John William Coltrane (23 de septiembre de 1926 – 17 de julio de 1967) fue un saxofonista, director de orquesta y compositor de jazz estadounidense . Es una de las figuras más influyentes y aclamadas de la historia del jazz y de la música del siglo XX.
Nacido y criado en Carolina del Norte , Coltrane se mudó a Filadelfia después de graduarse de la escuela secundaria, donde estudió música. Trabajando en los estilos bebop y hard bop al principio de su carrera, Coltrane ayudó a ser pionero en el uso de modos y fue uno de los músicos a la vanguardia del free jazz . Dirigió al menos cincuenta sesiones de grabación y apareció en muchos álbumes de otros músicos, incluido el trompetista Miles Davis y el pianista Thelonious Monk . A lo largo de su carrera, la música de Coltrane adquirió una dimensión cada vez más espiritual, como se ejemplifica en su álbum más aclamado A Love Supreme (1965) y otros. [1] Décadas después de su muerte, Coltrane sigue siendo influyente y ha recibido numerosos premios póstumos, incluido un Premio Pulitzer especial , y fue canonizado por la Iglesia Ortodoxa Africana . [2]
Su segunda esposa fue la pianista y arpista Alice Coltrane . La pareja tuvo tres hijos: John Jr. [3] (1964-1982), bajista; Ravi (nacido en 1965), saxofonista; y Oran (nacido en 1967), saxofonista, guitarrista, baterista y cantante. [4] [5] [6]
Coltrane nació en el apartamento de sus padres en 200 Hamlet Avenue en Hamlet, Carolina del Norte , el 23 de septiembre de 1926. [7] Su padre era John R. Coltrane [8] y su madre era Alice Blair. [9] Creció en High Point, Carolina del Norte , y asistió a la William Penn High School . Mientras estaba en la escuela secundaria, Coltrane tocó el clarinete y la trompa alto en una banda comunitaria [10] antes de cambiar al saxofón, después de ser influenciado por personas como Lester Young y Johnny Hodges . [11] [12] A partir de diciembre de 1938, su padre, su tía y sus abuelos murieron con unos meses de diferencia, dejándolo para que lo criaran su madre y un primo cercano. [13] En junio de 1943, poco después de graduarse de la escuela secundaria, Coltrane y su familia se mudaron a Filadelfia, donde consiguió un trabajo en una refinería de azúcar . En septiembre de ese año, cuando cumplía 17 años, su madre le compró su primer saxofón, un alto. [9] De 1944 a 1945, Coltrane tomó lecciones de saxofón en la Escuela de Música Ornstein con Mike Guerra. [14] Entre principios y mediados de 1945, tuvo su primer trabajo profesional como músico: un "trío de salón de cócteles" con piano y guitarra . [15]
Un momento importante en la evolución musical de Coltrane se produjo el 5 de junio de 1945, cuando vio actuar a Charlie Parker por primera vez. En un artículo de la revista DownBeat de 1960, recordaba: "la primera vez que escuché tocar a Bird, me impactó de lleno".
Para evitar ser reclutado por el Ejército, Coltrane se alistó en la Marina el 6 de agosto de 1945, el día en que se lanzó la primera bomba atómica estadounidense sobre Japón. [16] Fue entrenado como aprendiz de marinero en la Estación de Entrenamiento Naval de Sampson en el norte del estado de Nueva York antes de ser enviado a Pearl Harbor, [16] donde fue destinado al Cuartel Manana, [17] el mayor destino de militares afroamericanos en el mundo. [18] Cuando llegó a Hawái a fines de 1945, la Marina estaba reduciendo su personal. El talento musical de Coltrane fue reconocido y se convirtió en uno de los pocos hombres de la Marina en servir como músico sin haber recibido la calificación de músico cuando se unió a los Melody Masters, la banda de swing de base. [16] Debido a que los Melody Masters eran una banda completamente blanca, Coltrane fue tratado como un artista invitado para evitar alertar a los oficiales superiores de su participación en la banda. [19] Continuó realizando otras tareas cuando no tocaba con la banda, incluyendo la cocina y los detalles de seguridad. Al final de su servicio, había asumido un papel de liderazgo en la banda. Sus primeras grabaciones, una sesión informal en Hawái con músicos de la Marina, ocurrieron el 13 de julio de 1946. [20] Tocó el saxofón alto en una selección de estándares de jazz y melodías de bebop. [21] Fue dado de baja oficialmente de la Marina el 8 de agosto de 1946. Fue galardonado con la Medalla de la Campaña Estadounidense , la Medalla de la Campaña de Asia y el Pacífico y la Medalla de la Victoria de la Segunda Guerra Mundial .
