Se considera que el movimiento de arte indio moderno en la pintura india comenzó en Calcuta a fines del siglo XIX. Las antiguas tradiciones de la pintura habían desaparecido más o menos en Bengala y los británicos iniciaron nuevas escuelas de arte. [1] Inicialmente, los protagonistas del arte indio, como Raja Ravi Varma, se basaron en las tradiciones y técnicas occidentales, incluida la pintura al óleo y la pintura de caballete. Una reacción a la influencia occidental condujo a un renacimiento del primitivismo, llamado la escuela de arte de Bengala , que se basó en el rico patrimonio cultural de la India. Fue reemplazada por la escuela Santiniketan , liderada por Rabindranath Tagore , que se remontaba a la gente rural idílica y la vida rural. A pesar de su influencia en todo el país en los primeros años, la importancia de la escuela disminuyó en los años cuarenta y ahora está prácticamente muerta.
La pintura al óleo y al caballete en la India comenzó a principios del siglo XVIII, cuando muchos artistas europeos, como Zoffany , Kettle , Hodges , Thomas y William Daniell , Joshua Reynolds , Emily Eden y George Chinnery llegaron a la India en busca de fama y fortuna. [2] Las cortes de los estados principescos de la India fueron un atractivo importante para los artistas europeos debido a su patrocinio de las artes visuales y escénicas y también a su necesidad de retratos de estilo europeo.
Los comerciantes de la Compañía de las Indias Orientales también proporcionaron un gran mercado para el arte nativo. En la segunda mitad del siglo XVIII se desarrolló un género diferenciado de pintura de acuarela sobre papel y mica que representaba escenas de la vida cotidiana, atuendos de las cortes principescas y festividades y rituales nativos. Conocido como el " estilo de la Compañía " o "estilo Patna", floreció primero en Murshidabad y se extendió a otras ciudades de soberanía británica. Las autoridades consideran que el estilo es "de estilo híbrido y calidad mediocre". [3]
Después de 1857, John Griffiths y John Lockwood Kipling (padre de Rudyard Kipling ) llegaron juntos a la India; Griffith pasó a dirigir la Escuela de Arte Sir JJ y fue considerado uno de los mejores pintores victorianos que llegaron a la India, y Kipling pasó a dirigir tanto la Escuela de Arte JJ como la Escuela de Artes Mayo, establecida en Lahore en 1878. [2] [4]
La actitud ilustrada del siglo XVIII que mostró una generación anterior de británicos hacia la historia, los monumentos, la literatura, la cultura y el arte de la India dio un giro a mediados del siglo XIX. [5] Las manifestaciones anteriores del arte indio fueron desechadas por considerarlas “muertas” y material para museos; “desde la perspectiva oficial británica, la India no tenía arte vivo”. [6] Para propagar los valores occidentales en la educación artística y la agenda colonial, los británicos establecieron escuelas de arte en Calcuta y Madrás en 1854 y en Bombay en 1857. [2]
Raja Ravi Varma (1848-1906) fue un notable pintor indio autodidacta del estado principesco de Travancore . Su exposición en Occidente llegó cuando ganó el primer premio en la Exposición de Arte de Viena en 1873. Las pinturas de Varma también fueron enviadas a la Exposición Colombina Mundial celebrada en Chicago en 1893 y su trabajo fue galardonado con dos medallas de oro. [7] Se le considera el primero de los modernistas y, junto con Amrita Sher-gil (1913-1941), los principales exponentes de las técnicas occidentales en desarrollar una nueva estética en la interpretación subjetiva de la cultura india con "la promesa de materialidad en el medio de los óleos y el paradigma de la realidad del formato espejo/ventana de la pintura de caballete". [2] Otros pintores indios destacados nacidos en el siglo XIX son Pestonjee Bomanjee (1851-1938), Mahadev Vishwanath Dhurandhar (1867-1944), AX Trindade (1870-1935), [8] MF Pithawalla (1872-1937), [9] Sawlaram Lakshman Haldankar (1882-1968) y Hemen Majumdar (1894-1948).
La obra de Varma se considera uno de los mejores ejemplos de la fusión de las tradiciones indias con las técnicas del arte académico europeo , en el marco colonial-nacionalista del siglo XIX. Es más recordado por sus pinturas de hermosas mujeres vestidas con saris , que fueron retratadas como escultural y grácil. Varma se convirtió en el alegorista más conocido de temas indios en su representación de escenas de las epopeyas del Mahabharata y el Ramayana .
