Michelangelo Merisi da Caravaggio (también Michele Angelo Merigi o Amerighi da Caravaggio; /ˌkærəˈvædʒioʊ/, EE. UU.: / -ˈvɑːdʒ ( i ) oʊ / ; italiano : [ mikeˈlandʒelo meˈriːzi da ( k ) karaˈvaddʒo ] ; 29 de septiembre de 1571 [ 2 ] - 18 de julio de 1610 ) , conocido como Caravaggio , fue un pintor italiano activo en Roma durante la mayor parte de su vida artística. Durante los últimos cuatro años de su vida, se mudó entre Nápoles , Malta y Sicilia hasta su muerte. Sus pinturas han sido caracterizadas por los críticos de arte como una combinación de una observación realista del estado humano, tanto físico como emocional, con un uso dramático de la iluminación, que tuvo una influencia formativa en la pintura barroca . [3] [4] [5]
Caravaggio empleó una observación física minuciosa con un uso dramático del claroscuro que llegó a conocerse como tenebrismo . Hizo de la técnica un elemento estilístico dominante, transfigurando a los sujetos en brillantes rayos de luz y sombras oscuras. Caravaggio expresó vívidamente momentos y escenas cruciales, a menudo presentando luchas violentas, tortura y muerte. Trabajó rápidamente con modelos vivos, prefiriendo renunciar a los dibujos y trabajar directamente sobre el lienzo. Su efecto inspirador en el nuevo estilo barroco que surgió del manierismo fue profundo. Su influencia se puede ver directa o indirectamente en la obra de Peter Paul Rubens , Jusepe de Ribera , Gian Lorenzo Bernini y Rembrandt . Los artistas fuertemente influenciados por él fueron llamados " caravaggisti " (o "caravagescos"), así como tenebristas o tenebrosi ("sombríos").
Caravaggio se formó como pintor en Milán antes de trasladarse a Roma cuando tenía veinte años. Se hizo un nombre considerable como artista y como hombre violento, susceptible y provocador. Mató a Ranuccio Tommasoni en una pelea, lo que le valió una sentencia de muerte por asesinato y le obligó a huir a Nápoles. Allí volvió a establecerse como uno de los pintores italianos más destacados de su generación. Viajó a Malta y luego a Sicilia en 1607 y solicitó el indulto papal por su sentencia. En 1609 regresó a Nápoles, donde se vio involucrado en un violento enfrentamiento; su rostro quedó desfigurado y circularon rumores de su muerte. Las preguntas sobre su estado mental surgieron a raíz de su comportamiento errático y extraño. Murió en 1610 en circunstancias inciertas mientras se dirigía de Nápoles a Roma. Los informes afirmaban que murió de fiebre, pero se ha sugerido que fue asesinado o que murió por envenenamiento por plomo.
Las innovaciones de Caravaggio inspiraron la pintura barroca , pero esta última incorporó el dramatismo de su claroscuro sin el realismo psicológico. [ dudoso – discutir ] El estilo evolucionó y las modas cambiaron, y Caravaggio cayó en desgracia. En el siglo XX, el interés por su obra revivió y se reevaluó su importancia para el desarrollo del arte occidental. El historiador del arte del siglo XX André Berne-Joffroy afirmó: "Lo que comienza en la obra de Caravaggio es, sencillamente, pintura moderna". [6]
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Caravaggio (Michelangelo Merisi o Amerighi) nació en Milán , donde su padre, Fermo (Fermo Merixio), era administrador doméstico y arquitecto-decorador del marqués de Caravaggio , una ciudad a 35 km al este de Milán y al sur de Bérgamo . [7] En 1576, la familia se mudó a Caravaggio para escapar de una plaga que asoló Milán, y el padre y el abuelo de Caravaggio murieron allí el mismo día en 1577. [8] [9] Se supone que el artista creció en Caravaggio, pero su familia mantuvo conexiones con los Sforza y la poderosa familia Colonna , quienes estaban aliados por matrimonio con los Sforza y destinados a desempeñar un papel importante más adelante en la vida de Caravaggio.
La madre de Caravaggio tuvo que criar a sus cinco hijos en la pobreza. [10] Ella murió en 1584, el mismo año en que él comenzó su aprendizaje de cuatro años con el pintor milanés Simone Peterzano , descrito en el contrato de aprendizaje como alumno de Tiziano . Caravaggio parece haberse quedado en el área de Milán-Caravaggio después de que terminó su aprendizaje, pero es posible que visitara Venecia y viera las obras de Giorgione , a quien Federico Zuccari más tarde lo acusó de imitar, y Tiziano. [11] También se habría familiarizado con los tesoros artísticos de Milán, incluida La última cena de Leonardo da Vinci , y con el arte regional lombardo, un estilo que valoraba la simplicidad y la atención al detalle naturalista y estaba más cerca del naturalismo de Alemania que de la formalidad estilizada y la grandeza del manierismo romano . [12]
Tras su formación inicial con Simone Peterzano , en 1592 Caravaggio abandonó Milán para ir a Roma huyendo tras "ciertas peleas" y la herida que recibió un policía. El joven artista llegó a Roma "desnudo y extremadamente necesitado... sin domicilio fijo y sin provisiones... falto de dinero". [13] Durante este período, se alojó en casa del avaro Pandolfo Pucci, conocido como "monseñor Insalata". [14] Unos meses más tarde estaba realizando trabajos de carnicero para el muy exitoso Giuseppe Cesari , el artista favorito del papa Clemente VIII , "pintando flores y frutas" [15] en su taller que parecía una fábrica.
En Roma, existía una demanda de pinturas para llenar las numerosas iglesias y palacios nuevos y enormes que se estaban construyendo en ese momento. También fue un período en el que la Iglesia buscaba una alternativa estilística al manierismo en el arte religioso que tenía como objetivo contrarrestar la amenaza del protestantismo . [16] La innovación de Caravaggio fue un naturalismo radical que combinaba la observación física cercana con un uso dramático, incluso teatral, del claroscuro que llegó a conocerse como tenebrismo (el cambio de la luz a la oscuridad con poco valor intermedio).