Después de ser dado de baja de la Marina como marinero de primera clase en agosto de 1946, Coltrane regresó a Filadelfia, donde la bulliciosa escena de jazz de la ciudad le ofreció muchas oportunidades tanto para aprender como para tocar. [22] Coltrane utilizó el GI Bill para inscribirse en la Granoff School of Music , donde estudió teoría musical con el guitarrista y compositor de jazz Dennis Sandole . [23] Coltrane continuaría bajo la tutela de Sandole desde 1946 hasta principios de la década de 1950. [24] Coltrane también tomó lecciones de saxofón con Matthew Rastelli, un profesor de saxofón en Granoff una vez a la semana durante unos dos o tres años, pero las lecciones se detuvieron cuando se agotaron los fondos del GI Bill de Coltrane. [25] Después de una gira con King Kolax , se unió a una banda liderada por Jimmy Heath , quien fue presentado a la forma de tocar de Coltrane por su ex compañero de la Marina, el trompetista William Massey, que había tocado con Coltrane en Melody Masters. [26] Aunque comenzó tocando el saxofón alto, comenzó a tocar el saxofón tenor en 1947 con Eddie Vinson . [27]
Coltrane dijo que este fue un momento en el que "se abrió para mí un área más amplia de escucha. Había muchas cosas que personas como Hawk [Coleman Hawkins] , Ben [Webster] y Tab Smith estaban haciendo en los años 40 que yo no entendía, pero que sentía emocionalmente". [28] Una influencia significativa, según el saxofonista tenor Odean Pope , fue el pianista, compositor y teórico de Filadelfia Hasaan Ibn Ali . "Hasaan fue la clave para... el sistema que usa Trane. Hasaan fue la gran influencia en el concepto melódico de Trane". [29] Coltrane se volvió fanático de practicar y desarrollar su oficio, practicando "25 horas al día" según Jimmy Heath . Heath recuerda un incidente en un hotel de San Francisco cuando, después de que se emitiera una queja, Coltrane se sacó el instrumento de la boca y practicó la digitación durante una hora completa. [30] Tal era su dedicación; Era común que se quedara dormido con el instrumento todavía en la boca o que practicara una sola nota durante horas y horas. [31]
Charlie Parker, a quien Coltrane había escuchado tocar por primera vez antes de su tiempo en la Marina, se convirtió en un ídolo, y él y Coltrane tocarían juntos ocasionalmente a fines de la década de 1940. Fue miembro de grupos liderados por Dizzy Gillespie , Earl Bostic y Johnny Hodges a principios y mediados de la década de 1950.
En 1955, Coltrane trabajaba como freelance en Filadelfia mientras estudiaba con Sandole cuando recibió una llamada del trompetista Miles Davis . Davis había tenido éxito en la década de 1940, pero su reputación y su trabajo se habían visto dañados en parte por la adicción a la heroína; estaba de nuevo activo y a punto de formar un quinteto. Coltrane estuvo con esta edición de la banda de Davis (conocida como el "First Great Quintet" —junto con Red Garland al piano, Paul Chambers al bajo y Philly Joe Jones a la batería) desde octubre de 1955 hasta abril de 1957 (con algunas ausencias). Durante este período, Davis publicó varias grabaciones influyentes que revelaron los primeros signos de la creciente capacidad de Coltrane. Este quinteto, representado por dos sesiones de grabación maratónicas para Prestige en 1956, dio como resultado los álbumes Cookin' , Relaxin' , Workin' y Steamin' . El "First Great Quintet" se disolvió debido en parte a la adicción a la heroína de Coltrane. [32]
Durante la última parte de 1957, Coltrane trabajó con Thelonious Monk en el Five Spot Café de Nueva York y tocó en el cuarteto de Monk (julio-diciembre de 1957), pero, debido a conflictos contractuales, participó solo en una sesión de grabación oficial en estudio con este grupo. Coltrane grabó muchas sesiones para Prestige bajo su propio nombre en esta época, pero Monk se negó a grabar para su antiguo sello. [33] Una grabación privada hecha por Juanita Naima Coltrane de una reunión del grupo en 1958 fue publicada por Blue Note Records como Live at the Five Spot—Discovery! en 1993. Una cinta de alta calidad de un concierto dado por este cuarteto en noviembre de 1957 fue encontrada más tarde, y fue lanzada por Blue Note en 2005. Grabado por Voice of America , las actuaciones confirman la reputación del grupo, y el álbum resultante, Thelonious Monk Quartet with John Coltrane at Carnegie Hall , tiene una calificación muy alta.
Blue Train , el único álbum de Coltrane como líder de Blue Note, en el que aparecen el trompetista Lee Morgan , el bajista Paul Chambers y el trombonista Curtis Fuller , se considera a menudo su mejor álbum de este período. Cuatro de sus cinco temas son composiciones originales de Coltrane, y el tema principal, « Moment's Notice », y « Lazy Bird », se han convertido en clásicos.
Coltrane se reincorporó a Davis en diciembre de 1957 después de dejar su adicción a la heroína. [34] En octubre de ese año, el crítico de jazz Ira Gitler acuñó el término " láminas de sonido " [35] para describir el estilo que Coltrane desarrolló con Monk y que estaba perfeccionando en el grupo de Davis, ahora un sexteto. Su forma de tocar era comprimida, con rápidas secuencias en cascada de muchas notas por minuto. Coltrane recordó: "Descubrí que había una cierta cantidad de progresiones de acordes para tocar en un tiempo determinado, y a veces lo que tocaba no funcionaba en corcheas, semicorcheas o tresillos. Tuve que poner las notas en grupos desiguales como cincos y sietes para poder meterlas todas". [36]
Coltrane permaneció con Davis hasta abril de 1960, trabajando con el saxofonista alto Cannonball Adderley ; los pianistas Red Garland , Bill Evans y Wynton Kelly ; el bajista Paul Chambers ; y los bateristas Philly Joe Jones y Jimmy Cobb . Durante este tiempo participó en las sesiones de Davis Milestones y Kind of Blue , y en las grabaciones de los conciertos Miles & Monk at Newport (1963) y Jazz at the Plaza (1958) .
