", y dijo que la conexión entre Caligari y Hitler radica en el estado de ánimo que transmite la película, no en un respaldo a tal tirano por parte de la película. [187]
La realidad cotidiana en Caligari está dominada por aspectos tiránicos. Las autoridades se sientan en puestos elevados por encima de la gente con la que tratan y tienen oficinas fuera de la vista al final de escaleras largas y amenazantes. [188] La mayoría de los personajes de la película son caricaturas que encajan perfectamente en roles sociales prescritos, como los ciudadanos indignados que persiguen a un enemigo público, la policía autoritaria que es deferente con sus superiores, el funcionario burocrático del ayuntamiento acosado a menudo y los encargados del asilo que actúan como estereotipos de "hombrecitos de traje blanco". [80] Sólo Caligari y Cesare son atípicos en cuanto a roles sociales, y en cambio sirven como, en palabras de Barlow, "abstracciones de miedos sociales, las encarnaciones de fuerzas demoníacas de un mundo de pesadilla que la burguesía tenía miedo de reconocer, donde la autoafirmación se ve empujada a un poder voluntario y arbitrario sobre los demás". [83] Kracauer escribió que la película demuestra un contraste entre el control rígido, representado por personajes como Caligari y el secretario del ayuntamiento, y el caos, representado por las multitudes de personas en la feria y el giro aparentemente interminable de los tiovivos. Dijo que la película no deja lugar para un punto medio entre estos dos extremos, y que los espectadores se ven obligados a aceptar la locura o la rigidez autoritaria, dejando poco espacio para la libertad humana. [189] [190] Kracauer escribe: " Caligari expone el alma que vacila entre la tiranía y el caos, y que se enfrenta a una situación desesperada: cualquier escape de la tiranía parece arrojarla a un estado de absoluta confusión". [165]
Caligari no es el único símbolo de autoridad arrogante en la película. De hecho, él mismo es víctima de una autoridad severa durante la escena con el desdeñoso secretario municipal, que lo ignora y lo deja de lado para centrarse en su papeleo. [72] [191] El historiador de cine Thomas Elsaesser sostiene que la masacre de Caligari contra Cesare puede verse como una vena rebelde y antiautoritaria en respuesta a experiencias como estas, incluso a pesar de su propio autoritarismo. [192] La escenografía expresionista en esta escena amplifica aún más el poder del funcionario y la debilidad de su suplicante; el secretario se eleva en una silla excesivamente alta sobre el pequeño y humillado Caligari. [72] [156] La escena representa diferencias de clase y estatus, y transmite la experiencia psicológica de estar simultáneamente indignado e impotente ante una burocracia mezquina. [191] Otro motivo visual común es el uso de escaleras para ilustrar la jerarquía de figuras de autoridad, como las múltiples escaleras que conducen a la sede de la policía y las tres escaleras que ascienden a Caligari en el asilo. [156]
Francisco expresa su resentimiento hacia todas las formas de autoridad, particularmente al final de la historia marco, cuando siente que ha sido internado en una institución debido a la locura de las autoridades, no porque haya algo malo en él. [193] Francisco puede ser visto, al menos dentro de la narrativa principal, como un símbolo de la razón y la ilustración triunfando sobre el tirano irracional y desenmascarando el absurdo de la autoridad social. [5] [68] Pero Kracauer sostuvo que la historia marco socava esa premisa. Sostiene que si no fuera por la historia marco, el relato de los esfuerzos de Francisco contra Caligari habría sido un ejemplo digno de elogio de independencia y rebelión contra la autoridad. Sin embargo, con la adición de la historia marco, que pone en tela de juicio la veracidad de las afirmaciones de Francis, Kracauer sostiene que la película glorifica la autoridad y convierte una historia reaccionaria en una película autoritaria: [45] [5] [96] [185] "El resultado de estas modificaciones fue falsificar la acción y, en última instancia, reducirla a los delirios de un loco". [26] Kracauer creía que estos cambios no eran necesariamente intencionales, sino más bien una "sumisión instintiva a las necesidades de la pantalla" porque las películas comerciales tenían que "responder a los deseos de las masas". [45] Fritz Lang no estaba de acuerdo con el argumento de Kracauer y, en cambio, cree que la historia marco hace que las inclinaciones revolucionarias de la película sean más convincentes, no menos. [25] David Robinson dijo que, a medida que ha pasado el tiempo, los espectadores han estado menos inclinados a interpretar la película como una reivindicación de la autoridad porque el público moderno se ha vuelto más escéptico respecto de la autoridad en general, y está más inclinado a creer la historia de Francis e interpretar que el director del asilo cometió un error al comprometer a Francis para silenciarlo. [132]