Entre las obras conocidas de este período se encuentran el pequeño Niño pelando una fruta (su pintura más antigua conocida), Niño con una cesta de frutas y Baco enfermo , supuestamente un autorretrato realizado durante la convalecencia de una enfermedad grave que acabó con su empleo en Cesari. Las tres muestran la particularidad física por la que Caravaggio se haría famoso: los productos del niño con la cesta de frutas han sido analizados por un profesor de horticultura, que fue capaz de identificar cultivares individuales hasta "...una gran hoja de higuera con una prominente lesión de quemadura fúngica parecida a la antracnosis ( Glomerella cingulata )". [17]
Caravaggio abandonó Cesari, decidido a seguir su propio camino después de una acalorada discusión. [18] En ese momento forjó algunas amistades extremadamente importantes, con el pintor Prospero Orsi , el arquitecto Onorio Longhi y el artista siciliano de dieciséis años Mario Minniti . Orsi, establecido en la profesión, lo presentó a coleccionistas influyentes; Longhi, de manera más siniestra, lo introdujo en el mundo de las peleas callejeras romanas. [19] Minniti sirvió a Caravaggio como modelo y, años más tarde, sería fundamental para ayudarlo a obtener encargos importantes en Sicilia. Ostensiblemente, la primera referencia de archivo a Caravaggio en un documento contemporáneo de Roma es la lista de su nombre, con el de Prospero Orsi como su compañero, como "asistente" en una procesión en octubre de 1594 en honor a San Lucas. [20] El primer relato informativo sobre su vida en la ciudad es una transcripción judicial fechada el 11 de julio de 1597, cuando Caravaggio y Prospero Orsi fueron testigos de un crimen cerca de San Luigi de' Francesi. [21]
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El adivino , su primera composición con más de una figura, muestra a un niño, probablemente Minniti, a quien una niña romaní le lee la palma de la mano, y que se quita sigilosamente el anillo mientras ella le acaricia la mano. El tema era bastante nuevo para Roma y resultó inmensamente influyente durante el siglo siguiente y más allá. Sin embargo, en ese momento, Caravaggio lo vendió por prácticamente nada. Los tahúres , que muestra a otro joven ingenuo y privilegiado que cae víctima de los tramposos con las cartas, es aún más complejo psicológicamente y quizás la primera verdadera obra maestra de Caravaggio. Al igual que El adivino , fue inmensamente popular y sobrevivieron más de 50 copias. Más importante aún, atrajo el patrocinio del cardenal Francesco Maria del Monte , uno de los principales conocedores de Roma. Para del Monte y su rico círculo amante del arte, Caravaggio ejecutó una serie de piezas de cámara íntimas: Los músicos , El laudista , un Baco borracho y un Niño mordido por un lagarto, alegórico pero realista , con Minniti y otros modelos adolescentes.
Las primeras pinturas de Caravaggio sobre temas religiosos regresaron al realismo y al surgimiento de una notable espiritualidad. La primera de ellas fue La Magdalena penitente , que muestra a María Magdalena en el momento en que ha dejado atrás su vida de cortesana y está sentada llorando en el suelo, con sus joyas esparcidas a su alrededor. "No parecía una pintura religiosa en absoluto... una muchacha sentada en un taburete bajo de madera secándose el pelo... ¿Dónde estaba el arrepentimiento... el sufrimiento... la promesa de salvación?" [22] Era sobria, al estilo lombardo, no histriónica al estilo romano de la época. Le siguieron otras del mismo estilo: Santa Catalina ; Marta y María Magdalena ; Judith decapitando a Holofernes ; Sacrificio de Isaac ; San Francisco de Asís en éxtasis ; y Descanso en la huida a Egipto . Estas obras, aunque vistas por un círculo comparativamente limitado, aumentaron la fama de Caravaggio tanto entre los conocedores como entre sus compañeros artistas. Pero una verdadera reputación dependería de encargos públicos, para lo cual era necesario recurrir a la Iglesia.
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Ya era evidente el intenso realismo o naturalismo por el que Caravaggio es ahora famoso. Prefería pintar a sus sujetos como los ve el ojo, con todos sus defectos y fallas naturales, en lugar de como creaciones idealizadas. Esto le permitió exhibir plenamente su talento virtuoso. Este cambio respecto de la práctica estándar aceptada y del idealismo clásico de Miguel Ángel fue muy controvertido en su época. Caravaggio también prescindió de las largas preparaciones para una pintura que eran tradicionales en el centro de Italia en ese momento. En su lugar, prefirió la práctica veneciana de trabajar al óleo directamente a partir del sujeto: figuras de medio cuerpo y naturalezas muertas. La Cena de Emaús , de c. 1600-1601 , es una obra característica de este período que demuestra su talento virtuoso.
En 1599, presumiblemente por influencia de del Monte, Caravaggio recibió el encargo de decorar la Capilla Contarelli de la iglesia de San Luigi dei Francesi . Las dos obras que componían el encargo, El martirio de San Mateo y La vocación de San Mateo , entregadas en 1600, causaron sensación de inmediato. A partir de entonces, nunca le faltaron encargos ni mecenas.
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El tenebrismo de Caravaggio (un claroscuro acentuado ) aportaba un gran dramatismo a sus temas, mientras que su realismo agudamente observado aportaba un nuevo nivel de intensidad emocional. La opinión entre sus colegas artistas estaba polarizada. Algunos lo denunciaron por varios defectos percibidos, en particular su insistencia en pintar del natural, sin dibujos, pero en general fue aclamado como un gran visionario artístico: "Los pintores de entonces en Roma estaban muy impresionados por esta novedad, y los jóvenes en particular se reunieron a su alrededor, lo elogiaron como el imitador único de la naturaleza y consideraron su trabajo como milagros". [23]
Caravaggio consiguió una serie de prestigiosos encargos de obras religiosas que incluían luchas violentas, decapitaciones grotescas, torturas y muertes. Las más notables y técnicamente magistrales entre ellas fueron La incredulidad de Santo Tomás (circa 1601) y El prendimiento de Cristo (circa 1602) para la familia Mattei , que recién fueron redescubiertas en la década de 1990 en Trieste y Dublín después de permanecer desconocidas durante dos siglos. [24] En su mayor parte, cada nueva pintura aumentó su fama, pero algunas fueron rechazadas por los diversos organismos a los que estaban destinadas, al menos en sus formas originales, y tuvieron que ser repintadas o encontrar nuevos compradores. La esencia del problema era que, si bien se apreciaba la intensidad dramática de Caravaggio, algunos consideraban que su realismo era inaceptablemente vulgar. [25]
Su primera versión de San Mateo y el ángel , en la que el santo aparece como un campesino calvo con las piernas sucias acompañado por un ángel-niño ligeramente vestido que le resultaba demasiado familiar, fue rechazada y se tuvo que pintar una segunda versión titulada La inspiración de San Mateo . De manera similar, La conversión de San Pablo fue rechazada, y aunque se aceptó otra versión del mismo tema, La conversión en el camino de Damasco , en la que aparecían las ancas del caballo del santo de forma mucho más prominente que el propio santo, lo que provocó este intercambio entre el artista y un exasperado funcionario de Santa Maria del Popolo : "¿Por qué has puesto un caballo en el medio y a San Pablo en el suelo?" "¡Porque sí!" "¿El caballo es Dios?" "¡No, pero está en la luz de Dios!" [26]
El coleccionista aristocrático Ciriaco Mattei , hermano del cardenal Girolamo Mattei , que era amigo del cardenal Francesco Maria Bourbon Del Monte , donó La cena de Emaús al palacio de la ciudad que compartía con su hermano, 1601 ( National Gallery, Londres ), La incredulidad de Santo Tomás, c. 1601 , "Versión eclesiástica" (Colección privada, Florencia), La incredulidad de Santo Tomás c. 1601 , 1601 "Versión secular" (Palacio de Sanssouci, Potsdam), Juan el Bautista con el carnero, 1602 ( Museos Capitolinos, Roma ) y El prendimiento de Cristo , 1602 ( National Gallery of Ireland , Dublín) por encargo de Caravaggio. [27]
Algunos expertos creen que la segunda versión de La toma de Cristo , que fue saqueada del Museo de Odessa en 2008 y recuperada en 2010, es una copia contemporánea. [28]
La incredulidad de Santo Tomás es una de las pinturas más famosas de Caravaggio, realizada entre 1601 y 1602. Existen dos versiones autógrafas de la pintura: la versión eclesiástica "Trieste" para Girolamo Mattei, que ahora se encuentra en una colección privada, y la versión secular " Potsdam " para Vincenzo Giustiniani (Pietro Bellori), que más tarde ingresó en la Colección Real Prusiana, sobrevivió a la Segunda Guerra Mundial ilesa y se puede ver en el Palacio de Sanssouci , Potsdam.