Al final de este período, Coltrane grabó Giant Steps (1960), su primer álbum publicado como líder de Atlantic que contenía solo sus composiciones. [37] La canción que da título al álbum generalmente se considera que tiene una de las progresiones de acordes más difíciles de cualquier composición de jazz ampliamente interpretada, [38] eventualmente conocida como cambios de Coltrane . [39] Su desarrollo de estos ciclos condujo a una mayor experimentación con melodía y armonía improvisadas que continuó a lo largo de su carrera. [40]
Coltrane formó su primer cuarteto para presentaciones en vivo en 1960 para una aparición en la Jazz Gallery de la ciudad de Nueva York. [41] Después de pasar por diferentes miembros del personal, incluidos Steve Kuhn , Pete La Roca y Billy Higgins , mantuvo al pianista McCoy Tyner , al bajista Steve Davis y al baterista Elvin Jones . [42] [43] Tyner, nativo de Filadelfia, había sido amigo de Coltrane durante algunos años, y los dos hombres tenían un entendimiento de que Tyner se uniría a la banda cuando se sintiera listo. [44] [45] My Favorite Things (1961) fue el primer álbum grabado por esta banda. [46] Fue el primer álbum de Coltrane en saxofón soprano , [47] que comenzó a practicar mientras estaba con Miles Davis. [48] Se consideró un movimiento poco convencional porque el instrumento estaba más asociado con el jazz anterior. [49]
En mayo de 1961, el contrato de Coltrane con Atlantic fue comprado por Impulse!. [ 50] El paso a Impulse! significó que Coltrane reanudó su relación de grabación con el ingeniero Rudy Van Gelder , quien había grabado sus sesiones y las de Davis para Prestige. Grabó la mayoría de sus álbumes para Impulse! en el estudio de Van Gelder en Englewood Cliffs, Nueva Jersey .
A principios de 1961, el bajista Davis había sido reemplazado por Reggie Workman , mientras que Eric Dolphy se unió al grupo como segundo instrumento. El quinteto tuvo una residencia celebrada y extensamente grabada en el Village Vanguard , que demostró la nueva dirección de Coltrane. Incluía la música más experimental que había tocado, influenciada por los ragas indios , el jazz modal y el free jazz . John Gilmore , un saxofonista de larga data del músico Sun Ra , fue particularmente influyente; después de escuchar una actuación de Gilmore, se dice que Coltrane dijo: "¡Lo tiene! ¡Gilmore tiene el concepto!" [51] La más celebrada de las melodías de Vanguard, el blues de 15 minutos "Chasin' the 'Trane", estuvo fuertemente inspirada en la música de Gilmore. [52]
En 1961, Coltrane comenzó a emparejar a Workman con un segundo bajista, generalmente Art Davis o Donald Garrett . Garrett recordó haberle puesto una cinta a Coltrane en la que "yo estaba tocando con otro bajista. Estábamos haciendo algunas cosas rítmicamente, y Coltrane se entusiasmó con el sonido. Obtuvimos el mismo tipo de sonido que se obtiene del tambor de agua de las Indias Orientales. Un bajo permanece en el registro más bajo y es lo que estabiliza y pulsa, mientras que el otro bajo es libre de improvisar, como lo estaría la mano derecha en el tambor. Así que a Coltrane le gustó la idea". [53] Coltrane también recordó: "Pensé que otro bajo agregaría ese cierto sonido rítmico. Estábamos tocando muchas cosas con una especie de ritmo suspendido, con un bajo tocando una serie de notas alrededor de un punto, y parecía que otro bajo podría llenar los espacios". [54] Según Eric Dolphy , una noche: "Wilbur Ware entró y se subió al atril, así que tenían tres bajos funcionando. John y yo nos bajamos del atril y escuchamos". [54] Coltrane empleó dos bajos en los álbumes de 1961 Olé Coltrane y Africa/Brass , y más tarde en The John Coltrane Quartet Plays y Ascension . Tanto Reggie Workman como Jimmy Garrison tocan el bajo en las grabaciones de Village Vanguard de 1961 de «India» y «Miles' Mode». [55]
Durante este período, los críticos estaban divididos en su valoración de Coltrane, que había alterado radicalmente su estilo. El público también estaba perplejo; en Francia fue abucheado durante su última gira con Davis. En 1961, la revista DownBeat calificó a Coltrane y a los músicos de Dolphy de "antijazz" en un artículo que desconcertó y molestó a los músicos. [52] Coltrane admitió que algunos de sus primeros solos se basaban principalmente en ideas técnicas. Además, la forma angular y vocal de Dolphy le valió una reputación como figura principal del New Thing, también conocido como free jazz, un movimiento liderado por Ornette Coleman que fue denigrado por algunos músicos de jazz (incluido Davis) y críticos. Pero a medida que el estilo de Coltrane se desarrollaba, estaba decidido a hacer de cada interpretación "una expresión completa de su ser". [56]
En 1962, Dolphy se fue y Jimmy Garrison reemplazó a Workman como bajista. A partir de entonces, el "Cuarteto Clásico", como llegó a conocerse, con Tyner, Garrison y Jones, produjo un trabajo indagador y espiritual. Coltrane se estaba moviendo hacia un estilo armónicamente más estático que le permitía expandir sus improvisaciones rítmicamente, melódicamente y motivacionalmente. La música armónicamente compleja todavía estaba presente, pero en el escenario Coltrane favorecía mucho la reelaboración continua de sus "estándares": "Impressions", "My Favorite Things" y "I Want to Talk About You".
