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En las prácticas funerarias de la antigua Roma y el arte funerario romano , los sarcófagos de mármol y piedra caliza elaborados en relieve eran característicos de los entierros de inhumación de élite desde el siglo II al IV d. C. [2] Han sobrevivido al menos 10.000 sarcófagos romanos, con fragmentos que posiblemente representan hasta 20.000. [3] Aunque las escenas mitológicas han sido ampliamente estudiadas, [4] el relieve del sarcófago ha sido llamado la "fuente individual más rica de iconografía romana", [5] y también puede representar la ocupación o el curso de vida del difunto, escenas militares y otros temas. Los mismos talleres produjeron sarcófagos con imágenes judías o cristianas. [6] Los sarcófagos paleocristianos producidos a partir de finales del siglo III en adelante, representan la forma más temprana de escultura cristiana de gran tamaño y son importantes para el estudio del arte paleocristiano .
En su mayoría, se fabricaban en unas pocas ciudades importantes, entre ellas Roma y Atenas , que las exportaban a otras ciudades. En el resto del mundo, las estelas sepulcrales siguieron siendo más comunes. Siempre fueron una forma muy cara reservada a la élite, y especialmente en los relativamente pocos ejemplos muy elaborados; la mayoría eran siempre relativamente sencillos, con inscripciones o símbolos como guirnaldas. Los sarcófagos se dividen en varios estilos, según la zona de producción. Los "romanos" se hacían para apoyarse contra una pared, y un lado se dejaba sin tallar, mientras que los "áticos" y otros tipos se tallaban en los cuatro lados; pero los lados cortos generalmente estaban decorados de forma menos elaborada en ambos tipos. [7]
El tiempo que se tardaba en realizarlos alentó el uso de temas estándar, a los que se podían agregar inscripciones para personalizarlos, y los retratos de los difuntos tardaron en aparecer. Los sarcófagos ofrecen ejemplos de relieves intrincados que representan escenas a menudo basadas en la mitología griega y romana o religiones mistéricas que ofrecían salvación personal, y representaciones alegóricas . El arte funerario romano también ofrece una variedad de escenas de la vida cotidiana, como juegos, caza y esfuerzos militares. [7] El arte cristiano primitivo adoptó rápidamente el sarcófago, y son la forma más común de escultura cristiana primitiva, progresando desde ejemplos simples con símbolos hasta frentes elaborados, a menudo con pequeñas escenas de la vida de Cristo en dos filas dentro de un marco arquitectónico. El sarcófago de Junius Bassus (ca. 359) es de este tipo, y el Sarcófago Dogmático anterior bastante más simple. Los enormes sarcófagos de pórfido de Helena y Constantina son grandes ejemplos imperiales.
La cremación era el método predominante para disponer de los restos en la República romana . Las cenizas contenidas en urnas cinerarias y otros recipientes monumentales se colocaban en las tumbas. A partir del siglo II d. C., la inhumación se hizo más común y, después de que el Imperio romano quedara bajo el dominio cristiano, se convirtió en una práctica estándar. [8] El sarcófago de Lucio Cornelio Escipión Barbato es un raro ejemplo de mucho antes. Un sarcófago, que significa "devorador de carne" en griego, es un ataúd de piedra utilizado para entierros de inhumación. [9] Los sarcófagos se encargaban no solo para la élite de la sociedad romana (ciudadanos varones maduros), [10] sino también para niños, familias enteras y esposas y madres queridas. Los sarcófagos más caros estaban hechos de mármol, pero también se usaban otras piedras, plomo y madera. [9] Junto con la gama de materiales de producción, existía una variedad de estilos y formas, dependiendo de dónde se producía el sarcófago y para quién se producía.
Las prácticas funerarias de inhumación y el uso de sarcófagos no siempre fueron la costumbre funeraria romana preferida. Los etruscos y los griegos utilizaron sarcófagos durante siglos antes de que los romanos finalmente adoptaran la práctica en el siglo II. [9] Antes de ese período, los muertos eran generalmente incinerados y colocados en cofres de ceniza de mármol o altares de ceniza, o simplemente eran conmemorados con un altar funerario que no estaba diseñado para contener restos incinerados. A pesar de ser la principal costumbre funeraria durante la República romana, los cofres de ceniza y los altares funerarios prácticamente desaparecieron del mercado solo un siglo después de la llegada del sarcófago. [11]
Se suele suponer que la popularidad de los sarcófagos comenzó con la aristocracia romana y gradualmente fue ganando aceptación entre las clases bajas. [10] Sin embargo, en el pasado, los altares funerarios y los cofres de cenizas más caros y ostentosos eran encargados con mayor frecuencia por libertos ricos y otros miembros de la emergente clase media que por la élite romana. [12] Debido a este hecho y a la falta de inscripciones en los sarcófagos antiguos, no hay pruebas suficientes para juzgar si la moda de los sarcófagos comenzó o no con una clase social específica. Las pruebas supervivientes indican que una gran mayoría de los primeros sarcófagos se utilizaban para niños. Esto sugiere que el cambio en la práctica funeraria puede no haberse derivado simplemente de un cambio en la moda, sino quizás de actitudes funerarias modificadas. Es posible que la decisión de comenzar a inhumar los cuerpos se produjera porque las familias creían que la inhumación era un rito funerario más amable y menos perturbador que la cremación, lo que requería un cambio en el monumento funerario. [10]
