Commedia dell'arte ( / k ɒ ˈ m eɪ d i ə d ɛ l ˈ ɑːr t eɪ , k ə -, - ˈ m ɛ d i ə , - ˈ ɑːr t iː / kom- AY -dee-ə del- AR -tay, kəm-, - ED -ee-ə, - AR -tee , [1] [2] Italiano: [komˈmɛːdja delˈlarte] ; iluminado ' comedia de la profesión ' ) [3] fue una forma temprana de. Teatro profesional , con origen en el teatro italiano , que fue popular en toda Europa entre los siglos XVI y XVIII. [4] [5] Antiguamente se llamaba comedia italiana en inglés y también se conoce como commedia alla maschera , commedia improvviso y commedia dell'arte all'improvviso . [6] Caracterizada por "tipos" enmascarados , la commedia fue responsable de la ascenso de actrices como Isabella Andreini [7] y actuaciones improvisadas basadas en sketches o escenarios. [8] [9] Una comedia , como El sacamuelas , es a la vez guionada e improvisada. [8] [10] Las entradas de los personajes y Las salidas están guionadas. Una característica especial de la comedia es el lazzo , un chiste o "algo tonto o ingenioso", generalmente bien conocido por los intérpretes y hasta cierto punto una rutina guionada. [10] [11] Otra característica de la comedia es la pantomima , que es utilizado principalmente por el personaje Arlequín , ahora más conocido como Arlequín. [12]
Los personajes de la comedia suelen representar tipos sociales fijos y personajes estereotipados , como ancianos tontos, sirvientes tortuosos u oficiales militares llenos de falsa bravuconería . [8] [13] Los personajes son "personajes reales" exagerados, como un médico sabelotodo llamado il Dottore , un anciano codicioso llamado Pantalone o una relación perfecta como los innamorati . [7] Se formaron muchas compañías para representar comedias , incluidas I Gelosi (que tenía actores como Isabella Andreini y su esposo Francesco Andreini ), [14] Confidenti Troupe, Desioi Troupe y Fedeli Troupe. [7] [8] La comedia a menudo se representaba al aire libre en plataformas o en áreas populares como una piazza ( plaza de la ciudad ). [6] [8] La forma de teatro se originó en Italia, pero viajó por toda Europa, a veces hasta lugares tan lejanos como Moscú. [15]
El origen de la comedia puede estar relacionado con el Carnaval de Venecia , donde el autor y actor Andrea Calmo había creado el personaje Il Magnifico, precursor del vecchio (que significa 'viejo' o simplemente 'viejo') Pantalone, en 1570. En el escenario de Flaminio Scala , por ejemplo, Il Magnifico persiste y es intercambiable con Pantalone hasta el siglo XVII. Si bien los personajes de Calmo (que también incluían al Capitano español y a un tipo de il Dottore) no estaban enmascarados, no se sabe con certeza en qué momento los personajes se pusieron la máscara. Sin embargo, la conexión con el Carnaval (el período entre la Epifanía y el Miércoles de Ceniza ) sugeriría que el enmascaramiento era una convención del Carnaval y se aplicó en algún momento. La tradición en el norte de Italia se centra en Florencia , Mantua y Venecia, donde las principales compañías quedaron bajo la protección de los diversos duques . Al mismo tiempo, surgió una tradición napolitana en el sur que incluyó a la destacada figura escénica Pulcinella , que durante mucho tiempo se asoció con Nápoles y derivó en varios tipos en otros lugares, el más famoso de los cuales fue el personaje títere Punch (de los espectáculos homónimos de Punch y Judy ) en Inglaterra.