Otro tema importante de Caligari es, escribe Stephen Brockmann, "el contraste desestabilizado entre locura y cordura y, por lo tanto, la desestabilización de la noción misma de cordura". [72] Al final de la película, según Brockman, los espectadores se dan cuenta de que la historia que han estado viendo ha sido contada desde la perspectiva de un narrador loco y, por lo tanto, no pueden aceptar nada de lo que han visto como confiable. Las abstracciones visuales inusuales de la película y otros elementos estilizados sirven para mostrar el mundo como uno experimentado por un loco. [194] De manera similar, la película ha sido descrita como retratando la historia como una pesadilla y la historia marco como el mundo real. [37] John D. Barlow dijo que la película ejemplifica un tema expresionista común de que "la percepción última de la realidad parecerá distorsionada y demente para la mente sana y práctica". [195] La película sirve como recordatorio de que cualquier historia contada a través de un flashback subjetiviza la historia desde la perspectiva del narrador. [38] Al final de la película, el director del asilo no da ninguna señal de que tenga malas intenciones con Francis y, de hecho, a Barlow le parece que realmente se preocupa por sus pacientes. Pero Francis, no obstante, cree que lo están persiguiendo, por lo que en la historia contada desde su perspectiva, Caligari asume el papel de perseguidor. [193]
Sin embargo, los elementos visuales expresionistas de la película están presentes no sólo en la narrativa principal, sino también en las escenas del epílogo y el prólogo de la historia marco, que se supone que son un relato objetivo de la realidad. [37] [52] [104] [194] [196] Por ejemplo, las escenas de la historia marco todavía tienen árboles con ramas como tentáculos y una pared alta y amenazante en el fondo. Se ven extraños patrones de hojas y líneas en el banco en el que se sienta Francis, se pueden ver diseños geométricos similares a llamas en las paredes y su celda del asilo tiene la misma forma distorsionada que en la narrativa principal. [197] Si la historia principal fuera estrictamente los delirios de un loco, la historia marco estaría completamente desprovista de esos elementos, pero el hecho de que estén presentes hace que no esté claro si esa perspectiva puede tomarse como confiable tampoco. [37] [86] [197] En cambio, la película no ofrece un mundo verdadero o normal para oponerse al del mundo retorcido y de pesadilla como lo describe Francis. [153] Como resultado, después de la escena final de la película, puede verse como ambiguo si Francis o el director del asilo es realmente el loco, o si ambos están locos. [86] [198] [199] Del mismo modo, la toma final de la película, con un iris que se desvanece a un primer plano en la cara del director del asilo, crea aún más dudas sobre si el personaje es realmente cuerdo y digno de confianza. [199] [200] En palabras de Brockman, "Al final, la película no trata solo de un loco desafortunado; trata de un mundo entero que posiblemente esté desequilibrado". [86] Mike Budd señala que, durante la escena en la que los médicos del asilo sujetan a Francis, sus movimientos imitan de cerca los de Caligari en una escena similar durante la historia principal. Budd dice que esto sugiere una "lógica onírica de repetición" que arroja más confusión sobre qué perspectiva es la realidad. [199]
Más allá de las circunstancias individuales de Francis, el uso de la perspectiva del narrador en El doctor Caligari puede verse como un reflejo de la cosmovisión de los guionistas. Mayer y Janowitz eran pacifistas opuestos a lo que Eisner describió como la voluntad de los alemanes de comprometerse con las fuerzas oscuras, como la magia demoníaca y los poderes sobrenaturales, que llevaron a la muerte en el campo de batalla. [201] Aunque no cree que sea posible reducir la narrativa o la película a las creencias de sus creadores, Eisner afirma que Francis puede ser visto como la encarnación de la política del antinaturalismo del expresionismo, a través del cual un protagonista no ve el mundo objetivamente, sino que tiene "visiones" que se abstraen de la individualidad y la psicología. [202] El recurso de encuadre de un manicomio, para Eisner, tiene una connotación más amplia como una declaración sobre la realidad social en el contexto del " estado de excepción ". Aquí, afirma Eisner, la tendencia militarista e imperialista del capitalismo monopolista se combina con lo que Sigmund Freud llamaría más tarde el anhelo de protección por parte de una figura paterna tiránica, o lo que Kracauer caracterizó como "autoridad asocial". [59]