Las críticas al quinteto con Dolphy pueden haber afectado a Coltrane. En contraste con el radicalismo de sus grabaciones de 1961 en el Village Vanguard, sus álbumes de estudio de los dos años siguientes (con la excepción de Coltrane , 1962, que incluía una versión fulminante de «Out of This World» de Harold Arlen ) fueron mucho más conservadores. Grabó un álbum de baladas y participó en colaboraciones de álbumes con Duke Ellington y el cantante Johnny Hartman , un barítono que se especializaba en baladas. El álbum Ballads (grabado entre 1961 y 1962) es emblemático de la versatilidad de Coltrane, ya que el cuarteto arrojó nueva luz sobre estándares como «It's Easy to Remember». A pesar de un enfoque más pulido en el estudio, en concierto el cuarteto continuó equilibrando los "estándares" y su propia música más exploratoria y desafiante, como se puede escuchar en los álbumes Impressions (grabado entre 1961 y 1963), Live at Birdland y Newport '63 (ambos grabados en 1963). Impressions consta de dos jams extensas que incluyen la canción principal junto con "Dear Old Stockholm", "After the Rain" y un blues. Coltrane dijo más tarde que disfrutaba de tener un "catálogo equilibrado". [57]
El 6 de marzo de 1963, el grupo entró en el estudio Van Gelder en Nueva Jersey y grabó una sesión que se perdió durante décadas después de que Impulse! Records destruyera su cinta maestra para reducir el espacio de almacenamiento. El 29 de junio de 2018, Impulse! lanzó Both Directions at Once: The Lost Album , compuesto por siete pistas hechas a partir de una copia de repuesto que Coltrane le había dado a su esposa. [58] [59] El 7 de marzo de 1963, Hartman se unió a ellos en el estudio para la grabación de seis pistas para el álbum de John Coltrane y Johnny Hartman , lanzado ese julio.
Impulse! siguió el exitoso lanzamiento del "álbum perdido" con Blue World de 2019 , compuesto por una banda sonora de 1964 de la película The Cat in the Bag , grabada en junio de 1964.
El Cuarteto Clásico publicó su álbum más vendido, A Love Supreme , en diciembre de 1964. Esta suite de cuatro partes, que constituye la culminación de gran parte del trabajo de Coltrane hasta ese momento, es una oda a su fe y amor por Dios. Estas preocupaciones espirituales caracterizaron gran parte de la composición e interpretación de Coltrane a partir de ese momento, como se puede ver en títulos de álbumes como Ascension , Om y Meditations . El cuarto movimiento de A Love Supreme , "Psalm", es, de hecho, una composición musical para un poema original a Dios escrito por Coltrane e impreso en las notas del álbum. Coltrane toca casi exactamente una nota por cada sílaba del poema y basa su fraseo en las palabras. El álbum fue compuesto en la casa de Coltrane en Dix Hills en Long Island.
El cuarteto tocó A Love Supreme en vivo solo tres veces, grabadas dos veces: en julio de 1965 en un concierto en Antibes , Francia, y en octubre de 1965 en Seattle, Washington. [60] Impulse! lanzó una grabación del concierto de Antibes en 2002 en la Edición Deluxe remasterizada de A Love Supreme , [61] y nuevamente en 2015 en la "Edición Super Deluxe" de The Complete Masters. [62] Una segunda grabación amateur recientemente descubierta titulada "A Love Supreme: Live in Seattle" fue lanzada en 2021. [63]
En su último período, Coltrane mostró interés por el jazz de vanguardia de Ornette Coleman, [64] Albert Ayler , [65] y Sun Ra. Fue especialmente influenciado por la disonancia del trío de Ayler con el bajista Gary Peacock , [66] que había trabajado con Paul Bley , y el baterista Sunny Murray , cuya forma de tocar fue perfeccionada con Cecil Taylor como líder. Coltrane defendió a muchos jóvenes músicos de free jazz como Archie Shepp , [67] y, bajo su influencia, Impulse! se convirtió en un sello líder de free jazz.
Después de grabar A Love Supreme , el estilo de Ayler se hizo más prominente en la música de Coltrane. Una serie de grabaciones con el Classic Quartet en la primera mitad de 1965 muestran que la forma de tocar de Coltrane se volvió abstracta, con una mayor incorporación de recursos como multifónicos , uso de armónicos y tocar en el registro altissimo , así como un retorno mutado de las láminas de sonido de Coltrane. En el estudio, prácticamente abandonó el saxofón soprano para concentrarse en el tenor. El cuarteto respondió tocando con una libertad cada vez mayor. La evolución del grupo se puede rastrear a través de los álbumes The John Coltrane Quartet Plays , Living Space , Transition , New Thing at Newport , Sun Ship y First Meditations .
