Double Indemnity es una película negra de suspenso y crimen estadounidense de 1944dirigida por Billy Wilder , coescrita por Wilder y Raymond Chandler y producida por Buddy DeSylva y Joseph Sistrom. El guión se basó en la novela homónima de 1943 de James M. Cain , que apareció como una serie de ocho capítulos para la revista Liberty en febrero de 1936.
La película está protagonizada por Fred MacMurray como un vendedor de seguros, Barbara Stanwyck como una provocativa ama de casa acusada de matar a su marido y Edward G. Robinson como un ajustador de reclamaciones cuyo trabajo es encontrar reclamaciones falsas. El término " doble indemnización " se refiere a una cláusula de determinadas pólizas de seguro de vida que duplica el pago en los casos en que la muerte es accidental.
Elogiada por muchos críticos en su estreno, la película fue nominada a siete premios de la Academia , pero no ganó ninguno. Ampliamente considerado un clásico, a menudo se lo cita como el que marcó el estándar del cine negro. Varias publicaciones la han considerado una de las mejores películas de todos los tiempos . [2] [3] [4] Considerada "cultural, histórica o estéticamente significativa" por la Biblioteca del Congreso de EE. UU. en 1992, Double Indemnity fue seleccionada para su conservación en el Registro Nacional de Películas . [5] [6] En 1998, ocupó el puesto 38 en la lista del American Film Institute de las 100 mejores películas estadounidenses de todos los tiempos, y en 2007 ocupó el puesto 29 en su lista del décimo aniversario . Wilder consideró Double Indemnity su mejor película en términos de tener la menor cantidad de errores de guion y rodaje, [7] y siempre sostuvo que las dos cosas de las que estaba más orgulloso en su carrera eran los elogios que recibió de Cain por Double Indemnity y de Agatha Christie por su manejo de su Testigo de la Fiscalía . [8]
Una noche de 1938, el vendedor de seguros Walter Neff regresa a su oficina en el centro de Los Ángeles dolorido por una herida de bala. Comienza a dictar una confesión en un dictáfono para su amigo y jefe, afirma el ajustador Barton Keyes. Sigue la historia, contada principalmente en flashback .
Un año antes, Neff conoce a la seductora Phyllis Dietrichson durante una visita a domicilio para recordarle a su marido que renueve su póliza de seguro de automóvil. Coquetean, hasta que Phyllis le pregunta si puede contratar una póliza para la vida de su marido sin su conocimiento. Neff deduce que está pensando en asesinar e inicialmente no quiere participar en ello, pero finalmente idea un plan para asesinar a su marido y activar la cláusula de " doble indemnización ", que duplicaría el pago.
Phyllis lleva a su marido a la estación de tren para asistir a una reunión universitaria. Neff, escondido en el asiento trasero, se rompe el cuello. Luego, Neff sube al tren haciéndose pasar por Dietrichson y se dirige a la parte trasera del tren, saliendo al andén para fumar un cigarrillo. Salta en un lugar preestablecido para encontrarse con Phyllis y arrastrar el cuerpo de Dietrichson a las vías.
Norton, el presidente de la empresa, cree que la muerte fue un suicidio, pero Keyes se burla de la idea. A Keyes le resulta extraño que el Sr. Dietrichson no haya presentado un reclamo sobre su póliza de seguro después de romperse la pierna, y le revela a Neff que sospecha que Phyllis fue asesinada mientras ella se esconde detrás de la puerta escuchando. Keyes concluye que un cómplice la ayudó a asesinar a su marido por el dinero del seguro, pero él necesita pruebas. Norton se niega a pagar la cláusula por muerte accidental, deduciendo que Dietrichson desconocía la póliza.
La hija de la víctima, Lola, le dice a Neff que está convencida de que su madrastra Phyllis no sólo está detrás de la muerte de su padre, sino también de la de la madre de Lola, que murió en circunstancias sospechosas cuando Phyllis era su enfermera. Neff comienza a ver a Lola para evitar que lleve sus sospechas a la policía. Más tarde, Neff teme que Phyllis asesine a Lola por sus sospechas y porque Dietrichson había cambiado su testamento a favor de Lola, dejando a Phyllis sin nada.
Keyes trae a un testigo que dice que el hombre en el tren era más joven que el muerto. Neff advierte a Phyllis que presentar la reclamación del seguro ante los tribunales corre el riesgo de exponer el asesinato. Señala que Norton y Keyes sospechan de ella. Intenta convencer a Phyllis de que permanezca discreta mientras él convence a Norton de que pague el reclamo. Lola le dice a Neff que ha descubierto que su impulsivo novio Nino ha estado visitando a Phyllis a sus espaldas. Neff ve esto como una forma de deshacerse de Phyllis antes de que pueda asesinar a Lola.
Neff conoce a Phyllis y le dice que sabe sobre ella y Nino. Él supone que ella estaba planeando manipular a Nino para que asesinara a Lola y tal vez a él, pero dice que la matará y le echará la culpa a Nino. Phyllis le dispara en el hombro. Él la desafía a disparar de nuevo. Ella no lo hace y él toma el arma. Ella dice que nunca lo amó "hasta hace un minuto, cuando no pude disparar ese segundo tiro". Mientras lo abraza, Neff dice "Adiós, bebé" y dispara dos veces, matándola.
Afuera, Nino llega a la casa; Neff le aconseja que llame a Lola desde el teléfono de la farmacia en lugar de entrar a la casa. Neff conduce hasta su oficina y comienza su confesión en el dictáfono, volviendo al comienzo de la película. Keyes llega desapercibido y escucha la verdad. Neff dice que planea huir a México, pero se derrumba antes de poder salir del edificio. Keyes enciende el cigarrillo de Neff mientras esperan a la policía y una ambulancia.