Raja Ravi Varma consideraba que su obra "establecía una nueva identidad civilizacional dentro de los términos de la India del siglo XIX". [2] : 147 Su objetivo era formar un cantón indio de arte a la manera de los de las civilizaciones clásicas griega y romana. [2] El arte de Varma llegó a desempeñar un papel importante en el desarrollo de la conciencia nacional india. Varma compró una imprenta que produjo copias oleográficas de sus pinturas que adornaron los hogares de clase media de la India, muchas décadas después de su muerte. [2] Considerado un genio en su apogeo, a los pocos años de su muerte, las pinturas de Varma fueron objeto de severas críticas por imitar el arte occidental. [ cita requerida ]
Raja Ravi Varma murió en 1906 a la edad de 58 años. Está considerado uno de los más grandes pintores de la historia del arte indio .
Durante la era colonial, las influencias occidentales habían comenzado a tener un impacto en el arte indio. Algunos artistas desarrollaron un estilo que utilizaba ideas occidentales de composición, perspectiva y realismo para ilustrar temas indios, entre ellos , Raja Ravi Varma, que se destacaba. [10] La escuela de Bengala surgió como un movimiento vanguardista y nacionalista que reaccionaba contra los estilos de arte académico promovidos previamente en la India, tanto por artistas indios como Varma como en las escuelas de arte británicas. [2]
Tras la influencia generalizada de las ideas espirituales indias en Occidente , el profesor de arte británico Ernest Binfield Havel intentó reformar los métodos de enseñanza en la Escuela de Arte de Calcuta animando a los estudiantes a imitar miniaturas mogoles . [6] Esto provocó una inmensa controversia, lo que llevó a una huelga de estudiantes y quejas de la prensa local, incluso de los nacionalistas que lo consideraban un movimiento retrógrado. [ cita requerida ] Havel fue apoyado por el artista Abanindranath Tagore , sobrino del poeta Rabindranath Tagore . [6]
Abanindranath pintó una serie de obras influenciadas por el arte mogol, un estilo que él y Havel creían que expresaba las cualidades espirituales distintivas de la India, en oposición al "materialismo" de Occidente. Su pintura más conocida, Bharat Mata (Madre India), mostraba a una mujer joven, retratada con cuatro brazos a la manera de las deidades hindúes, sosteniendo objetos simbólicos de las aspiraciones nacionales de la India. Las otras figuras prominentes de la escuela de arte de Bengala fueron Gaganendranath Tagore , el hermano mayor de Abanindranath, Jamini Roy , Mukul Dey , Manishi Dey y Ram Kinker Baij , quien es más famoso como el pionero de la escultura india moderna. Otra figura importante de esta era fue Chittaprosad Bhattacharya , quien rechazó el clasicismo de la Escuela de Bengala y sus preocupaciones espirituales. [11] Su libro Hungry Bengal: a tour through Midnapur District incluía muchos bocetos de la hambruna de Bengala extraídos de la vida, así como documentación de las personas representadas. Los británicos prohibieron inmediatamente el libro y confiscaron y destruyeron 5.000 ejemplares. La familia de Chittaprosad ocultó sólo un ejemplar, que ahora está en posesión de la Galería de Arte de Delhi.
Durante los primeros años del siglo XX, Abanindranath desarrolló vínculos con figuras culturales japonesas como el historiador de arte Okakura Kakuzō y el pintor Yokoyama Taikan como parte de una iniciativa modernista globalizada con tendencias panasiáticas . [12] [13]
Entre los asociados a este modelo indo-oriental se encontraban Nandalal Bose , Benode Behari Mukherjee , Vinayak Shivaram Masoji, BC Sanyal , Beohar Rammanohar Sinha y, posteriormente, sus alumnos A. Ramachandran , Tan Yuan Chameli y algunos otros. La influencia de la escuela de Bengala en la escena artística india comenzó a atenuarse gradualmente con la difusión de las ideas modernistas después de la independencia.