En junio de 1965, fue al estudio de Van Gelder con otros diez músicos (incluidos Shepp, [68] Pharoah Sanders , [68] Freddie Hubbard , [68] Marion Brown y John Tchicai [68] ) para grabar Ascension , una pieza de 38 minutos que incluía solos de jóvenes músicos de vanguardia. [67] El álbum fue controvertido principalmente por las secciones de improvisación colectiva que separaban los solos. Después de grabar con el cuarteto durante los meses siguientes, Coltrane invitó a Sanders a unirse a la banda en septiembre de 1965. Mientras que Coltrane utilizaba frecuentemente el overblowing como signo de exclamación emocional, Sanders "estaba involucrado en la búsqueda de sonidos 'humanos' en su instrumento", [69] y expandió drásticamente el vocabulario de su instrumento empleando multifónicos , gruñidos y "chillidos de registro alto [que] podían imitar no solo la canción humana sino también el grito y el alarido humanos". [70] Con respecto a la decisión de Coltrane de agregar a Sanders a la banda, Gary Giddins escribió "Aquellos que habían seguido a Coltrane hasta el borde de la galaxia ahora tenían el desafío adicional de un músico que parecía tener poco contacto con la tierra". [71]
A finales de 1965, Coltrane ampliaba regularmente su grupo con Sanders y otros músicos de free jazz. Rashied Ali se unió al grupo como segundo baterista. Este fue el final del cuarteto. Tyner, alegando que no podía escucharse a sí mismo por encima de los dos bateristas, dejó la banda poco después de la grabación de Meditations . Jones se fue a principios de 1966, insatisfecho por compartir las tareas de batería con Ali y afirmando que, en lo que respecta a la última música de Coltrane, "solo los poetas pueden entenderla". [72] En entrevistas, Tyner y Jones expresaron su descontento con la dirección de la música; sin embargo, incorporarían algo de la intensidad del free jazz en su trabajo en solitario. Más tarde, ambos músicos expresaron un tremendo respeto por Coltrane: con respecto a su música tardía, Jones declaró: "Bueno, por supuesto que es una locura, porque esta es una mente tremenda la que está involucrada, ya sabes. No esperarías que Einstein estuviera tocando jacks, ¿verdad?" [73] Tyner recordó: "Él estaba constantemente avanzando. Nunca se durmió en los laureles, siempre estaba buscando lo que venía después... siempre estaba buscando, como un científico en un laboratorio, buscando algo nuevo, una dirección diferente... Seguía escuchando estos sonidos en su cabeza..." [74] Jones y Tyner grabaron tributos a Coltrane, Tyner con Echoes of a Friend (1972) y Blues for Coltrane: A Tribute to John Coltrane (1987), y Jones con Live in Japan 1978: Dear John C. (1978) y Tribute to John Coltrane "A Love Supreme" (1994).
Se especula que en 1965 Coltrane comenzó a usar LSD , [75] [76] lo que le dio forma a la trascendencia "cósmica" de su último período. Nat Hentoff escribió: "es como si él y Sanders estuvieran hablando con 'el don de lenguas', como si sus ideas fueran de una fuerza tan convincente que tienen que trascender las formas ordinarias del habla musical y las texturas ordinarias para poder transmitir esa parte de la esencia del ser que han tocado". [77] Después de la partida de Tyner y Jones, Coltrane lideró un quinteto con Sanders en el saxofón tenor, su segunda esposa Alice Coltrane en el piano, Garrison en el bajo y Ali en la batería. Cuando estaban de gira, el grupo era conocido por tocar versiones largas de su repertorio, muchas de las cuales se extendían más allá de los 30 minutos a una hora. En concierto, los solos de los miembros de la banda a menudo se extendían más allá de los quince minutos.
El grupo se puede escuchar en varias grabaciones de conciertos de 1966, incluyendo Live at the Village Vanguard Again! y Live in Japan . En 1967, Coltrane entró al estudio varias veces. Aunque han surgido piezas con Sanders (la inusual "To Be" tiene a ambos hombres en la flauta), la mayoría de las grabaciones fueron con el cuarteto menos Sanders ( Expression y Stellar Regions ) o como dúo con Ali. Este último dúo produjo seis actuaciones que aparecen en el álbum Interstellar Space . Coltrane también continuó de gira con el segundo cuarteto hasta dos meses antes de su muerte; su penúltima actuación en vivo y la última grabada, una transmisión de radio para el Centro Olatunji de Cultura Africana en la ciudad de Nueva York, finalmente se lanzó como álbum en 2001.
Coltrane murió de cáncer de hígado a la edad de 40 años el 17 de julio de 1967 en el Huntington Hospital de Long Island. Su funeral se celebró cuatro días después en la Iglesia Luterana de San Pedro en la ciudad de Nueva York. El servicio fue iniciado por el Cuarteto Albert Ayler y finalizado por el Cuarteto Ornette Coleman . [78] Coltrane está enterrado en el cementerio Pinelawn en Farmingdale , Nueva York.