Aunque la commedia dell'arte floreció en el teatro italiano durante el período manierista , ha habido una larga tradición de intentar establecer antecedentes históricos en la antigüedad. Si bien es posible detectar similitudes formales entre la commedia dell'arte y tradiciones teatrales anteriores, no hay forma de establecer la certeza del origen. [16] Algunos datan los orígenes en el período de la república media romana ( tipos plautinos ) o la república temprana ( farsas atellanas ). Las farsas atellanas de la república romana temprana presentaban "tipos" crudos que usaban máscaras con rasgos groseramente exagerados y una trama improvisada. [17] Algunos historiadores sostienen que los personajes estereotipados atellanos, Pappus, Maccus+Buccus y Manducus, son las versiones primitivas de los personajes de la commedia Pantalone , Pulcinella e il Capitano . [18] [19] [20] Relatos más recientes establecen vínculos con los juglares medievales y prototipos de moralidades medievales, como Hellequin (como fuente de Harlequin, por ejemplo). [21]
Las primeras representaciones de commedia dell'arte registradas vinieron de Roma ya en 1551. [22] La Commedia dell'arte se representaba al aire libre en lugares temporales por actores profesionales que iban disfrazados y enmascarados, a diferencia de la commedia erudita ( lit. ' comedia erudita ' [23] ), que eran comedias escritas, presentadas en interiores por actores sin formación y sin máscara. [24] Esta visión puede ser algo romantizada ya que los registros describen a los Gelosi interpretando Aminta de Tasso , por ejemplo, y mucho se hacía en la corte en lugar de en la calle. A mediados del siglo XVI, comenzaron a fusionarse grupos específicos de intérpretes de commedia , y en 1568 los Gelosi se convirtieron en una compañía distinta. De acuerdo con la tradición de las academias italianas, los Gelosi adoptaron como sello (o escudo de armas) el dios romano de dos caras Jano . Jano simbolizaba tanto las idas y venidas de esta troupe itinerante como la naturaleza dual del actor que personifica al "otro". Los Gelosi actuaban en el norte de Italia y Francia, donde recibían protección y patrocinio del rey de Francia. A pesar de las fluctuaciones, los Gelosi mantuvieron la estabilidad de las representaciones con los "diez habituales": "dos vecchi , cuatro innamorati (dos amantes masculinos y dos femeninos), dos Zanni , un capitán y una servetta (sirvienta)". [25] La Commedia a menudo se representaba en el interior de los teatros o salones de la corte, y también en algunos teatros fijos como el Teatro Baldrucca en Florencia. Flaminio Scala, que había sido un actor menor en los Gelosi, publicó los guiones de la commedia dell'arte a principios del siglo XVII, en realidad en un esfuerzo por legitimar la forma y asegurar su legado. Estos escenarios están muy estructurados y construidos alrededor de la simetría de los diversos tipos en dúo: dos Zanni, vecchi , innamorate e innamorati , etc.
En la commedia dell'arte, los papeles femeninos eran interpretados por mujeres, documentados ya en la década de 1560, lo que las convierte en las primeras actrices profesionales conocidas en Europa desde la antigüedad. Lucrezia Di Siena , cuyo nombre figura en un contrato de actores del 10 de octubre de 1564, ha sido mencionada como la primera actriz italiana conocida por su nombre, junto con Vincenza Armani y Barbara Flaminia como las primeras primadonnas y las primeras actrices bien documentadas en Italia (y Europa). [26] En la década de 1570, los críticos teatrales ingleses generalmente denigraron a las compañías con sus actrices femeninas (algunas décadas después, Ben Jonson se refirió a una intérprete femenina de la commedia como una "puta que se tambalea"). A fines de la década de 1570, los prelados italianos intentaron prohibir a las intérpretes femeninas; sin embargo, a fines del siglo XVI, las actrices eran estándar en el escenario italiano. [27] El erudito italiano Ferdinando Taviani ha recopilado una serie de documentos eclesiásticos que se oponen a la aparición de la actriz como un tipo de cortesana, cuyo escaso atuendo y estilo de vida promiscuo corrompían a los jóvenes, o al menos los infundían con deseos carnales. El término negativa poetica de Taviani describe esta y otras prácticas ofensivas para la Iglesia, al tiempo que nos da una idea del fenómeno de la representación de la commedia dell'arte.
A principios del siglo XVII, las comedias de Zanni estaban pasando de ser actuaciones callejeras puramente improvisadas a actos y personajes específicos y claramente delineados. Tres libros escritos durante el siglo XVII —Fruti della moderne commedia (1628) de Cecchini La supplica ( 1634) de Niccolò Barbieri y Dell'arte rapresentativa (1699) de Perrucci— "hicieron recomendaciones firmes sobre la práctica interpretativa". Katritzky sostiene que, como resultado, la commedia se redujo a una actuación estilizada y formulística; lo más lejos posible de la pureza de la génesis improvisada de un siglo antes. [28] En Francia, durante el reinado de Luis XIV , la Comédie-Italienne creó un repertorio y delineó nuevas máscaras y personajes, al tiempo que eliminaba algunos de los precursores italianos, como Pantalone. Los dramaturgos franceses, en particular Molière , se inspiraron en las tramas y máscaras para crear un tratamiento autóctono. De hecho, Molière compartió escenario con la Comédie-Italienne en Petit-Bourbon , y algunas de sus formas, por ejemplo la tirada , derivan de la commedia ( tirata ).