La pintura representa el episodio que dio lugar al término " Tomás el incrédulo ", conocido formalmente en la historia del arte como "La incredulidad de Santo Tomás", que se ha representado y utilizado con frecuencia para hacer diversas declaraciones teológicas en el arte cristiano desde al menos el siglo V. Según el Evangelio de Juan , el apóstol Tomás se perdió una de las apariciones de Jesús a los apóstoles después de su resurrección y dijo: "Si no veo las marcas de los clavos en sus manos, y meto mi dedo en el lugar de los clavos, y meto mi mano en su costado, no lo creeré". Una semana después, Jesús se apareció y le dijo a Tomás que lo tocara y dejara de dudar. Entonces Jesús dijo: "Porque me has visto, has creído; bienaventurados los que no han visto y han creído".
En ambas versiones del cuadro se muestra, con un gesto demostrativo, cómo el apóstol incrédulo introduce su dedo en la herida del costado de Cristo, mientras éste guía su mano. El incrédulo está representado como un campesino, vestido con una túnica rasgada en los hombros y con suciedad bajo las uñas. La composición del cuadro está diseñada de tal manera que el espectador se involucra directamente en el acontecimiento y siente la intensidad del mismo. [29]
Cabe señalar también que en la versión eclesiástica del incrédulo Tomás, el muslo de Cristo aparece cubierto, mientras que en la versión secular de la pintura, el muslo de Cristo es visible. [30] [31]
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Otras obras incluyen El entierro , la Madonna di Loreto ("Virgen de los peregrinos"), la Madonna de los novios y La muerte de la Virgen . La historia de estas dos últimas pinturas ilustra la recepción que se dio a algunas de las obras de Caravaggio y la época en la que vivió. La Madonna de los novios , también conocida como Madonna dei palafrenieri , pintada para un pequeño altar en la Basílica de San Pedro en Roma, permaneció allí solo dos días y luego fue retirada. El secretario de un cardenal escribió: "En esta pintura, no hay más que vulgaridad, sacrilegio, impiedad y repugnancia... Se diría que es una obra hecha por un pintor que sabe pintar bien, pero de espíritu oscuro, y que ha estado mucho tiempo lejos de Dios, de su adoración y de cualquier buen pensamiento..."
La Muerte de la Virgen , encargada en 1601 por un jurista adinerado para su capilla privada en la nueva iglesia carmelita de Santa Maria della Scala, fue rechazada por los carmelitas en 1606. El contemporáneo de Caravaggio, Giulio Mancini, registra que fue rechazada porque Caravaggio había utilizado a una prostituta conocida como modelo para la Virgen. [32] Giovanni Baglione , otro contemporáneo, dice que se debió a las piernas desnudas de María [33] —una cuestión de decoro en ambos casos. El erudito en Caravaggio John Gash sugiere que el problema para los carmelitas puede haber sido teológico más que estético, en el sentido de que la versión de Caravaggio no afirma la doctrina de la Asunción de María , la idea de que la Madre de Dios no murió en ningún sentido ordinario sino que fue asunta al Cielo. [34] El retablo encargado a uno de los seguidores más capaces de Caravaggio, Carlo Saraceni , mostraba a la Virgen no muerta, como Caravaggio la había pintado, sino sentada y moribunda; e incluso este retablo fue rechazado y reemplazado por una obra que mostraba a la Virgen no muriendo, sino ascendiendo al cielo con coros de ángeles. En cualquier caso, el rechazo no significó que Caravaggio o sus pinturas estuvieran en desgracia. Tan pronto como La muerte de la Virgen fue sacada de la iglesia, fue comprada por el duque de Mantua, siguiendo el consejo de Rubens , y luego adquirida por Carlos I de Inglaterra antes de ingresar a la colección real francesa en 1671.
Una pieza secular de estos años es Amor victorioso , pintado en 1602 para Vincenzo Giustiniani , miembro del círculo de del Monte. El modelo fue nombrado en una memoria de principios del siglo XVII como "Cecco", el diminutivo de Francesco. Es posible que se trate de Francesco Boneri, identificado con un artista activo en el período 1610-1625 y conocido como Cecco del Caravaggio ("Cecco de Caravaggio"), [35] que lleva un arco y flechas y pisotea símbolos de las artes y ciencias bélicas y pacíficas. Está desnudo, y es difícil aceptar a este niño sonriente como el dios romano Cupido , tan difícil como lo fue aceptar a los otros adolescentes semidesnudos de Caravaggio como los diversos ángeles que pintó en sus lienzos, luciendo prácticamente las mismas alas de utilería escénica. El punto, sin embargo, es la intensa pero ambigua realidad de la obra: es al mismo tiempo Cupido y Cecco, como las Vírgenes de Caravaggio eran al mismo tiempo la Madre de Cristo y las cortesanas romanas que las modelaban.
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Caravaggio llevó una vida tumultuosa. Era conocido por sus peleas, incluso en una época y un lugar en los que ese tipo de comportamiento era algo habitual, y las transcripciones de sus antecedentes policiales y de sus procesos judiciales llenan muchas páginas. [36]
Bellori afirma que alrededor de 1590-1592, Caravaggio, ya conocido por sus peleas con bandas de jóvenes, cometió un asesinato que lo obligó a huir de Milán, primero a Venecia y luego a Roma. [37]
El 28 de noviembre de 1600, mientras vivía en el Palazzo Madama con su patrón, el cardenal Del Monte, Caravaggio golpeó con un garrote al noble Girolamo Stampa da Montepulciano, huésped del cardenal, lo que dio lugar a una denuncia oficial ante la policía. Los episodios de peleas, violencia y tumulto se hicieron cada vez más frecuentes. [38] Caravaggio fue arrestado y encarcelado con frecuencia en Tor di Nona . [39]
Tras salir de la cárcel en 1601, Caravaggio volvió a pintar primero El prendimiento de Cristo y después Amor vincit omnia . En 1603 fue arrestado de nuevo, esta vez por difamación de otro pintor, Giovanni Baglione , que demandó a Caravaggio y a sus seguidores Orazio Gentileschi y Onorio Longhi por escribir poemas ofensivos sobre él. El embajador francés intervino y Caravaggio fue transferido a arresto domiciliario tras un mes en la cárcel de Tor di Nona.