La dualidad es otro tema común en Caligari . Caligari es retratado en la narrativa principal como un tirano loco, y en la historia marco como una autoridad respetada y director de una institución mental. Como resultado de esta dualidad, es posible que el espectador sospeche un aspecto malévolo de él al final de la película, incluso a pesar de la evidencia que indica que es un hombre amable y cariñoso. [107] Incluso solo dentro de la narrativa principal, Caligari vive una doble vida: ocupa una posición respetable como director del asilo, pero se convierte en hipnotizador y asesino por la noche. [203] Además, el personaje es en realidad un doble del Caligari "real", un místico del siglo XVIII con quien el personaje de la película se obsesiona tanto que desea penetrar sus secretos más íntimos y "convertirse en Caligari". [204] Francis también asume una especie de doble vida, sirviendo como el protagonista heroico en la narrativa principal y un paciente en una institución mental en la historia marco. Anton Kaes describió la historia que cuenta Francis como un acto de transferencia con su psiquiatra, así como una proyección de sus sentimientos de que es una víctima bajo el hechizo del todopoderoso director del asilo, así como Cesare es la víctima hipnotizada de Caligari. [204] El personaje de Cesare sirve tanto como perseguidor como víctima, ya que es a la vez un asesino y el esclavo involuntario de un amo opresor. [107] [191]
Siegfried Kracauer dijo que al combinar una fantasía en la que Francisco derroca a una autoridad tiránica con una realidad en la que la autoridad triunfa sobre Francisco, Caligari refleja un doble aspecto de la vida alemana, sugiriendo que reconsideran su creencia tradicional en la autoridad incluso cuando la adoptan. [45] Existe un contraste entre los niveles de realidad no solo en las caracterizaciones, sino también en la presentación de algunas de las escenas. [205] Esto, escribe Barlow, "revela un contraste entre la calma externa y el caos interno". [205] Por ejemplo, las escenas de flashback cuando Francisco lee el diario de Caligari, en las que se muestra al médico obsesionado con aprender poderes hipnóticos, tienen lugar mientras Caligari duerme pacíficamente en el presente. Otro ejemplo es la feria, que en la superficie parece representar diversión y escapismo, pero revela una sensación latente de caos y desastre en la forma de Caligari y Cesare. [205] Los elementos visuales de la película también transmiten una sensación de dualidad, particularmente en los contrastes entre el blanco y el negro. Esto es especialmente frecuente en los decorados, donde las sombras negras se proyectan contra las paredes blancas, pero también en otros elementos como el vestuario y el maquillaje. Por ejemplo, Caligari viste mayormente de negro, pero hay rayas blancas en su cabello y en sus guantes. El rostro de Cesare es de un blanco fantasmal, pero las partes oscuras de sus ojos están marcadamente delineadas en negro. Del mismo modo, el rostro blanco de Jane contrasta con sus ojos profundos y oscuros. [107]
Los críticos han sugerido que Caligari resalta algunas de las neurosis prevalecientes en Alemania y la República de Weimar cuando se hizo la película, [187] [206] particularmente a la sombra de la Primera Guerra Mundial, [207] en un momento en que el extremismo estaba desenfrenado, los reaccionarios todavía controlaban las instituciones alemanas y los ciudadanos temían el daño que el Tratado de Versalles tendría en la economía. [187] Siegfried Kracauer escribió que la paranoia y el miedo retratados en la película eran señales de lo que vendría en Alemania, [45] [206] y que la película reflejaba una tendencia en los alemanes a "replegarse en sí mismos" y alejarse del compromiso político después de la guerra. [45] [88] Vincent LoBrutto escribió que la película puede verse como una analogía social o política de "el colapso moral y físico de Alemania en ese momento, con un loco suelto causando estragos en una sociedad distorsionada y desequilibrada, una metáfora de un país en caos". [88]