La commedia dell'arte se trasladó fuera de los límites de la ciudad al théâtre de la foire , o teatros de feria, a principios del siglo XVII, a medida que evolucionaba hacia un estilo más pantomímico. Con el envío de los comediantes italianos desde Francia en 1697, la forma se transformó en el siglo XVIII a medida que géneros como la comédie larmoyante ganaron atractivo en Francia, particularmente a través de las obras de Marivaux . Marivaux suavizó considerablemente la commedia al traer verdadera emoción al escenario. Harlequin alcanzó más prominencia durante este período.
Es posible que este tipo de actuación improvisada se transmitiera de generación en generación en Italia hasta el siglo XVII, cuando se resucitó como técnica teatral profesional. Sin embargo, tal como se utiliza actualmente, el término commedia dell'arte se acuñó a mediados del siglo XVIII. [29]
La commedia dell'arte fue igualmente popular, si no más, en Francia, donde continuó su popularidad a lo largo del siglo XVII (hasta 1697), y fue en Francia donde la commedia desarrolló su repertorio establecido. La commedia evolucionó en varias configuraciones a lo largo de Europa, y cada país aculturaba la forma a su gusto. Por ejemplo, la pantomima , que floreció en el siglo XVIII, debe su génesis a los tipos de personajes de la commedia , particularmente a Arlequín . Los espectáculos de marionetas de Punch y Judy , populares hasta el día de hoy en Inglaterra, deben su base a la máscara de Pulcinella que surgió en las versiones napolitanas de la forma. En Italia, las máscaras y tramas de la commedia encontraron su camino en la ópera bufa y las tramas de Rossini , Verdi y Puccini .
Durante la ocupación napoleónica de Italia, los instigadores de reformas y los críticos del régimen imperial francés (como Giacomo Casanova ) utilizaron las máscaras de carnaval para ocultar sus identidades mientras alimentaban agendas políticas, desafiaban el gobierno social y lanzaban insultos y críticas flagrantes al régimen. En 1797, con el fin de destruir el estilo improvisado del carnaval como plataforma partidista, Napoleón prohibió la commedia dell'arte. No renació en Venecia hasta 1979 debido a esto. [30]
Las Compagnie, o compañías, eran grupos de actores, cada uno de los cuales tenía una función o papel específico. Los actores eran expertos en una gran cantidad de habilidades, y muchos se habían unido a grupos sin tener experiencia en teatro. Algunos eran médicos, otros sacerdotes, otros soldados, atraídos por la emoción y la prevalencia del teatro en la sociedad italiana. Se sabía que los actores cambiaban de grupo "por préstamo", y las compañías a menudo colaboraban si estaban unificadas por un solo mecenas o actuaban en el mismo lugar general. [31] Los miembros también se escindían para formar sus propios grupos, como fue el caso de la Ganassa y los Gelosi. Estas compagnie viajaron por toda Europa desde el período inicial, comenzando con los Soldati, luego, la Ganassa, que viajó a España, [32] y fue famosa por tocar la guitarra y cantar (de la que nunca más se supo nada) y las famosas compañías de la Edad de Oro (1580-1605): Gelosi, Confidenti, Accessi. Estos nombres, que simbolizaban audacia y espíritu emprendedor, fueron apropiados de los nombres de las academias, en cierto sentido, para otorgarles legitimidad. Sin embargo, cada troupe tenía su impresse (como un escudo de armas) que simbolizaba su naturaleza. Los Gelosi, por ejemplo, usaban el rostro bicéfalo del dios romano Jano para significar sus idas y venidas y su relación con la temporada de Carnaval , que tenía lugar en enero. Jano también significaba la dualidad del actor, que interpreta un personaje o una máscara, sin dejar de ser él mismo.