Aunque los altares funerarios y los baúles de ceniza prácticamente desaparecieron del mercado en el siglo II, algunos aspectos de su decoración perduraron en algunos elementos estilísticos de los sarcófagos. El grupo estilístico más grande de sarcófagos tempranos del siglo II son los sarcófagos con guirnaldas, una costumbre de decoración que se usaba anteriormente en los baúles de ceniza y los altares funerarios. Aunque la premisa de la decoración es la misma, hay algunas diferencias. Los soportes de las guirnaldas son a menudo figuras humanas en lugar de las cabezas de animales utilizadas anteriormente. Además, escenas mitológicas específicas llenan el campo, en lugar de pequeños pájaros u otras escenas menores. El panel de inscripción en los altares y baúles de ceniza con guirnaldas también falta en los sarcófagos con guirnaldas. Cuando un sarcófago tenía una inscripción, parecía ser un añadido adicional y generalmente corría a lo largo del borde superior del baúl o entre las decoraciones. [13] El hecho de que los primeros sarcófagos con guirnaldas continuaran la tradición de los altares funerarios con guirnaldas decoradas sugiere que los clientes y escultores de sarcófagos tenían enfoques similares a los que compraban y producían altares funerarios. Ambos monumentos emplearon una colección similar de motivos estilísticos con solo cambios sutiles en la iconografía. [14]
La producción de sarcófagos del antiguo Imperio Romano involucraba a tres partes principales: el cliente, el taller de escultura que tallaba el monumento y el taller de la cantera que suministraba los materiales. La distancia entre estas partes era muy variable debido al gran tamaño del Imperio. [15] El romano metropolitano, el ático y el asiático eran los tres principales tipos regionales de sarcófagos que dominaban el comercio en todo el Imperio Romano. [9] Aunque estaban divididos en regiones, la producción de sarcófagos no era tan simple como podría parecer. Por ejemplo, los talleres áticos estaban cerca del monte Pentélico , la fuente de sus materiales, pero generalmente estaban muy lejos de su cliente. Lo opuesto era cierto para los talleres de la Roma metropolitana, que tendían a importar sarcófagos grandes y en bruto de canteras distantes para completar sus encargos. Dependiendo de la distancia y la solicitud del cliente (algunos clientes podían optar por dejar elementos de sus sarcófagos sin terminar hasta una fecha futura, introduciendo la posibilidad de más trabajo después del encargo principal), los sarcófagos estaban en muchas etapas diferentes de producción durante el transporte. Como resultado, es difícil desarrollar un modelo estandarizado de producción. [16]
Roma era el principal centro de producción en la parte occidental del imperio. Los sarcófagos romanos metropolitanos solían tener la forma de una caja rectangular baja con una tapa plana. Como el sarcófago solía colocarse en un nicho o contra una pared en un mausoleo, normalmente solo estaban decorados en el frente y dos lados más cortos. Muchos estaban decorados con tallas de guirnaldas y frutas y hojas, así como escenas narrativas de la mitología griega. También eran populares las escenas de batallas y caza, los acontecimientos biográficos de la vida del difunto, los bustos, la profesión del difunto y los diseños abstractos. [9]
Atenas era el principal centro de producción de sarcófagos de estilo ático. Estos talleres producían principalmente sarcófagos para la exportación. Tenían forma rectangular y a menudo estaban decorados en los cuatro lados, a diferencia del estilo romano metropolitano, con tallas ornamentales a lo largo del borde inferior y superior del monumento. Las tapas también eran diferentes del estilo romano metropolitano plano y presentaban un techo a dos aguas, [9] o una tapa kline, que está tallada al estilo de los cojines de un sofá sobre el que se reclina la forma del difunto. [18] La gran mayoría de estos sarcófagos también presentaban temas mitológicos, especialmente la Guerra de Troya , Aquiles y batallas con las Amazonas . [9]
Los talleres del Dokimeion en Frigia se especializaron en sarcófagos asiáticos de gran tamaño y forma arquitectónica. Muchos presentaban una serie de columnas unidas por un entablamento en los cuatro lados con figuras humanas en el área entre las columnas. Las tapas a menudo se hacían con diseño de tejado a dos aguas para completar los sarcófagos de estilo arquitectónico de modo que el ataúd formara una especie de casa o templo para el difunto. Otras ciudades de Asia Menor también produjeron sarcófagos de la tradición de la guirnalda. En general, los sarcófagos estaban decorados en tres o cuatro lados, dependiendo de si se iban a exhibir en un pedestal en un entorno al aire libre o contra las paredes dentro de las tumbas. [9]
La transición de las guirnaldas clásicas y los relieves estacionales con figuras mitológicas más pequeñas a un mayor enfoque en escenas mitológicas completas comenzó con la ruptura del estilo clásico a fines del siglo II hacia el final del reinado de Marco Aurelio . [19] Este cambio condujo al desarrollo de temas y significados populares representados a través de escenas mitológicas y alegorías. Las escenas mitológicas más populares en los sarcófagos romanos funcionaron como ayudas para el duelo, visiones de vida y felicidad y oportunidades para la autorrepresentación de los ciudadanos romanos.
Las imágenes de Meleagro , el héroe que mató al jabalí de Calidón , siendo llorado por su amante y compañera de caza Atlanta, así como las imágenes de Aquiles llorando a Patroclo eran muy comunes en los sarcófagos que actuaban como ayudas para el duelo. En ambos casos, las escenas mitológicas eran similares a las prácticas de duelo de los ciudadanos romanos comunes en un esfuerzo por reflejar su dolor y consolarlos cuando visitaban la tumba. [20] Las imágenes lúdicas que representaban a las nereidas , los triunfos dionisíacos y las escenas de amor de Dioniso y Ariadna también se representaban comúnmente en los sarcófagos. [21] Es posible que estas escenas de felicidad y amor frente a la muerte y el duelo alentaran a los vivos a disfrutar de la vida mientras pudieran, y reflejaran la celebración y las comidas que los dolientes disfrutarían más tarde en la tumba cuando regresaran a visitar al difunto. [22] El siglo III supuso el regreso de la popularidad de la autorrepresentación en los sarcófagos romanos.
