Shanu Lahiri (23 de enero de 1928 - 1 de febrero de 2013) fue una pintora y educadora de arte que perteneció a una de las familias más prominentes y culturalmente elevadas de Calcuta y una modernista de primera generación que surgió después de la independencia. Fue una de las artistas públicas más destacadas de Calcuta , [1] a menudo apodada como "la Primera Dama del Arte Público de la ciudad", realizando extensas campañas de arte de grafiti en Calcuta para embellecer la ciudad y ocultar eslóganes políticos agresivos. [2] Sus pinturas se encuentran en el Museo Salar Jung y la Galería Nacional de Arte Moderno .
Shanu Lahiri nació el 23 de enero de 1928 en Calcuta (hoy Kolkata) en una de las familias artísticas más destacadas de Calcuta: la familia Mazumdar de siete hermanos. Su madre, Renukamoyee Mazumdar, aunque analfabeta, practicaba la caligrafía por la noche. [3] Lahiri tenía dos hermanos mayores, el célebre literato y escritor Kamal Kumar Majumdar y el artista Nirode Mazumdar , uno de los grandes del modernismo del siglo XX, ahora en gran parte olvidado [4] y miembro fundador de The Calcutta Group. Al crecer en esta atmósfera de intensa creatividad, también estuvo influenciada por las habilidades culinarias de su madre. Recuerda en sus memorias:
"No muy lejos de allí, Niru-da está ocupado haciendo una capa de pintura de un gran cuadro que acaba de terminar. En cuanto a Dádá, el mayor de nuestros hermanos, está todo el tiempo garabateando. Así fue siempre durante mi infancia... todo fluía por mis venas, formando mi ser. No me daba cuenta entonces de lo que estaba presenciando y absorbiendo como algo natural." [5]
Como estudiante de la Escuela Superior de Arte y Artesanía del Gobierno de Calcuta, perteneció a una de las primeras clases de estudiantes mujeres que ingresaron el año de la Independencia de la nación y estudió con Atul Bose y Ramendranath Chakraborty durante sus primeros dos años. En su tercer año estudió con el profesor Basanta Ganguly, un valiente representante de las tradiciones conservadoras, si no académicas, en el arte. En la escuela de arte se le enseñó a ser una dibujante técnicamente hábil, siguiendo el plan de estudios establecido por el sistema colonial británico, sin embargo, estuvo en desacuerdo con Basanta Ganguly en muchas ocasiones, como recordaría años después en una entrevista sincera. [6] Se graduó en 1951 y fue la primera estudiante de la escuela en recibir la medalla de oro del presidente de la AIFACS por sus destacadas contribuciones en el arte mientras era estudiante. En 1955, asumió atrevidamente el desafío de realizar una exposición individual en la galería de la AIFACS. Fue aquí donde se encontró exhibiendo sus obras frente a dos grandes maestros de Bombay, Gaitonde y Gade .
En 1956 recibió una beca del gobierno francés que le permitió estudiar en París durante un período de dos años entre 1956 y 1958. Estudió en la École du Louvre , donde aprendió historia del arte y apreciación del arte, y en la Académie Julian aprendió pintura. [1] [7] Esta exposición internacional le permitió liberarse de las restricciones de la formación académica y del estereotipo persistente de la pintura de "estilo indio" que prevalecía entre la mayoría de los artistas indios.
Shanu Lahiri inició su carrera artística en los años de la independencia de la India. Romper con su formación académica inicial fue crucial para crear el nuevo arte modernista que infundió la influencia y la inspiración de los movimientos artísticos internacionales. En total sintonía con las principales tendencias artísticas de la época, abandonó su formación y en París abrazó activamente el legado del Alto Modernismo francés.