Los magistrados y el clero no siempre eran receptivos a las compañías itinerantes, particularmente durante los períodos de peste, y debido a su naturaleza itinerante. Se sabía que los actores, tanto hombres como mujeres, se desnudaban casi por completo, y las historias generalmente descendían a situaciones crudas con sexualidad abierta, consideradas como una enseñanza que no enseñaba nada más que "lascivia y adulterio... de ambos sexos" por el Parlamento francés. [33] El término vagabondi se usaba en referencia a los comici , y sigue siendo un término despectivo hasta el día de hoy ( vagabond ). Esto se hacía en referencia a la naturaleza nómada de las compañías, a menudo instigada por la persecución de la Iglesia, las autoridades civiles y las organizaciones teatrales rivales que obligaban a las compañías a mudarse de un lugar a otro.
Una compañía teatral solía estar formada por diez intérpretes de los tipos más conocidos, con y sin máscara, e incluía mujeres. [25] Las compañías empleaban carpinteros, maestros de utilería, sirvientes, enfermeras y apuntadores, todos los cuales viajaban con la compañía. Viajaban en grandes carros cargados con los suministros necesarios para su estilo nómada de actuación, lo que les permitía trasladarse de un lugar a otro sin tener que preocuparse por las dificultades de la reubicación. Esta naturaleza nómada, aunque influida por la persecución, también se debía en gran medida a que las compañías necesitaban un público nuevo (y que pagara). Aprovechaban las ferias y celebraciones públicas, con mayor frecuencia en las ciudades más ricas donde el éxito financiero era más probable. Las compañías también se veían convocadas por funcionarios de alto rango, que les ofrecían patrocinio a cambio de actuar en su tierra durante un tiempo determinado. De hecho, las compañías preferían no quedarse en un mismo lugar demasiado tiempo, sobre todo por miedo a que el acto se volviera "rancio". Se trasladarían a la siguiente ubicación mientras su popularidad aún estuviera activa, lo que garantizaría que las ciudades y las personas estuvieran tristes de verlos partir, y sería más probable que los invitaran de regreso o pagaran para ver las funciones nuevamente si la compañía alguna vez regresara. [34] Los precios dependían de la decisión de la compañía, que podía variar según la riqueza de la ubicación, la duración de la estadía y las regulaciones que los gobiernos tenían establecidas para las representaciones dramáticas.
En general, los actores que actuaban eran de diversos orígenes en términos de clase y religión, y actuaban en cualquier lugar donde podían. Castagno postula que la estética de la exageración, la distorsión, el antihumanismo (como en los tipos enmascarados) y el préstamo excesivo en oposición a la originalidad era típica de todas las artes a fines del Renacimiento italiano . [37] El historiador de teatro Martin Green señala la extravagancia de la emoción durante el período del surgimiento de la comedia como la razón de los estados de ánimo representativos, o personajes, que definen el arte. En la comedia , cada personaje encarna un estado de ánimo: burla, tristeza, alegría, confusión, etc. [38]
Según el crítico teatral londinense del siglo XVIII Baretti , la commedia dell'arte incorpora roles y personajes específicos que "originalmente fueron pensados como un tipo de representante característico de algún distrito o ciudad italiana en particular" (arquetipos). [29] [39] La personalidad del personaje incluía el dialecto específico de la región o ciudad representada. Lo que significa que en el escenario, cada personaje se interpretaba en su propio dialecto. Los personajes a menudo se transmitían de generación en generación, y los personajes que se casaban en el escenario a menudo también se casaban en la vida real, como se vio más famosamente con Francesco e Isabella Andreini. Se creía que esto hacía que las actuaciones fueran más naturales, además de fortalecer los vínculos dentro de la compañía, que enfatizaba la unidad completa entre todos los miembros. Además, cada personaje tiene un traje y una máscara singulares que representan el papel del personaje. [29]
La Commedia dell'arte tiene cuatro grupos de personajes estereotipados: [13]
Los personajes enmascarados suelen denominarse "máscaras" (en italiano: maschere ), que, según John Rudlin, no se pueden separar del personaje. En otras palabras, las características del personaje y las características de la máscara son las mismas. [41] Sin embargo, con el tiempo, la palabra maschere pasó a referirse a todos los personajes de la commedia dell'arte, ya fueran enmascarados o no. Los personajes femeninos (incluidas las sirvientas) no suelen llevar máscara ( las amorosas femeninas nunca llevan máscara). El personaje femenino del grupo de los amos se llama Prima Donna y puede ser una de las amantes. También hay un personaje femenino conocido como La Cortesana que también puede tener una sirvienta. Las sirvientas llevaban cofias. Su personaje se interpretaba con un ingenio malicioso o una alegría chismosa. Las amorosas suelen ser hijas de un personaje masculino del grupo de los amos, pero no de ningún personaje femenino del grupo de los amos, que puede representar a mujeres más jóvenes que se han casado, por ejemplo, con un anciano o una cortesana de clase alta. Los personajes femeninos del grupo de maestros, aunque más jóvenes que sus homólogos masculinos, son mayores que los amorosi . Algunos de los personajes más conocidos de la commedia dell'arte son Pierrot y Pierrette, Pantalone , Gianduja , il Dottore , Brighella , il Capitano , Colombina , los innamorati , Pedrolino , Pulcinella , Arlecchino , Sandrone , Scaramuccia (también conocida como Scaramouche), la Signora y Tartaglia .