Anton Kaes, que calificó a Caligari como "una declaración agresiva sobre la psiquiatría de guerra, el asesinato y el engaño", escribió que la pregunta de Alan a Cesare, "¿Cuánto tiempo me queda de vida?", reflejaba el trauma que experimentaron los ciudadanos alemanes durante la guerra, ya que esa pregunta a menudo estaba en la mente de los soldados y de los familiares en casa preocupados por sus seres queridos en el ejército. La desesperación de Francis después del asesinato de Alan también se puede comparar con la de los muchos soldados que sobrevivieron a la guerra pero vieron a sus amigos morir en el campo de batalla. Kaes señaló otros paralelismos entre la película y las experiencias de guerra, señalando que Cesare atacó a Alan al amanecer, un momento común para los ataques durante la guerra. [208] Thomas Elsaesser calificó a Caligari como un "ejemplo sobresaliente de cómo las representaciones 'fantásticas' en las películas alemanas de principios de la década de 1920 parecen llevar la impronta de las presiones de los eventos externos, a los que se refieren solo a través de la violencia con la que los disfrazan y desfiguran". [191]
En las décadas posteriores al estreno de Caligari se hicieron varios intentos fallidos de producir secuelas y remakes. Robert Wiene compró los derechos de Caligari a Universum Film AG en 1934 con la intención de filmar un remake sonoro, que nunca se materializó antes de la muerte de Wiene en 1938. Tenía la intención de contratar a Jean Cocteau como Cesare, y un guion, que se cree que fue escrito por Wiene, indicaba que el estilo expresionista habría sido reemplazado por un estilo surrealista francés . [209] En 1944, Erich Pommer y Hans Janowitz intentaron por separado obtener los derechos legales de la película, con la esperanza de un remake de Hollywood. [69] [210] Pommer intentó argumentar que tenía un mejor reclamo sobre los derechos porque el valor principal de la película original no provenía del guión, sino "de la forma revolucionaria en que se produjo la película". [211] Sin embargo, tanto Janowitz como Pommer se encontraron con complicaciones relacionadas con la invalidez de la ley nazi en los Estados Unidos y la incertidumbre sobre los derechos legales de las películas sonoras y mudas. [69] [210] Janowitz escribió un tratamiento para una nueva versión, y en enero de 1945 se le ofreció una garantía mínima de $16,000 contra una regalía del cinco por ciento por sus derechos sobre la película original para una secuela que sería dirigida por Fritz Lang , pero el proyecto nunca se hizo realidad. [210] [212] Más tarde, Janowitz planeó una secuela llamada Caligari II , e intentó sin éxito vender la propiedad a un productor de Hollywood por $30,000. [212]
Alrededor de 1947, el agente de Hollywood Paul Kohner y el cineasta alemán Ernst Matray también planearon una secuela de Caligari ; Matray y su esposa Maria Solveg escribieron un guion llamado El regreso de Caligari . [212] Ese guion habría reimaginado a Caligari como un ex oficial nazi y criminal de guerra, pero la película nunca se produjo. [210] [212] En 1960, el productor independiente de Hollywood Robert Lippert adquirió los derechos de Caligari de Matray y Universum Film AG por $ 50,000 y produjo una película llamada El gabinete de Caligari , que se estrenó en 1962. [212] El guionista Robert Bloch no tenía la intención de escribir una nueva versión de Caligari y, de hecho, el título fue impuesto en su guion sin título por el director Roger Kay. [213] La película tenía pocas similitudes con la Caligari original , excepto por su título y un giro en la trama al final, [210] [214] en el que se revela que la historia era simplemente el delirio de la protagonista, que creía que estaba cautiva de un personaje llamado Caligari. En cambio, él era su psiquiatra, y la cura al final de la película. [210]
La película de 1983 La cura de Caligari , dirigida por el cineasta vanguardista Tom Palazzolo , fue una actualización experimental de El gabinete del doctor Caligari que incluía amplios fragmentos de la película. Aunque La cura de Caligari sigue siendo poco conocida, en general fue bien recibida. [215] [216]
En 1989 se estrenó una cuasi secuela, llamada Dr. Caligari , [217] dirigida por Stephen Sayadian y protagonizada por Madeleine Reynal como la nieta del Caligari original, que ahora dirigía un asilo y realizaba extraños experimentos hormonales en sus pacientes. La historia impulsada por el sexo en última instancia tenía poco en común con la película original. [213] [218] En 1992, el director de teatro Peter Sellars estrenó su único largometraje, El gabinete del Dr. Ramírez , una película experimental basada libremente en Caligari . Sin embargo, la historia se creó mientras se hacía la película, por lo que tiene pocas similitudes con la película original. [219] [220] La película se proyectó solo en el Festival de Cine de Sundance de 1992 y nunca se estrenó en cines. [219] En 2005 se estrenó una nueva versión cinematográfica independiente de Caligari editada, escrita y dirigida por David Lee Fisher, en la que se colocaron nuevos actores frente a los escenarios reales de la película original. Los actores actuaron frente a una pantalla verde , luego sus actuaciones se superpusieron frente a tomas mate basadas en los escenarios originales. Doug Jones interpretó el papel de Cesare. [221] [222] [223]
