La fusión de jazz (también conocida como jazz rock , fusión jazz-rock o simplemente fusión [4] ) es un género musical popular que se desarrolló a fines de la década de 1960 cuando los músicos combinaron la armonía y la improvisación del jazz con la música rock , el funk y el rhythm and blues . Los músicos de jazz comenzaron a usar guitarras eléctricas, amplificadores y teclados que eran populares en el rock and roll , particularmente aquellos que habían crecido escuchando rock and roll.
Los arreglos de jazz fusión varían en complejidad. Algunos emplean vamps basados en grooves fijados a una sola tonalidad o un solo acorde con una melodía simple y repetida. Otros utilizan progresiones de acordes elaboradas , firmas de tiempo no convencionales o melodías con contramelodías . Estos arreglos, ya sean simples o complejos, suelen incluir secciones improvisadas que pueden variar en duración, al igual que en otras formas de jazz.
Al igual que el jazz, el jazz fusión puede emplear instrumentos de viento de madera y de metal, como la trompeta y el saxofón, pero otros instrumentos suelen sustituirlos. Es menos probable que una banda de jazz fusión utilice piano y contrabajo , y más probable que utilice guitarra eléctrica , piano eléctrico , sintetizadores y bajo .
El término "jazz rock" se utiliza a veces como sinónimo de "jazz fusión" y de la música interpretada por bandas de rock de finales de los años 1960 y 1970 que añadieron elementos de jazz a su música. Tras una década de popularidad durante los años 1970, la fusión amplió sus enfoques improvisados y experimentales durante los años 1980 en paralelo con el desarrollo de un estilo radiofónico llamado smooth jazz . [5] La experimentación continuó en los años 1990 y 2000. Los álbumes de fusión, incluso los que están hechos por el mismo grupo o artista, pueden incluir una variedad de estilos musicales. En lugar de ser un estilo musical codificado, la fusión puede verse como una tradición o enfoque musical.
Cuando John Coltrane murió en 1967, el rock era la música más popular en Estados Unidos, y la revista DownBeat llegó al extremo de declarar en un titular que: "El jazz tal como lo conocemos ha muerto". [6] AllMusic afirma que "hasta alrededor de 1967, los mundos del jazz y el rock estaban casi completamente separados". [7]
El guitarrista Larry Coryell , a veces llamado el padrino de la fusión, se refirió a una generación de músicos que habían crecido con el rock and roll cuando dijo: "Amamos a Miles pero también amamos a los Rolling Stones ". [8] En 1966, comenzó la banda Free Spirits con Bob Moses en la batería y grabó el primer álbum de la banda, [6] Out of Sight and Sound , lanzado en 1967. Ese mismo año, DownBeat comenzó a informar sobre música rock. [8] Después de Free Spirits, Coryell formó parte de un cuarteto liderado por el vibrafonista Gary Burton , lanzando el álbum Duster con su influencia de guitarra rock. [6] Burton produjo el álbum Tomorrow Never Knows para Count's Jam Band, que incluía a Coryell, Mike Nock y Steve Marcus , todos ellos ex alumnos del Berklee College en Boston. [6]
Los pioneros de la fusión enfatizaron la exploración, la energía, la electricidad, la intensidad, el virtuosismo y el volumen. Charles Lloyd tocó una combinación de rock y jazz en el Festival de Jazz de Monterey en 1966 con un cuarteto que incluía a Keith Jarrett y Jack DeJohnette . [8] Lloyd adoptó los adornos de la escena del rock psicodélico de California tocando en el local de rock Fillmore West , vistiendo ropa colorida y dando a sus álbumes títulos como Dream Weaver y Forest Flower , que fueron álbumes de jazz más vendidos en 1967. [6] El flautista Jeremy Steig experimentó con el jazz en su banda Jeremy & the Satyrs con el vibrafonista Mike Mainieri . El sello de jazz Verve lanzó el primer álbum ( Freak Out ) del guitarrista de rock Frank Zappa en 1966. [8] Rahsaan Roland Kirk actuó con Jimi Hendrix en el Ronnie Scott's Jazz Club en Londres. [8]
Como miembros de la banda de Miles Davis , Chick Corea y Herbie Hancock tocaron el piano eléctrico en Filles de Kilimanjaro . Davis escribió en su autobiografía que en 1968 había estado escuchando a Jimi Hendrix , James Brown y Sly and the Family Stone . [8] Cuando Davis grabó Bitches Brew en 1969, abandonó en gran medida el ritmo swing en favor de un ritmo de rock and roll y grooves de bajo. El álbum "mezclaba jazz libre con un gran conjunto con teclados electrónicos y guitarra, además de una densa mezcla de percusión". [9] Davis tocaba su trompeta como una guitarra eléctrica, conectada a efectos electrónicos y pedales.