En el siglo XVII, cuando la comedia se hizo popular en Francia, los personajes de Pierrot, Colombina y Arlequín se refinaron y se volvieron esencialmente parisinos, según Green. [43]
Cada personaje de la commedia dell'arte tiene un traje distintivo que ayuda al público a comprender quién es el personaje.
Arlequín originalmente vestía una chaqueta larga ajustada con pantalones a juego que tenían numerosos parches de formas extrañas, generalmente verdes, amarillos, rojos y marrones. [44] [45] Por lo general, había un murciélago y una billetera que colgaba de su cinturón. [45] Su sombrero, que era una gorra blanda, estaba inspirado en Carlos IX o en Enrique II, y casi siempre tenía una cola de conejo, liebre o zorro con el ocasional mechón de plumas. [45] [44] Durante el siglo XVII, los parches se convirtieron en triángulos azules, rojos y verdes dispuestos en un patrón simétrico. [45] El siglo XVIII es cuando tomó forma el icónico look de Arlequín con los rombos en forma de diamante. La chaqueta se hizo más corta y su sombrero cambió de una gorra blanda a un sombrero de doble punta. [45]
El traje de Il Dottore era un juego de palabras con el traje académico de los eruditos boloñeses. [45] [44] Il Dottore casi siempre va vestido completamente de negro. [45] Llevaba una túnica o chaqueta negra larga que llegaba por debajo de las rodillas. [45] [44] Sobre la túnica, tenía una túnica negra larga que llegaba hasta los talones, y tenía zapatos, medias y pantalones negros. [45] [44] En 1653, su traje fue cambiado por Augustin Lolli, que era un actor de il Dottore muy popular. Añadió un enorme sombrero negro, cambió la túnica por una chaqueta cortada de manera similar a Luis XIV y añadió una gorguera plana al cuello. [45]
El traje del Capitano es similar al del Dottore en el hecho de que también es una sátira de la vestimenta militar de la época. [44] Por lo tanto, este traje cambiaría dependiendo de dónde sea el personaje del Capitano y del período del que sea. [44] [45]
Pantalone tiene uno de los trajes más emblemáticos de la comedia del arte. Normalmente, usa una chaqueta ajustada con un par de pantalones a juego. Por lo general, combina estos dos con un gran abrigo negro llamado zimarra . [45] [44]
Las mujeres, que por lo general hacían de sirvientas o amantes, usaban trajes menos estilizados que los hombres en la comedia . Los enamorados vestían lo que se consideraba la moda de la época. Normalmente no usaban máscaras, pero iban muy maquillados.
Las líneas argumentales convencionales se escribieron sobre temas de sexo , celos , amor y vejez . Muchos de los elementos básicos de la trama se remontan a las comedias romanas de Plauto y Terencio , algunas de las cuales eran traducciones de comedias griegas perdidas del siglo IV a. C. Sin embargo, es más probable que los comici usaran novelas contemporáneas o fuentes tradicionales, y se basaran en eventos actuales y noticias locales del día. No todos los escenarios eran cómicos, hubo algunas formas mixtas e incluso tragedias. La tempestad de Shakespeare está extraída de un escenario popular de la colección de Scala, su Polonio ( Hamlet ) está extraído de Pantalone, y sus payasos rinden homenaje a los Zanni.
