Los libros de artista (u libros de arte u objetos de libros ) son obras de arte que utilizan la forma del libro. A menudo se publican en ediciones pequeñas, aunque a veces se producen como objetos únicos.
Los libros de artista han empleado una amplia gama de formas, incluida la forma tradicional del Códice , así como formas menos comunes como pergaminos , desplegables, concertinas u objetos sueltos contenidos en una caja. Los artistas han estado activos en la imprenta y la producción de libros durante siglos, pero el libro de artista es principalmente una forma de finales del siglo XX. También se crearon formas de libros dentro de movimientos anteriores, como el dadaísmo , el constructivismo , el futurismo y Fluxus . [1]
Los libros de artista son libros u objetos similares a libros sobre cuya apariencia final el artista ha tenido un alto grado de control; donde el libro pretende ser una obra de arte en sí mismo.
— Stephen enterrar [2]
Los libros de artista se crean por diversas razones. Un libro de artista es generalmente interactivo, portátil, móvil y fácil de compartir. Algunos libros de artista desafían el formato convencional del libro y se convierten en objetos escultóricos. Se pueden crear libros de artista para hacer que el arte sea accesible a personas fuera de los contextos formales de galerías o museos. [3] Los libros de artista se pueden fabricar con una variedad de materiales, incluidos objetos encontrados. [4] El artista mexicano Ulises Carrión entendió los libros de artista como formas autónomas que no se reducen sólo a texto, como en un libro tradicional. [5]
_object_01_Frontispiece_to_Songs_of_Innocence.jpg/1280px-Songs_of_Innocence_and_of_Experience,_copy_Z,_1826_(Library_of_Congress)_object_01_Frontispiece_to_Songs_of_Innocence.jpg)
Si bien los artistas han estado involucrados en la producción de libros en Europa desde principios del período medieval (como el Libro de Kells y las Très Riches Heures du Duc de Berry ), la mayoría de los escritores sobre el tema citan al artista y poeta visionario inglés William Blake ( 1757-1827) como el antecedente directo más antiguo. [1] [7]
Libros como Canciones de inocencia y de experiencia fueron escritos, ilustrados, impresos, coloreados y encuadernados por Blake y su esposa Catherine , y la fusión de textos escritos a mano e imágenes creó obras herméticas, intensamente vívidas, sin precedentes obvios. Estas obras marcarían el tono de los libros de artista posteriores, conectando la autoedición y la autodistribución con la integración de texto, imagen y forma. Todos estos factores siguen siendo conceptos clave en los libros de artista hasta el día de hoy.
Mientras Europa se lanzaba precipitadamente hacia la Primera Guerra Mundial , varios grupos de artistas de vanguardia en todo el continente comenzaron a centrarse en panfletos, carteles, manifiestos y libros. Esto fue en parte una forma de ganar publicidad dentro de un mundo cada vez más dominado por la impresión, pero también como una estrategia para eludir los sistemas tradicionales de galerías, difundir ideas y crear obras asequibles que (teóricamente) podrían ser vistas por personas que de otro modo no se dedicarían al arte. galerías.
Este movimiento hacia el radicalismo fue ejemplificado por los futuristas italianos y, en particular, por Filippo Marinetti (1876-1944). La publicación del " Manifiesto futurista ", 1909, en la portada del diario francés Le Figaro fue un audaz golpe de teatro que resultó en notoriedad internacional. [8] Marinetti utilizó la fama resultante para realizar giras por Europa, impulsando movimientos en todo el continente que se desviaron hacia la creación de libros y la publicación de panfletos.