Al final del primer año, Bitches Brew vendió 400.000 copias, cuatro veces el promedio de un álbum de Miles Davis. Durante los dos años siguientes, el distante Davis grabó con más frecuencia, trabajó con muchos músicos acompañantes, apareció en televisión y actuó en salas de rock. Con la misma rapidez, Davis puso a prueba la lealtad de los fanáticos del rock al seguir experimentando. Su productor, Teo Macero , insertó material previamente grabado en la banda sonora de Jack Johnson , Live-Evil y On the Corner . [10]
Aunque Bitches Brew le dio un disco de oro , el uso de instrumentos eléctricos y ritmos de rock creó consternación entre algunos críticos de jazz, quienes acusaron a Davis de traicionar la esencia del jazz. [11] El crítico musical Kevin Fellezs comentó que algunos miembros de la comunidad del jazz consideraban que la música rock era menos sofisticada y más comercial que el jazz. [12]
El álbum de Davis de 1969, In a Silent Way, se considera su primer álbum de fusión. [13] Compuesto por dos suites improvisadas de dos lados editadas en gran medida por Teo Macero, el álbum fue realizado por pioneros del jazz fusión: Corea, Hancock, Tony Williams , Wayne Shorter , Joe Zawinul y John McLaughlin .
A Tribute to Jack Johnson (1971) ha sido citado como "el disco de jazz eléctrico más puro jamás realizado" y "uno de los discos de jazz rock más notables de la época". [14] [15]
Según el periodista musical Zaid Mudhaffer, el término "jazz fusión" fue acuñado en una reseña de Song of Innocence por David Axelrod cuando fue lanzado en 1968. [16] Axelrod dijo que Davis había tocado el álbum antes de concebir Bitches Brew . [17]
Miles Davis fue uno de los primeros músicos de jazz en incorporar jazz fusión a su material. También demostró ser un buen juez de músicos talentosos. Varios de los músicos que eligió para su primer trabajo de fusión tuvieron éxito en sus propias bandas. Su guitarrista John McLaughlin se diversificó y formó su propio grupo de fusión Mahavishnu Orchestra . Mezclando música clásica india, jazz y rock psicodélico, crearon un estilo completamente nuevo, tal como lo había hecho Davis. Los álbumes de Davis durante este período, incluidos In a Silent Way , Bitches Brew , A Tribute to Jack Johnson , Live-Evil y On the Corner , incluyeron a McLaughlin.
Davis abandonó la música en 1975 debido a problemas con las drogas y el alcohol, pero sus compañeros aprovecharon las perspectivas creativas y financieras que se habían abierto. Herbie Hancock incorporó elementos del funk, el disco y la música electrónica a álbumes de gran éxito comercial como Head Hunters (1973) y Feets, Don't Fail Me Now (1979). Varios años después de grabar Miles in the Sky con Davis, el guitarrista George Benson se convirtió en un vocalista con suficientes éxitos pop como para eclipsar su anterior carrera en el jazz. [10]
Mientras Davis se mantuvo al margen, Chick Corea ganó prominencia. A principios de la década de 1970, Corea combinó jazz, rock, pop y música brasileña en Return to Forever , una banda que incluía a Stanley Clarke en el bajo y Al Di Meola en la guitarra eléctrica. Corea dividió el resto de su carrera entre música acústica y eléctrica, no comercial y comercial, jazz y pop rock, con una banda para cada una: la Akoustic Band y la Elektric Band. [10]
Joe Zawinul y Wayne Shorter fundaron la muy influyente banda de jazz fusión Weather Report en 1970 y desarrollaron una exitosa carrera junto a importantes músicos como Alphonse Mouzon , Jaco Pastorius , Airto Moreira y Miroslav Vitouš hasta 1986.