Sin acreditar
James M. Cain basó su novela en un asesinato perpetrado en 1927 por Ruth Snyder , una mujer casada del distrito neoyorquino de Queens y su amante, Henry Judd Gray, a cuyo juicio pudo haber asistido mientras trabajaba como reportero de intereses humanos para el Mundo de Nueva York. [9] En ese crimen, Snyder persuadió a Gray para que ayudara a matar a su marido Albert después de que ella se confabulara con Leroy Ashfield, un agente de Prudential Insurance, para obtener una póliza de seguro de 45.000 dólares, con una cláusula de doble indemnización y sin el conocimiento de Albert. [a] Los asesinos fueron rápidamente identificados, arrestados y condenados. La fotografía de portada de la ejecución de Snyder en la silla eléctrica en Sing Sing , capturada por el fotógrafo Tom Howard usando una cámara oculta colocada en su tobillo derecho, ha sido considerada la fotografía periodística más famosa de la década de 1920. [11]
Double Indemnity comenzó a circular en Hollywood poco después de su publicación en la revista Liberty en 1936. Cain se había hecho un nombre el año anterior con The Postman Always Rings Twice , una historia de asesinato y pasión entre un trabajador migrante y su infeliz esposa. del dueño de un café. El agente de Cain envió copias de la novela a todos los estudios importantes y, en cuestión de días, MGM , Warner Bros. , Paramount , 20th Century-Fox y Columbia estaban compitiendo para comprar los derechos por 25.000 dólares. Luego llegó una carta de Joseph Breen a la oficina de Hays y los estudios retiraron sus ofertas de inmediato. En él, Breen advirtió:
El tono bajo general y el sabor sórdido de esta historia la hacen, a nuestro juicio, completamente inaceptable para su presentación en pantalla ante audiencias mixtas en el teatro. Estoy seguro de que estarán de acuerdo en que es muy importante... evitar lo que el código llama "el endurecimiento del público", especialmente de aquellos que son jóvenes e impresionables, ante el pensamiento y la realidad del delito. [12]
Ocho años más tarde, la novela se añadió a la colección de obras de Caín titulada Three of a Kind . El ejecutivo de Paramount, Joseph Sistrom, pensó que el material era perfecto para Wilder y el estudio compró los derechos por 15.000 dólares. [13] Paramount volvió a enviar el guión a la oficina de Hays, pero la respuesta fue idéntica a la de ocho años antes. Wilder, el ejecutivo de Paramount William Dozier y Sistrom decidieron seguir adelante de todos modos. Presentaron un tratamiento cinematográfico elaborado por Wilder y su compañero escritor Charles Brackett , [14] y esta vez la Oficina Hays aprobó el proyecto con sólo unas pocas objeciones: la representación de la eliminación del cuerpo, una escena de ejecución propuesta en una cámara de gas, y la escasa toalla que usa la protagonista femenina en su primera escena. [15]
Cain sostuvo que Joseph Breen le debía 10.000 dólares por vetar la propiedad en 1935, cuando habría recibido 25.000 dólares. [dieciséis]
Después de que Paramount comprara los derechos de la novela de Wilder, el siguiente paso fue un guión. En Hollywood se consideraba que la propiedad no se podía filmar debido a sus personajes inicuos y las restricciones impuestas por el Código de producción cinematográfica . Aunque había trabajado en el tratamiento, Charles Brackett decidió que era demasiado sórdido y se retiró del proyecto, dejando que Wilder buscara otro colaborador. La razón por la que Billy Wilder escribió este guión con Raymond Chandler fue porque su compañero habitual de guionismo desde hace mucho tiempo, Charles Brackett, aparentemente se negó a trabajar en este material. [17] Pensó que era inmoral y estaba por debajo de sus talentos y moralidad. [17] Su primera opción, Cain, estaba trabajando para otro estudio y no estaba disponible (aunque Cain afirmó que nunca preguntó). [18] El productor Joseph Sistrom, un ávido lector y admirador de The Big Sleep , sugirió entonces a Raymond Chandler . Chandler era, en ese momento, un alcohólico empedernido. [17] Curiosamente, el trabajo del marido de la Sra. Dietrichson es que es un petrolero, que es lo que había sido Chandler. [17]
Wilder recordó más tarde con decepción su primer encuentro con Chandler. Al imaginarse a un ex detective privado que había plasmado sus propias experiencias en una prosa valiente, conoció a un hombre que más tarde describió como un contador. Chandler era nuevo en Hollywood, pero lo vio como una oportunidad de oro. Sin darse cuenta de que colaboraría con Wilder, exigió 1.000 dólares y dijo que necesitaba al menos una semana para completar el guión, ante lo que Wilder y Sistrom simplemente se miraron asombrados. Para ayudarlo a escribir un guión, Wilder le dio a Chandler una copia de su propio guión para Hold Back the Dawn de 1941 para que lo estudiara. Después del primer fin de semana, Chandler presentó 80 páginas que Wilder caracterizó como "instrucción de cámara inútil"; [19] Wilder rápidamente lo dejó a un lado e informó a Chandler que trabajarían juntos, lenta y meticulosamente. Según todos los indicios, la pareja no se llevó bien durante los cuatro meses que estuvieron juntos. En un momento, Chandler incluso renunció, presentando una larga lista de quejas a Paramount sobre por qué ya no podía trabajar con Wilder. Wilder, sin embargo, aguantó, admirando el don de las palabras de Chandler y sabiendo que su diálogo se traduciría muy bien en la pantalla. [9]
Chandler y Wilder hicieron cambios considerables en la historia de Caín. Por un lado, el final fue revisado. Por otro lado, el personaje de Barton Keyes pasó de ser un compañero de trabajo bastante despistado a convertirse en un mentor enemigo. Edward G. Robinson, en esta película, es lo más parecido a Billy Wilder que Billy Wilder jamás haya puesto en una de sus películas. [17]