Los ciudadanos romanos abordaban la autorrepresentación en los sarcófagos de distintas maneras. Algunos tenían representaciones reales del rostro o la figura completa del difunto. En otros casos, se utilizaban retratos mitológicos para conectar las características del difunto con los rasgos del héroe o heroína retratado. Por ejemplo, los retratos mitológicos comunes de mujeres fallecidas las identificaban con mujeres de rasgos elogiados en el mito, como la devota Selene o la leal Alcestis . [23] Las escenas que presentaban las figuras de Meleagro y Aquiles expresaban valentía y a menudo se producían en sarcófagos que contenían a hombres fallecidos. [9] Las escenas biográficas que enfatizaban las verdaderas virtudes de los ciudadanos romanos también se usaban para conmemorar a los difuntos. Los académicos sostienen que estas escenas biográficas, así como las comparaciones con personajes mitológicos, sugieren que la autorretratos en los sarcófagos romanos no existía para celebrar los rasgos del difunto, sino más bien para enfatizar los valores culturales romanos favorecidos [24] y demostrar que la familia del difunto eran miembros educados de la élite que podían comprender alegorías mitológicas difíciles. [25]
La ruptura del estilo clásico dio lugar a un período en el que los relieves mitológicos completos con un aumento del número de figuras y una elongación de las formas se hicieron más populares, como se ha comentado anteriormente. La proporción de figuras en los relieves también se volvió cada vez más desequilibrada, ya que las figuras principales ocupaban la mayor superficie y las figuras más pequeñas se apiñaban en los pequeños huecos de espacio vacío. [26] En el siglo III, otra transición en el tema y el estilo de los sarcófagos supuso el regreso de la popularidad de la representación de retratos mitológicos y no mitológicos de los difuntos. [27] Las imágenes de las cuatro estaciones también se hicieron populares durante los siglos III y IV. Con la llegada del cristianismo en el siglo III, los motivos tradicionales, como las estaciones, permanecieron y aparecieron imágenes que representaban la creencia en el más allá. El cambio de estilo que trajo consigo el cristianismo es quizás el más significativo, ya que señala un cambio en el énfasis en las imágenes de retrospección e introdujo imágenes del más allá. [28]
La historia de Níobe y sus 14 hijos es trágica. Níobe, después de tener tantos hijos que llegaron a la madurez, se jactó de tener tantos hijos ante Leto , quien solo tenía dos. Este acto de arrogancia fue imperdonable para la titánide, por lo que envió a sus dos hijos, Apolo y Artemisa , a matar a sus hijos. Según la versión de Ovidio, los gemelos matan primero a los hijos mientras practican la equitación fuera de la ciudad, y luego a las hijas mientras están de luto por sus hermanos y padres. En el mito, supuestamente el padre se suicida de dolor después de que mueren sus siete hijos, y cuando Artemisa ha matado a todos menos a la hija menor, Níobe ruega que la perdonen. Por desgracia, no se salva, y por el dolor Níobe se convierte en piedra. [29]
En el sarcófago que muestra la masacre de los hijos de Níobe, tallado alrededor del año 160 d. C. y que ahora se encuentra en la Gliptoteca de Múnich , Artemisa está representada en el extremo izquierdo disparando a cinco mujeres Nióbidas (el término “Níobidas” se refiere a los hijos de Níobe), y Apolo en el extremo derecho disparando a cinco hombres Nióbidas, ambos con un niño muerto a sus pies. El frente de este sarcófago solo muestra diez Nióbidas, pero hay dos más representados a cada lado. También hay dos pedagogos barbudos que intentan salvar a las Nióbidas en el frente y una enfermera a la izquierda que intenta hacer lo mismo en el frente, junto con la propia Níobe a la izquierda que intenta proteger a una de sus hijas. La tapa muestra los 14 cadáveres apilados uno sobre otro de manera desordenada, lo que enfatiza la crueldad de esta tragedia. [30]
Este mito se utiliza en relativamente pocos sarcófagos, pero como muchos otros sarcófagos que representan tragedias, la intención detrás de esta imagen es mostrar al espectador lo trágica que fue la muerte de su ser querido. Los 14 Niobids fueron secuestrados cuando eran niños, lo que es una tragedia porque tenían mucho más tiempo de vida y más cosas que hacer, y la forma en que murieron también es muy trágica. Niobe, en particular, debe haberse sentido muy triste por la pérdida de sus hijos, ya que antes estaba tan feliz de haber tenido tantos hijos que tuvo que caer emocionalmente aún más. Además, perdió a su marido debido a esta masacre, por lo que estaba realmente sola en el mundo. La persona que eligió este sarcófago para su ser querido probablemente se vio a sí misma como Niobe y a su ser querido como los Niobids, abandonados después de una tragedia para llorar solos. Esta imagen no se utilizó para consolar a los que se quedaron atrás, sino para enfatizarles lo que se había perdido, y tal vez encontraron consuelo al comparar su propia pérdida con la de Niobe. [31]
La historia de Medea es considerada comúnmente como una de las primeras piezas literarias feministas , ya que la difícil situación de su personaje principal, Medea, una mujer de voluntad fuerte cercada por un sistema patriarcal, se muestra comprensiva, incluso si sus acciones son cuestionables. En su mito, ella traiciona a su padre, Eetes , rey de Cólquida , para ayudar a Jasón , líder de los Argonautas , a robar el Vellocino de Oro . Luego, navegan a Corinto , donde viven juntos felices durante unos años y tienen dos hijos. Finalmente, Jasón repudia a Medea para casarse con la princesa de Corinto, Creúsa (o a veces llamada Glauce ). Medea no se toma esto a la ligera, ya que renunció a todo por Jasón, por lo que en su rabia, infunde una diadema de oro y una túnica con magia venenosa, y hace que sus dos hijos entreguen los regalos letales a la princesa. Creúsa se los pone, pensando que estos regalos son inofensivos, y se prende fuego, derritiéndose su carne por los encantamientos mágicos. Su padre, Creonte , intenta quitarle los regalos a su hija, pero, como se relata en el drama canónico de Eurípides , él también muere por este contacto. Tanto Creonte como Creúsa/Glauce sufren así muertes horribles. Para el toque final, Medea mata a sus propios hijos, toma sus cadáveres y se marcha en su carro tirado por serpientes. [32]
Un buen ejemplo de su presentación en sarcófagos romanos es la pieza tallada alrededor del año 150 d. C. y que ahora se encuentra en el Altes Museum de Berlín . Al leerla de izquierda a derecha, vemos, primero, a Jasón de pie y observando cómo sus dos hijos pequeños y los de Medea se preparan para llevar los dos regalos envenenados a la princesa Creúsa, mientras su anciana nodriza los vigila; y luego, justo a la derecha, a Jasón de nuevo, haciendo una visita a la princesa sentada. El centro está dedicado al horrible final de la princesa: Creonte mira a Creúsa con horror mientras su hija se agita, gritando, con llamas saliendo de su frente, mientras muere de una manera espantosa. A la derecha de eso, se muestra a Medea sacando su espada, a punto de matar a sus hijos que juegan inocentemente a sus pies, y luego, en el extremo derecho, escapa en su carro tirado por serpientes aladas, con el cadáver de un niño sobre su hombro, mientras la pierna del otro cuelga flácidamente de la parte trasera del carro. [33]