Tony Williams fue miembro de la banda de Davis desde 1963. Williams reflexionó: "Quería crear una atmósfera diferente a la que había estado... ¿Qué mejor manera de hacerlo que yendo a lo eléctrico?" Dejó Davis para formar Tony Williams Lifetime con el guitarrista inglés John McLaughlin y el organista Larry Young . La banda combinó la intensidad y el volumen del rock con la espontaneidad del jazz. El álbum debut Emergency! se grabó tres meses antes de Bitches Brew . [8] [18] [19]
Aunque McLaughlin había trabajado con Miles Davis, estaba más influenciado por Jimi Hendrix y había tocado con los músicos de rock ingleses Eric Clapton y Mick Jagger antes de crear la Mahavishnu Orchestra casi al mismo tiempo que Corea comenzó Return to Forever. McLaughlin había sido miembro de Lifetime de Tony Williams. Aportó a su música muchos de los elementos que interesaron a otros músicos en la década de 1960 y principios de la de 1970: contracultura, rock and roll, instrumentos electrónicos, virtuosismo solista, experimentación, mezcla de géneros y un interés por lo exótico, como la música india. [10] Formó la Mahavishnu Orchestra con el baterista Billy Cobham , el violinista Jerry Goodman , el bajista Rick Laird y el tecladista Jan Hammer . La banda lanzó su primer álbum, The Inner Mounting Flame , en 1971. Hammer fue pionero en el uso del sintetizador Minimoog con efectos de distorsión. Su uso de la rueda de inflexión de tono hizo que un teclado sonara como una guitarra eléctrica. La Mahavishnu Orchestra recibió influencias tanto del rock psicodélico como de la música clásica india . La primera formación de la banda se disolvió después de dos álbumes de estudio y un álbum en vivo, pero McLaughlin formó otro grupo en 1974 bajo el mismo nombre con el violinista de jazz Jean-Luc Ponty , uno de los primeros violinistas eléctricos.
Después de dejar la Orquesta Mahavishnu en 1975, Jean-Luc Ponty firmó con Atlantic y lanzó varios exitosos álbumes en solitario de jazz fusión que ingresaron al top 5 de las listas de jazz de Billboard a mediados de los años 70 y 80.
A finales de la década de 1970, Lee Ritenour , Stuff , George Benson, Spyro Gyra , los Crusaders y Larry Carlton [20] lanzaron álbumes de fusión.
El término " jazz-rock " (o "jazz/rock") se utiliza a veces como sinónimo de "jazz fusión". A veces se ha citado a The Free Spirits como la primera banda de jazz rock. [21]
Bandas de rock como Colosseum , Chicago , The Ides of March , Blood, Sweat & Tears , Chase , Santana , [22] Soft Machine , Nucleus , Brand X , Mothers of Invention e IF mezclaron jazz y rock con instrumentos eléctricos. [23] El jazz fusión de Davis era "pura melodía y color tonal", [23] mientras que la música de Frank Zappa era más "compleja" e "impredecible". [24] Zappa lanzó el álbum en solitario Hot Rats en 1969. [25] El álbum contenía largas piezas instrumentales con influencia del jazz. [26] [27] Zappa lanzó dos álbumes, The Grand Wazoo y Waka/Jawaka , en 1972 que estaban influenciados por el jazz. George Duke y Aynsley Dunbar tocaron en ambos. La banda de los años 70 Steely Dan ha sido elogiada por el crítico musical Neil McCormick por su "fusión de jazz-rock suave e inteligente". [28]
Los artistas de jazz de los años 1960 y 1970 tuvieron un gran impacto en muchos grupos de rock de esa época, como Santana y Frank Zappa. Tomaron el fraseo y la armonía del jazz y los incorporaron a la música rock moderna, cambiando significativamente la historia de la música y allanando el camino para los artistas que seguirían sus pasos. Carlos Santana en particular ha dado mucho crédito a Miles Davis y la influencia que tuvo en su música. Mientras que Miles Davis combinó el jazz con influencias modales y de rock, Carlos Santana combinó estos junto con ritmos y sensaciones latinos, dando forma a un género completamente nuevo, el rock latino . Otros artistas de rock como Gary Moore , The Grateful Dead , The Doors , Jimi Hendrix y The Allman Brothers Band han tomado influencias del blues, el jazz, el blues rock y el jazz rock y los han incorporado a su propia música.