El personaje de Barbara Stanwyck lleva peluca. [17] Wilder siempre pensó que era uno de los mayores errores de su carrera. [17] Solo se dio cuenta una o dos semanas después, y no pudo acercarse a ella y decirle de repente que nos quitemos la peluca porque ya habían filmado todo este metraje con ella. [17] La peluca enfatiza el hecho de que no es amor entre Phyllis y Neff, sino lujuria. [17] Tiene esa cualidad de sordidez. [17] Cuando la gente le dijo a Wilder que la peluca parecía falsa, Wilder dijo: "Ese era el punto. Quería hacer eso. Está destinado a mostrar que ella es un personaje falso y que todas sus emociones son fraudulentas". [17]
El diálogo inicial de Fred MacMurray es muy al estilo Chandler. Es como si Fred MacMurray fuera una especie de Marlowe y tuviera el mismo don para las réplicas que asociamos con los detectives duros. [17] Es una versión corrupta de Marlowe. [17]
Inicialmente, Wilder y Chandler tenían la intención de conservar la mayor cantidad posible del diálogo original de Cain. Fue Chandler quien se dio cuenta por primera vez de que el diálogo de la novela no se trasladaba bien a la pantalla. Wilder no estuvo de acuerdo y le molestó que Chandler no incluyera más en el guión. Para resolverlo, Wilder contrató a un par de jugadores contratados del estudio para leer en voz alta pasajes del diálogo original de Cain. Para asombro de Wilder, Chandler tenía razón y, al final, el diálogo cínico y provocativo de la película era más de Chandler y Wilder que de Caín. [20] Chandler también hizo mucho trabajo de campo mientras trabajaba en el guión y tomó grandes volúmenes de notas. Al visitar varios lugares que figuraban en la película, aportó una sensación de realismo sobre Los Ángeles que se filtró en el guión. Por ejemplo, estuvo rondando por Jerry's Market en Melrose Avenue preparándose para la escena en la que Phyllis y Walter se reúnen discretamente para planificar el asesinato. [21]
La tumultuosa relación entre Wilder y Chandler solo mejoró el producto de su colaboración. Wilder, de hecho, creía que la discordia, un tira y afloja, era un ingrediente vital, necesario para una colaboración fructífera: "Si dos personas piensan igual", dijo una vez, "es como dos hombres tirando de un extremo de un cuerda. Si vas a colaborar, necesitas un oponente con quien rebotar las cosas ". [22] Su tirón con Chandler tuvo un lado más suave, al parecer: más de 60 años después del estreno inicial de la película, el escritor de misterio y erudito de Chandler Mark Coggins documentó el hecho de que Chandler había aceptado aparecer en un cameo a los 16 minutos de la película. , levantando la vista de una revista mientras Neff pasa afuera de la oficina de Keyes. Esto es significativo porque, aparte de un fragmento de una película casera, no se conocen otras imágenes de Chandler en ninguna parte. [23]
Cuando Chandler llegó a trabajar con Wilder, era un alcohólico en recuperación. Wilder dijo: "Él estaba en Alcohólicos Anónimos y creo que tuvo momentos difíciles conmigo; lo llevé a volver a beber". [24] Cuando se estrenó la película, Chandler estaba desilusionado con la suerte de los escritores en Hollywood; publicó un enojado artículo titulado "Escritores en Hollywood" para The Atlantic Monthly en noviembre de 1945 en el que se quejaba: "La primera película en la que trabajé fue nominada para un Premio de la Academia (si eso significa algo), pero ni siquiera fui invitado a la revista de prensa se realizó en el estudio." Sin embargo, olvidó mencionar que el estudio le había mantenido asalariado durante las ocho semanas de rodaje y que no se permitían cambios en el guión sin su aprobación, una adaptación muy rara para los guionistas, especialmente los recién llegados, en aquellos días. [25] Ofendido, Wilder respondió diciendo: "¿No lo invitamos? ¿Cómo podríamos? Estaba borracho debajo de la mesa en Lucy's", un abrevadero cercano para los empleados de Paramount. Esta relación con Chandler es lo que atrajo a Wilder a su próxima película, The Lost Weekend , sobre un escritor alcohólico. Wilder hizo la película, en parte, "para explicarse a sí mismo sobre Chandler". [9]
Cain quedó impresionado con la forma en que apareció su libro en la pantalla. Después de ver la imagen media docena de veces, fue citado diciendo: "Es la única imagen que vi hecha de mis libros que tenía cosas en las que desearía haber pensado. El final de Wilder fue mucho mejor que el mío, y su dispositivo por dejar que el tipo contara la historia sacando el dictáfono de la oficina; lo habría hecho si se me hubiera ocurrido". [26]
Billy Wilder siempre negó tres influencias de las que, por supuesto, todo el mundo siempre quiere hablar. [17] Dijo que no tenía idea de qué era el cine negro, porque este estilo no era realmente un estilo todavía. [17] Esta película es mucho más una película que marca tendencias que una película de seguimiento. [17] También negó las cualidades Chandler-esque de esta película. [17] Wilder también negó que la Segunda Guerra Mundial estuviera de alguna manera en sus pensamientos en esta película. [17] En la escena inicial, cuando Fred MacMurray comienza a contar la historia, fecha la narración real de la película en 1938. [17] Esa fue una forma deliberada de evitar toda la cuestión de la guerra que estaba ocurriendo en ese momento. . [17]
El distanciamiento de Wilder y Brackett durante Double Indemnity no fue permanente. Años más tarde, Wilder caracterizó el tiempo que estuvieron separados como simplemente otro tipo de adulterio: "1944 fue 'El año de las infidelidades ' ", dijo. "Charlie produjo The Uninvited ... Yo escribí Double Indemnity con Raymond Chandler... No creo que alguna vez me perdonó. Siempre pensó que lo engañé con Raymond Chandler". Brackett habló de la ruptura desde una perspectiva decididamente diferente, diciendo: "Billy se desanimó tanto al estar sin mí que hicimos The Lost Weekend , una película deprimente sobre un escritor que tiene problemas para escribir". [27] The Lost Weekend fue un vástago distinguido de la sociedad reconciliada: salieron de la noche de los Oscar con tres premios: Mejor Película para el productor Brackett, Mejor Director para Wilder y un par de estatuillas compartidas para ambos por Mejor Guión. Trabajaron juntos durante Sunset Boulevard en 1950 y luego se separaron definitivamente.