Aunque se trata de la historia de Medea, el uso de este mito en los sarcófagos no es para comparar a la fallecida con Medea, sino más bien con Creúsa. Mostrar a Creúsa perfectamente feliz y joven en la primera mitad de las imágenes e inmediatamente después con su trágica muerte y la horrible muerte de los hijos de Medea enfatiza la inmensa pérdida que siente la familia. Cuando uno imagina a su ser querido como Creúsa, parece que ella tenía todo esperándola en la vida, pero fue cruelmente robada de nuestro mundo mucho antes de su tiempo, y Creonte también funciona como un sustituto del miembro de la familia del fallecido que sentiría más la pérdida de su ser querido. Particularmente en la época de los romanos, el mayor logro en la vida de una mujer era el matrimonio, y el peor desastre su muerte. Como tal, las imágenes en los sarcófagos de Medea muestran el punto más alto de su vida, seguido de su muerte repentina y terrible, lo que empeora la tragedia por la sorpresa de la familia. [34]
Varias versiones del mito del rapto de Perséfone sobreviven desde la antigüedad, siendo una de ellas el Himno homérico a Deméter y otra la versión de las Metamorfosis de Ovidio . En el Himno homérico a Deméter, Perséfone está recogiendo flores en un campo con otras diosas, entre ellas Artemisa y Atenea , cuando de repente el suelo se abre. Hades sale volando de él en su carro, agarra a Perséfone y se la lleva al inframundo. Cuando Deméter, su madre, descubre lo sucedido, impide que crezcan los cultivos y, por lo tanto, impide que los dioses reciban las ofrendas que tanto desean. Zeus , a cambio de que ella detenga su diatriba, envía a Hermes al inframundo para ordenar a Hades que la traiga de vuelta, y él obedeció. Sin embargo, Hades había ofrecido anteriormente a Perséfone semillas de granada , y ella había comido cuatro, uniéndola a él como su esposa (el consumo de granadas, un símbolo del despertar sexual y la fertilidad, desempeñaba un papel en las bodas griegas). Zeus decidió que Perséfone pasaría ocho meses de cada año sobre la tierra, con su madre, mientras que los otros cuatro meses, uno por cada semilla ingerida, la vería reunirse con su oscuro esposo en la penumbra del Inframundo. En la versión de Ovidio, hay un mayor énfasis en el amor de Hades por Perséfone. [35]
Un sarcófago del Museo Capitolino de Roma , tallado entre el 230 y el 240 d. C., reproduce la escena con todo detalle. Representa a Hades arrebatando a Perséfone (aquí tiene los rasgos del retrato de la mujer muerta enterrada en su interior) como imagen central, con Atenea extendiéndose hacia ellos en un intento de evitar que se produzca el rapto. Deméter está en su carro tirado por serpientes en el extremo izquierdo, una forma de visualizar su ira, aunque no estuvo presente durante el rapto. Entre ella y Atenea hay una escena de Hades sorprendiendo a Perséfone, Perséfone luciendo reacia, Afrodita encima de ella instándola a ir con él y Artemisa detrás de Hades preparando su arco para proteger a su compañera. En el extremo derecho, se ve a Hermes guiando los caballos de Hades, Niké con una corona en su mano derecha y una rama de palma en su izquierda, y Hércules con su maza. [36]
Este mito se utilizaba en este tipo de sarcófagos, generalmente destinados a mujeres, y la cabeza de Perséfone cuando es raptada suele ser un retrato de la fallecida que fue enterrada en el sarcófago (que se ve en el Sarcófago del Rapto de Perséfone, ca. 230-240). La imagen de Deméter, Artemisa y Atenea pretende invocar el mismo sentido de tragedia y dolor que sentiría el individuo romano que recibió esto para su ser querido, a través de la perspectiva de la propia pérdida de Deméter. Perséfone, como el ser querido fallecido que descansa en su interior, fue secuestrada en la flor de la vida, sin la oportunidad de llevar una vida plena. La tragedia de la pérdida del difunto se siente en todo su mundo personal, al igual que en el Himno a Deméter. Además, esta imagen también podría haberse utilizado en otros sarcófagos que muestran rasgos de retrato de Hades montado en su carro para mostrar que el marido, que tal vez murió primero, finalmente está en unión con su esposa nuevamente en el más allá. En lugar de evocar un sentimiento de tragedia por su pérdida, podría brindar cierto alivio a los miembros de la familia que el difunto dejó atrás al saber que finalmente están unidos con su cónyuge en la otra vida. [36]
Entre los temas más comunes representados en los sarcófagos romanos a lo largo de cien años se encuentran variantes del "durmiente erótico". La finalidad de la muerte se evitaba mediante representaciones del difunto alternativamente dormido. En lugar de lidiar con la pérdida permanente de un ser querido, se los podía imaginar todavía presentes de alguna manera y algo conscientes del mundo que los rodeaba. El sueño permitía a los vivos albergar la esperanza de que algún día pudieran reunirse con el difunto en sueños o en su propio sueño eterno. Los temas mitológicos utilizados con frecuencia incluían relieves de sarcófagos que presentaban a la diosa lunar Selene y al pastor/cazador dormido Endimión , así como relieves que presentaban al dios del vino Dioniso y la figura dormida de Ariadna , que introdujeron aún más una nota erótica/romántica en estas escenas, celebrando el amor romántico que había disfrutado la pareja fallecida. [37]
Como se ve comúnmente en los sarcófagos que presentan el mito de Selene y Endimión (un buen ejemplo es el sarcófago tallado alrededor del 230-240 d. C. y ahora en el Louvre), Selene es representada descendiendo de su carro tirado por caballos o, a veces, por bueyes. Endimión yace ante ella, tendido en una pose que significa sueño ante el espectador, a veces sobre una roca. Cupidos rodean a la pareja, representando su amor. A menudo, ya sea el dios Hipnos , la personificación del sueño, o la diosa Nox , la personificación de la noche, son representados llevando una amapola en una mano y vertiendo una poción para dormir sobre Endimión con la otra, reiterando su sueño eterno. Las imágenes pastorales de pastores, rebaños de animales y perros pastores están dispersas por todas partes, estableciendo el tono de felicidad y paz. Se pueden ver otros dioses en estos relieves que representan aspectos físicos o cósmicos del mito. [38]
Los sarcófagos de esta naturaleza, destinados a un hombre, pueden interpretarse como una representación de una esposa que visita a su marido fallecido y, además, como un reflejo de la propia experiencia del espectador al acercarse a su ser querido fallecido. Selene lleva una antorcha o está acompañada por cupidos que llevan antorchas para iluminar su camino en la noche, de forma similar a cómo un visitante del difunto llevaría una antorcha para ver en la oscuridad de una tumba. Como se ve en un sarcófago temprano (ca. 150 d. C.) en el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York que presenta a Selene y Endimión, los cupidos en las esquinas invierten sus antorchas como un signo romano habitual de duelo que enfatiza aún más el contexto funerario. También se puede ver a Selene llevando una guirnalda que representa los banquetes y fiestas que se celebraban en los lugares de las tumbas. [39] Los personajes de fondo, ninfas, pastores y cupidos, desempeñan el papel de otros visitantes familiares reunidos alrededor del sarcófago real para visitar a su amado difunto. Muchos sarcófagos que representan a Selene y Endimión tienen rasgos de retrato o los rostros de Selene y Endimión tallados para rasgos de retrato, lo que fomenta la conexión entre Selene como esposa y Endimión como esposo.