Según AllMusic, el término jazz rock "puede referirse a las bandas de fusión más ruidosas, salvajes y electrificadas del campo del jazz, pero la mayoría de las veces describe a intérpretes que vienen del lado del rock de la ecuación... el jazz rock surgió por primera vez a fines de los años 60 como un intento de fusionar el poder visceral del rock con la complejidad musical y los fuegos artificiales improvisados del jazz. Dado que el rock a menudo enfatizaba la franqueza y la simplicidad por sobre el virtuosismo, el jazz rock generalmente surgió de los subgéneros del rock artísticamente más ambiciosos de fines de los años 60 y principios de los 70: la psicodelia , el rock progresivo y el movimiento de cantautores". [29]
Según el escritor de jazz Stuart Nicholson, el jazz rock se equiparó al free jazz al estar "a punto de crear un lenguaje musical totalmente nuevo en los años 60". Dijo que los álbumes Emergency! (1969) de Tony Williams Lifetime y Agharta (1975) de Miles Davis "sugerían el potencial de evolucionar hacia algo que eventualmente podría definirse como un género completamente independiente, bastante apartado del sonido y las convenciones de todo lo que había existido antes". Este desarrollo se vio sofocado por el comercialismo, dijo Nicholson, ya que el género "mutó en una especie peculiar de música pop con influencias de jazz que finalmente se instaló en la radio FM" a fines de los años 70. [30]
En la década de 1970, la fusión estadounidense se estaba combinando en el Reino Unido con el rock progresivo y la música psicodélica. Las bandas que formaban parte de este movimiento incluían a Brand X (con Phil Collins de Genesis), Bruford ( Bill Bruford de Yes), Nucleus (liderado por Ian Carr ) y Soft Machine. En toda Europa y el mundo, este movimiento creció debido a bandas como Magma en Francia, Passport en Alemania, Time , Leb i Sol y September en Yugoslavia, y los guitarristas Jan Akkerman (Países Bajos), Volker Kriegel (Alemania), Terje Rypdal (Noruega), Jukka Tolonen (Finlandia), Ryo Kawasaki (Japón) y Kazumi Watanabe (Japón). [8]
El jazz metal es la fusión del jazz fusión y el jazz rock con el heavy metal . Los álbumes de Animals as Leaders The Joy of Motion (2014) y The Madness of Many (2016) han sido descritos como metal progresivo combinado con jazz fusión. [31] Panzerballett mezcla jazz con heavy metal. [32]
El jazz pop (o pop-jazz, también llamado jazzy pop ) es música pop con instrumentos de jazz, producción suave, comercialmente viable y apta para la radio. [33] En el jazz pop, la música tiene menos improvisación, pero conserva la melodía y el swing del jazz. [34] Robert Palmer de The New York Times citó que el jazz pop debería distinguirse del jazz rock . [35] Ejemplos de músicos de jazz-pop son Kenny G , Bob James y George Benson .