Entre mayo y octubre de 1604, Caravaggio fue arrestado varias veces por posesión ilegal de armas y por insultar a los guardias de la ciudad. También fue demandado por un camarero de una taberna por haberle arrojado un plato de alcachofas a la cara. [40]
Una noticia temprana publicada sobre Caravaggio, que data de 1604 y describe su estilo de vida tres años antes, relata que "después de quince días de trabajo, se pavoneará durante un mes o dos con una espada a su lado y un sirviente siguiéndolo, de un juego de pelota al siguiente, siempre listo para involucrarse en una pelea o una discusión, de modo que es muy incómodo llevarse bien con él". [41]
En 1605, Caravaggio se vio obligado a huir a Génova durante tres semanas tras herir gravemente a Mariano Pasqualone di Accumoli, un notario, en una disputa sobre Lena, modelo y amante de Caravaggio. El notario informó haber sido atacado el 29 de julio con una espada, lo que le provocó una grave herida en la cabeza. [42] [43] Los mecenas de Caravaggio intervinieron y lograron encubrir el incidente.
A su regreso a Roma, Caravaggio fue demandado por su casera Prudenzia Bruni por no haberle pagado el alquiler. Por despecho, Caravaggio arrojó piedras por la ventana por la noche y fue demandado nuevamente.
En noviembre, Caravaggio fue hospitalizado por una lesión que, según él, había provocado él mismo al caer sobre su propia espada.
El 29 de mayo de 1606, Caravaggio mató a un joven, posiblemente sin intención, lo que provocó que huyera de Roma con una sentencia de muerte sobre él. Ranuccio Tomassoni era un gánster de una familia adinerada. Los dos habían discutido muchas veces, a menudo terminando a golpes. Las circunstancias no están claras, si una pelea o un duelo con espadas en Campo Marzio , pero el asesinato pudo haber sido involuntario.
En la época circularon muchos rumores sobre la causa de la pelea. Varios avvisi contemporáneos hicieron referencia a una disputa por una deuda de juego y una partida de pallacorda , una especie de tenis, y esta explicación se ha establecido en la imaginación popular. [44] Otros rumores, sin embargo, afirmaban que el duelo se originó por celos hacia Fillide Melandroni , una conocida prostituta romana que había posado para él como modelo en varias pinturas importantes; Tomassoni era su proxeneta. Según tales rumores, Caravaggio castró a Tomassoni con su espada antes de matarlo deliberadamente, con otras versiones que afirmaban que la muerte de Tomassoni había sido causada accidentalmente durante la castración. El duelo pudo haber tenido una dimensión política, ya que la familia de Tomassoni era notoriamente proespañola, mientras que Caravaggio era cliente del embajador francés.
Hasta entonces, los mecenas de Caravaggio habían logrado protegerlo de las consecuencias graves de sus frecuentes duelos y peleas, pero la adinerada familia de Tomassoni se sintió indignada por su muerte y exigió justicia. Los mecenas de Caravaggio no pudieron protegerlo. Caravaggio fue condenado a decapitación por asesinato y se decretó una recompensa pública, lo que permitió que cualquiera que lo reconociera pudiera ejecutar la sentencia legalmente. En esta época, las pinturas de Caravaggio comenzaron a representar obsesivamente cabezas cortadas, a menudo la suya propia.
Se pueden encontrar buenos relatos modernos en Caravaggio: A Life , de Peter Robb y Helen Langdon . El historiador del arte Andrew Graham-Dixon ha propuesto una teoría que relaciona la muerte con las nociones renacentistas de honor y heridas simbólicas . [45] Independientemente de los detalles, se trataba de un asunto serio. [46] [47]
Caravaggio se vio obligado a huir de Roma y se trasladó al sur de la ciudad, luego a Nápoles , Malta y Sicilia .
Tras la muerte de Tomassoni, Caravaggio huyó primero a las propiedades de la familia Colonna, al sur de Roma, y luego a Nápoles, donde Costanza Colonna Sforza, viuda de Francesco Sforza, en cuya casa de marido había ocupado un cargo el padre de Caravaggio, tenía un palacio. En Nápoles, fuera de la jurisdicción de las autoridades romanas y protegido por la familia Colonna, el pintor más famoso de Roma se convirtió en el más famoso de Nápoles.
Sus conexiones con los Colonna dieron lugar a una serie de encargos importantes para la iglesia, entre ellos la Virgen del Rosario y Las siete obras de misericordia . [48] Las siete obras de misericordia representa las siete obras corporales de misericordia como un conjunto de actos compasivos relacionados con las necesidades materiales de los demás. La pintura fue realizada para la iglesia de Pio Monte della Misericordia en Nápoles y todavía se conserva en ella. Caravaggio combinó las siete obras de misericordia en una composición, que se convirtió en el retablo de la iglesia . [49] Alessandro Giardino también ha establecido la conexión entre la iconografía de "Las siete obras de misericordia" y los círculos culturales, científicos y filosóficos de los comisionados de la pintura . [50]
A pesar de su éxito en Nápoles, tras sólo unos meses en la ciudad Caravaggio partió hacia Malta , sede de los Caballeros de Malta . Fabrizio Sforza Colonna, hijo de Costanza, era Caballero de Malta y general de las galeras de la Orden . Parece haber facilitado la llegada de Caravaggio a la isla en 1607 (y su huida al año siguiente). Caravaggio presumiblemente esperaba que el patrocinio de Alof de Wignacourt , Gran Maestre de los Caballeros de San Juan , pudiera ayudarle a conseguir el perdón por la muerte de Tomassoni. [27] Wignacourt quedó tan impresionado por tener al famoso artista como pintor oficial de la Orden que lo incorporó como Caballero, y el primer biógrafo Bellori registra que el artista estaba muy satisfecho con su éxito. [27]
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Entre las obras más importantes de su periodo en Malta se incluyen La decapitación de san Juan Bautista , su obra más grande y la única pintura en la que puso su firma, San Jerónimo escribiendo (ambas alojadas en la Concatedral de San Juan , La Valeta , Malta ) y un Retrato de Alof de Wignacourt y su paje , así como retratos de otros caballeros importantes. [27] Según Andrea Pomella, La decapitación de san Juan Bautista es considerada ampliamente "una de las obras más importantes de la pintura occidental". [28] Completada en 1608, la pintura había sido encargada por los Caballeros de Malta como retablo [28] [51] y midiendo 370 por 520 centímetros (145 pulgadas × 205 pulgadas) fue el retablo más grande que pintó Caravaggio. [52] Todavía cuelga en la Concatedral de San Juan , para la que fue encargada y donde el propio Caravaggio fue incluido y sirvió brevemente como caballero. [53] [52]
Sin embargo, a finales de agosto de 1608, fue arrestado y encarcelado, [27] probablemente como resultado de otra pelea, esta vez con un caballero aristocrático, durante la cual la puerta de una casa fue derribada y el caballero resultó gravemente herido. [27] [54] Caravaggio fue encarcelado por los Caballeros en La Valletta , pero logró escapar. En diciembre, había sido expulsado de la Orden "como un miembro repugnante y podrido", una frase formal utilizada en todos los casos de este tipo. [55]
Caravaggio se dirigió a Sicilia, donde se encontró con su viejo amigo Mario Minniti, que ya estaba casado y vivía en Siracusa . Juntos emprendieron lo que equivalió a una gira triunfal desde Siracusa a Messina y, tal vez, a la capital de la isla, Palermo . En Siracusa y Messina, Caravaggio continuó recibiendo encargos prestigiosos y bien pagados. Entre otras obras de este período se encuentran El entierro de Santa Lucía , La resurrección de Lázaro y La adoración de los pastores . Su estilo continuó evolucionando, mostrando ahora frisos de figuras aisladas contra vastos fondos vacíos. "Sus grandes retablos sicilianos aíslan sus figuras sombrías y lamentablemente pobres en vastas áreas de oscuridad; sugieren los temores desesperados y la fragilidad del hombre, y al mismo tiempo transmiten, con una ternura nueva pero desolada, la belleza de la humildad y de los mansos, que heredarán la tierra". [56] Los informes contemporáneos describen a un hombre cuyo comportamiento se estaba volviendo cada vez más extraño, que incluía dormir completamente armado y con su ropa, romper un cuadro ante la menor palabra de crítica y burlarse de los pintores locales.