El biógrafo Lewis Porter especuló que la causa de la enfermedad de Coltrane fue la hepatitis , aunque también atribuyó la enfermedad al consumo de heroína de Coltrane en un período anterior de su vida. [79] Frederick J. Spencer escribió que la muerte de Coltrane podría atribuirse a su uso de agujas "o de la botella, o de ambos". [80] Afirmó que "las agujas que usaba para inyectarse las drogas pueden haber tenido todo que ver con" la enfermedad hepática de Coltrane: "Si alguna aguja estaba contaminada con el virus de la hepatitis apropiado, puede haber causado una infección crónica que condujo a cirrosis o cáncer". [80] Señaló que a pesar del "despertar espiritual" de Coltrane en 1957, "para entonces, puede haber tenido hepatitis crónica y cirrosis... A menos que desarrollara un foco primario en otra parte en la vida posterior y que se extendiera a su hígado, las semillas del cáncer de John Coltrane se sembraron en sus días de adicción". [81]
La muerte de Coltrane sorprendió a muchos en la comunidad musical que desconocían su estado. Miles Davis dijo: "La muerte de Coltrane sorprendió a todos, tomó a todos por sorpresa. Sabía que no tenía muy buen aspecto... pero no sabía que estuviera tan enfermo, o incluso que estuviera enfermo en absoluto". [82]
Coltrane comenzó tocando el saxofón alto, pero en 1947, cuando se unió a la banda de King Kolax , cambió al saxofón tenor, el instrumento por el que se hizo conocido. [83] A principios de la década de 1960, durante su contrato con Atlantic, también tocó el saxofón soprano. [83]
Su preferencia por tocar melodías más altas en el registro del saxofón tenor se atribuye a su formación en trompa alto y clarinete. Su "concepto de sonido", manipulado en el tracto vocal, del tenor se estableció más alto que el registro normal del instrumento. [84] Coltrane observó cómo su experiencia tocando el saxofón soprano afectó gradualmente su estilo en el tenor, afirmando "el soprano, al ser este pequeño instrumento, descubrí que tocar la nota más baja en él era como tocar ... una de las notas medias en el tenor ... Descubrí que tocaba todo este instrumento ... Y en el tenor, no siempre lo había tocado todo, porque estaba tocando ciertas ideas que simplemente se ejecutaban en ciertos registros ... Al tocar en el soprano y acostumbrarme a tocar desde ese si bemol bajo en adelante, pronto se convirtió en algo así cuando pasé al tenor, me encontré haciendo lo mismo ... Y esto provocó ... la voluntad de cambiar y simplemente tratar de tocar ... la mayor parte del instrumento como fuera posible". [85]
Hacia el final de su carrera, experimentó con la flauta en sus presentaciones en vivo y grabaciones de estudio ( Live at the Village Vanguard Again!, Expression ) . Después de que Eric Dolphy muriera en junio de 1964, su madre le dio a Coltrane su flauta y clarinete bajo. [86]
Según el baterista Rashied Ali, Coltrane tenía un interés en la batería. [87] A menudo tenía una batería de repuesto en los escenarios de conciertos que tocaba. [88] Su interés en la batería y su inclinación por tener solos con la batería resonaron en pistas como "Pursuance" y "The Drum Thing" de A Love Supreme y Crescent , respectivamente. Resultó en el álbum Interstellar Space with Ali. [89] En una entrevista con Nat Hentoff a fines de 1965 o principios de 1966, Coltrane declaró: "Siento la necesidad de más tiempo, más ritmo a mi alrededor. Y con más de un baterista, el ritmo puede ser más multidireccional". [77] En una entrevista de agosto de 1966 con Frank Kofsky , Coltrane enfatizó repetidamente su afinidad por la batería, diciendo "Siento mucho por la batería, realmente lo siento". [90] Más tarde ese año, Coltrane grabaría la música lanzada póstumamente en Offering: Live at Temple University , que presenta a Ali en la batería complementado por tres percusionistas.
Los saxofones tenor ( Selmer Mark VI , número de serie 125571, fechado en 1965) y soprano (Selmer Mark VI, número de serie 99626, fechado en 1962) de Coltrane fueron subastados el 20 de febrero de 2005 para recaudar fondos para la Fundación John Coltrane. [91]
Aunque rara vez tocaba el saxofón alto, poseía un prototipo de saxofón alto Yamaha que le regaló la compañía como patrocinio en 1966. Se le puede escuchar tocándolo en álbumes en vivo grabados en Japón, como Second Night in Tokyo , y aparece fotografiado usándolo en la portada de la compilación Live in Japan . También se le puede escuchar tocando el saxofón alto Yamaha en el álbum Stellar Regions . [92]
Coltrane nació y creció en un hogar cristiano. La religión y la espiritualidad lo influenciaron desde su infancia. Su abuelo materno, el reverendo William Blair, fue ministro en una iglesia metodista africana episcopal Zion [93] [94] en High Point, Carolina del Norte , y su abuelo paterno, el reverendo William H. Coltrane, fue ministro de la AME Zion en Hamlet, Carolina del Norte . [93] El crítico Norman Weinstein observó el paralelismo entre la música de Coltrane y su experiencia en la iglesia sureña, [95] que incluía practicar música allí cuando era joven.