Aunque todavía se puede imaginar a Selene y Endimión como marido y mujer, era posible imaginar a Selene como una representación de una esposa fallecida y a Endimión como un marido vivo. En concreto, se la ve en un sarcófago de la catedral de San Paolo fuori le mura de Roma , y se la representa como una aparición de una novia, ya que aquí se la muestra flotando y vestida con ropas nupciales. [40] En este caso, se imagina que Endimión está durmiendo y representa al marido de la mujer fallecida. La novia fallecida está visitando a su marido dormido en sus sueños. Sobre ella hay tres estrellas, junto con los vestigios de dos niños pequeños, que probablemente sean personificaciones de Phosphorus y Hesperus , las estrellas de la mañana y de la tarde. Su presencia implica que las visitas de Selene ocurren entre la tarde y la mañana y también son representativas de las visitas recurrentes en sueños de la difunta.
Al considerar a Selene y Endimión como representantes de una pareja casada, el mito en sí mismo relata un amor cósmico. Helios y Selene a menudo se representan en extremos opuestos de estos sarcófagos que representan el ciclo de la noche y el día que continúa eternamente. La representación de Tellus , la personificación de la Tierra, que a veces se ve como un personaje de fondo para estos sarcófagos, también muestra el significado cósmico de su amor. Los cupidos, así como la ropa suelta que cubre a Selene, transmiten un tono erótico. [38] Endimión a menudo está expuesto y tiene ropa sugerentemente drapeada, ya sea señalada o acentuada aún más por cupidos o personajes adicionales como Hipnos.
En ocasiones, los sarcófagos de Selene y Endimión se utilizan para representar el amor familiar en lugar del amor marital erótico. Un buen ejemplo es otro sarcófago de Selene y Endimión en el Museo Metropolitano de Nueva York, una pieza enorme y exquisitamente tallada alrededor del 200-220 d. C. Este presenta un retrato y una inscripción en la tapa que explica que el sarcófago fue encargado por una hija para su madre. La colocación del retrato sobre la diosa probablemente se hizo para enfatizar la belleza de la madre y describirla como viniendo a visitar a su familia dormida, similar a otros sarcófagos de este tema. Endymion sería entonces una representación amplia de la familia en lugar de un esposo. Un sarcófago de niño encargado por sus padres que muestra este tema probablemente estaba comparando la belleza del niño con la de Endymion en lugar de como algo romántico. [41] La naturaleza erótica del mito se suaviza y el enfoque se coloca en el difunto imaginado como Endymion descansando en un sueño eterno.
En un sentido más general, la idea del sueño eterno en lugar de la muerte proporcionaba consuelo a la familia viva del difunto. La eliminación de la finalidad de la muerte trajo consigo la esperanza de que el difunto no se había ido realmente. El sueño deja a la persona en un estado en el que no está presente ni es consciente del mundo que la rodea y que resuena profundamente con la muerte. [37] El uso de imágenes pastorales como las que se ven en los pastores transmite aún más la paz y el consuelo que acompañan al sueño. A menudo se ve a los rebaños de animales en estos sarcófagos o incluso a los propios pastores durmiendo de forma similar a Endimión o al difunto. Si se imagina al difunto como Selene que viene de visita en sueños, el resto de la familia se siente reconfortada por las posibles visitas nocturnas que pueden tener con su amada.
Los sarcófagos que representan a Dioniso y Ariadna muestran a Dioniso borracho, sostenido por un sátiro , mientras contempla a su amada Ariadna por primera vez. Está de pie frente a su figura dormida mientras ella mira al espectador, con su cuerpo expuesto. El resto de los sarcófagos representa la procesión de juerguistas dionisíacos que celebran con canciones y bailes. A menudo, a Ariadna se le dan rasgos de retrato o se la preparó para que los tuviera. Las comparaciones con Ariadna se utilizan para ejemplificar la belleza y probablemente eso fue lo que hizo con la difunta. Al igual que en los sarcófagos de Selene y Endimión, se pretende imaginar a la difunta como Ariadna recibiendo la visita de su esposo en forma de Dioniso. La forma en que Dioniso mira a Ariadna tiene como objetivo evocar un amor intenso y eterno entre la pareja, así como entre la difunta y su amada. Se imagina que Ariadna es llevada a vivir feliz entre Dioniso y sus juerguistas, brindando consuelo a la familia de que su propio difunto continúa disfrutando de la felicidad incluso en la muerte. En Burdeos se encontraron pares de sarcófagos durmientes, ahora expuestos en el Louvre de París, uno muestra el mito de Selene y Endimión y el otro el mito de Dioniso y Ariadna. Se cree que el sarcófago de Selene y Endimión contenía al esposo, mientras que el sarcófago de Dioniso y Ariadna contenía a la esposa, lo que establece una comparación directa entre el durmiente y el difunto. Las escenas de amor cósmico, así como los sarcófagos a juego que muestran a un difunto durmiendo, ejemplifican el vínculo entre marido y mujer. El sarcófago de Dioniso y Ariadna de esta pareja presentaba una familia de centauros entre los juerguistas. Esta imagen familiar no tenía importancia en el mito en sí, sino que se usa como un puente entre el mito y la vida de un visitante romano. [42]
Uno de los ejemplos más curiosos de sarcófagos mitológicos y biográficos son aquellos que presentan imágenes dionisíacas. Dioniso (o, como lo llamaban los romanos, Baco ) es conocido como un dios de la celebración y el jolgorio, particularmente del vino y las áreas salvajes del mundo fuera de las ciudades. Como tal, él y el simbolismo asociado con él eran populares por su capacidad para mostrar escenas de alegría o relajación. La imaginería dionisíaca generalmente se muestra a través del uso del vino, las uvas y una atmósfera generalmente festiva. Dioniso a menudo se asocia con grandes felinos depredadores, especialmente panteras, y como tal, las imágenes de felinos también tienden a aparecer a menudo. El propio Dioniso a menudo se muestra como un hombre joven, imberbe, a menudo borracho. Su novia, Ariadna , también se representa a menudo, ya sea disfrutando del tiempo con su esposo o durmiendo, siendo abordada por la procesión de su futuro esposo Dioniso.
