El fagot es un instrumento musical de la familia de los instrumentos de viento de madera , que toca en los registros de tenor y bajo. [1] Está compuesto por seis piezas y generalmente está hecho de madera. Es conocido por su color de tono distintivo, amplio rango, versatilidad y virtuosismo. [1] Es un instrumento no transpositor y, por lo general, su música se escribe en clave de fa y tenor , y, a veces, en clave de agudos. [1] Hay dos formas de fagot moderno: los sistemas Buffet (o francés) y Heckel (o alemán). [2] Por lo general, se toca sentado usando una correa de asiento, pero se puede tocar de pie si el músico tiene un arnés para sujetar el instrumento. El sonido se produce haciendo rodar ambos labios sobre la lengüeta y soplando presión de aire directa para hacer que la lengüeta vibre. Su sistema de digitación puede ser bastante complejo en comparación con los de otros instrumentos. El fagot, que apareció en su forma moderna en el siglo XIX, ocupa un lugar destacado en la literatura de orquestas , bandas de conciertos y música de cámara , y también se escucha ocasionalmente en escenarios de pop, rock y jazz. A quien toca el fagot se le llama fagotista.
La palabra fagot proviene del francés basson y del italiano bassone ( basso con el sufijo aumentativo -one ). [3] Sin embargo, el nombre italiano para el mismo instrumento es fagotto , en español, holandés, danés, checo, polaco, serbocroata y rumano es fagot , [4] y en alemán Fagott . Fagot es una palabra del francés antiguo que significa un manojo de palos. [5] El dulcian llegó a ser conocido como fagotto en Italia. Sin embargo, la etimología habitual que equipara fagotto con "manojo de palos" es algo engañosa, ya que este último término no entró en uso general hasta más tarde. Sin embargo, una variación temprana en inglés, "faget", se utilizó ya en 1450 para referirse a la leña, que es 100 años antes del primer uso registrado del dulcian (1550). Se necesitan más citas para demostrar la falta de relación entre el significado de "haz de palos" y "fagotto" (italiano) o variantes. Algunos piensan que puede parecerse a las fasces romanas , un estandarte de palos atados con un hacha. Otra discrepancia radica en el hecho de que el dulciano estaba tallado a partir de un solo bloque de madera, es decir, un solo "palo" y no un haz.
El rango del fagot comienza en Si bemol 1 ( el primero debajo del pentagrama de bajo ) y se extiende hacia arriba durante tres octavas , aproximadamente hasta el Sol por encima del pentagrama de agudos (Sol 5 ). [6] Sin embargo, la mayoría de los escritos para fagot rara vez requieren notas por encima de Do 5 o Re 5 ; incluso el solo de apertura de Stravinsky en La consagración de la primavera solo asciende a Re 5. Las notas más altas que esto son posibles, pero rara vez escritas, ya que son difíciles de producir (a menudo requieren características específicas de diseño de caña para garantizar la confiabilidad), y en cualquier caso son bastante homogéneas en timbre a las mismas notas en corno inglés, que puede producirlas con relativa facilidad. El fagot francés tiene mayor facilidad en el registro extremadamente alto, por lo que el repertorio escrito para él es algo más probable que incluya notas muy altas, aunque el repertorio para el sistema francés se puede ejecutar en el sistema alemán sin alteraciones y viceversa.
El extenso registro alto del fagot y su frecuente papel como tenor lírico han significado que la clave de tenor se emplee muy comúnmente en su literatura después del Barroco , en parte para evitar líneas adicionales excesivas , y, a partir del siglo XX, la clave de sol también se ve por razones similares.
Al igual que otros instrumentos de viento de madera, la nota más baja es fija, pero A 1 es posible con una extensión especial del instrumento (consulte "Técnicas extendidas" a continuación).
Aunque los tonos primarios de los agujeros tonales son una quinta perfecta más baja que otros instrumentos de viento de madera occidentales sin transposición (efectivamente una octava por debajo del corno inglés ), el fagot no es transpositor , lo que significa que las notas que suenan coinciden con el tono escrito.