Al igual que muchos artistas de su generación, París fue la meca del modernismo (los repertorios artísticos de Picasso, Matisse, Chagall y Rousseau habían seguido siendo puntos de referencia reconocibles para sus propias innovaciones en materia de forma, color y contenido), lo que dejó un impacto duradero en ella. De este rico repertorio histórico de arte surgió su propio estilo característico por el que era conocida: un modo particular de figuración humana contorsionada, un floreo de líneas y pinceladas audaces y colores brillantes y crudos con un don para la magnitud y la escala. A partir de la década de 1980, una característica sorprendente de su obra fue su predilección por los grandes tamaños y escalas, ya que su trabajo comenzó a desplegarse, como un mural, sobre extensiones de lienzo o papel, donde pasó de composiciones densamente narrativas e ilustrativas a una creciente simplificación y economía de formas que abordaban cuestiones sociales. La figura humana siguió siendo su fuerte, con figuras que iban desde sus característicos retratos de cabezas en reposo tranquilo hasta una serie animada de animales. Su primera exposición de pinturas tuvo lugar en 1950, a la que siguieron una serie de exposiciones.
A su regreso de París, realizó una serie de exposiciones de pintura tanto en la India como en el extranjero. Tras su carrera académica en Occidente, a finales de los años 70, se incorporó a la facultad de la Universidad Rabindra Bharati como lectora en el departamento de artes visuales ; más tarde se convirtió en decana de su facultad de artes visuales. [1] [8] [9] Mientras estaba en la universidad, inició la práctica de analizar y copiar la obra de Rabindranath Tagore como un ejercicio para profundizar en su estilo, como en Occidente se copiaba a los viejos maestros como parte de la actividad del aula, por lo que recibió fuertes críticas. La década de los 80 estuvo dominada por el perfil cada vez más público de Shanu Lahiri, como educadora, organizadora y activista del arte. La década ahora vio a la artista comprometida con un papel público. Siguiendo la práctica de los artistas que crean la imagen de la diosa Durga en Bakulbagan, que comenzó en 1975 por Nirode Mazumdar, Shanu Lahiri diseñó el ídolo de Durga dos veces para Bakulbagan, siguiendo el ejemplo de otros artistas que cada año creaban lenguajes modernos y estilísticos para trabajar dentro de una imagen de la diosa modelada en arcilla. [10]
En las dos últimas décadas, la de 1990 y la de 2000, su estudio había sido un lugar de constante inventiva e innovación. Manteniendo su compromiso principal con la pintura y el dibujo, probó nuevos medios y superficies, experimentando en diferentes fases con pintura de esmalte sobre láminas de acrílico, pintura sobre placas de madera y cerámica, grabados en placas de rayos X y dibujos de "luz de antorcha" sobre papel de bromuro. Un creciente deseo paralelo por la escultura la había llevado a pasar de pequeños modelos de arcilla y figuras de frascos de perfume fundidos en bronce.
A través de su arte, Shanu Lahiri abordó las realidades contemporáneas de la sociedad. [1] Fue reconocida por su estilo altamente individualista y se convirtió en una artista líder en la escena artística contemporánea de Calcuta, junto con su colega pintora Karuna Shaha. [11]
Tras la formación del "Grupo de Calcuta" en 1943, surgió una tendencia a organizarse en grupos entre los artistas de diferentes zonas de la India. En 1944 se formó la "Asociación de Pintores Progresistas" bajo la dirección de KCS Paniker en Madrás, el Grupo de Artistas Progresistas nació en Bombay en 1947, y se estableció el "Delhi Shilpi Chakra" en 1949. Así que, sin duda, el "Grupo de Calcuta" fue el pionero de estos esfuerzos al formar colectivos de artistas que allanaron el camino para que otros los siguieran. Sin embargo, las mujeres a menudo eran excluidas de estos clubes masculinos. En 1983, Calcuta y, en cierta medida, el país fue testigo de la movilización del primer grupo de mujeres artistas: "El Grupo", como se llamaban a sí mismas, estaba formado por cinco miembros: Karuna Shaha , Shanu Lahiri, Meera Mukherjee , Santosh Rohatgi y Shyamasree Basu. Una organización de mujeres de este tipo se convirtió fácilmente en blanco de un desprecio y una condescendencia implícitos en los círculos artísticos contemporáneos. Sin embargo, las artistas se mantuvieron firmes, claras e inequívocas en cuanto a la necesidad de un foro de mujeres artistas. Las mujeres habían estado mucho tiempo ocultas en su profesión, haciendo eco de lo que Virginia Woolf dijo una vez: "Durante la mayor parte de la historia, el anonimato era una mujer". Así que fue en esa misma identidad que las artistas tendrían que luchar por la participación igualitaria y el derecho a ser tomadas en serio en el mundo del arte. Desde su creación en 1983, The Group expuso todos los años en la Academia de Bellas Artes. En 1986 y 1987, las exposiciones viajaron por primera vez fuera de Calcuta, al Triveni Kala Sangam en Nueva Delhi y a la Galería de Arte Jehangir en Bombay. Esa mayor exposición fue crucial para las artistas. A pesar de celebrar exposiciones a intervalos regulares, el hecho de que apenas se vendieran fue decepcionante. Aquí es donde un enfoque diferente de la actividad de marketing y promoción habría ayudado, permitiendo un mayor grado de compromiso con las tendencias artísticas más modernas y vanguardistas.