A principios de la década de 1980, gran parte del género de fusión original fue absorbido por otras ramas del jazz y el rock, especialmente el smooth jazz , un subgénero de fusión amigable con la radio que está influenciado por el R&B, el funk y la música pop. [36] El smooth jazz se remonta al menos a fines de la década de 1960, cuando el productor Creed Taylor trabajó con el guitarrista Wes Montgomery en tres álbumes orientados a la música popular. Taylor fundó CTI Records y muchos intérpretes de jazz establecidos grabaron para CTI, incluidos Freddie Hubbard , Chet Baker , George Benson y Stanley Turrentine . Los álbumes bajo la guía de Taylor estaban dirigidos tanto a los fanáticos del pop como del jazz. [ cita requerida ]
La fusión del jazz y la música pop/rock tomó una dirección más comercial a finales de los años 70 y principios de los 80, en forma de composiciones con una paleta de sonidos más suaves que podían encajar cómodamente en una lista de reproducción de radio de rock suave . El artículo de la guía AllMusic sobre la fusión afirma que "desafortunadamente, a medida que se convirtió en una fuente de ingresos y el rock declinó artísticamente a partir de mediados de los 70, gran parte de lo que se etiquetó como fusión era en realidad una combinación de jazz con música pop de escucha fácil y R&B ligero". [7]
Michael y Randy Brecker produjeron jazz con influencias funk con solistas. [37] David Sanborn fue considerado una voz "conmovedora" e "influyente". [37] Sin embargo, Kenny G fue criticado tanto por los fanáticos de la fusión como del jazz y por algunos músicos, a pesar de haber logrado un gran éxito comercial. El crítico musical George Graham sostiene que el "sonido llamado 'jazz suave' de gente como Kenny G no tiene nada del fuego y la creatividad que caracterizaron a lo mejor de la escena de la fusión durante su apogeo en la década de 1970". [38]
En la década de 1990, otro tipo de fusión adoptó un enfoque más hardcore. Bill Laswell produjo muchos álbumes de este movimiento, como Ask the Ages del guitarrista de vanguardia Sonny Sharrock y Arc of the Testimony con la banda de Laswell, Arcana . Niacin (banda) fue formada por el bajista de rock Billy Sheehan, el baterista Dennis Chambers y el organista John Novello. [8]
En Londres, The Pop Group comenzó a mezclar free jazz y reggae en su forma de punk rock. [39] En la ciudad de Nueva York, la no wave se inspiró en el free jazz y el punk. Ejemplos de este estilo incluyen Queen of Siam de Lydia Lunch , [40] James Chance and the Contortions , que mezclaron música soul con free jazz y punk rock, y Lounge Lizards , [40] el primer grupo en llamarse punk jazz . [40]
John Zorn tomó nota del énfasis en la velocidad y la disonancia que se estaba volviendo predominante en el punk rock y los incorporó al free jazz con el lanzamiento del álbum Spy vs Spy en 1986. El álbum era una colección de melodías de Ornette Coleman tocadas en el estilo thrashcore . [41] En el mismo año, Sonny Sharrock , Peter Brötzmann , Bill Laswell y Ronald Shannon Jackson grabaron el primer álbum bajo el nombre de Last Exit , una mezcla de thrash y free jazz. [42]
El jazz-funk se caracteriza por un fuerte ritmo de fondo ( groove ), sonidos electrificados, [43] y una prevalencia temprana de sintetizadores analógicos . La integración de la música y los estilos funk , soul y R&B en el jazz resultó en la creación de un género cuyo espectro es bastante amplio y va desde la fuerte improvisación de jazz hasta el soul, el funk o la música disco con arreglos de jazz, riffs de jazz , solos de jazz y, a veces, voces soul. [44]
El jazz-funk es principalmente un género estadounidense, donde fue popular durante la década de 1970 y principios de la de 1980, pero también alcanzó un atractivo notable en el circuito de clubes de Inglaterra a mediados de la década de 1970. El jazz-funk conserva una sensación más fuerte de groove y R&B en comparación con algunas de las producciones de jazz fusión, y está más arreglado y presenta más improvisación que el soul jazz .
M-Base ("macro-basic array of structured extemporization") se centra en un movimiento que comenzó en la década de 1980. Comenzó como un grupo de jóvenes músicos afroamericanos en Nueva York que incluía a Steve Coleman , Greg Osby y Gary Thomas , desarrollando un sonido complejo pero con ritmo. [45] En la década de 1990, la mayoría de los participantes de M-Base se volcaron a la música más convencional, pero Coleman, el participante más activo, continuó desarrollando su música de acuerdo con el concepto de M-Base. [46] [47] M-Base pasó de ser un colectivo suelto a una "escuela" informal. [48]
El jazz afrocubano, una de las primeras formas de jazz latino , es una fusión de ritmos afrocubanos basados en la clave con armonías de jazz y técnicas de improvisación. El jazz afrocubano surgió a principios de la década de 1940 con los músicos cubanos Mario Bauza y Frank Grillo "Machito" en la banda Machito and his Afro-Cubans en la ciudad de Nueva York. En 1947, las colaboraciones del innovador del bebop Dizzy Gillespie con el percusionista cubano Chano Pozo trajeron ritmos e instrumentos afrocubanos, sobre todo las congas y los bongós, a la escena del jazz de la Costa Este. Las primeras combinaciones de jazz con música cubana, como "Manteca" de Gillespie y Pozo y "Mangó Mangüé" de Charlie Parker y Machito, se denominaron comúnmente "Cubop", abreviatura de bebop cubano. [49] Durante sus primeras décadas, el movimiento de jazz afrocubano fue más fuerte en los Estados Unidos que en Cuba. [50]
Según el bajista Randy Jackson , el jazz fusión es un género difícil de tocar. "Elegí el jazz fusión porque estaba tratando de convertirme en el músico técnico definitivo, capaz de tocar cualquier cosa. Para mí, el jazz fusión es la música más difícil de tocar. Tienes que ser muy competente con tu instrumento. Tocar cinco tempos al mismo tiempo, por ejemplo. Quería probar la música más difícil porque sabía que si podía hacer eso, podía hacer cualquier cosa". [51]
El rock progresivo , con su afinidad por los solos largos, las influencias diversas, los compases no estándar y la música compleja, tenía valores musicales muy similares a los del jazz fusión. Algunos ejemplos destacados de rock progresivo mezclado con elementos de fusión son la música de Gong , King Crimson , Ozric Tentacles y Emerson, Lake & Palmer .