El fagot se desmonta en seis piezas principales, incluida la lengüeta . La campana (6) , que se extiende hacia arriba; la articulación del bajo (o articulación larga) (5) , que conecta la campana y la bota; la bota (o culata) (4) , en la parte inferior del instrumento y que se dobla sobre sí misma; la articulación del ala (o articulación del tenor) (3) , que se extiende desde la bota hasta el bocal; y el bocal (o curva) (2) , un tubo metálico curvado que une la articulación del ala a una lengüeta (1) ( ).
El orificio del fagot es cónico, como el del oboe y el saxofón , y los dos orificios adyacentes de la junta de la bota están conectados en la parte inferior del instrumento con un conector de metal en forma de U. Tanto el orificio como los orificios de tono están mecanizados con precisión, y cada instrumento se termina a mano para una afinación adecuada. Las paredes del fagot son más gruesas en varios puntos a lo largo del orificio; aquí, los orificios de tono están perforados en ángulo con el eje del orificio, lo que reduce la distancia entre los orificios en el exterior. Esto asegura la cobertura por los dedos de la mano adulta promedio. La ejecución se facilita al cerrar la distancia entre los orificios ampliamente espaciados con un complejo sistema de trabajo de llaves, que se extiende a lo largo de casi toda la longitud del instrumento. La altura total del fagot se extiende a 1,34 m (4 pies 5 pulgadas) de alto, pero la longitud total de sonido es de 2,54 m (8 pies 4 pulgadas) considerando que el tubo está doblado sobre sí mismo. También existen fagotes de alcance corto diseñados para el beneficio de músicos jóvenes o de pequeño tamaño.
Un fagot moderno para principiantes generalmente está hecho de arce , siendo preferibles los tipos de dureza media, como el arce sicómoro y el arce azucarero . También se fabrican modelos menos costosos de materiales como polipropileno y ebonita , principalmente para uso estudiantil y al aire libre. Los fagotes de metal se fabricaban en el pasado, pero ningún fabricante importante los ha producido desde 1889.
El arte de fabricar cañas se practica desde hace cientos de años, y algunas de las primeras cañas conocidas se fabricaron para el dulciano, un predecesor del fagot. [7] Los métodos actuales de fabricación de cañas consisten en un conjunto de métodos básicos; sin embargo, los estilos de interpretación de cada fagotista varían mucho y, por lo tanto, requieren que las cañas se personalicen para que se adapten mejor a su respectivo fagotista. Los músicos avanzados suelen fabricar sus propias cañas para este fin. Con respecto a las cañas fabricadas comercialmente, muchas empresas e individuos ofrecen cañas prefabricadas para la venta, pero los músicos a menudo descubren que dichas cañas aún requieren ajustes para adaptarse a su estilo de interpretación particular.
Las cañas de fagot modernas, hechas de caña de Arundo donax , [7] a menudo son hechas por los propios músicos, aunque los fagotistas principiantes tienden a comprar sus cañas a fabricantes de cañas profesionales o usar cañas hechas por sus maestros. Las cañas comienzan con un trozo de caña tubular que se divide en tres o cuatro piezas utilizando una herramienta llamada cortador de cañas. Luego, la caña se recorta y se ranura al grosor deseado, dejando la corteza adherida. Después de remojarla, la caña ranurada se corta a la forma adecuada y se muele al grosor deseado, o se perfila , quitando material del lado de la corteza. Esto se puede hacer a mano con una lima; más frecuentemente se hace con una máquina o herramienta diseñada para ese propósito. Después de que la caña perfilada se haya remojado una vez más, se dobla por la mitad. Antes de remojarla, el fabricante de cañas habrá marcado ligeramente la corteza con líneas paralelas con un cuchillo; esto asegura que la caña asumirá una forma cilíndrica durante la etapa de formación.
En la parte de la corteza, el fabricante de cañas ata una, dos o tres bobinas o bucles de alambre de latón para ayudar en el proceso de formación final. La colocación exacta de estos bucles puede variar un poco según el fabricante de cañas. A continuación, la caña en bruto atada se envuelve con hilo grueso de algodón o lino para protegerla y se inserta rápidamente un mandril de acero cónico (que a veces se ha calentado en una llama) entre las hojas. Utilizando un par de alicates especiales, el fabricante de cañas presiona la caña hacia abajo, haciendo que se adapte a la forma del mandril. (El vapor generado por el mandril calentado hace que la caña asuma permanentemente la forma del mandril). La parte superior de la cavidad así creada se llama "garganta", y su forma influye en las características finales de ejecución de la caña. La parte inferior, en su mayoría cilíndrica, se escariará con una herramienta especial llamada escariador, lo que permitirá que la caña encaje en el bocal.