En Londres, por ejemplo, la visita de Marinetti precipitó directamente la fundación del movimiento vorticista por parte de Wyndham Lewis , cuya revista literaria BLAST es un ejemplo temprano de publicación periódica modernista, mientras que el libro Russian Ballet (1919) de David Bomberg, con su intercalación de una única publicación cuidadosamente espaciada texto intercalado con litografías abstractas en color, es un hito en la historia de los libros de artistas en inglés. En lo que respecta a la creación de libros de artista, la rama más influyente de los principios futuristas se produjo en Rusia. Marinetti lo visitó en 1914, haciendo proselitismo en nombre de los principios futuristas de velocidad, peligro y cacofonía. [9] [10]
Centrados en Moscú , alrededor del Grupo Gileia de poetas transracionales ( zaum ) David y Nikolai Burliuk , Elena Guro , Vasili Kamenski y Velimir Khlebnikov , los futuristas rusos crearon una serie sostenida de libros de artista que desafiaron todos los supuestos de la producción de libros ortodoxos. Si bien algunos de los libros creados por este grupo serían ediciones tipográficas de poesía relativamente sencillas, muchos otros jugaron con la forma, la estructura, los materiales y el contenido que todavía parecen contemporáneos.
Obras clave como Worldbackwards (1912), de Khlebnikov y Kruchenykh , Natalia Goncharova , Larionov Rogovin y Tatlin , Transrational Boog (1915) de Aliagrov y Kruchenykh & Olga Rozanova y Universal War (1916) de Kruchenykh utilizaron texto escrito a mano, integrado con litografías expresivas y elementos de collage, creando pequeñas ediciones con diferencias dramáticas entre copias individuales. Otros títulos experimentaron con materiales como papel tapiz, métodos de impresión que incluyen copia al carbón y hectógrafos, y métodos de encuadernación que incluyen la secuencia aleatoria de páginas, asegurando que no haya dos libros que tengan el mismo significado contextual. [11]
El futurismo ruso evolucionó gradualmente hacia el constructivismo después de la Revolución Rusa , centrado en las figuras clave de Malevich y Tatlin . Al intentar crear un nuevo arte proletario para una nueva época comunista, los libros constructivistas también tendrían un enorme impacto en otras vanguardias europeas, con obras de diseño y basadas en textos como For The Voice (1922) de El Lissitzky , que tuvieron una influencia directa. Impacto en grupos inspirados o directamente vinculados al comunismo . El dadaísmo en Zurich y Berlín, la Bauhaus en Weimar y De Stijl en los Países Bajos imprimieron numerosos libros, publicaciones periódicas y tratados teóricos dentro del estilo modernista internacional emergente . Los libros de artista de esta época incluyen el libro de Kurt Schwitters y Kate Steinitz The Scarecrow (1925) y el periódico De Stijl de Theo van Doesburg .
El dadaísmo se inició inicialmente en el Cabaret Voltaire , por un grupo de artistas exiliados en la neutral Suiza durante la Primera Guerra Mundial . Originalmente influenciados por la poesía sonora de Wassily Kandinsky y el Blaue Reiter Almanac que Kandinsky había editado con Marc , los libros de artista, las publicaciones periódicas, los manifiestos y el teatro absurdo fueron fundamentales para cada una de las principales encarnaciones de Dada. En particular, el dadaísmo berlinés, iniciado por Richard Huelsenbeck después de abandonar Zurich en 1917, publicaría una serie de libros de artistas incendiarios, como The Face Of The Dominant Class (1921), de George Grosz , una serie de litografías satíricas con motivaciones políticas sobre la burguesía alemana .
Si bien se ocupó principalmente de la poesía y la teoría, el surrealismo creó una serie de obras que continuaron la tradición francesa del Livre d'Artiste, al mismo tiempo que la subvertían. Une Semaine de Bonté (1934) de Max Ernst , que combina imágenes encontradas de libros victorianos, es un ejemplo famoso, al igual que la portada de Marcel Duchamp para Le Surréalisme (1947) que presenta un pecho rosa tridimensional táctil hecho de goma. [12]
Un importante escritor/artista ruso que creó libros de artista fue Alexei Remizov . [13] Basándose en la literatura rusa medieval, combinó creativamente sueños, realidad y pura fantasía en sus libros de artista.
Después de la Segunda Guerra Mundial , muchos artistas en Europa intentaron reconstruir vínculos más allá de las fronteras nacionalistas y utilizaron el libro de artista como una forma de experimentar con la forma, difundir ideas y forjar vínculos con grupos de ideas afines en otros países.