Mientras trabajaba como decana de la Facultad de Artes Visuales en la Universidad Rabindra Bharati, Shanu Lahiri pudo ver de primera mano las obras de Rabindranath Tagore. A menudo decía que cuando leía un poema de Tagore veía imágenes, pero que al contemplar sus pinturas nunca sentía un sentimiento lírico. Esta deficiencia que experimentó la llevó a escribir sobre el arte de Rabindranath Tagore, lo que culminó en el libro 'Rabindra Chitra Chetana', que ofrece una visión crítica del arte y el vocabulario visual de Tagore. [12]
En 2001 publicó su autobiografía, Smritir Collage (Un collage de recuerdos) [13], en la que habla de su infancia y su crianza en una familia intensamente artística y culturalmente elevada. Para coincidir con el lanzamiento, también realizó una exposición que mostraba el trabajo de sus hermanos Kamal y Nirode Mazumdar, y otros miembros de su clan Mazumdar, su sobrino Chittrovanu y su sobrina Oditi. [3] También había escrito una serie de cuentos y anécdotas que giraban en torno a los numerosos animales que la rodeaban a ella y a su familia, que se recopilaron como 'Edo Goli Theke Beni Madhav'. [14]
Era imposible que alguien que hubiera ido a ver a Shanu Lahiri se marchara sin comer. Ya fuera preparando ensaladas rápidamente o comidas elaboradas, también era conocida por experimentar en la cocina. Después de su muerte se publicó un libro titulado Tabled , de su hija Damayanti Lahiri y diseñado por su sobrino Chittrovanu Mazumdar, que consiste en una colección de sus recetas, pinturas, garabatos y dibujos.
"Mamá manejaba el pincel y el cucharón con facilidad y entusiasmo y sumergía sin esfuerzo su comida en su crisol de comino y azul cobalto. 'Tabled' ha sido concebido en gran parte a partir de las persistentes demandas de las recetas de mi madre por parte de los comensales saciados y fue un trabajo en progreso para ella, casi hasta que falleció. Es una instalación anecdótica de flujo libre, compilada sin una dirección particular: un ensamblaje de ilustraciones, fotos, peculiaridades, recetas y narraciones menores". [15] [16]
También fue una poeta publicada bajo el seudónimo de Hasna Banu.
"En 1984 reuní a algunos estudiantes de La Martiniere y les dije que les daría 50 rupias por día si salían a pintar conmigo. Elegimos un muro público y empezamos a pintar en él. No borramos las jergas políticas, sino que convertimos el muro en nuestro lienzo. La gente al principio sintió curiosidad y luego agradeció".