Caravaggio mostró un comportamiento extraño desde el principio de su carrera. Mancini lo describe como "extremadamente loco", una carta de Del Monte señala su rareza y el biógrafo de Minniti de 1724 dice que Mario abandonó a Caravaggio debido a su comportamiento. La rareza parece haber aumentado después de Malta. La obra de Susinno Le vite de' pittori Messinesi ("Vidas de los pintores de Messina") de principios del siglo XVIII ofrece varias anécdotas pintorescas del comportamiento errático de Caravaggio en Sicilia, que se reproducen en biografías completas modernas como las de Langdon y Robb. Bellori escribe sobre el "miedo" de Caravaggio que lo llevó de ciudad en ciudad a lo largo de la isla y finalmente, "sintiendo que ya no era seguro quedarse", de regreso a Nápoles. Baglione dice que Caravaggio estaba siendo "perseguido por su enemigo", pero, al igual que Bellori, no dice quién era este enemigo.
Después de sólo nueve meses en Sicilia, Caravaggio regresó a Nápoles a finales del verano de 1609. Según su primer biógrafo, estaba siendo perseguido por enemigos mientras estaba en Sicilia y sintió que lo más seguro era ponerse bajo la protección de los Colonna hasta que pudiera asegurar su perdón del papa (ahora Pablo V ) y regresar a Roma. [57] En Nápoles pintó La negación de san Pedro , un último Juan Bautista (Borghese) y su último cuadro, El martirio de santa Úrsula . Su estilo continuó evolucionando: Santa Úrsula está capturada en un momento de máxima acción y drama, cuando la flecha disparada por el rey de los hunos la golpea en el pecho, a diferencia de pinturas anteriores que tenían toda la inmovilidad de los modelos posados. La pincelada también era mucho más libre e impresionista.
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En octubre de 1609, se vio involucrado en un violento enfrentamiento, un atentado contra su vida, tal vez emboscado por hombres a sueldo del caballero al que había herido en Malta o alguna otra facción de la Orden. Su rostro quedó gravemente desfigurado y circularon rumores en Roma de que estaba muerto. Pintó una Salomé con la cabeza de San Juan Bautista (Madrid) , mostrando su propia cabeza en una bandeja, y se la envió a Wignacourt como una súplica de perdón. Quizás en esta época, también pintó un David con la cabeza de Goliat , mostrando al joven David con una expresión extrañamente triste mirando la cabeza cortada del gigante, que nuevamente es Caravaggio. Es posible que haya enviado esta pintura a su patrón, el inescrupuloso cardenal amante del arte Scipione Borghese , sobrino del papa, que tenía el poder de conceder o denegar indultos. [58] Caravaggio esperaba que Borghese pudiera mediar en un indulto a cambio de obras del artista.
Las noticias que llegaban de Roma animaron a Caravaggio y, en el verano de 1610, tomó un barco rumbo al norte para recibir el perdón, que parecía inminente gracias a sus poderosos amigos romanos. Con él se encontraban tres últimos cuadros, los regalos para el cardenal Scipione. [59] Lo que sucedió a continuación es objeto de mucha confusión y conjeturas, envuelto en un gran misterio.
Los hechos parecen indicar que el 28 de julio un aviso anónimo enviado desde Roma a la corte ducal de Urbino informó que Caravaggio había muerto. Tres días después, otro aviso dijo que había muerto de fiebre durante el viaje de Nápoles a Roma. Un poeta amigo del artista dio más tarde el 18 de julio como fecha de muerte, y un investigador reciente afirma haber descubierto un aviso de defunción que muestra que el artista murió ese día de fiebre en Porto Ercole , cerca de Grosseto en la Toscana . [60]
Caravaggio tenía fiebre en el momento de su muerte, y lo que lo mató fue motivo de controversia y rumores en ese momento y ha sido un tema de debate y estudio histórico desde entonces. [61] Los rumores contemporáneos sostenían que la familia Tomassoni o los Caballeros lo habían matado en venganza. Tradicionalmente, los historiadores han pensado durante mucho tiempo que murió de sífilis . [61] Algunos han dicho que tenía malaria , o posiblemente brucelosis por productos lácteos no pasteurizados . [61] Algunos académicos han argumentado que Caravaggio fue en realidad atacado y asesinado por los mismos "enemigos" que lo habían estado persiguiendo desde que huyó de Malta, posiblemente Wignacourt o facciones de los Caballeros. [62]
Los restos de Caravaggio fueron enterrados en el cementerio de San Sebastiano de Porto Ercole, que cerró en 1956, y luego se trasladaron al cementerio de San Erasmo, donde, en 2010, los arqueólogos llevaron a cabo una investigación de un año de los restos encontrados en tres criptas y después de usar ADN, datación por carbono y otros métodos, creen con un alto grado de confianza que han identificado los de Caravaggio. [63] [64] Las pruebas iniciales sugirieron que Caravaggio podría haber muerto por envenenamiento por plomo : las pinturas utilizadas en ese momento contenían altas cantidades de sales de plomo, y se sabe que Caravaggio se entregó a un comportamiento violento, causado por el envenenamiento por plomo. [65] Investigaciones posteriores concluyeron que murió como resultado de una herida sufrida en una pelea en Nápoles, específicamente por sepsis causada por Staphylococcus aureus . [66]
Documentos del Vaticano publicados en 2002 apoyan la teoría de que la adinerada familia Tomassoni lo persiguió y lo mató como venganza por el asesinato del gángster Ranuccio Tomassoni por parte de Caravaggio, en un fallido intento de castración después de un duelo por los afectos de la modelo Fillide Melandroni. [67]
Desde la década de 1970, los estudiosos del arte y los historiadores han debatido las inferencias del homoerotismo en las obras de Caravaggio como una forma de comprender mejor al hombre. [68] Caravaggio nunca se casó y no tuvo hijos conocidos, y Howard Hibbard observó la ausencia de figuras femeninas eróticas en la obra del artista: "En toda su carrera no pintó un solo desnudo femenino", [69] y las piezas de gabinete del período Del Monte están repletas de "muchachos lánguidos y de labios carnosos... que parecen solicitar al espectador con sus ofertas de fruta, vino, flores y ellos mismos", lo que sugiere un interés erótico en la forma masculina. [70] El modelo de Amor vincit omnia , Cecco del Caravaggio , vivió con el artista en Roma y se quedó con él incluso después de que se vio obligado a abandonar la ciudad en 1606. Los dos pueden haber sido amantes. [71]