El guión de Double Indemnity de Wilder y Chandler se incluyó en el segundo volumen de la obra de Chandler de la Biblioteca de América , Novelas posteriores y otros escritos (1995). Este volumen también incluye la pieza "Escritores en Hollywood" de Chandler antes mencionada.
Que los dos protagonistas se hirieran de muerte fue uno de los factores clave para que la Oficina Hays aprobara el guión: el Código de Producción exigía que los criminales pagaran, en la pantalla, por sus transgresiones. Además, Double Indemnity abrió nuevos caminos cinematográficos en varios frentes, siendo uno de ellos la primera vez que una película de Hollywood exploró explícitamente los medios, los motivos y las oportunidades de cometer un asesinato. [28] Se necesitaron intérpretes hábiles para aportar matices a estos personajes traicioneros, y elegir los papeles de Walter Neff y Phyllis Dietrichson fue un desafío para Wilder.
La primera elección de Sistrom y Wilder para el papel de Phyllis Dietrichson fue Barbara Stanwyck. En ese momento, Stanwyck era la actriz mejor pagada de Hollywood y la mujer mejor pagada de Estados Unidos. [9] (Su eventual coprotagonista, MacMurray, igualó la prominencia de Stanwyck en la ventana de pago: en 1943, era el actor mejor pagado de Hollywood y el cuarto estadounidense mejor pagado). [29] Dada la naturaleza del papel, Stanwyck se mostró reacia a aceptar el papel por temor a que tuviera un efecto adverso en su carrera. Según Stanwyck:
Le dije: "Me encanta el guión y te amo, pero tengo un poco de miedo, después de todos estos años de interpretar heroínas, de convertirme en un asesino absoluto". Y el señor Wilder –y con razón– me miró y me dijo: "Bueno, ¿eres un ratón o una actriz?" Y dije: "Bueno, espero ser actriz". Él dijo: "Entonces haz el papel". Y lo hice y le estoy muy agradecido. [30]
El personaje de Walter Neff no era sólo un matón, era un matón débil y maleable: muchos actores de Hollywood, incluidos Alan Ladd , James Cagney , Spencer Tracy , Gregory Peck y Fredric March , lo ignoraron. [31] Wilder recuerda "raspar el fondo del barril" y acercarse a George Raft . Raft era analfabeto, por lo que Wilder tuvo que contarle la trama. Aproximadamente a la mitad, Raft lo interrumpió con "Vayamos a la parte de la solapa". "¿Qué trozo de solapa?" respondió un desconcertado Wilder. "La solapa", dijo el actor, molesto por tanta estupidez. "Sabes, cuando el tipo muestra su solapa, ves su placa, sabes que es un detective". Esta era su visión de la película y, como no formaba parte de la historia, Raft rechazó el papel. [32] (Este fue el último de una serie de papeles rechazados por Raft en películas que resultaron ser clásicas). [33]
Wilder finalmente se dio cuenta de que el papel debía ser interpretado por alguien que no sólo pudiera ser un cínico, sino también un buen tipo. [31]
Fred MacMurray estaba acostumbrado a interpretar a "chicos buenos y despreocupados" en comedias ligeras, y cuando Wilder se le acercó por primera vez para hablarle del papel, MacMurray le dijo: "¡Estás cometiendo el error de tu vida!". Para desempeñar un papel serio se necesitaba actuar, dijo, "y no puedo hacerlo". [34] Pero Wilder lo molestaba con eso todos los días – en casa, en la comisaría del estudio, en su camerino, en la acera – hasta que simplemente agotó al actor. MacMurray se sintió seguro de su aquiescencia porque Paramount, que lo tenía bajo contrato y había elaborado cuidadosamente su imagen de buen chico, nunca le permitiría desempeñar un papel "incorrecto". [35] Su confianza, sin embargo, estaba fuera de lugar: su contrato estaba por renovarse en ese momento, y debido a que su amiga y coprotagonista Carole Lombard le había enseñado astutamente y con éxito cómo jugar duro con los jefes del estudio, él no era el flexible y presa fácil de antaño. Los ejecutivos de Paramount decidieron dejarle desempeñar el papel desagradable para darle una lección. De hecho, se enseñó una lección, pero no la que Paramount tenía en mente. [36] MacMurray hizo un gran tacón y su actuación demostró nuevas amplitudes de su talento como actor. "Nunca soñé que sería la mejor película que jamás haya hecho", dijo. [37]
Edward G. Robinson se mostró reacio a aceptar el papel de Barton Keyes, pero no por las mismas razones que MacMurray y Stanwyck. Habiendo sido una estrella desde Little Caesar en 1930, este papel representó un paso hacia el tercer protagonista. Robinson admitió más tarde: "A mi edad, era hora de empezar a pensar en los roles de los personajes, de deslizarme hacia la mediana y la vejez con la misma gracia que ese maravilloso actor Lewis Stone ". También ayudó, como admitió abiertamente, que cobraba el mismo salario que los dos protagonistas por menos días de rodaje. [30]
El final original de la novela de Caín pedía que los personajes se suicidaran dos veces. Sin embargo, el suicidio estaba estrictamente prohibido en ese momento por el Código de Producción como una forma de resolver una trama, por lo que Wilder escribió y filmó un final diferente en el que Neff va a la cámara de gas mientras Keyes mira. Esta escena se rodó antes de las escenas que eventualmente se convirtieron en el final familiar de la película, y una vez que ese último intercambio íntimo entre Neff y Keyes reveló su poder a Wilder, comenzó a preguntarse si el final de la cámara de gas era necesario. "No podría haber una escena más significativa entre dos hombres", dijo Wilder. [38] Más tarde contó: "La historia fue entre los dos chicos. Yo lo sabía, aunque ya había filmado la escena de la cámara de gas... Así que simplemente sacamos la escena en la cámara de gas". [39] [38] La eliminación de la escena, a pesar de la objeción de Chandler, [37] eliminó la mayor objeción restante del jefe de Production Code, Joseph Breen , a la imagen, que la consideraba "excesivamente espantosa" y predijo que nunca sería aprobada por Juntas de censura locales y regionales. [40] El metraje y los elementos sonoros se perdieron, pero todavía existen imágenes fijas de producción de la escena. [41]