Los cómicos representaban comedias escritas en la corte. Se utilizaban ampliamente el canto y la danza, y varios innamorati eran hábiles madrigalistas , una forma de canción que utiliza cromatismo y armonías cercanas . El público acudía a ver a los intérpretes, y las líneas argumentales pasaban a ser secundarias respecto de la actuación. Entre los grandes innamorados , Isabella Andreini era quizás la más conocida, y un medallón dedicado a ella reza "fama eterna". Tristano Martinelli alcanzó fama internacional como el primero de los grandes arlequines, y fue honrado por los Médici y la reina de Francia. Los intérpretes utilizaban chistes bien ensayados y gags físicos habituales, conocidos como lazzi y concetti , así como episodios y rutinas improvisados e interpolados en el momento , llamados burle ( sg.: burla , italiano para 'broma'), que generalmente implicaban una broma pesada.
Como las producciones eran improvisadas, el diálogo y la acción podían modificarse fácilmente para satirizar escándalos locales, acontecimientos actuales o gustos regionales, sin dejar de utilizar chistes y frases ingeniosas. Los personajes se identificaban por disfraces, máscaras y accesorios , como un tipo de bastón conocido como slapstick . Estos personajes incluían a los antepasados del payaso moderno , a saber, Arlequín y los Zanni. A Arlequín, en particular, se le permitía comentar los acontecimientos actuales en su entretenimiento. [46]
La trama clásica y tradicional es que los enamorados están enamorados y desean casarse, pero uno de los ancianos ( vecchio ) o varios ancianos ( vecchi ) impiden que esto suceda, lo que lleva a los amantes a pedir ayuda a uno o más Zanni (sirvientes excéntricos). Por lo general, la historia termina felizmente, con el matrimonio de los enamorados y el perdón por cualquier error cometido.
Aunque generalmente no tenían guiones personales, las representaciones a menudo se basaban en escenarios que daban cierta apariencia de trama a un formato en gran parte improvisado. Los escenarios de Flaminio Scala , publicados a principios del siglo XVII, son la colección más conocida y representativa de su compañía más estimada , I Gelosi .
La iconografía de la commedia dell'arte representa todo un campo de estudio que ha sido examinado por estudiosos de la comedia como Erenstein, Castagno, Katritzky, Molinari y otros. En el período temprano, las obras representativas de los pintores de Fontainebleau se destacaron por sus representaciones eróticas de la innamorata con un velo fino o la cortesana/actriz con los pechos desnudos.
La influencia flamenca está ampliamente documentada, ya que las figuras de la comedia entraron en el mundo del género de la vanitas , representando los peligros de la lujuria, la bebida y el estilo de vida hedonista. Castagno describe al pittore vago flamenco ('pintor errante') que se integró en los talleres italianos e incluso asumió apellidos italianos: uno de los pintores más influyentes, Lodewyk Toeput, por ejemplo, se convirtió en Ludovico Pozzoserrato y fue un pintor célebre en la región del Véneto en Italia. Se puede atribuir al pittore vago el establecimiento de la commedia dell'arte como un género de pintura que persistiría durante siglos.
Aunque la iconografía da evidencia del estilo de interpretación (véase la colección Fossard), es importante señalar que muchas de las imágenes y grabados no eran representaciones de la vida real, sino que se inventaron en el estudio. Los grabados de Callot de los Balli di Sfessania (1611) se consideran más bien caprichos en lugar de representaciones reales de una forma de danza de la comedia o máscaras típicas. Si bien estos suelen reproducirse en formatos grandes, es importante señalar que las impresiones reales medían aproximadamente 2x3 pulgadas. En el siglo XVIII, las pinturas de Watteau de figuras de la comedia entremezcladas con la aristocracia a menudo se ubicaban en jardines suntuosos o entornos pastorales y eran representativas de ese género.
El cuadro Tres músicos de Pablo Picasso de 1921 es una representación colorida de personajes inspirados en la comedia . [47] Picasso también diseñó el vestuario original de Pulcinella (1920) de Stravinsky , un ballet que representa personajes y situaciones de la comedia . La iconografía de la comedia es evidente en las figuras de porcelana, muchas de las cuales se venden por miles de dólares en subastas.