En una declaración judicial de 1605, Pasqualone menciona una conexión con cierta Lena, donde se la describe como "la chica de Miguel Ángel". [72] Según GB Passeri, esta "Lena" fue la modelo de Caravaggio para la Madonna di Loreto ; y según Catherine Puglisi, "Lena" puede haber sido la misma persona que la cortesana Maddalena di Paolo Antognetti, quien nombró a Caravaggio como "amiga íntima" según su propio testimonio en 1604. [73] [74] También se rumoreaba que Caravaggio estaba locamente enamorado de Fillide Melandroni, una conocida prostituta romana que posó para él en varias pinturas importantes. [75]
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La sexualidad de Caravaggio también fue objeto de especulaciones tempranas debido a las afirmaciones sobre el artista de Honoré Gabriel Riqueti, conde de Mirabeau . Escribiendo en 1783, Mirabeau contrastó la vida personal de Caravaggio directamente con los escritos de San Pablo en el Libro de Romanos , [76] argumentando que los " romanos " practican excesivamente la sodomía o la homosexualidad . Las enseñanzas de la Santa Madre Iglesia Católica sobre la moralidad (y así sucesivamente; título corto del libro) contienen la frase en latín " Et fœminæ eorum immutaverunt naturalem usum in eum usum qui est contra naturam. " ("y sus mujeres cambiaron sus hábitos naturales por los que son contra naturaleza"). [77] La frase, según Mirabeau, entró en los pensamientos de Caravaggio, y afirmó que tal "abominación" podría ser presenciada a través de una pintura particular albergada en el Museo del Gran Duque de Toscana , que presenta un rosario de naturaleza blasfema , en el que un círculo de treinta hombres ( turpiter ligati ) están entrelazados en un abrazo y presentados en una composición desenfrenada. Mirabeau señala que la naturaleza afectuosa de la representación de Caravaggio refleja el brillo voluptuoso de la sexualidad del artista. [78] A fines del siglo XIX, Sir Richard Francis Burton identificó la pintura como la pintura de Caravaggio de San Rosario. Burton también identifica tanto a San Rosario como a esta pintura con las prácticas de Tiberio mencionadas por Séneca el Joven . [79] Se desconoce el estado de supervivencia y la ubicación de la pintura de Caravaggio. Ninguna pintura de este tipo aparece en su catálogo o en los de su escuela. [80]
Además de las pinturas, también hay pruebas del proceso por difamación iniciado contra Caravaggio por Giovanni Baglione en 1603. Baglione acusó a Caravaggio y a sus amigos de escribir y distribuir panfletos difamatorios que lo atacaban; los panfletos, según el amigo y testigo de Baglione, Mao Salini, habían sido distribuidos por un tal Giovanni Battista, un bardassa , o niño prostituto, compartido por Caravaggio y su amigo Onorio Longhi. Caravaggio negó conocer a ningún joven con ese nombre, y la acusación no fue investigada. [81]
El cuadro de Baglione "El amor divino" también ha sido visto como una acusación visual de sodomía contra Caravaggio. [75] Tales acusaciones eran dañinas y peligrosas, ya que la sodomía era un delito capital en ese momento. Aunque era poco probable que las autoridades investigaran a una persona tan bien relacionada como Caravaggio, "una vez que un artista había sido difamado como pederasta, su trabajo también era difamado". [71] Francesco Susino en su biografía posterior relata además la historia de cómo el artista fue perseguido por un maestro de escuela en Sicilia por pasar demasiado tiempo mirando a los niños a su cuidado. Susino lo presenta como un malentendido, pero algunos autores han especulado que Caravaggio puede haber estado de hecho buscando sexo con los niños, utilizando el incidente para explicar algunas de sus pinturas que creen que son homoeróticas. [82]
El historiador del arte Andrew Graham-Dixon ha resumido el debate:
Se ha hablado mucho de la presunta homosexualidad de Caravaggio, que en más de un relato previo sobre su vida se ha presentado como la única clave que lo explica todo, tanto el poder de su arte como las desgracias de su vida. No hay pruebas absolutas de ello, sólo pruebas circunstanciales sólidas y muchos rumores. El balance de probabilidades sugiere que Caravaggio efectivamente tuvo relaciones sexuales con hombres, pero sin duda tuvo amantes femeninas. A lo largo de los años que pasó en Roma, mantuvo una estrecha relación con varias prostitutas. La verdad es que Caravaggio se sentía tan incómodo en sus relaciones como en la mayoría de los demás aspectos de la vida. Probablemente se acostó con hombres, se acostó con mujeres, no se conformó con nadie... [pero] la idea de que fue un mártir temprano de los impulsos de una sexualidad no convencional es una ficción anacrónica. [71]
El crítico de arte del Washington Post, Philip Kennicott, ha cuestionado lo que considera una minimización por parte de Graham-Dixon de la homosexualidad de Caravaggio:
Siempre que un erudito o curador se veía obligado a lidiar con la sexualidad transgresora, se utilizaba un tono algo quisquilloso, que todavía se puede encontrar incluso en historias relativamente recientes, incluida la biografía de Caravaggio de 2010 escrita por Andrew Graham-Dixon, que solo reconoce que "probablemente se acostó con hombres". [83] El autor señala los deseos sexuales fluidos del artista, pero da a algunas de las pinturas más explícitamente homoeróticas de Caravaggio lecturas tortuosas para mantenerlas a salvo en la categoría de mera "ambigüedad".
Caravaggio "puso lo oscuro (sombras) en claroscuro ". [84] El claroscuro se practicaba mucho antes de que él apareciera en escena, pero fue Caravaggio quien hizo de la técnica un elemento estilístico dominante, oscureciendo las sombras y atravesando al sujeto en un haz de luz cegador. Con esto vino la observación aguda de la realidad física y psicológica que formó la base tanto de su inmensa popularidad como de sus frecuentes problemas con sus encargos religiosos.