El aspecto de la película se logró gracias al trabajo del director de fotografía John F. Seitz . En ese momento, Seitz era el principal director de fotografía de Paramount; su trabajo se remonta a la era del cine mudo. Wilder había trabajado con Seitz en su película anterior, Five Graves to Cairo , por la que Seitz fue nominado a un Premio de la Academia, y Wilder elogió la voluntad de Seitz de experimentar y fracasar. [42] Aquí Wilder aprovecha sus raíces berlinesas de la década de 1920, y él y Seitz le dan a la película una apariencia que recuerda sutilmente al expresionismo alemán , con un despliegue dramático de luces y sombras. [43] "Estaba listo para cualquier cosa", dijo Wilder. "A veces los juncos estaban tan oscuros que no se podía ver nada. Él llegó al límite de lo que se podía hacer". [44] Contrastaron los brillantes y soleados exteriores del sur de California, filmados en exteriores, con interiores oscuros, sombríos y podridos filmados en escenarios de sonido para darle al público una idea de lo que se esconde justo debajo de la fachada y de quién es capaz de asesinar. [9] El contraste se acentuó, en palabras de Wilder, al "ensuciar" los decorados. Una vez que el set estuvo listo para el rodaje, Wilder dio la vuelta y volcó algunos ceniceros para darle a la casa un aspecto apropiadamente sucio. Wilder y Seitz también lanzaron partículas de aluminio al aire de modo que, mientras flotaban, parecían polvo. [45]
Otra técnica que utilizó Seitz fue la iluminación con " persianas venecianas ", que casi da la ilusión de rejas de prisión atrapando a los personajes. Barbara Stanwyck reflexionó más tarde: "para ser una actriz, déjame decirte la forma en que estaban iluminados esos decorados, la casa, el apartamento de Walter, esas sombras oscuras, esos rayos de luz intensa en ángulos extraños, todo eso ayudó a mi actuación. La forma en que Billy puso en escena "Y John Seitz lo encendió, fue todo un ambiente sensacional". [46]
Para la oficina de Neff en Pacific All Risk, Wilder y el escenógrafo Hal Pereira conspiraron para crear una pequeña broma interna, típica de Billy Wilder. En las escenas iniciales, cuando Walter Neff sale del ascensor camino a su oficina para registrar su confesión, la enorme oficina de dos niveles está vacía y oscura. Con la cámara siguiéndolo, Neff se tambalea hacia la barandilla del balcón que domina filas y filas de escritorios corporativos uniformes. Neff gira a la izquierda, pero la cámara continúa avanzando hasta llegar al borde y mira fijamente durante un momento de ansiedad hacia un incoloro purgatorio empresarial estadounidense. Aquí, se dice que Pereira copió una oficina existente: la sede corporativa de Paramount Pictures en la ciudad de Nueva York. [47] [b]
Wilder vistió a Stanwyck con la peluca rubia "para complementar su tobillera... y hacerla lucir lo más sórdida posible". [30] Esta peluca ha sido citada por algunos como el mayor defecto de la imagen, alegando que parece demasiado "falsa". [9] Según Wilder, esto era exactamente lo que buscaba cuando eligió la peluca, queriendo proyectar "la falsedad de la chica - Mal gusto, peluca falsa", con un perfume barato a juego. [49] Sin estar convencido, se escuchó al jefe de producción de Paramount, Buddy DeSylva , decir: "Contratamos a Barbara Stanwyck, y aquí tenemos a George Washington". [30]
Edith Head diseñó el vestuario de Barbara Stanwyck. [50] Edith Head tenía que estar familiarizada con el guión de Double Indemnity ya que necesitaba diseñar vestuario que encajara con el tema general y la trama de la película. [51] Cada traje que usa Barabara Stanwyck en Double Indemnity es para la escena particular en la que aparece. [52] Edith Head era una diseñadora de vestuario muy conocida durante este tiempo, ya que había ganado ocho premios de la Academia por su trabajo. [53] Los diseños de Edith Head se centran en blusas, mangas anchas y cintura. [54] Las hombreras eran el estilo de la década de 1940, pero también cumplían otro papel al acentuar el poder de la mujer fatal. [54] Los trajes de Barbara Stanwyck son habituales en su época, ya que incluyen pantalones y vestidos. [54] Se supone que sus atuendos imitan los de las mujeres en el lugar de trabajo durante la década de 1940. [54] Un ejemplo de ello es el vestido de Barbara Stanwyck, que se vio en muchas películas durante esta época. [55] Sin embargo, su vestido se combina con pantalones, lo que se supone que representa empoderamiento. [56] Los diseñadores de vestuario durante la década de 1940 tenían que tener cuidado al diseñar el vestuario de los personajes, especialmente en las películas negras. [56] Los negros usaban iluminación en blanco y negro, por lo que el vestuario de Barbara Stanwyck debe seguir este tono. [56] El guardarropa de Stanwyck, que consiste en ropa blanca y negra, es característico de los personajes de mujeres fatales. [56] Sin embargo, su ropa también sirve para dar una idea de su carácter. [57] Artículos como sus joyas, peluca y tobillera están destinados a representarla como de clase baja. [57]
El vestido de Barbara Stanwyck es otra prenda importante del vestuario a la que hay que prestar atención. [58] Está inspirado en un vestido popular de los años 30. [58]