La mayoría de los sarcófagos romanos tienen forma rectangular y, como tal, como un dios conocido por ignorar las convenciones en su mitología, los sarcófagos dionisíacos a veces van en contra incluso de esta convención más básica del arte. Los sarcófagos con imágenes dionisíacas a menudo presentan extremos curvados y redondeados, en lugar de cuadrados. Los sarcófagos con esta forma se denominan sarcófagos lenos , llamados así por el término griego y romano para un tanque de vino, es decir, la tina en la que se aplastaban y fermentaban las uvas durante el proceso de creación del vino. Esto se presta a la conexión metafórica de la maduración del cuerpo del difunto a medida que se descompone y la fermentación de las uvas a medida que comienzan a formar vino. Este tipo de forma también se usa para representar el paso del tiempo, el borde redondeado permite la imaginería de ciclos interminables que no se pueden representar fácilmente en las esquinas de un sarcófago tradicional. Varios de los sarcófagos con imágenes dionisíacas que se muestran en esta sección tienen forma de lenos.
La imaginería dionisíaca pretendía mostrar una atmósfera divertida y de disfrute. A menudo, esto se hacía representándolo a él y a sus seguidores en una procesión a través de la pieza. Un ejemplo de ello son los sarcófagos que se exhiben en las Termas de Diocleciano en Roma . Representan a los sirvientes de Dioniso (los sátiros masculinos y las bacantes femeninas ) mientras tocan música, beben vino y bailan. Un par de burros, uno tan borracho que ya no puede mantenerse en pie, intenta arrastrar en un carro a un viejo compañero de bebida de Dioniso, un juerguista viejo, calvo, rechoncho y borracho llamado Sileno . Cada uno de estos personajes tiene un papel diferente que desempeñar en la mente del espectador. Sileno representa un estado de ebriedad en el que el afectado casi parece un anciano; encorvado, incapaz de caminar, a menudo apenas capaz de mantenerse en pie. Los sátiros a veces aportan una nota sexualmente juguetona a la juerga. A menudo se les representa intentando seducir a las bacantes, quienes no muestran interés, rechazan los avances y continúan tocando su música y disfrutando de la fiesta. [43]
Otros tipos de imágenes dionisíacas incluyen aquellos sarcófagos, muchos de ellos con forma de lenos, que muestran imágenes de uvas y el proceso de elaboración del vino. A menudo están presentes cupidos recogiendo uvas y aplastándolas para obtener sus jugos. Un ejemplo de un sarcófago de lenos con cabeza de león ahora en la Villa Getty en Malibú, muestra cupidos recogiendo uvas de la vid, así como otros que aplastan uvas con sus pies dentro de un lenos. Otro formato popular de sarcófagos romanos son los llamados sarcófagos estrigilados , cuyos paneles frontales están dominados por filas de curvas en forma de S, a menudo utilizadas para evocar agua u otro líquido. Puede asociarse con el vino. Véase, por ejemplo, el sarcófago de lenos con cabeza de león actualmente en uso como palangana de agua en el Palazzo Mattei de Roma , un uso que debe haber sido inspirado por las asociaciones líquidas de la decoración estrigilada en forma de S.
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Debido a su asociación con las partes más salvajes de la psique humana, Dioniso está estrechamente asociado con los grandes felinos salvajes, especialmente los leones (de ahí la presencia común de cabezas de león en los sarcófagos de lenos con forma de cubas de vino) y las panteras. En los sarcófagos romanos, a menudo se puede ver una pantera dentro del desfile en el que participa Dioniso, y a menudo se pueden ver cabezas de león de forma destacada en los sarcófagos. Un buen ejemplo es el llamado "Sarcófago de Bádminton" del Museo Metropolitano de Nueva York, que muestra en el centro a Dioniso montado en una pantera, flanqueado por imágenes que representan las cuatro estaciones, mientras que sus diversos sirvientes llenan el fondo. Un añadido interesante es Pan , un dios salvaje, con los cuartos inferiores y los cuernos de una cabra, asociado con el pastoreo, los paisajes accidentados y el deseo sexual al tener su copa llena de vino por el propio Dioniso.