Trabajó a gran velocidad, a partir de modelos vivos, marcando guías básicas directamente sobre el lienzo con la punta del mango del pincel; muy pocos de los dibujos de Caravaggio parecen haber sobrevivido, y es probable que prefiriera trabajar directamente sobre el lienzo, un enfoque inusual en la época. Sus modelos fueron fundamentales para su realismo; se han identificado algunos, incluidos Mario Minniti y Francesco Boneri , ambos artistas compañeros; Minniti aparece como varias figuras en las primeras obras seculares, el joven Boneri como una sucesión de ángeles, bautistas y David en los lienzos posteriores. Sus modelos femeninas incluyen a Fillide Melandroni , Anna Bianchini y Maddalena Antognetti (la "Lena" mencionada en los documentos judiciales del caso de la "alcachofa" [85] como la concubina de Caravaggio), todas prostitutas conocidas, que aparecen como figuras religiosas femeninas, incluida la Virgen y varios santos. [86] El propio Caravaggio aparece en varias pinturas, siendo su autorretrato final el del testigo en el extremo derecho del Martirio de Santa Úrsula . [87]
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Caravaggio posee una notable capacidad para expresar en una escena de una viveza insuperable el transcurso de un momento crucial. La Cena de Emaús representa el reconocimiento de Cristo por sus discípulos: un momento antes es un compañero de viaje, que llora la muerte del Mesías, como nunca deja de serlo a los ojos del posadero; un segundo después, es el Salvador. En La vocación de san Mateo , la mano del santo se señala a sí mismo como si estuviera diciendo: "¿Quién, yo?", mientras que sus ojos, fijos en la figura de Cristo, ya han dicho: "Sí, te seguiré". Con La resurrección de Lázaro , va un paso más allá, dejando entrever el proceso físico real de la resurrección. El cuerpo de Lázaro todavía está en los dolores del rigor mortis , pero su mano, que mira y reconoce la de Cristo, está viva. Otros grandes artistas barrocos seguirían el mismo camino, como por ejemplo Bernini , fascinado por los temas de las Metamorfosis de Ovidio . [88]
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La instalación de las pinturas de San Mateo en la Capilla Contarelli tuvo un impacto inmediato entre los artistas más jóvenes de Roma, y el caravaggismo se convirtió en la vanguardia para cada pintor joven ambicioso. Los primeros caravaggistas incluyeron a Orazio Gentileschi y Giovanni Baglione . La fase caravaggista de Baglione duró poco; Caravaggio más tarde lo acusó de plagio y los dos estuvieron involucrados en una larga disputa. Baglione pasó a escribir la primera biografía de Caravaggio. En la siguiente generación de caravaggistas, estaban Carlo Saraceni , Bartolomeo Manfredi y Orazio Borgianni . Gentileschi, a pesar de ser considerablemente mayor, fue el único de estos artistas que vivió mucho más allá de 1620 y terminó como pintor de la corte de Carlos I de Inglaterra . Su hija Artemisia Gentileschi también era estilísticamente cercana a Caravaggio y una de las más talentosas del movimiento. Sin embargo, en Roma e Italia, no fue Caravaggio, sino la influencia de su rival Annibale Carracci , que mezclaba elementos del Alto Renacimiento y del realismo lombardo, el que finalmente triunfó.
La breve estancia de Caravaggio en Nápoles dio origen a una notable escuela de caravaggistas napolitanos, entre los que se encontraban Battistello Caracciolo y Carlo Sellitto . El movimiento caravaggista allí terminó con un terrible brote de peste en 1656, pero la conexión española (Nápoles era una posesión de España) fue fundamental para formar la importante rama española de su influencia.
Rubens fue probablemente uno de los primeros artistas flamencos en ser influenciado por Caravaggio, cuya obra conoció durante su estancia en Roma en 1601. Más tarde pintó una copia (o más bien una interpretación) de El entierro de Cristo de Caravaggio y recomendó a su mecenas, el duque de Mantua , que comprara La muerte de la Virgen ( Louvre ). Aunque parte de este interés por Caravaggio se refleja en sus dibujos durante su residencia italiana, fue solo después de su regreso a Amberes en 1608 que las obras de Rubens muestran rasgos abiertamente caravaggescos, como en Caín matando a Abel (1608-1609) ( Courtauld Institute of Art ) y La anciana y el niño con velas (1618-1619) ( Mauritshuis ). Sin embargo, la influencia de Caravaggio en la obra de Rubens sería menos importante que la de Rafael , Correggio , Barocci y los venecianos. Los artistas flamencos, que fueron influenciados por Rubens, como Jacob Jordaens , Pieter van Mol , Gaspar de Crayer y Willem Jacob Herreyns , también utilizaron cierto realismo marcado y fuertes contrastes de luz y sombra, comunes al estilo caravaggesco. [89]
Varios artistas católicos de Utrech , entre ellos Hendrick ter Brugghen , Gerrit van Honthorst y Dirck van Baburen, viajaron a Roma en las primeras décadas del siglo XVII, donde recibieron una profunda influencia de la obra de Caravaggio y sus seguidores. A su regreso a Utrech, sus obras caravaggescas inspiraron un florecimiento efímero pero influyente de obras de arte inspiradas indirectamente en estilo y temática por las obras de Caravaggio y sus seguidores italianos. Este estilo de pintura se denominó posteriormente caravaggismo de Utrech . En la siguiente generación de artistas holandeses, los efectos de Caravaggio, aunque atenuados, se pueden ver en la obra de Vermeer y Rembrandt, ninguno de los cuales visitó Italia. [90]
Las innovaciones de Caravaggio inspiraron el Barroco, pero el Barroco tomó el dramatismo de su claroscuro sin el realismo psicológico. [ dudoso – discutir ] Si bien influyó directamente en el estilo de los artistas mencionados anteriormente y, a distancia, en los franceses Georges de La Tour y Simon Vouet , y el español Giuseppe Ribera , en pocas décadas sus obras se atribuyeron a artistas menos escandalosos, o simplemente se pasaron por alto. El Barroco, al que tanto contribuyó, había evolucionado y las modas habían cambiado, pero quizás lo más pertinente es que Caravaggio nunca estableció un taller como lo hicieron los Carracci y, por lo tanto, no tuvo escuela para difundir sus técnicas. Tampoco expuso nunca su enfoque filosófico subyacente al arte, el realismo psicológico que solo puede deducirse de su trabajo sobreviviente.
Por ello, su reputación era doblemente vulnerable a las críticas poco comprensivas de sus primeros biógrafos, Giovanni Baglione , un pintor rival con una vendetta, y el influyente crítico del siglo XVII Gian Pietro Bellori , que no lo había conocido pero estaba bajo la influencia del anterior Giovanni Battista Agucchi y del amigo de Bellori , Poussin , al preferir la tradición "clásico-idealista" de la escuela boloñesa liderada por los Carracci. [91] Baglione, su primer biógrafo, jugó un papel considerable en la creación de la leyenda del carácter inestable y violento de Caravaggio, así como de su incapacidad para dibujar. [92]
En la década de 1920, el crítico de arte Roberto Longhi volvió a poner en primer plano el nombre de Caravaggio y lo situó en la tradición europea: « Ribera , Vermeer , La Tour y Rembrandt nunca habrían podido existir sin él. Y el arte de Delacroix , Courbet y Manet habría sido completamente diferente». [93] El influyente Bernard Berenson estuvo de acuerdo: «Con la excepción de Miguel Ángel , ningún otro pintor italiano ejerció una influencia tan grande». [94]
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El epitafio de Caravaggio fue compuesto por su amigo Marzio Milesi. [95] Dice así:
"Miguel Ángel Merisi, hijo de Fermo di Caravaggio, en pintura no igual a un pintor, sino a la Naturaleza misma, murió en Port' Ercole, viniendo aquí desde Nápoles, regresando a Roma, el 15 de agosto, en el año de Nuestro Señor 1610. Vivió treinta y seis años, nueve meses y veinte días. Marzio Milesi, Jurisconsulto. Dedicó esto a un amigo de extraordinario genio". [96]
Fue conmemorado en el anverso del billete de 100.000 liras del Banco de Italia en los años 1980 y 1990 (antes de que Italia cambiara al euro), mientras que en el reverso se muestra su cesta de frutas .