La producción no estuvo exenta de accidentes afortunados: la compañía acababa de terminar de filmar el segmento final de la secuencia donde Phyllis y Walter se escapan después de arrojar el cuerpo de su víctima a las vías. El equipo estaba haciendo una pausa para almorzar antes de llegar al set. En el guión, la pareja se sube a su coche y simplemente se marcha. Pero cuando Wilder se subió a su propio auto para irse, este no arrancó. Inspirado, volvió corriendo y ordenó a la tripulación que regresara. Wilder volvió a filmar la escena, solo que esta vez cuando Phyllis enciende el auto, el motor se cala y no gira. Lo intenta varias veces más, pero el auto no arranca y los dos se miran con creciente pánico. Walter desesperadamente se acerca, gira la llave y acelera el motor, finalmente arranca el auto. Sólo entonces se alejan rápidamente de la escena del crimen. El resultado fue una de las escenas de más suspenso de la película, pero no estaba en el guión original. [59] MacMurray se sorprendió cuando lo vio por primera vez en pantalla: "Cuando... giré la llave, recuerdo que lo estaba haciendo rápido y Billy seguía diciendo 'Hazlo más largo, hazlo más largo', y finalmente grité 'Por el amor de Dios'. Billy, no aguantará tanto', y dijo: 'Hazlo más largo', y tenía razón". [60]
Wilder logró que toda la producción estuviera por debajo del presupuesto de 927.262 dólares, a pesar de 370.000 dólares en salarios para sólo cuatro personas (100.000 dólares cada uno para MacMurray, Stanwyck y Robinson, y 70.000 dólares (44.000 dólares para escribir y 26.000 dólares para dirigir) para él mismo). [61]
La música de Double Indemnity fue compuesta por Miklós Rózsa , cuyo trabajo en la película anterior de Wilder Five Graves to Cairo había sido su primer compromiso real en Hollywood con un estudio importante. Wilder elogió ese trabajo y prometió utilizar a Rózsa en su próxima película. Wilder tuvo la idea de utilizar un trémolo de cuerdas inquietas (como en la apertura de la Sinfonía inacabada de Franz Schubert ) para reflejar las actividades conspirativas de Walter y Phyllis contra su marido, lo que Rózsa consideró bueno (y la sinfonía en realidad se usa con un efecto muy melodramático en la escena con Lola y Walter en la colina sobre el Hollywood Bowl, 1:23–1:26). A medida que avanzaba el trabajo, el entusiasmo de Wilder por la partitura de Rózsa no hizo más que crecer, pero el director musical del estudio, Louis Lipstone, tenía una opinión diferente; Él y Wilder se enfrentaron previamente por algunos cortes de postproducción que había hecho a la partitura de Five Graves que crearon problemas con la continuidad y la lógica de la música. Ahora los dos estaban enfrentados nuevamente. [62] [63]
Cuando llegó el momento de grabar la partitura de Double Indemnity , Lipstone no ocultó que despreciaba lo que había hecho Rózsa, a lo que Wilder finalmente se volvió hacia él y le espetó: "Te sorprenderá saber que me encanta. ¿De acuerdo?" Lipstone luego desapareció y no fue visto nuevamente en las sesiones. Más tarde llamó a Rózsa a su oficina y lo reprendió por escribir "música del Carnegie Hall" que no tenía cabida en una película. Rózsa tomó esto como un cumplido, pero Lipstone le aseguró que no lo era y le sugirió que escuchara la música de Madame Curie para aprender a escribir una banda sonora cinematográfica adecuada. Cuando Rózsa señaló que Double Indemnity era una historia de amor, Lipstone sugirió que su música era más apropiada para La batalla de Rusia . [62] [64] Lipstone estaba convencido de que tan pronto como el director artístico del estudio, Buddy DeSylva, escuchara la música, la tiraría. Poco después, en una proyección, DeSylva lo llamó; Esperando que rodaran cabezas, Lipstone se reunió con entusiasmo con su jefe, solo para que DeSylva elogiara la música, diciendo que era exactamente la partitura disonante y contundente que necesitaba la película. La única crítica del jefe: no había suficiente. En ese momento, Lipstone tenía un brazo alrededor de DeSylva y le preguntaba empalagosamente: "Siempre encuentro que eres la persona adecuada para el trabajo, Buddy, ¿no?". [sesenta y cinco]
La música fue nominada a un Premio de la Academia y el éxito le valió a Rózsa ofertas para hacer tantas películas como tuviera tiempo. [sesenta y cinco]
Los exteriores de la casa Dietrichson en la película se filmaron en una casa del Renacimiento colonial español de 3200 pies cuadrados (300 m 2 ) construida en 1927. La casa todavía se puede ver hoy; está ubicado en 6301 Quebec Drive [49] en la vecindad de Beachwood Canyon de Los Ángeles. El equipo de producción copió el interior de la casa, incluida la escalera de caracol, casi exactamente en un estudio de sonido de Paramount. [66]
Durante años, se creyó que el exterior de la estación de tren en la película era el depósito de ferrocarril Southern Pacific Railroad Style Mission Revival en Glendale, California, construido en 1923, pero la escena se filmó en la estación de ferrocarril Southern Pacific, ubicada en 201 N. Front. Street, Burbank, con un cartel que decía Glendale. Esa estación ya no existe; la estación Burbank Metrolink ahora se encuentra en el sitio. Sin embargo, la estación de Glendale permanece y ahora puede verse como parte del Centro de transporte de Glendale . Fue agregado al Registro Nacional de Lugares Históricos el 2 de mayo de 1997. [67]
Otros lugares de Los Ángeles utilizados en la película fueron un edificio de apartamentos en 1825 N. Kingsley Drive en Hollywood donde vivía Walter Neff y el edificio en la esquina suroeste de Hollywood Blvd. y occidental . Ese edificio sigue en pie, pero la farmacia Newman originalmente en la planta baja ya no está allí. [68]
El primer compromiso teatral de Double Indemnity fue en Keith's en Baltimore, el 3 de julio de 1944. [69] La película se estrenó en todo el país el 6 de julio de 1944, [70] y fue un éxito inmediato entre el público, a pesar de una campaña del cantante. Kate Smith implora al público que se mantenga alejado por motivos morales. [71] James M. Cain recordó que "hubo un pequeño problema causado por esta chica gorda, Kate Smith, que llevó a cabo una propaganda pidiendo a la gente que se mantuviera alejada de la imagen. Su anuncio probablemente generó un millón de dólares en ganancias". [72]