El manto de la Escuela de Bengala fue asumido cuando Rabindranath Tagore estableció la visionaria universidad de Santiniketan , una universidad enfocada en la preservación y elevación de la cultura, valores y herencia de la India. [2] Incluía una escuela de arte " Kala Bhavan " fundada en 1920-21. Aunque el propio Rabindranath llegó tarde a la pintura en su larga y productiva vida, sus ideas influyeron enormemente en el modernismo indio. [14] En privado, Tagore hizo pequeños dibujos, coloreados con tintas, para los cuales extrajo inspiración para su primitivismo de su inconsciente. [2] [14] En la vida pública, el primitivismo de Rabindranath puede atribuirse directamente a una resistencia anticolonial, similar a la de Mahatma Gandhi . [14]
Uno de los primeros estudiantes de Abanindranath Tagore fue Nandalal Bose , que posteriormente se convirtió en profesor y más tarde en director de arte. [6] Nandalal llevó a la escuela a una posición de preeminencia en la ideología nacionalista que ahora emergía en la cultura india. La escuela de pensamiento Shantiniketan enfatizó que "una estética también era un ethos, que el papel del arte era más que mejorar la vida, era dar forma al mundo". [6] Estableció una versión india del naturalismo distinta de las escuelas orientales y occidentales, un ejemplo de lo cual fue el abandono de la pintura al óleo y al caballete para el trabajo sobre papel dibujado/coloreado con acuarelas, aguada, témpera y tinta. [2] El sueño de Rabindranath Tagore de venerar los viejos valores, tipificados por motivos como la gente rural, especialmente las tribus Santhal , se hizo realidad en las escuelas relacionadas con el arte de la Universidad Viswa-Bharati en Santiniketan. [2] Algunos de los artistas destacados de la escuela Santiniketan son Benode Behari Mukherjee , Ramkinkar Baij , Manu Parekh , Sankho Chaudhuri , Dinkar Kaushik , KG Subramanyan , Beohar Rammanohar Sinha , Krishna Reddy , A. Ramachandran , Sobha Brahma , Ramananda Bandhapadhyay, Dharma Narayan Dasgupta, Sushen Ghose, como Jhankar Narzary.
La idea del modernismo contextual surgió en 1997 a partir de Santiniketan: The Making of a Contextual Modernism de R. Siva Kumar como una herramienta crítica poscolonial para la comprensión de un modernismo alternativo en las artes visuales de las antiguas colonias como la India, específicamente el de los artistas de Santiniketan.
Varios términos, entre ellos la contracultura de la modernidad de Paul Gilroy y la modernidad colonial de Tani Barlow , se han utilizado para describir el tipo de modernidad alternativa que surgió en contextos no europeos. El profesor Gall sostiene que el término "modernismo contextual" es más adecuado porque "lo colonial en la modernidad colonial no da cabida a la negativa de muchos en situaciones colonizadas a internalizar la inferioridad. El rechazo de la subordinación de los maestros artistas de Santiniketan incorporó una visión contraria de la modernidad, que buscaba corregir el esencialismo racial y cultural que impulsó y caracterizó la modernidad y el modernismo imperiales occidentales. Esas modernidades europeas, proyectadas a través de una potencia colonial británica triunfante, provocaron respuestas nacionalistas, igualmente problemáticas cuando incorporaron esencialismos similares". [15]
Según R. Siva Kumar , "los artistas de Santiniketan fueron de los primeros que desafiaron conscientemente esta idea del modernismo al optar por salirse tanto del modernismo internacionalista como del indigenismo historicista y trataron de crear un modernismo sensible al contexto". [16] Había estado estudiando el trabajo de los maestros de Santiniketan y pensando en su enfoque del arte desde principios de los años 80. La práctica de subsumir a Nandalal Bose , Rabindranath Tagore , Ram Kinker Baij y Benode Behari Mukherjee bajo la Escuela de Arte de Bengala fue, según Siva Kumar, engañosa. Esto sucedió porque los primeros escritores se guiaron por genealogías de aprendizaje en lugar de sus estilos, visiones del mundo y perspectivas sobre la práctica artística . [16]
El modernismo contextual en el pasado reciente ha encontrado su uso en otros campos de estudio relacionados, especialmente en la arquitectura . [17]
En 1947, cuando se produjo la independencia, varias escuelas de arte de la India ofrecían acceso a técnicas e ideas modernas. Se establecieron galerías para exhibir a estos artistas. El arte indio moderno suele mostrar la influencia de los estilos occidentales, pero a menudo se inspira en temas e imágenes indios. Los artistas más importantes están empezando a ganar reconocimiento internacional, inicialmente entre la diáspora india, pero también entre el público no indio.
El Grupo de Artistas Progresistas , creado poco después de que la India se independizara en 1947, tenía como objetivo establecer nuevas formas de expresión de la India en la era poscolonial. Su fundador fue Francis Newton Souza y SH Raza , MF Husain y Manishi Dey fueron sus primeros miembros. Fue profundamente influyente en el cambio del idioma del arte indio. Casi todos los artistas más importantes de la India en la década de 1950 estuvieron asociados con el grupo. Entre ellos, se destacaron Akbar Padamsee , Sadanand Bakre , Ram Kumar , Tyeb Mehta , KH Ara , HA Gade y Bal Chabda. [18] En 1950, VS Gaitonde , Krishen Khanna y Mohan Samant se unieron al grupo. El grupo se disolvió en 1956.