Una de las formas más detalladas de sarcófagos dionisíacos es la que muestra el mito de Dioniso que se encuentra con la figura dormida de Ariadna , en la mitología griega la princesa cretense que ayudó a Teseo a matar al Minotauro , solo para ser abandonada por Teseo en la isla de Naxos . La imagen en sí consiste en Ariadna, reclinada en el sueño, siendo abordada por Dioniso y su procesión de sátiros y bacantes mientras él está enamorado de su belleza. La imagen se hizo popular entre las parejas debido a su capacidad para representar a cualquiera de las partes durante la muerte del otro. Si un hombre ha perdido a su esposa, la imagen puede usarse para representar a un hombre que añora a su amor perdido, representado como soñando pacíficamente en un sueño interminable. Si una mujer ha perdido a su esposo, la imagen aparece como una esposa dormida cuyo esposo ha venido a visitarla mientras duerme. Un ejemplo maravilloso es el sarcófago de Dioniso y Ariadna que se muestra en el Louvre, en París. Ariadna yace dormida, con el rostro sin esculpir, destinado a un retrato que nunca se añadió. Dioniso caminó hacia su figura escasamente vestida seguido de toda su procesión. [44]
Este sarcófago también muestra la ligera incomodidad que una identificación demasiado estrecha con Dioniso podía causar a los hombres romanos respetables. Dioniso era representado como joven, despreocupado, a menudo borracho y andrógino. Todas estas eran características con las que un hombre romano prestigioso no querría ser asociado. Parecería que a los romanos les gustaba la idea de Dioniso, así como los sentimientos que se sabía que inspiraba, pero no querían ser comparados directamente con él. Esto llevó a una solución alternativa en la que, como en los sarcófagos presentados, Dioniso aparece solo con un rostro tallado para representar al dios, y se hizo un espacio para una imagen de retrato en la parte superior derecha de la tapa. Esto permitió que el hombre todavía tuviera la imaginería y la atmósfera de Dioniso conectadas con él después de la muerte, y aún le permitía un lugar de prestigio y respeto, un paso alejado del dios mismo. [44]
En el siglo III d. C. surgieron nuevos tipos de sarcófagos centrados en la naturaleza. Estos se alejaron de la representación de los mitos griegos que habían dominado los sarcófagos romanos del siglo anterior (II), prefiriendo en cambio representar la abundancia y la tranquilidad que el mundo natural que los rodeaba tenía para ofrecer. Esto se expresó en dos categorías diferentes de sarcófagos romanos: los que representaban las estaciones; y los que representaban imágenes [bucólicas]. Las imágenes de las estaciones muestran el ciclo de la vida y el orden cósmico de las cosas, mientras que las imágenes bucólicas retratan un mundo idílico alejado del ajetreo y el bullicio de la ciudad.
Las representaciones de las estaciones en los sarcófagos romanos solían mostrar los dones que la naturaleza tenía para ofrecer a la gente durante cada estación, y por lo tanto también evocaban asociaciones con el ciclo de la naturaleza y de la vida. El sarcófago que muestra a Cupidos sosteniendo guirnaldas estacionales en el Museo Metropolitano de Nueva York es un buen ejemplo. Los Cupidos aquí sostienen guirnaldas compuestas de varias flores, frutas y productos agrícolas, cada una asociada con una diferente de las cuatro estaciones: a la izquierda, flores, que representan la primavera, luego gavillas de grano que representan el verano, luego frutas (especialmente uvas y hojas de parra) que representan el otoño, y finalmente aceitunas que representan el invierno. Al mismo tiempo, el flujo de las guirnaldas, una mezclándose con la siguiente, representa el cambio fluido en las propias estaciones. ¿Cuál era el atractivo de esta imagen? Recordaba al espectador que la naturaleza provee en abundancia, sin importar la estación, y, por extensión, proclamaba que el difunto, mientras estaba vivo, había disfrutado de todo lo que la naturaleza y la vida tenían para ofrecer, en cada estación. También habría servido como una promesa al difunto por parte de los miembros sobrevivientes, de que continuarían honrando su memoria durante todo el año, en todas las estaciones, y continuarían trayendo los productos de las diversas estaciones a la tumba durante todo el año como ofrendas al difunto. Mientras tanto, la tapa muestra cuatro Cupidos participando en una carrera de carros . Los romanos habrían visto la conexión entre las carreras de carros y las cuatro estaciones, porque los equipos de carreras en el mundo romano estaban divididos en cuatro facciones; además, las carreras de carros romanos estaban dedicadas al dios del sol, Sol (el griego Helios ), que controlaba las estaciones. Cada carro en la tapa es tirado por un animal que representa una de las estaciones (el jabalí, por ejemplo, estaba asociado con el invierno). Los productos agrícolas estacionales en el cofre tienen sus contrapartes animales en la tapa. Finalmente, al igual que el ciclo de la naturaleza y las estaciones, las carreras de carros romanos daban vueltas y vueltas en un circuito de carreras circular (más específicamente, ovalado). Las imágenes en el cofre y la tapa se complementan perfectamente. [45]
Las imágenes de las estaciones en los sarcófagos romanos se asociaban a menudo con el dios Dioniso . Esta era una conexión obvia, ya que Dioniso, como dios de las uvas y el vino, estaba estrechamente asociado con los productos naturales de una estación en particular y con compartir esos dones con el mundo. Por lo tanto, muchos sarcófagos de las estaciones incluyen elementos dionisíacos. Un buen ejemplo es el llamado "Sarcófago de Bádminton" en el Museo Metropolitano de Nueva York, que muestra en el centro a Dioniso sobre su pantera, flanqueado por personificaciones de pie de las Cuatro Estaciones marcadas por sus dones/atributos estacionales: el invierno se encuentra en el extremo izquierdo con un par de patos, con un jabalí a sus pies; luego la primavera, sosteniendo una canasta de flores y un tallo en ciernes; luego el verano, una canasta de grano en la mano; y finalmente el otoño en el extremo derecho, acunando una cornucopia de uvas y hojas de parra en un brazo mientras sostiene una liebre capturada. [46] La celebración de los dones naturales de Dioniso (en particular los vitivinícolas ), junto con el resto de la abundancia infinita de la naturaleza, y la felicidad y el placer que traen en un ciclo eterno, está claramente en primer plano en un sarcófago como este.
Otros sarcófagos de estaciones hacían referencia aún más fuerte a la noción de un orden cósmico inquebrantable y siempre repetitivo que subyace al mundo. Un buen ejemplo es el sarcófago de estaciones del Museo Dumbarton Oaks de Washington DC. Aquí las personificaciones de pie de las Cuatro Estaciones flanquean un tondo/redondel central (los romanos lo llamaban clipeus , el término para un escudo redondo) que contiene bustos (sin terminar) de la pareja fallecida enterrada en su interior. Nótese que tallados alrededor del borde del clipeus están los doce signos del zodíaco . ¿Por qué incluirlos? Probablemente simbolizan la “fama eterna y el estado eterno de felicidad que la gente deseaba para los fallecidos”. [47] Pero el ciclo completo de doce signos del zodíaco también habría servido como un recordatorio visual del orden eternamente cíclico que subyace al cosmos, del cual las cuatro estaciones son simplemente una manifestación terrenal. La tranquilidad frente a la muerte y la celebración de la vida vendrían a través de la contemplación de esta estabilidad fundamental en el orden cósmico de las cosas. [48]
Mientras que las imágenes estacionales se centran en la abundancia de la naturaleza y el orden cósmico que la sustenta, las imágenes bucólicas enfatizan un lado ligeramente diferente de lo que la naturaleza podría ofrecer. Los sarcófagos bucólicos imaginan la naturaleza como un lugar de escape de las tensiones de la vida de la ciudad. Presentan una visión idealizada del "estado natural" que se puede disfrutar en el campo, libre de multitudes aplastantes, libre de ruido, libre de política, libre de demandas sociales y conflictos sociales, en resumen, libre de todo lo negativo que la élite romana asociaba con la ciudad, que se encarna visualmente en los sarcófagos a través de imágenes de pastores cuidando sus rebaños en un entorno rústico.