Una vez que la caña se ha secado, se tensan los alambres alrededor de la caña, que se ha encogido después del secado, o se reemplaza por completo. La parte inferior se sella (se puede usar un cemento a base de nitrocelulosa como Duco) y luego se envuelve con hilo para garantizar que no se escape aire por la parte inferior de la caña y que la caña mantenga su forma. El envoltorio en sí mismo a menudo se sella con Duco o esmalte de uñas transparente (esmalte). La cinta aisladora también se puede usar como envoltorio para los fabricantes de cañas aficionados. El bulto en el envoltorio a veces se conoce como "cabeza de turco"; sirve como un asa conveniente al insertar la caña en el bocal. Alternativamente, se puede usar pegamento caliente, epoxi o envoltura termorretráctil para sellar el tubo de la caña. El envoltorio de hilo (comúnmente conocido como "turbante" debido a la tela entrecruzada) es aún más común en las cañas vendidas comercialmente.
Para terminar la caña, se corta el extremo de la pieza en bruto, que originalmente estaba en el centro de la pieza de caña desplegada, creando una abertura. Las hojas sobre el primer alambre tienen ahora aproximadamente entre 27 y 30 mm (1,1 y 1,2 pulgadas) de largo. Para que la caña pueda tocar, se debe crear un ligero bisel en la punta con un cuchillo, aunque también hay una máquina que puede realizar esta función. Es posible que sean necesarios otros ajustes con el cuchillo de caña, según la dureza, el perfil de la caña y los requisitos del músico. También es posible que sea necesario ajustar la abertura de la caña apretando el primer o el segundo alambre con los alicates. Se puede quitar material adicional de los lados (los "canales") o de la punta para equilibrar la caña. Además, si la "e" en el pentagrama de clave de fa está desviada, puede ser necesario "cortar" la lengüeta quitando 1-2 mm (0,039-0,079 pulgadas) de su longitud utilizando un par de tijeras muy afiladas o equivalente. [8] [9]
Los historiadores de la música generalmente consideran que el dulcian es el precursor del fagot moderno, [10] ya que los dos instrumentos comparten muchas características: una lengüeta doble ajustada a un gancho de metal, agujeros de tono perforados oblicuamente y un orificio cónico que se dobla sobre sí mismo. Los orígenes del dulcian son oscuros, pero a mediados del siglo XVI estaba disponible en hasta ocho tamaños diferentes, desde soprano hasta gran bajo. Un consorte completo de dulcianes era una rareza; su función principal parece haber sido proporcionar el bajo en la banda de viento típica de la época, ya sea fuerte ( chirimías ) o suave ( flautas dulces ), lo que indica una notable capacidad para variar la dinámica para adaptarse a la necesidad. De lo contrario, la técnica del dulcian era bastante primitiva, con ocho agujeros para los dedos y dos llaves, lo que indica que podía tocar solo en un número limitado de firmas de clave.