En los años cincuenta, artistas europeos desarrollaron un interés por el libro, bajo la influencia de la teoría modernista y en el intento de reconstruir posiciones destruidas por la guerra.
—Dieter Schwarz [14]
Después de la guerra, varios artistas y poetas destacados comenzaron a explorar las funciones y formas del libro "de manera seria" [15] Poetas concretos en Brasil como Augusto y Haroldo de Campos , artistas Cobra en los Países Bajos y Dinamarca y Todos los letristas franceses comenzaron a deconstruir sistemáticamente el libro. Un buen ejemplo de esto último es Le Grand Désordre (1960) de Isidore Isou , una obra que desafía al espectador a volver a ensamblar el contenido de un sobre en una apariencia narrativa. Otros dos ejemplos de poetas-artistas cuyo trabajo sirvió de modelo para libros de artista incluyen a Marcel Broodthaers e Ian Hamilton Finlay . [dieciséis]
Yves Klein en Francia desafió de manera similar la integridad modernista con una serie de obras como Yves: Peintures (1954) y Dimanche (1960), que abordaron cuestiones de identidad y duplicidad. [17] Otros ejemplos de esta época incluyen las dos colaboraciones de Guy Debord y Asger Jorn , Fin de Copenhague (1957) y Mémoires (1959), dos obras de psicogeografía creadas a partir de revistas encontradas de Copenhague y París respectivamente, en collage y luego impresas. en colores no relacionados. [18]
A menudo se le atribuye la definición del libro de artista moderno, [19] Dieter Roth (1930-98) produjo una serie de obras que deconstruyeron sistemáticamente la forma del libro a lo largo de los años cincuenta y sesenta. Estos alteraron la autoridad del códice al crear libros con agujeros (por ejemplo, Picture Book , 1957), lo que permitía al espectador ver más de una página al mismo tiempo. Roth fue también el primer artista en reutilizar libros encontrados: cómics, guardas de imprenta y periódicos (como Daily Mirror , 1961, [20] y AC , 1964). [21] Aunque originalmente se produjeron en Islandia en ediciones extremadamente pequeñas, los libros de Roth se producirían en tiradas cada vez más grandes, a través de numerosas editoriales en Europa y América del Norte, y finalmente serían reimpresos juntos por el editor alemán Hansjörg Mayer en la década de 1970, haciéndolos más ampliamente disponible en el último medio siglo que el trabajo de cualquier otro artista comparable.
Casi simultáneamente en los Estados Unidos, Ed Ruscha (1937-presente) imprimió su primer libro, Twentysix Gasoline Stations , en 1963 en una edición de 400, pero había impreso casi 4000 copias al final de la década. [22] El libro está directamente relacionado con relatos de viajes fotográficos estadounidenses, como The Americans de Robert Frank (1965), pero trata de un viaje banal por la ruta 66 entre la casa de Ruscha en Los Ángeles y la de sus padres en Oklahoma. [23] Al igual que Roth, Ruscha creó una serie de libros homogéneos a lo largo de los años sesenta, entre ellos Every Building on the Sunset Strip , 1966, y Royal Road Test , 1967.
Un artista suizo digno de mención es Warja Honegger-Lavater , que creó libros de artista al mismo tiempo que Dieter Roth y Ed Ruscha.