En aquella época no era raro que los estudios publicaran anuncios en revistas especializadas promocionando las virtudes de sus propias películas. David O. Selznick , que no es ajeno al engrandecimiento personal, frecuentemente buscaba darle un brillo cultural a sus fotografías con anuncios de "libros comerciales". Justo en el momento en que se estrenó Double Indemnity , Since You Went Away de Selznick estaba disfrutando de cierto éxito de taquilla. En sus anuncios, Selznick citó a varios dignatarios que afirmaban que era la mejor película que habían visto jamás, que cumplía un propósito tan noble, cómo elevaba a la humanidad a nuevos niveles; ningún tópico elevado era demasiado elevado para invocarlo. De hecho, afirmaba el anuncio, las palabras Desde que te fuiste se habían convertido en "las cuatro palabras más importantes pronunciadas en la historia del cine desde Lo que el viento se llevó ". [73] Wilder despreciaba tales tácticas, por lo que colocó su propio anuncio: Doble indemnización , afirmaba, eran las dos palabras más importantes pronunciadas en la historia del cine desde Broken Blossoms . A Selznick no le hizo gracia y amenazó con dejar de hacer publicidad en cualquiera de los sectores si continuaban publicando los anuncios de Wilder. [71]
Las críticas de los críticos fueron en gran medida positivas, aunque el contenido de la historia hizo que algunos se sintieran incómodos. Si bien algunos críticos encontraron la historia inverosímil e inquietante, otros la elogiaron como un thriller original. En su crítica mixta de la película en The New York Times , el crítico de cine Bosley Crowther calificó la imagen como "constantemente divertida, a pesar de su ritmo y duración monótonos". Se quejó de que los dos personajes principales "carecen del atractivo para hacer que su destino tenga consecuencias emocionales", pero también sintió que la película poseía un "realismo que recuerda el mordisco de películas francesas pasadas". [74]
Howard Barnes, del New York Herald Tribune , se mostró mucho más entusiasta y calificó a Double Indemnity como "una de las películas más vitales y fascinantes del año" y elogió la "magnífica dirección y el fantástico guión" de Wilder. El periódico especializado Variety escribió que la película "establece un nuevo estándar para el tratamiento cinematográfico en su categoría". [74]
La locutora de radio y columnista del periódico Hearst, Louella Parsons, dijo: " Double Indemnity es la mejor película de su tipo jamás realizada, y hago esa afirmación llana sin temor a sufrir una indigestión más tarde al comerme mis palabras". [8]
El Brooklyn Eagle fue muy elogioso: "Además de MacMurray, que se presenta como un actor dramático de primer nivel en un papel que es nuevo para él, y Miss Stanwyck, que nunca ha ofrecido una interpretación más sorprendente, 'Double Indemnity' tiene una tercera estrella destacada, Edward G. Robinson, en su mejor papel en muchas películas....Por cierto, no hay necesidad de advertir a los adolescentes que no vayan a ver esta, no se la perderían en ningún caso, y además, 'Double Indemnity' deja muy claro que el asesinato no paga, y ciertamente la compañía de seguros no lo hace, sin una investigación minuciosa". [75]
Philip K. Scheur, el crítico de cine de Los Angeles Times , la clasificó junto con The Human Comedy , The Maltese Falcon y Citizen Kane como pioneras de Hollywood, y Alfred Hitchcock le escribió a Wilder diciéndole que "Desde Doble indemnización , las dos palabras más importantes en movimiento Las imágenes son 'Billy' y 'Wilder ' ". [8]
La reputación crítica de la película no ha hecho más que crecer con los años. En 1977, Leslie Halliwell le otorgó una calificación de 4 estrellas (máxima) y escribió: "Brillantemente filmada y escrita de manera incisiva, capturando perfectamente la decadente atmósfera de Los Ángeles de una novela de Chandler, pero usando una historia más simple y personajes más sustanciales". [76] En una reseña de 1998 de su serie "Great Films", el crítico de cine Roger Ebert pensó que el romance entre MacMurray y Stanwyck mostraba "poca profundidad psicológica", mientras que MacMurray y Robinson mostraban la "emoción genuina" de una relación sustituta entre padre e hijo. que representaba el corazón de la película. Ebert elogió al director Wilder y al director de fotografía Seitz. Escribió: "La fotografía de John F. Seitz ayudó a desarrollar el estilo noir de sombras y tomas nítidas, ángulos extraños y escenarios solitarios de Edward Hopper ". [77]
Rob Fraser de Empire calificó la película como "El cine negro en su máxima expresión, un modelo del género, etc. Billy Wilder en pleno apogeo, el mejor momento de Barbara Stanwyck y Fred MacMurray es un gran tonto". [78]
En el agregador de reseñas Rotten Tomatoes , la película tiene un índice de aprobación del 97% con una calificación promedio de 9.1/10, basada en 105 reseñas. [79] En Metacritic , la película tiene una puntuación promedio ponderada de 95 sobre 100 basada en 18 críticos, lo que indica "aclamación universal". [80]
En la 17ª edición de los Premios de la Academia , el 15 de marzo de 1945, Double Indemnity fue nominada a siete premios Oscar, pero no ganó ninguno. [81]