La evidencia circunstancial indica que el fagot barroco fue un instrumento de nueva invención, en lugar de una simple modificación del antiguo dulciano. El dulciano no fue reemplazado inmediatamente, sino que continuó siendo utilizado hasta bien entrado el siglo XVIII por Bach y otros; y, presumiblemente por razones de intercambiabilidad, es muy poco probable que el repertorio de esta época vaya más allá del alcance más pequeño del dulciano. El hombre más probablemente responsable del desarrollo del verdadero fagot fue Martin Hotteterre (fallecido en 1712), quien también puede haber inventado la flûte traversière ( flauta travesera ) de tres piezas y el hautbois ( oboe barroco ). Algunos historiadores creen que en algún momento de la década de 1650, Hotteterre concibió el fagot en cuatro secciones (campana, articulación del bajo, bota y articulación del ala), una disposición que permitió una mayor precisión en el mecanizado del orificio en comparación con el dulciano de una sola pieza. También extendió el compás hasta Si bemol añadiendo dos llaves . [11] Una visión alternativa sostiene que Hotteterre fue uno de los varios artesanos responsables del desarrollo del fagot primitivo. Estos pueden haber incluido miembros adicionales de la familia Hotteterre, así como otros fabricantes franceses activos en la misma época. [12] No sobrevive ningún fagot francés original de este período, pero si lo hiciera, lo más probable es que se pareciera a los primeros fagotes existentes de Johann Christoph Denner y Richard Haka de la década de 1680. En algún momento alrededor de 1700, se añadió una cuarta llave ( Sol bemol ), y fue para este tipo de instrumento que compositores como Antonio Vivaldi , Bach y Georg Philipp Telemann escribieron su exigente música. Una quinta llave, para el Mi bemol grave , se añadió durante la primera mitad del siglo XVIII. Entre los fabricantes notables del fagot barroco de 4 y 5 teclas se incluyen JH Eichentopf (c. 1678-1769), J. Poerschmann (1680-1757), Thomas Stanesby Jr. (1668-1734), GH Scherer (1703-1778) y Prudent Thieriot (1732-1786).
Las crecientes exigencias en cuanto a las capacidades de los instrumentos y de los intérpretes en el siglo XIX (en particular, las salas de conciertos más grandes que exigían un mayor volumen y el auge de los compositores-intérpretes virtuosos) impulsaron un mayor refinamiento. La mayor sofisticación, tanto en las técnicas de fabricación como en los conocimientos acústicos, posibilitó grandes mejoras en la ejecución del instrumento.
El fagot moderno existe en dos formas principales distintas, el sistema Buffet (o "francés") y el sistema Heckel ("alemán"). La mayor parte del mundo toca el sistema Heckel, mientras que el sistema Buffet se toca principalmente en Francia, Bélgica y partes de América Latina . Varios fabricantes de instrumentos han construido otros tipos de fagotes, como el raro Galandronome . Debido a la ubicuidad del sistema Heckel en los países de habla inglesa, las referencias en inglés al fagot contemporáneo siempre se refieren al sistema Heckel, y el sistema Buffet se califica explícitamente cuando aparece.
El diseño del fagot moderno debe mucho al intérprete, profesor y compositor Carl Almenräder . Con la ayuda del investigador acústico alemán Gottfried Weber , desarrolló el fagot de 17 teclas con un rango que abarca cuatro octavas. Las mejoras de Almenräder al fagot comenzaron con un tratado de 1823 que describía formas de mejorar la entonación , la respuesta y la facilidad técnica de ejecución mediante el aumento y la reorganización del teclado. Los artículos posteriores desarrollaron aún más sus ideas. Su empleo en Schott le dio la libertad de construir y probar instrumentos de acuerdo con estos nuevos diseños, y publicó los resultados en Caecilia , la revista de la casa de Schott. Almenräder continuó publicando y construyendo instrumentos hasta su muerte en 1846, y el propio Ludwig van Beethoven solicitó uno de los instrumentos recién fabricados después de enterarse de los artículos. En 1831, Almenräder dejó Schott para comenzar su propia fábrica con un socio, Johann Adam Heckel .
Heckel y dos generaciones de descendientes continuaron perfeccionando el fagot, y sus instrumentos se convirtieron en el estándar, seguidos por otros fabricantes. Debido a su calidad de tono de canto superior (una mejora de uno de los principales inconvenientes de los instrumentos Almenräder), los instrumentos Heckel compitieron por la prominencia con el sistema reformado de Wiener, un fagot de estilo Boehm y un instrumento completamente enchufado ideado por Charles-Joseph Sax , padre de Adolphe Sax . FW Kruspe implementó un intento tardío en 1893 para reformar el sistema de digitación , pero no tuvo éxito. Otros intentos de mejorar el instrumento incluyeron un modelo de 24 teclas y una boquilla de lengüeta única , pero ambos tuvieron efectos adversos en el tono y fueron abandonados.
Al llegar el siglo XX, el modelo alemán de fagot de estilo Heckel dominaba el campo. El propio Heckel había fabricado más de 1100 instrumentos a principios del siglo XX (los números de serie comienzan en 3000), y los instrumentos de los fabricantes británicos ya no eran deseables para los cambiantes requisitos de tono de la orquesta sinfónica, y permanecieron principalmente en uso en bandas militares .