Fluxus , que surgió de las clases de composición experimental de John Cage de 1957 a 1959 en la New School for Social Research , fue un colectivo informal de artistas de América del Norte y Europa centrado en George Maciunas (1931-1978), nacido en Lituania. . Maciunas instaló la AG Gallery en Nueva York en 1961, con la intención de organizar eventos y vender libros y múltiples de artistas que le gustaban. La galería cerró al cabo de un año, aparentemente sin haber logrado vender ni un solo artículo. [24] El colectivo sobrevivió y contó con una lista siempre cambiante de artistas con ideas afines, incluidos George Brecht , Joseph Beuys , Davi Det Hompson , Daniel Spoerri , Yoko Ono , Emmett Williams y Nam June Paik . [25] [26]
Los libros de artistas (como An Anthology of Chance Operations ) y los múltiples [27] (así como los sucesos ), fueron fundamentales para el espíritu de Fluxus que desdeñaba las galerías e instituciones, reemplazándolas con "arte en la comunidad" y la definición de lo que Lo que era y lo que no era un libro se volvió cada vez más elástico a lo largo de la década a medida que las dos formas chocaban. Muchas de las ediciones de Fluxus comparten características con ambas; Water Yam (1963), de George Brecht , por ejemplo, incluye una serie de partituras reunidas en una caja, mientras que en Grapefruit (1964) de Yoko Ono se recogen partituras similares en un libro encuadernado . Otro ejemplo famoso es Literature Sausage de Dieter Roth, uno de los muchos artistas afiliados a fluxus en uno u otro momento de su historia; cada uno estaba hecho de un libro despulpado mezclado con cebollas y especias y embutido en piel de salchicha. Literalmente un libro, pero completamente ilegible. Litsa Spathi y Ruud Jansen del Centro Fluxus Heidelberg en los Países Bajos tienen un archivo en línea de publicaciones fluxus y enlaces web fluxus. [28]
Los libros de artista comenzaron a proliferar en los años sesenta y setenta en el clima imperante de activismo social y político. Las ediciones desechables y económicas fueron una manifestación de la desmaterialización del objeto de arte y del nuevo énfasis en el proceso... También fue en esta época cuando comenzaron a desarrollarse una serie de alternativas controladas por los artistas para proporcionar un foro y lugar para muchos artistas. Se le negó el acceso a la estructura tradicional de galería y museo. La publicación de arte independiente fue una de estas alternativas, y los libros de artista se convirtieron en parte del fermento de formas experimentales.
—Joan Lyons. [29]
El libro de artista resultó fundamental para el desarrollo del arte conceptual . Lawrence Weiner , Bruce Nauman y Sol LeWitt en Norteamérica, Art & Language en el Reino Unido, Maurizio Nannucci en Italia, Jochen Gerz y Jean Le Gac en Francia y Jaroslaw Kozlowski en Polonia utilizaron el libro de artista como parte central de su arte. práctica. Un ejemplo temprano, la exposición del 5 al 31 de enero de 1969 organizada en una oficina alquilada en la ciudad de Nueva York por Seth Siegelaub , no incluía nada más que una pila de libros de artista, también llamada 5 al 31 de enero de 1969 y que presentaba trabajos predominantemente basados en texto. por Lawrence Weiner , Douglas Huebler , Joseph Kosuth y Robert Barry . Brick Wall (1977), de Sol LeWitt , por ejemplo, simplemente narraba las sombras mientras pasaban a través de una pared de ladrillos, Maurizio Nannucci "M/40" con 92 páginas tipográficas (1967) y "Definizioni/Definitions" (1970), mientras Realidad de Kozlowski (1972) tomó una sección de la Crítica de la razón pura de Kant , eliminando todo el texto y dejando sólo la puntuación. Otro ejemplo es el Einbetoniertes Buch , [30] 1971 (libro en hormigón) de Wolf Vostell .
Louise Odes Neaderland , fundadora y directora del grupo sin fines de lucro Sociedad Internacional de Artistas Copiadores (ISCA) ayudó a establecer el arte electrostático como una forma de arte legítima y a ofrecer un medio de distribución y exhibición a los artistas de libros Xerox. El Volumen 1, #1 de The ISCA Quarterly se publicó en abril de 1982 en un folio de 50 impresiones sin encuadernar de ocho por once pulgadas en blanco y negro o xerografía en color . La obra de arte Xerox de cada artista contribuyente se numeró en el índice y el número correspondiente se estampó en la parte posterior de la obra de cada artista. "El formato cambió a lo largo de los años y finalmente incluyó una edición anual de Bookworks, que contenía una caja de pequeños libros hechos a mano por los contribuyentes de ISCA ". Después de que la llegada de las computadoras y las impresoras domésticas facilitó a los artistas hacer lo que antes hacía la fotocopiadora, el Volumen 21, #4 de junio de 2003 fue el último número. "Los 21 años de The ISCA Quarterlies representaron un registro visual de las respuestas de los artistas a cuestiones sociales y políticas actuales", así como a experiencias personales. [31] La colección trimestral completa de ISCA se encuentra alojada y catalogada en el Centro Jaffe de Artes del Libro de la biblioteca de la Universidad Atlántica de Florida . [32]
A medida que la forma se ha expandido, muchos de los elementos distintivos originales de los libros de artista se han perdido, desdibujado o transgredido. Artistas como Cy Twombly , Anselm Kiefer y PINK de Thierry , con su serie Encyclopaedia Arcadia, [33] elaboran habitualmente libros únicos y hechos a mano en una reacción deliberada a las pequeñas ediciones producidas en masa de generaciones anteriores; Albert Oehlen , por ejemplo, aunque sigue manteniendo los libros de artista como parte central de su práctica, ha creado una serie de obras que tienen más en común con los cuadernos de bocetos victorianos. Desde principios de los años 90 se ha evidenciado un retorno a la estética de la producción en masa barata, con artistas como Mark Pawson y Karen Reimer haciendo de la producción en masa barata un elemento central de su práctica.