Un magnífico ejemplo es el sarcófago de Julio Aquiles (su nombre está inscrito en el ataúd), que se exhibe actualmente en las Termas de Diocleciano en Roma. [49] Como muchos otros sarcófagos bucólicos , este muestra la vida de un pastor como una vida de paz, tranquilidad y prosperidad, con mucho tiempo libre para la meditación ociosa y la contemplación espiritual. Los pastores aquí están rodeados por sus felices rebaños (que incluyen ovejas, cabras, vacas y caballos), que parecen sonreír mientras mordisquean contentos. Se muestra a un pastor apoyando la cabeza en un palo perdido en sus pensamientos, lo que muestra que tienen todo el tiempo del mundo para descansar y reflexionar sobre lo que les espera. Observe el arco detrás de un pastor en la parte superior izquierda: se trata de una representación de una puerta de la ciudad en el fondo, un recordatorio explícito para el espectador de que el "estado natural" mostrado es algo que solo se encuentra fuera de la ciudad, libre de su política, cargas y conflictos. [50] Por supuesto, estas escenas bucólicas nunca presentan los hechos crudos de la vida pastoral antigua real —el incesante cuidado de los rebaños, el calor feroz del verano, el frío en invierno, a merced de los elementos y de suministros de comida inciertos, alojamientos miserables, una vida de pobreza miserable— sino que, en cambio, ofrecen una fantasía higienizada de vida rústica diseñada para complacer los anhelos mimados de los habitantes de las ciudades de élite, ansiosos de escenas de tranquilidad en un "estado natural" imaginario. Al igual que las imágenes estacionales que acabamos de analizar, las escenas bucólicas también fueron especialmente populares durante la segunda mitad del siglo III y la primera parte del siglo IV: han sobrevivido más de 400 sarcófagos tallados entre el 260 y el 320 d. C. También tendrían una larga vida después en el arte occidental, ya que los motivos bucólicos popularizados en los sarcófagos romanos —sobre todo, la figura de un pastor con una oveja colgada de sus hombros— fueron adoptados con entusiasmo por el arte cristiano primitivo (ya que esta imagen de un " buen pastor " podía reinterpretarse como una imagen de Cristo).
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La personalización de sarcófagos es la personalización de un sarcófago para mostrar los atributos, logros o historia del difunto a través del arte y/o inscripciones . La forma clave en la que se personalizaban los sarcófagos era mediante el retrato de un personaje mitológico que se tallaba con los rasgos faciales del difunto. Debido a que muchos sarcófagos se hacían antes de ser comprados, quedan varios ejemplos de cabezas de retratos sin terminar.
La escena esculpida en el frente del ataúd muestra al difunto en el inframundo entre dos Charuns ( demonios de la muerte etruscos ) en lo que significaba que su viaje al más allá fue exitoso. [51] En la tapa, se muestra a Pulena acostado, en posición reclinada, apoyado en su brazo izquierdo y frente a él, una lista de los logros de su vida que fueron inscritos en un pergamino abierto en etrusco. [51]
El sarcófago asiático con el retrato de una mujer en forma de kline también tenía una influencia etrusca del retrato escultórico en la tapa. [51] Hecho de mármol, con relieves en los cuatro lados de la caja (una característica en la producción de sarcófagos orientales), y se representan mini estatuas esculpidas de dioses y héroes griegos en marcos. La tapa muestra un retrato de la mujer con Cupido (extremo derecho) y un pequeño perro (en el que solo quedan las patas en el extremo izquierdo).
El sarcófago de Portonaccio es un ejemplo de uno de un grupo de unos veinticinco sarcófagos de batalla romanos tardíos, con una excepción, todos aparentemente datados de 170-210, hechos en Roma o en algunos casos Atenas . Estos derivan de monumentos helenísticos de Pérgamo en Asia Menor que muestran victorias de Pérgamo sobre los galos , y todos fueron presumiblemente encargados para comandantes militares. El sarcófago de Portonaccio es el más conocido y elaborado del principal grupo de Antoninos , y muestra similitudes considerables con el sarcófago del Gran Ludovisi , el último atípico de alrededor de 250, y un contraste considerable en estilo y estado de ánimo. [52]
El rostro del general está inacabado, ya sea porque los escultores esperaban un modelo a partir del cual trabajar o porque habían realizado la obra de manera especulativa sin un encargo específico. El general y su esposa también aparecen dos veces en el friso de la tapa, juntos cogidos de la mano en el centro y solos en los extremos, nuevamente con los rostros inacabados. [53]
El sarcófago de la batalla de Ludovisi, de un tamaño inusual , muestra una escena de batalla caótica entre los romanos y los enemigos bárbaros. En el centro, un joven general no lleva casco ni empuña ningún arma y tiene el emblema de Mitra , el dios persa de la luz, la verdad y la victoria sobre la muerte, tallado en su frente. Varios eruditos lo han identificado como uno de los hijos de Trajano Decio , [51] que murió de peste.
Un sarcófago de la iglesia de Santa Maria Antiqua con un filósofo, un orante y escenas del Antiguo y Nuevo Testamento es arte cristiano primitivo en el que se muestra la historia de Jonás en el tercio izquierdo, cabezas de una mujer orante y un hombre sentado leyendo un pergamino que están inacabados (destinados a ser retratos del difunto) en el centro, y continuando, Cristo como Buen Pastor y el bautismo de Cristo. [51]