Otros pintores famosos como Narayan Shridhar Bendre , KKHebbar , KCS Paniker , Sankho Chaudhuri , Antonio Piedade da Cruz , [19] [20] KG Subramanyan , Beohar Rammanohar Sinha , Satish Gujral , Bikash Bhattacharjee , Jehangir Sabavala , Sakti Burman , A. Ramachandran , Ganesh Pyne , Nirode Mazumdar , Ghulam Mohammed Sheikh , Laxman Pai , AA Raiba , Jahar Dasgupta , Prokash Karmakar , John Wilkins , Vivan Sundaram , Jogen Chowdhury , Jagdish Swaminathan , Jyoti Bhatt , Bhupen Khakhar , Jeram Patel, Narayanan Ramachandran, Paramjit Singh, Pranab Barua, Dom Martin (el pintor surrealista) de Goa ) y Bijon Choudhuri enriquecieron la cultura artística de la India y se han convertido en iconos del arte indio moderno. Mujeres artistas como B. Prabha , Shanu Lahiri , Arpita Singh , Srimati Lal , Anjolie Ela Menon y Lalita Lajmi han hecho inmensas contribuciones a Arte y pintura india moderna. Los historiadores del arte como el profesor Rai Anand Krishna también han hecho referencia a aquellas obras de artistas modernos que reflejan el espíritu indio. Algunos de los artistas indios contemporáneos aclamados incluyen a Nagasamy Ramachandran , Jitish Kallat , Atul Dodiya y Geeta Vadhera , que ha tenido aclamado por traducir complejos temas espirituales indios al lienzo, como el pensamiento sufí, los Upanishads y el Bhagavad Gita.
El arte indio recibió un impulso con la liberalización económica del país desde principios de la década de 1990. Artistas de diversos campos comenzaron a traer diversos estilos de trabajo. El arte indio posterior a la liberalización funciona no solo dentro de los confines de las tradiciones académicas sino también fuera de ellas. Los artistas han introducido nuevos conceptos que hasta ahora no se habían visto en el arte indio. Devajyoti Ray ha introducido un nuevo género de arte llamado pseudorrealismo . El arte pseudorrealista es un estilo de arte original que se ha desarrollado completamente en suelo indio. El pseudorrealismo tiene en cuenta el concepto indio de abstracción y lo utiliza para transformar escenas regulares de la vida india en imágenes fantásticas.
En la India posliberal, muchos artistas se han establecido en el mercado internacional del arte, como el pintor abstracto Natvar Bhavsar , el pintor de arte abstracto Nabakishore Chanda y el escultor Anish Kapoor, cuyas gigantescas obras de arte posminimalistas han llamado la atención por su gran tamaño. También se han abierto muchas casas de arte y galerías en Estados Unidos y Europa para exhibir obras de arte indias.
Eruditos del arte como Vaibhav S. Adhav, C. Sivaramamurti , Anand Krishna, R. Siva Kumar [21] [22] y Geeta Kapur [23] han llevado el arte indio a una plataforma global.