Hay desacuerdo en cuanto al tamaño de la obra de Caravaggio, con recuentos tan bajos como 40 y tan altos como 80. En su monografía de 1983, el erudito en Caravaggio Alfred Moir escribió: "Las cuarenta y ocho láminas en color de este libro incluyen casi todas las obras supervivientes aceptadas por todos los expertos en Caravaggio como autógrafos, e incluso los menos exigentes añadirían menos de una docena más", [97] pero ha habido algunas adiciones generalmente aceptadas desde entonces. Una, La vocación de los santos Pedro y Andrés , fue autentificada y restaurada en 2006; había estado almacenada en Hampton Court , mal etiquetada como una copia. Richard Francis Burton escribe sobre una "imagen de San Rosario (en el museo del Gran Duque de Toscana), que muestra un círculo de treinta hombres turpiter ligati " ("lascivamente atados"), que no se sabe que haya sobrevivido. La versión rechazada de San Mateo y el ángel , destinada a la Capilla Contarelli en San Luigi dei Francesi en Roma , fue destruida durante el bombardeo de Dresde , aunque existen fotografías en blanco y negro de la obra. En junio de 2011 se anunció que una pintura de Caravaggio de San Agustín que databa de alrededor de 1600 y que hasta entonces no se conocía había sido descubierta en una colección privada en Gran Bretaña. Denominada un «descubrimiento significativo», la pintura nunca había sido publicada y se cree que fue encargada por Vincenzo Giustiniani , un mecenas del pintor en Roma. [98]
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En 2014 se descubrió en un ático de Toulouse una pintura que representaba a Judith decapitando a Holofernes. En abril de 2016, el experto y comerciante de arte a quien se le mostró la obra anunció que se trataba de una pintura perdida hace mucho tiempo de la mano del propio Caravaggio. Esa pintura perdida de Caravaggio solo se conocía hasta esa fecha por una presunta copia de la misma del pintor flamenco Louis Finson , que había compartido un estudio con Caravaggio en Nápoles. [99] El gobierno francés impuso una prohibición de exportación a la pintura recién descubierta mientras se realizaban pruebas para establecer si era una pintura auténtica de Caravaggio. [100] [101] En febrero de 2019 se anunció que la pintura se vendería en una subasta después de que el Louvre rechazara la oportunidad de comprarla por 100 millones de euros. [102] Después de que se consideró una subasta, la pintura finalmente se vendió en una venta privada al multimillonario administrador de fondos de cobertura estadounidense J. Tomilson Hill . [103] [104] El mundo de la historia del arte no está unido en cuanto a la atribución de la obra, ya que el comerciante de arte que vendió la obra promovió su autenticidad con el apoyo de los historiadores del arte a quienes se les dio acceso privilegiado a la obra, mientras que otros historiadores del arte siguen sin estar convencidos, principalmente basándose en consideraciones estilísticas y de calidad. [105] [106] Algunos historiadores del arte creen que puede ser una obra del propio Louis Finson . [107]
En abril de 2021, una obra menor que se cree que pertenece al círculo de un seguidor español de Caravaggio, Jusepe de Ribera , fue retirada de la venta en la casa de subastas madrileña Ansorena cuando el Museo del Prado alertó al Ministerio de Cultura , que impuso una prohibición preventiva de exportación de la pintura. La pintura de 111 centímetros (44 pulgadas) por 86 centímetros (34 pulgadas) ha estado en la familia Pérez de Castro desde 1823, cuando fue canjeada por otra obra de la Real Academia de San Fernando . Había sido catalogada como "Ecce-Hommo con dos saiones de Carabaggio" antes de que la atribución se perdiera más tarde o se cambiara al círculo de Ribera. La evidencia estilística, así como la similitud de los modelos con los de otras obras de Caravaggio, ha convencido a algunos expertos de que la pintura es el ' Ecce Homo ' original de Caravaggio para el encargo de Massimo Massimi de 1605. Otros expertos cuestionan la atribución a Caravaggio. El cuadro está siendo restaurado por Colnaghis , quien también se ocupará de la futura venta de la obra. [108] [109] [110] [111] [112]
En octubre de 1969, dos ladrones entraron en el Oratorio de San Lorenzo en Palermo , Sicilia , y robaron la Natividad de Caravaggio con San Francisco y San Lorenzo de su marco. [113] Los expertos estimaron su valor en 20 millones de dólares. [114] [115]
Tras el robo, la policía italiana creó un grupo de trabajo contra el robo de obras de arte con el objetivo específico de recuperar las obras perdidas o robadas. Desde la creación de este grupo de trabajo, se han seguido muchas pistas relacionadas con la Natividad . Antiguos miembros de la mafia italiana han declarado que la Natividad con San Francisco y San Lorenzo fue robada por la mafia siciliana y exhibida en importantes reuniones de la mafia. [116] Antiguos miembros de la mafia han dicho que la Natividad fue dañada y desde entonces ha sido destruida. [116]
Se desconoce aún el paradero del cuadro. Actualmente, en su lugar cuelga una reproducción en el Oratorio de San Lorenzo. [116]
En diciembre de 1984, San Jerónimo escribiendo (Caravaggio, Valletta) fue robado de la Concatedral de San Juan, en Malta. El lienzo fue cortado del marco. La pintura fue recuperada dos años después, tras negociaciones entre los ladrones y el padre Marius J. Zerafa, entonces director de museos de Malta. El padre Marius J. Zerafa había registrado un relato completo del robo y la recuperación exitosa en su libro Caravaggio Diaries .
La obra de Caravaggio ha sido muy influyente en la cultura gay estadounidense de finales del siglo XX, con frecuentes referencias a imágenes sexuales masculinas en pinturas como Los músicos y Amor victorioso . [117] El cineasta británico Derek Jarman realizó una película biográfica aplaudida por la crítica titulada Caravaggio en 1986. [118] Varios poemas escritos por Thom Gunn fueron respuestas a pinturas específicas de Caravaggio. [117]
En 2013, se inauguró una exposición itinerante de Caravaggio llamada "Burst of Light: Caravaggio and His Legacy" en el Museo de Arte Wadsworth Atheneum en Hartford, Connecticut. [119] La muestra incluyó cinco pinturas del maestro artista que incluían San Juan Bautista en el desierto (1604-1605) y Marta y María Magdalena (1589). El conjunto viajó a Francia y también a Los Ángeles, California. Otros artistas barrocos como Georges de La Tour , Orazio Gentileschi y el trío español de Diego Velázquez, Francisco de Zurbarán y Carlo Saraceni también se incluyeron en las exposiciones.
En 2022 se estrenó una nueva película biográfica sobre Caravaggio: L'Ombra di Caravaggio , una película italo-francesa dirigida por Michele Placido . [120]
Caravaggio fue un personaje destacado en la serie de Netflix Ripley de Steven Zaillian , basada en el libro de Patricia Highsmith El talentoso Sr. Ripley . También se representa el asesinato de Rannucchio. Caravaggio es interpretado por Daniele Rienzo. [121] [122] [123]
{{cite book}}: CS1 maint: postscript (link){{cite news}}: |last3= has generic name (help)The main primary sources for Caravaggio's life are:
All have been reprinted in Howard Hibbard's Caravaggio and in the appendices to Catherine Puglisi's Caravaggio.