Los artistas contemporáneos y posconceptuales también han hecho de los libros de artista un aspecto importante de su práctica, en particular William Wegman , Bob Cobbing , Martin Kippenberger , Raymond Pettibon , Freddy Flores Knistoff y Suze Rotolo . Los artistas de libros en libros emergentes y otros libros tridimensionales únicos incluyen a Bruce Schnabel, Carol Barton , Hedi Kyle , Julie Chen , Ed Hutchins y Susan Joy Share .
Muchos artistas del libro que trabajan en formas tradicionales y no tradicionales han enseñado y compartido su arte en talleres en centros como el Center for Book Arts [34] en la ciudad de Nueva York y el Visual Arts Studio (VisArts), el Escuela Estudio del Museo de Bellas Artes de Virginia , el Programa de Extensión Estatal del Museo de Bellas Artes de Virginia y el Taller de Grabado de Richmond, que ya no existe, todos en Richmond, Virginia . Otras instituciones dedicadas a esta forma de arte incluyen el Centro para el Libro de San Francisco , el Visual Studies Workshop en Rochester, Nueva York , y el Women's Studio Workshop en Rosendale, Nueva York .
El reciente auge de la producción y difusión de libros de artista está estrechamente vinculado a las ferias del libro de arte:
Incluso si el interés por la publicación como práctica artística a principios del siglo XXI se parece al revuelo en torno al “libro de artista” en la década de 1970, el fenómeno de las ferias de libros de arte en esta cantidad e intensidad es algo nuevo. (...) Hoy en día, las ferias de libros de arte no son sólo un lugar para representar una escena editorial previa separada, sino que también son un foro central para constituir y nutrir una comunidad en torno a la publicación como práctica artística.
—Michalis Pichler [35]
A principios de la década de 1970, el libro de artista comenzó a ser reconocido como un género distinto, y con este reconocimiento llegaron los inicios de una apreciación crítica y un debate sobre el tema. Se fundaron instituciones dedicadas al estudio y enseñanza de la forma ( The Center for Book Arts de Nueva York , por ejemplo); las colecciones de bibliotecas y museos de arte comenzaron a crear nuevas rúbricas con las que clasificar y catalogar libros de artista y también comenzaron a ampliar activamente sus incipientes colecciones; se fundaron nuevas colecciones (como Franklin Furnace en Nueva York); y se organizaron numerosas exposiciones colectivas de libros de artista en Europa y América (en particular una en el Moore College of Art and Design de Filadelfia en 1973, cuyo catálogo, según Artists Books: A Critical Survey of the Literature de Stefan Klima , es el primero lugar donde se utilizó el término "Libro de Artista"). Los libros de artista se convirtieron en una forma popular para las artistas feministas a partir de la década de 1970. El Women's Studio Workshop (NY) y el Women's Graphic Center en Woman's Building (LA), fundado por la diseñadora gráfica Sheila de Bretteville , eran centros donde las mujeres artistas podían trabajar y explorar temas feministas. [36] Las librerías especializadas en libros de artista fueron fundadas, generalmente por artistas, entre ellas Ecart en 1968 (Ginebra), Other Books and So en 1975 (Ámsterdam), Art Metropole en 1974 (Toronto) y Printed Matter en Nueva York (1976). . Todos ellos también tuvieron programas editoriales a lo largo de los años, y los dos últimos siguen activos en la actualidad.