Shanu Lahiri [8]
Lahiri también participó en proyectos de arte público y grafiti en toda Calcuta. A partir de la década de 1980, a través de su "Proyecto Love Calcutta" alentó a los niños de la calle y estudiantes a pintar en las paredes de Calcuta en un esfuerzo por embellecer la ciudad. [2] [17] La década anterior había sido políticamente tumultuosa debido al movimiento naxalita , que dejó las paredes de la ciudad cubiertas de carteles políticos, lemas y grafitis agresivos. En 1984 [8] Lahiri reunió a los estudiantes de La Martiniere Calcutta para pintar sobre la pared de su escuela con arte colorido y murales. Poco a poco, este movimiento se hizo popular y en los años siguientes participó en proyectos de arte público similares en varias partes de la ciudad, como el Bazar de Jadu Babu en el área de Bhowanipore , el mercado de pescado en Sreebhumi, Fort William y otras áreas en el norte y sur de Calcuta . Inspirada por las muñecas populares de Bengala, creó una estatua de Parama en la circunvalación de Calcuta . [1] [9]
En la década de 1980 se mudó al barrio de Lake Town , donde formó un grupo local conocido como Bhavana . Este grupo participaba en campañas de limpieza de basura y también pintaba grafitis en las paredes del barrio. Lahiri tenía su propio puesto de comida en la fiesta anual local Durga Puja , donde vendía kebabs . [18]
El hecho de que hoy en día casi ninguno de sus murales sobreviva o se haya dejado desvanecer debido al absoluto descuido o que su escultura icónica como 'Parama', que se había convertido en un icono de la ciudad y era sinónimo de la artista, haya sido derribada, es un comentario sobre la apatía y la insensibilidad de la cultura pública de la ciudad. También había colaborado con el jatra, el diseño de escenarios y teatro con compañías como Pangea World Theatre, Notto Company, Manjusri Chaki Dance Company, Music of the Drums, entre otras.
Lahiri participó activamente en proyectos de arte público hasta que cumplió ochenta años. En 2010 organizó un proyecto en Hyderabad , en el que reunió a estudiantes de varias escuelas, niños VIH positivos y niños con discapacidades, para pintar sobre las paredes del templo Lakshman Bagh como parte de las celebraciones del 150 aniversario de Rabindranath Tagore . [8] En 2010, 25 años después de que los pintara por primera vez, algunas de sus obras de arte público y murales aún eran visibles, incluido un muro de 67 metros de largo en la calle Justice Chandra Madhav en Calcuta. [9]
Lahiri murió en Calcuta el 1 de febrero de 2013. [17] Donó sus ojos y fue incinerada en el crematorio de Keoratola . Le sobrevivieron su hijo, Arnab, y su hija, Damayanti. [ 1]
Junto con su continua inclinación por los lienzos de gran tamaño -por el desafío de la magnitud y la escala- Shanu Lahiri no dio señales de detenerse o de detenerse. El espíritu y el entusiasmo por los que siempre se la ha conocido se mantuvieron inquebrantables. ¿Dónde y cómo situamos a Shanu Lahiri en el contexto de la historia del arte moderno de la India? En cierto modo, es difícil narrar la historia de aquellas que no pueden ubicarse dentro de la liga superior, que ni siquiera pueden encontrar un lugar dentro del canon nacional de "artistas mujeres". Si bien su generación marcó la primera entrada de mujeres en las escuelas de arte de todo el país en la década de 1940, también marcó los primeros intentos conscientes de las mujeres de entrar en la esfera pública y forjar sus propias carreras artísticas. La visión reduccionista de que sólo hay unos pocos artistas de valor es una grave distorsión del gran talento y la creatividad de cientos de artistas. Esta visión y comprensión miope de los artistas de la India eleva a sólo unos pocos al cielo mientras que otros mueren sin recibir lo que se merecen. Como la investigación académica sobre el arte indio es mínima, las instituciones están subdesarrolladas y los museos carecen de recursos y cuentan con muy poco material de archivo, no es poca ironía que Shanu Lahiri, quien como muchos otros de su generación nunca figuró en el circuito principal nacional, haya recibido mayor publicidad y reconocimiento a nivel nacional.