Filmada y estrenada durante los días oscuros de la Segunda Guerra Mundial , la película no fue popular entre la Academia. Wilder fue a la ceremonia de premios esperando ganar, a pesar de que el estudio había estado respaldando su otro gran éxito del año, Going My Way de Leo McCarey , y se esperaba que los empleados del estudio votaran por el favorito del estudio. A medida que avanzaba la entrega de premios y Double Indemnity perdía categoría tras categoría, se hizo evidente que Going My Way arrasaría. McCarey sonrió mientras su película ganaba premio tras premio, y cuando fue nombrado Mejor Director, Wilder ya no pudo soportarlo. Cuando McCarey subió al escenario para aceptar el premio a la mejor película, Wilder, sentado en el pasillo, sacó el pie y lo hizo tropezar. "El señor McCarey... tropezó perceptiblemente", recordó alegremente. [82] Después de la ceremonia, mientras él y su esposa Judith esperaban que llegara su limusina, gritó tan fuerte que todos pudieron oírlo: "¿Qué diablos significa el Premio de la Academia, por el amor de Dios? Después de todo, Luise Rainer ganó ". dos veces. ¡Luise Rainer! [83]
American Film Institute incluyó la película en estas listas:
En 1998, la película ocupó el puesto 43 en la encuesta de la revista Time Out sobre las 100 mejores películas de todos los tiempos. [84] En 1999 , Entertainment Weekly la votó en el puesto 50 de su lista de las 100 mejores películas de todos los tiempos . [85] En enero de 2002, la película fue votada en el puesto 29 en la lista de las "100 mejores películas esenciales de todos los tiempos" por la Sociedad Nacional de Críticos de Cine . [86] [87] La película fue incluida en la lista de las 100 mejores películas de todos los tiempos de Time en 2005. [88] El Writers Guild of America clasificó el guión de la película como el 26º mejor de todos los tiempos. [89] En 2015, Double Indemnity ocupó el puesto 35 en la lista de las "100 mejores películas estadounidenses" de la BBC , votada por críticos de cine de todo el mundo. [90]
Double Indemnity es un ejemplo importante de un género de películas llamado cine negro . Según Robert Sklar , ex presidente del Departamento de Estudios Cinematográficos de la Escuela de Artes Tisch de la Universidad de Nueva York , el cine negro clásico está marcado por elementos temáticos importantes: una trama sobre un crimen contado desde el punto de vista del criminal; exploración de temas psicosexuales; y un encuadre visualmente "oscuro y claustrofóbico, con iluminación clave de fuentes dentro de la puesta en escena que proyecta fuertes sombras que ocultan y proyectan los sentimientos de los personajes". [91]
Double Indemnity ha sido comparada con otro aclamado cine negro de Wilder: Sunset Boulevard (1950). La estructura narrativa en ambas películas comienza y termina en el presente, pero el grueso de la trama se cuenta en flashbacks narrados por sus protagonistas. Sklar explica: "[L]a yuxtaposición inusual de temporalidades le da al espectador una premonición de lo que ocurrirá/ha ocurrido en la historia del flashback... Además de Double Indemnity y Detour , la voz en off es un aspecto clave de Mildred Pierce , Gilda , La dama de Shanghai y Fuera del pasado ... así como muchos otros." [92] La crítica y escritora Wendy Lesser señala que el narrador de Sunset Boulevard está muerto antes de comenzar a narrar, pero en Double Indemnity , "la voz en off tiene un significado diferente. No es la voz de un hombre muerto... es... la voz de un hombre ya condenado." [93]
Irónicamente, Wilder afirmó:
Nunca escuché esa expresión cine negro cuando hice Double Indemnity ... Simplemente hice películas que me hubiera gustado ver. Cuando tuve suerte, coincidió con el gusto del público. Con Doble Indemnización tuve suerte. [94]
Double Indemnity fue adaptada como obra de radio en dos transmisiones de The Screen Guild Theatre , primero el 5 de marzo de 1945, con Fred MacMurray y Barbara Stanwyck, luego cinco años después, el 16 de febrero de 1950, con Stanwyck y Robert Taylor . [95] Se adaptó a la transmisión del 15 de octubre de 1948 del Ford Theatre con Burt Lancaster y Joan Bennett [96] y a la transmisión del 30 de octubre de 1950 del Lux Radio Theatre con MacMurray y Stanwyck. [97]
Otras películas inspiradas en el asesinato de Snyder-Gray incluyen The Postman Always Rings Twice (también basada en una novela de Cain) y Body Heat (1981). Tanto Postman como Double Indemnity fueron rehechos: Double Indemnity como película para televisión en 1973 protagonizada por Richard Crenna (quien también protagonizó Body Heat ), Lee J. Cobb y Samantha Eggar ; [98] y se incluye en un disco extra en el lanzamiento en DVD estadounidense de la película original. [99] El remake de Postman Rings fue un estreno teatral de 1981 dirigido por Bob Rafelson y protagonizado por Jack Nicholson y Jessica Lange. Una película india, Jism (2003), se inspiró en la película.
Double Indemnity es una de las películas parodiadas en la película Fatal Instinct de 1993 ; La esposa del héroe conspira para que le disparen en un tren en movimiento y lo caiga a un lago para poder cobrar su seguro, que tiene una cláusula de "triple indemnización". Carol Burnett parodió la película como "Double Calamity" en su programa de televisión.
Tras el éxito de Double Indemnity , los imitadores del argumento de la película proliferaron. En 1945, Producers Releasing Corporation , uno de los estudios de cine B de Poverty Row de Hollywood , filmó una película titulada Single Indemnity , protagonizada por Ann Savage y Hugh Beaumont . Lanzada como Apology for Murder , Paramount no se dejó engañar por el cambio de título y rápidamente obtuvo una orden judicial contra el estreno de la película que aún sigue vigente. [100]
Tantas imitaciones inundaron el mercado que Caín creyó que merecía crédito y remuneración. En cambio, lideró un movimiento dentro del Screen Writers Guild para crear la American Author's Authority, un sindicato que poseía las obras de sus miembros, negociaba mejores acuerdos subsidiarios y protegía contra la infracción de derechos de autor en nombre de sus miembros. Sin embargo, esto fue durante el peor momento del Terror Rojo en Hollywood y los miembros del Gremio rechazaron la noción socialista. [101]
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