En 1955, Coltrane se casó con Naima (de soltera Juanita Grubbs). Naima Coltrane, una musulmana conversa, influyó mucho en su espiritualidad. Cuando la pareja se casó, ella tenía una hija de cinco años llamada Antonia, más tarde llamada Syeeda. Coltrane adoptó a Syeeda. Conoció a Naima en la casa del bajista Steve Davis en Filadelfia. La balada de amor que escribió para honrar a su esposa, "Naima", era la composición favorita de Coltrane. En 1956, la pareja dejó Filadelfia con su hija de seis años y se mudó a la ciudad de Nueva York. En agosto de 1957, Coltrane, Naima y Syeeda se mudaron a un apartamento en la calle 103 y la avenida Amsterdam en Nueva York. Unos años más tarde, John y Naima Coltrane compraron una casa en 116-60 Mexico Street en St. Albans, Queens . [96] Esta es la casa donde se separarían en 1963. [97]
Sobre la ruptura, Naima dijo en Chasin' the Trane de JC Thomas : "Podía sentir que iba a suceder tarde o temprano, así que no me sorprendió mucho cuando John se fue de la casa en el verano de 1963. No me dio ninguna explicación. Simplemente me dijo que había cosas que tenía que hacer, y se fue sólo con su ropa y sus instrumentos. A veces se quedaba en un hotel, otras veces con su madre en Filadelfia. Todo lo que decía era: 'Naima, voy a hacer un cambio'. Aunque podía sentirlo venir, me dolió, y no lo superé hasta al menos otro año". Pero Coltrane mantuvo una relación cercana con Naima, incluso la llamó en 1964 para decirle que el 90 por ciento de su interpretación sería oración. Siguieron en contacto hasta su muerte en 1967. Naima Coltrane murió de un ataque al corazón en octubre de 1996.
En 1957, Coltrane tuvo una experiencia religiosa que pudo haberlo ayudado a superar la adicción a la heroína [98] [99] y el alcoholismo [99] con los que había luchado desde 1948. [100] En las notas de A Love Supreme , Coltrane afirma que en 1957 experimentó "por la gracia de Dios, un despertar espiritual que me llevaría a una vida más rica, más plena y más productiva. En ese momento, en gratitud, pedí humildemente que se me dieran los medios y el privilegio de hacer felices a otros a través de la música". [101] Se pueden encontrar más pruebas de esta visión universal en las notas de Meditations (1965) en las que Coltrane declara: "Creo en todas las religiones". [102]
En 1963, conoció a la pianista Alice McLeod . [103] Él y Alice se mudaron juntos y tuvieron dos hijos antes de que él se "divorciara oficialmente de Naima en 1966, momento en el que [él] y Alice se casaron inmediatamente". [102] John Jr. nació en 1964, Ravi en 1965 y Oranyan ("Oran") en 1967. [102] Según el músico Peter Lavezzoli, "Alice trajo felicidad y estabilidad a la vida de John, no solo porque tenían hijos, sino también porque compartían muchas de las mismas creencias espirituales, particularmente un interés mutuo en la filosofía india. Alice también entendió lo que era ser un músico profesional". [102]
Después de A Love Supreme , muchos de los títulos de sus canciones y álbumes tenían connotaciones espirituales: Ascension , Meditations , Om , Selflessness , "Amen", "Ascent", "Attaining", "Dear Lord", "Prayer and Meditation Suite", y "The Father and the Son and the Holy Ghost". [102] Su biblioteca de libros incluía The Gospel of Sri Ramakrishna , el Bhagavad Gita y la Autobiografía de un yogui de Paramahansa Yogananda . El último de estos describe, en palabras de Lavezzoli, una "búsqueda de la verdad universal, un viaje que Coltrane también había emprendido. Yogananda creía que tanto los caminos espirituales orientales como los occidentales eran eficaces, y escribió sobre las similitudes entre Krishna y Cristo. Esta apertura a diferentes tradiciones resonó en Coltrane, quien estudió el Corán , la Biblia, la Cábala y la astrología con la misma sinceridad". [104] También exploró el hinduismo , Jiddu Krishnamurti , la historia africana , las enseñanzas filosóficas de Platón y Aristóteles , [105] y el budismo zen . [106]
En octubre de 1965, Coltrane grabó Om , en referencia a la sílaba sagrada del hinduismo , que simboliza el infinito o el universo entero. Coltrane describió a Om como la "primera sílaba, la palabra primordial, la palabra de poder". [107] La grabación de 29 minutos contiene cánticos del Bhagavad Gita hindú [108] y del Libro tibetano budista de los muertos [109], y una recitación de un pasaje que describe la verbalización primordial "om" como un denominador común cósmico/espiritual en todas las cosas.