Numerosos músicos han compuesto nuevas bandas sonoras para acompañar la película. La Club Foot Orchestra estrenó una banda sonora escrita por el fundador del conjunto y director artístico Richard Marriott en 1987. [224] El grupo israelí de electrónica TaaPet compuso una banda sonora para la película y la interpretó varias veces en Israel en 2000. [225] El compositor y músico británico Geoff Smith compuso una nueva banda sonora para la película en 2003. [226] La banda psicodélica holandesa Monomyth compuso una nueva banda sonora y la interpretó durante una proyección de Caligari en el Imagine Film Festival en los Países Bajos en abril de 2016. [227] Bertelsmann/BMG encargó a Timothy Brock que adaptara su banda sonora de 1996 para orquesta de cuerdas para una restauración en 2014; Brock dirigió el estreno en Bruselas el 15 de septiembre de 2014. [228] En 2012, el Chatterbox Audio Theatre grabó una banda sonora en vivo, que incluía diálogos, efectos de sonido y música para Caligari , que se lanzó en YouTube el 30 de octubre de 2013. [229] Se grabaron dos nuevas partituras para un lanzamiento en DVD de Caligari en 2016 : una partitura tradicional de Timothy Brock interpretada por la Filarmónica de Bruselas y una partitura electroacústica de Edison Studio , un colectivo de compositores. [230]
En 1981, la Yorkshire Actors Company le pidió a Bill Nelson que creara una banda sonora para una adaptación teatral de la película. Esa música se grabó más tarde para su álbum de 1982 Das Kabinet (El gabinete del doctor Caligari) . [231]
En 1983, la cadena de televisión alemana ZDF encargó al compositor Peter Michael Hamel la creación de una nueva banda sonora para una restauración de la película, basada en una copia de 1921. La versión con la música de Hamel se estrenó en la ZDF en mayo de 1983 y, posteriormente, se emitió durante los años 1980 y 1990 en cadenas de televisión de varios países europeos, entre ellos España y Polonia.
Caligari fue adaptada a ópera en 1997 por el compositor John Moran . Se estrenó en el American Repertory Theater en Cambridge, Massachusetts , en una producción de Robert McGrath. [232] Joseph Kahn y Rob Zombie dirigieron un video musical para el sencillo de 1999 " Living Dead Girl " con imágenes inspiradas directamente en El gabinete del doctor Caligari , [233] [234] con la esposa de Zombie, Sheri Moon Zombie, interpretando el papel de Cesare. [235] En 2015, el escenógrafo y director indio Deepan Sivaraman adaptó la película en una pieza de técnica mixta de una hora de duración con los estudiantes de estudios de interpretación de la Universidad Ambedkar de Delhi como parte de un curso titulado "Espacio y espectador". [236] La Connect Company de la Ópera Escocesa encargó a la compositora Karen MacIver y al libretista Allan Dunn que produjeran una ópera basada en El gabinete del doctor Caligari , [237] [238] [239] que se representó por primera vez en 2016. [237] [238] Aunque compartía la misma historia que la película, el escenario se cambió a Glasgow Green y Gartloch en Glasgow , Escocia . [237]
En 2020, la banda española de post-rock Toundra lanzó su propia banda sonora para la película. [240] Se lanzó exactamente 100 años después del estreno de la película original. El álbum consta de 7 canciones, que coinciden con la estructura de la película: secuencia del título de apertura, más seis actos de la película. Las canciones también tienen la misma duración que los actos, por lo que la música se puede sincronizar con la película. [241]
En 2024, el músico alemán y exmiembro de Kraftwerk, Karl Bartos, lanzó una nueva banda sonora para la película. Se estrenó el 17 de febrero en la Alte Oper de Frankfurt am Main.
En 1998, Tangled Web Audio lanzó una adaptación en audio de El gabinete del doctor Caligari escrita y dirigida por Yuri Rasovsky en casete de audio. El elenco incluía a John de Lancie , Kaitlin Hopkins y Robertson Dean. [242] La dramatización ganó el premio Independent Publisher Book Award a la mejor producción directa a audio en 1998. [243] En 2008, BBC Radio 3 transmitió una adaptación en audio de Amanda Dalton titulada Caligari , protagonizada por Luke Treadaway , Tom Ferguson, Sarah McDonald Hughes, Terence Mann y el contratenor Robin Blaze como Cesare. [244] [245] Caligari fue un personaje completamente mudo en esta adaptación. [246]
... no se perdió a Caligari porque estaba muerta. En realidad, estuvo viva durante toda la producción. Dividida entre Mayer y Janowitz, Gilda Langer aprovechó la oportunidad de cambiar de un par de escritores hambrientos a favor de un director y productor en ascenso llamado Paul Czinner. Al casarse con Czinner, Gilda efectivamente abandonó su órbita ...