En la década de 1980 esta consolidación del campo se intensificó, con un número cada vez mayor de profesionales, una mayor comercialización y también la aparición de una serie de publicaciones críticas dedicadas a la forma. En 1983, por ejemplo, Cathy Courtney comenzó una columna regular para el Art Monthly, con sede en Londres (Courtney contribuyó con artículos durante 17 años, y esta característica continúa hoy con diferentes colaboradores). La Biblioteca del Congreso adoptó el término libros de artista en 1980 en su lista de temas establecidos y mantiene una colección activa en su División de Libros Raros y Colecciones Especiales.
En las décadas de 1980 y 1990, se fundaron programas de Licenciatura, Maestría y Maestría en Arte del Libro, algunos ejemplos notables de los cuales son la Maestría en Bellas Artes en Mills College en California, la Maestría en Bellas Artes en la Universidad de las Artes en Filadelfia, la Maestría en Bellas Artes en Camberwell College of Arts. en Londres y la licenciatura en la Facultad de Estudios Creativos de la Universidad de California, Santa Bárbara . La Revista de Libros de Artista (JAB) se fundó en 1994 para "elevar el nivel de investigación crítica sobre los libros de artista".
En 1994, se celebró una Exposición Nacional de Arte del Libro, [37] Art ex libris , [38] [39] en la Artspace Gallery de Richmond, Virginia, y la Comisión de las Artes de Virginia otorgó una subvención de asistencia técnica para grabar en vídeo la exposición. [40]
En 1995, se proyectaron extractos del video documental Art ex Libris: The National Book Art Invitational en Artspace en el Auditorio Frances y Armand Hammer en la 4ª Feria Bianual de las Artes del Libro patrocinada por Pyramid Atlantic Art Center en la Galería de Arte Corcoran . En 1996, el documental Art ex Libris se incluyó en una subasta en Swann Galleries en beneficio del Center for Book Arts de la ciudad de Nueva York. Muchos de los libros exhibidos en Art ex Libris en Artspace Gallery y Art ex Machina en 1708 Gallery se encuentran ahora en el Sackner Archive of Concrete and Visual Poetry en Miami, Florida.
En las últimas décadas, el libro de artista se ha desarrollado, a través del concepto de álbum discográfico del artista iniciado por Laurie Anderson, en nuevos medios, incluidos el CD-ROM del artista y el DVD-ROM del artista . A partir de 2007, la Fundación Codex inició su Feria y Simposio del Libro, [41] un evento bienal de cuatro días de duración en el Área de la Bahía de San Francisco al que asistieron coleccionistas y productores de libros de artista, así como laicos y académicos interesados en el medio.
Se han debatido vigorosamente una serie de cuestiones en torno al libro de artista. Algunos de los principales temas examinados han sido:
Los profesionales han afirmado que el término libro de artista es problemático y suena anticuado:
“Libro de artista” como término es problemático porque crea un gueto, impone la separación de prácticas cotidianas más amplias y limita el potencial subversivo de los libros al ponerles una etiqueta de arte. (…) Si bien se han producido extensas discusiones en torno al término, incluido un acalorado debate sobre si se debe colocar el apóstrofe en un libro de artista y dónde, Lawrence Weiner una vez cortó el nudo gordiano al concluir: “No lo llames libro de artista, simplemente llámalo libro”.
—Michalis Pichler [42]
La esencia de un libro es la comunicación, pero eso no es de ninguna manera el fin de las posibilidades de un libro.
Un libro es escultura.
Un libro es un ensamblaje de medios mixtos.
Un libro es un concepto.
Un libro puede ser un símbolo.
Un libro puede convertirse en un icono.
En "Art Ex Libris: La Exposición Nacional de Arte del Libro ahora en Artspace, más de cien artistas exploran y amplían las posibilidades de un libro como algo más que palabras sobre papel.