Los solos de guitarra técnicamente desafiantes, los solos de bajo y las percusiones sincopadas con compases impares del jazz rock fusión comenzaron a incorporarse al género del metal progresivo técnicamente enfocado a principios de la década de 1990. La banda de death metal Atheist produjo los álbumes Unquestionable Presence en 1991 y Elements en 1993 que contenían percusiones fuertemente sincopadas, firmas de tiempo cambiantes, partes instrumentales, interludios acústicos y ritmos latinos. Meshuggah atrajo la atención internacional por primera vez con el lanzamiento de 1995 Destroy Erase Improve por su fusión de death metal de ritmo rápido, thrash metal y metal progresivo con elementos de jazz fusión. Cynic grabó una forma compleja y poco ortodoxa de death metal experimental influenciado por el jazz fusión con su álbum de 1993 Focus . En 1997, la guitarrista del Guitar Institute of Technology Jennifer Batten bajo el nombre de Jennifer Batten's Tribal Rage: Momentum lanzó Momentum , un híbrido instrumental de rock, fusión y sonidos exóticos. Mudvayne está fuertemente influenciado por el jazz, especialmente en la forma de tocar del bajista Ryan Martinie . [52] [53] Puya incorpora frecuentemente influencias de la música jazz estadounidense y latina . [54]
Otra banda de jazz-metal progresivo más cerebral e instrumental, Planet X, lanzó Universe en 2000 con Tony MacAlpine , Derek Sherinian (ex- Dream Theater ) y Virgil Donati (que ha tocado con Scott Henderson de Tribal Tech ). La banda combina solos de guitarra de estilo fusión y percusión sincopada de compases impares con la pesadez del metal. La banda de tech-prog-fusión metal Aghora se formó en 1995 y lanzó su primer álbum, homónimo Aghora , grabado en 1999 con Sean Malone y Sean Reinert , ambos ex miembros de Cynic. Gordian Knot , otra banda de metal progresivo experimental vinculada a Cynic, lanzó su álbum debut en 1999 que exploraba una gama de estilos desde el jazz fusión hasta el metal. The Mars Volta está extremadamente influenciado por el jazz fusión, utilizando giros progresivos e inesperados en los patrones de batería y líneas instrumentales. El estilo de la banda progresiva uzbeka Fromuz se describe como "fusión progresiva". En largas improvisaciones instrumentales , la banda pasa de una fusión de rock y música ambiental del mundo a tonos de jazz y hard rock progresivo. [55]
Patrones polimétricos circulares y altamente complejos que conservan su carácter bailable de ritmos funk populares a pesar de su complejidad interna y asimetrías.
El pianista Vijay Iyer, elegido Músico de Jazz del año 2010 por la Asociación de Periodistas de Jazz, dijo: "Es difícil exagerar la influencia de Steve. Ha afectado a más de una generación, tanto como cualquier otro desde John Coltrane".
Sus ideas recombinantes sobre el ritmo y la forma y su afán por orientar a los músicos y construir un nuevo lenguaje han tenido un profundo efecto en el jazz estadounidense.