El viaje espiritual de Coltrane estuvo entrelazado con su investigación de la música del mundo. Creía no sólo en una estructura musical universal que trascendía las distinciones étnicas, sino también en la capacidad de aprovechar el lenguaje místico de la música misma. Su estudio de la música india lo llevó a creer que ciertos sonidos y escalas podían "producir significados emocionales específicos". Según Coltrane, el objetivo de un músico era comprender estas fuerzas, controlarlas y provocar una respuesta en el público. Dijo: "Me gustaría llevar a la gente algo así como la felicidad. Me gustaría descubrir un método para que, si quiero que llueva, empiece a llover de inmediato. Si uno de mis amigos está enfermo, me gustaría tocar una determinada canción y se curará; si está en la ruina, sacaría una canción diferente e inmediatamente recibiría todo el dinero que necesita". [110]
Después de la muerte de Coltrane, una congregación llamada el Templo Yardbird en San Francisco comenzó a adorarlo como Dios encarnado. [112] El grupo recibió el nombre de Charlie "Yardbird" Parker , a quien equiparaban con Juan el Bautista . [112] La congregación se afilió a la Iglesia Ortodoxa Africana ; esto implicó cambiar el estatus de Coltrane de un dios a un santo. [112] La Iglesia Ortodoxa Africana St. John Coltrane , San Francisco, resultante , es la única iglesia ortodoxa africana que incorpora la música de Coltrane y sus letras como oraciones en su liturgia. [113]
El reverendo F. W. King, al describir la Iglesia Ortodoxa Africana de San Juan Coltrane, dijo: “Somos conscientes de Coltrane… Dios habita en la majestuosidad musical de sus sonidos”. [114]
Samuel G. Freedman escribió en The New York Times que
... la iglesia de Coltrane no es un truco ni una mezcla forzada de música de discoteca y fe etérea. Su mensaje de liberación a través del sonido divino es en realidad bastante coherente con la propia experiencia y mensaje de Coltrane. ... De manera implícita y explícita, Coltrane también funcionó como una figura religiosa. Adicto a la heroína en los años 50, la dejó de golpe y más tarde explicó que había oído la voz de Dios durante su angustiosa abstinencia. ... En 1966, un entrevistador en Japón le preguntó a Coltrane qué esperaba ser en cinco años, y Coltrane respondió: "un santo". [112]
Coltrane está representado como uno de los 90 santos en el icono de los Santos Danzantes de la Iglesia Episcopal de San Gregorio de Nisa en San Francisco. El icono es una pintura de 280 m2 de estilo iconográfico bizantino que envuelve toda la rotonda de la iglesia. Fue ejecutado por Mark Dukes, un diácono ordenado en la Iglesia Ortodoxa Africana de San Juan Coltrane que pintó otros iconos de Coltrane para la Iglesia de Coltrane. [115] La Iglesia Episcopal de San Bernabé en Newark, Nueva Jersey, incluyó a Coltrane en su lista de santos negros históricos y defendió su "santidad" en un artículo en su sitio web. [116]
Los documentales sobre Coltrane y la iglesia incluyen The Church of Saint Coltrane (1996) de Alan Klingenstein , [111] [117] y un programa de 2004 presentado por Alan Yentob para la BBC . [118]
La discografía que aparece a continuación enumera los álbumes concebidos y aprobados por Coltrane como líder durante su vida. No incluye sus numerosos lanzamientos como acompañante, las sesiones que varios sellos discográficos reunieron en álbumes después de que expirara el contrato de Coltrane, las sesiones con Coltrane como acompañante reeditadas posteriormente con su nombre más destacado o las compilaciones póstumas, excepto la que aprobó antes de su muerte. Consulte el enlace a la discografía principal más arriba para ver la lista completa.
En 1965, Coltrane fue incluido en el Down Beat Jazz Hall of Fame . En 1972, A Love Supreme fue certificado oro por JASRAC por vender más de medio millón de copias en Japón. Este álbum fue certificado oro en los Estados Unidos en 2001. En 1982 recibió un Grammy póstumo por Mejor interpretación solista de jazz en el álbum Bye Bye Blackbird , y en 1997 recibió el Grammy Lifetime Achievement Award . [28] En 2002, el académico Molefi Kete Asante lo nombró uno de sus 100 mejores afroamericanos . [119] Recibió un premio Pulitzer especial en 2007 citando su "magistral improvisación, musicalidad suprema y centralidad icónica para la historia del jazz". [2] Fue incluido en el Salón de la Fama de la Música de Carolina del Norte en 2009. [120]
Una antigua casa, la Casa de John Coltrane en Filadelfia, fue designada Monumento Histórico Nacional en 1999. Su última casa, la Casa de John Coltrane en el distrito de Dix Hills de Huntington, Nueva York, donde residió desde 1964 hasta su muerte, fue agregada al Registro Nacional de Lugares Históricos el 29 de junio de 2007.
El baterista, compositor y cantante francés Christian Vander , fundador de la banda Magma , considera a Coltrane como su mayor inspiración musical y le dedicó su álbum de 2011 John Coltrane L'Homme Suprême como homenaje. [121]
En 1990, el músico Robert Palmer realizó un documental sobre el jazz llamado El mundo según John Coltrane .
Chasing Trane: The John Coltrane Documentary , es una película estadounidense de 2016 dirigida por John Scheinfeld. [122]
{{cite book}}: CS1 maint: varios nombres: lista de autores ( enlace )[Coltrane] era un baterista. Solo quería liberarse de tocar estos cambios estrictos. El bajista y el pianista marcaban estos acordes, ya sabes, y él tocaba casi todo lo que podía tocar en estos acordes. Los tocaba al revés. Los giraba. Los tocaba de lado. Les hacía casi todo lo que podía. Y al tocar la batería no tenía que lidiar con cambios de acordes y tonalidades y cosas así. Así que era libre de tocar como quisiera. Hubo momentos en que toqué con Trane, él tenía una batería de bateristas, como unos tres congueros, tipos que tocaban batas, shakers y barrels y todo eso. En uno de sus discos hizo eso. En el Village Vanguard, en vivo, teníamos un montón de bateristas más los traps. Y luego, a veces, él tenía traps dobles. Como en Chicago, toqué traps dobles con un baterista joven que estaba llegando allí, llamado Jack DeJohnette.
[Coltrane] amaba tanto la batería que, si teníamos un segundo juego de batería en el escenario, a veces subía y la tocaba. Quiero decir, se sentaba detrás de la batería y tocaba con la banda, ya sabes. Realmente tenía algo en la batería que le encantaba.
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