El teatro expresivo influyó en la comedia de Molière y, posteriormente, en el ballet d'action , aportando así una nueva gama de expresión y medios coreográficos. Un ejemplo de personaje de la commedia dell'arte en la literatura es el flautista de Hamelin, que va vestido de arlequín .
La música y la danza eran fundamentales para la interpretación de la commedia dell'arte, y la mayoría de las representaciones tenían música instrumental y vocal. [48] Brighella a menudo se representaba con una guitarra, y muchas imágenes de la commedia presentan innamorati cantando o figuras bailando. De hecho, se consideraba que parte de la función de los innamorati era poder cantar y tener el repertorio popular bajo su haber. Los relatos de la commedia temprana , que se remontan a Calmo en la década de 1570 y los buffoni de Venecia, destacan la capacidad de los comici para cantar madrigali con precisión y belleza. La danzatrice probablemente acompañaba a las compañías y puede haber sido un complemento al elenco general de personajes. Para ejemplos de instrumentos extraños de varias formaciones grotescas, consulte los artículos de Tom Heck, que ha documentado esta área.
Las obras de varios dramaturgos han presentado personajes influenciados por la commedia dell'arte y, a veces, extraídos directamente de ella. Ejemplos destacados incluyen La tempestad de William Shakespeare , Les Fourberies de Scapin de Molière , El criado de dos amos (1743) de Carlo Goldoni , las obras de Fígaro de Pierre Beaumarchais y, especialmente, El amor de las tres naranjas , Turandot y otras fiabe de Carlo Gozzi . Aparecen influencias en los inquilinos de la adaptación de Steven Berkoff de La metamorfosis de Franz Kafka .
A través de su asociación con el teatro hablado y los dramaturgos, las figuras de la comedia han proporcionado a la ópera muchos de sus personajes habituales. El Don Giovanni de Mozart establece una historia de espectáculo de marionetas y los sirvientes cómicos como Leporello y Fígaro tienen precedentes en la comedia . Los personajes de soubrette como Susanna en Le nozze di Figaro , Zerlina en Don Giovanni y Despina en Così fan tutte recuerdan a Columbine y personajes relacionados. Las óperas cómicas de Gaetano Donizetti , como L'elisir d'amore , recurren fácilmente a los tipos habituales de la comedia . El melodrama trágico de Leoncavallo Pagliacci representa una compañía de la commedia dell'arte en la que los intérpretes encuentran sus situaciones de vida reflejando los acontecimientos que representan en el escenario. Los personajes de la comedia también aparecen en la ópera Ariadne auf Naxos de Richard Strauss .
La pieza para piano Carnaval de Robert Schumann fue concebida como una especie de baile de máscaras que combinaba personajes de la commedia dell'arte con personajes del mundo real, como Chopin , Paganini y Clara Schumann , así como personajes del mundo interior del compositor. [49] [50] Los movimientos de la pieza reflejan los nombres de muchos personajes de la commedia , incluidos Pierrot , Arlequín, Pantalone y Columbine.
En el ballet también aparecen personajes y situaciones estereotipadas. Petrushka y Pulcinella de Igor Stravinsky aluden directamente a esta tradición.
La Commedia dell'arte se representa estacionalmente en Dinamarca en el Escenario del Pavo Real de los Jardines de Tivoli en Copenhague, y al norte de Copenhague en Dyrehavsbakken . [51] Tivoli tiene representaciones regulares, mientras que Bakken tiene representaciones diarias para niños de Pierrot y una versión de títeres de Pulcinella que se asemeja a Punch y Judy . [52] [53]
Los personajes creados e interpretados por el comediante inglés Sacha Baron Cohen (los más famosos son Ali G , Borat y Bruno ) han sido discutidos en relación con sus posibles orígenes en la comedia , ya que Baron Cohen fue entrenado por el maestro payaso francés Philippe Gaulier , cuyos otros estudiantes se han convertido en profesores e intérpretes de comedia . [54]
Pulcinella siempre vestía de blanco, como Maccus, el mimus albus o mimo blanco.
A continuación está el ogro Manducus, el Miles Glorioso en las obras de Plauto, que más tarde se metamorfosea en el arrogante Capitán, de Capitán.
...Bucco y el sensual Maccus, cuya figura delgada y naturaleza cobarde reaparecen en Pulcinella.
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