En el siglo XXI, las pinturas indias modernas consistieron en la autorreflexión y en temas emergentes en el país. [24]
Un artista que ha tenido una gran influencia es Bhupen Khakhar , y su estilo incluye "producir obras coloridas con mucho humor, impulsadas por narrativas fuertes que capturan una mezcla de la vida cotidiana de la clase media y la fantasía erótica". En 2013, una exhibición llamada "Touched by Bhupen" mostró obras de arte de artistas como: Subodh Gupta , Atul Dodiya , Ratheesh T, Nataraj Sharma y Jogen Chowdhury , que representan el impacto de Bhupen en su arte. [25]
También en 2013, se llevó a cabo una Feria de Arte de la India en la que algunos artistas indios exhibieron su arte junto con artistas de todo el mundo. Algunos de los artistas indios que participaron fueron: SH Raza , Nilofer Suleman, Viveek Sharma y Smriti Dixit. Cada artista tiene su propio estilo, las pinturas de Raza contienen pensamiento hindú y las pinturas de Suleman son muy modernas e incorporan estilos gráficos indios. Las pinturas de Sharma encarnan declaraciones políticas y las pinturas de Dixit contienen nociones de reutilización y renacimiento. [26]
KG Subramanyan era conocido por su mezcla de tradiciones. En concreto, unió el arte tradicional indio contemporáneo con la cultura pop y el arte popular indio tradicional con las tendencias urbanas modernas. Al asistir a la escuela de arte Santiniketan, el fundador de la escuela, Rabindranath Tagore, quería imponer a sus alumnos la idea de afirmar las tradiciones indias a través de la artesanía. Subramanyan pudo tomar esas enseñanzas de Tagore y transmitirlas a la futura generación de artistas mientras él mismo era profesor en la Universidad Maharaja Sayajiaro en Baroda. [27]
Siddharth (Sid) Katragadda es un artista indio-estadounidense que recibió su diploma en Composición de Pintura del City College de San Diego. Ha estado pintando desde que tenía unos cinco años, pero comenzó a exponer y vender su arte recién en 2008. De 2008 a 2015, fue muy prolífico y vendió casi 100 de sus pinturas abstractas de la serie “Mujeres indias oscuras” a coleccionistas privados de todo el mundo. En 2010, su obra fue adquirida por Mani Ratnam. Como artista, cree que el objetivo principal de un artista debe ser capturar una cultura, y que una cultura se puede entender mejor a través de sus mujeres. Su objetivo es desarrollar sus propios estilos de pintura que hagan avanzar el arte en nuevas direcciones. Sus experimentos se ven en todas sus pinturas. En 2022, pintó una serie de 12 pinturas occidentales en lo que él llama estilo Holeism, basado en varios temas humanitarios. También regresó a sus mujeres indias abstractas, creando la primera de sus pinturas de estilo Timism. Su estilo Soulism fue publicado en TaintTaintTaint Magazine [28]
Pradip Sengupta fue nombrado artista emergente en 2017. Recibió su título de la Universidad Visva Bharati en Santiniketan. [29] Sus pinturas combinan una gran variedad de colores, mezclados con diferentes técnicas. Todas sus pinturas capturan el cambio por el que ha pasado a lo largo de su vida; representan los sentimientos que tiene en su interior, pero su obra de arte parece imaginar algún tipo de fantasía, incluso incluyendo algunas figuras occidentales como Superman. [30]
Sarang Singla también fue reconocida como una artista emergente en 2017. Su estilo es una mezcla entre el arte contemporáneo y la cultura tradicional india. Combina texturas y técnicas para representar las inspiraciones que obtiene de lo que sucede en el mundo que la rodea. [29]
También entre los artistas emergentes de 2017 , Siddharth S. Shingade expresa sus sentimientos a través de una interesante integración de rostros detallados. Alarga las criaturas en algunos y trata de contar historias sobre eventos históricos. [29] Su hogar está en Marathwada, India. A menudo usa paletas de colores que representan esto. Hay una amplia variedad de amarillos que imitan el clima cálido de Marathwada. El estado de ánimo de su obra de arte tiende a ser más sombrío, capturando realmente la opresión que enfrentaba la gente de su tierra natal. [31]
Bakula Nayak , una artista que se presentará en 2018, utiliza la pintura en técnica mixta para expresar felicidad. Tiende a crear obras que son muy alegres y cómicas. Influyó principalmente en mi arte occidental y en mi imaginación; crea personajes animales para que participen en actividades humanas. Esto crea un entorno similar a una historia. [32]
Dinkar Jadhav, otro artista emergente en 2018, tiene pasión por el amor, la pasión y la libertad. Lo refleja a través de sus frecuentes pinturas de toros y caballos. La creatividad es clave y lo demuestra incorporando diferentes formas geométricas, bloques de color y ángulos agudos en sus pinturas. Utiliza el arte moderno para representar algunos valores tradicionales. [32]
En 2018, el arte de Roy K. John se convirtió en uno de los más populares de ese año. Utiliza técnicas muy tradicionales, combinadas con estilos contemporáneos para crear su interpretación de las deidades hindúes y la iconografía india tradicional. Utiliza colores vibrantes para mostrar su amor por la naturaleza y se mantiene fiel a sus raíces al recrear algunas de las obras de arte indias más tradicionales [32]
En 2019, Buddhadev Mukherjee , de Calcuta (India), empezó a ser reconocido por su inusual interés en separar la forma humana de todas las demás cosas. Es conocido por incorporar la figura humana principal en algo con cualidades animales. Mezcla dos cosas diferentes para crear una pintura fluida. [33]
{{cite journal}}: Falta o está vacío |title=( ayuda )