A excepción de una breve conversión en la década de 1940, durante la guerra, a la fabricación de instrumentos con cojinetes de bolas , la empresa Heckel ha producido instrumentos de forma continua hasta el día de hoy. Muchos consideran que los fagotes Heckel son los mejores, aunque hay una gama de instrumentos de estilo Heckel disponibles de otros fabricantes, todos con características de ejecución ligeramente diferentes.
Debido a que su mecanismo es primitivo en comparación con la mayoría de los instrumentos de viento de madera modernos, los fabricantes han intentado en ocasiones "reinventar" el fagot. En la década de 1960, Giles Brindley comenzó a desarrollar lo que llamó el "fagot lógico", que tenía como objetivo mejorar la entonación y la uniformidad del tono mediante el uso de un mecanismo activado eléctricamente, lo que hacía posible combinaciones de teclas demasiado complejas para que la mano humana pudiera manejarlas. El fagot lógico de Brindley nunca se comercializó.
El fagot de sistema Buffet alcanzó sus propiedades acústicas básicas algo antes que el Heckel. A partir de entonces, continuó desarrollándose de una manera más conservadora. Mientras que la historia temprana del fagot Heckel incluyó una revisión completa del instrumento tanto en la acústica como en el trabajo de las teclas, el desarrollo del sistema Buffet consistió principalmente en mejoras incrementales en el trabajo de las teclas. Este enfoque minimalista del Buffet lo privó de una consistencia mejorada de entonación, facilidad de operación y mayor potencia, que sí se encuentra en los fagotes Heckel, pero algunos consideran que el Buffet tiene una calidad más vocal y expresiva. El director John Foulds lamentó en 1934 el dominio del fagot de estilo Heckel, considerándolos demasiado homogéneos en sonido con la trompa . El sistema Buffet moderno tiene 22 teclas con su rango siendo el mismo que el Heckel; aunque los instrumentos Buffet tienen mayor facilidad en los registros superiores , alcanzando E 5 y F 5 con mucha mayor facilidad y menos resistencia al aire.
En comparación con el fagot Heckel, los fagotes del sistema Buffet tienen un diámetro más estrecho y un mecanismo más simple, lo que requiere digitaciones diferentes y a menudo más complejas para muchas notas. Cambiar entre Heckel y Buffet, o viceversa, requiere un reentrenamiento extenso. El sonido de los instrumentos de viento de madera franceses en general exhibe una cierta cantidad de "afilado", con más calidad vocal de lo que es habitual en otros lugares, y el fagot Buffet no es una excepción. Este sonido se ha utilizado de manera efectiva en la escritura para el fagot Buffet, pero tiende menos a mezclarse que el tono del fagot Heckel. Como ocurre con todos los fagotes, el tono varía considerablemente, dependiendo del instrumento, la caña y el intérprete. En manos de un intérprete menos experimentado, el fagot Heckel puede sonar plano y amaderado, pero los buenos intérpretes logran producir un tono vibrante y cantado. Por el contrario, un Buffet mal tocado puede sonar zumbante y nasal, pero los buenos intérpretes logran producir un sonido cálido y expresivo.
Aunque el Reino Unido alguna vez favoreció el sistema francés, [13] los instrumentos del sistema Buffet ya no se fabrican allí y el último músico británico destacado del sistema francés se retiró en la década de 1980. Sin embargo, con su uso continuo en algunas regiones y su tono distintivo, el Buffet sigue teniendo un lugar en la interpretación moderna del fagot, particularmente en Francia, donde se originó. Los fagotes del modelo Buffet se fabrican actualmente en París por Buffet Crampon y el taller Ducasse (Romainville, Francia). La Compañía Selmer dejó de fabricar fagotes del sistema francés alrededor del año 2012. [14] Algunos músicos, por ejemplo el fallecido Gerald Corey en Canadá, han aprendido a tocar ambos tipos y alternarán entre ellos dependiendo del repertorio.
Antes de 1760, el antepasado temprano del fagot era el dulciano . Se utilizaba para reforzar la línea de bajo en conjuntos de viento llamados consortes . [2] Sin embargo, su uso en orquestas de conciertos fue esporádico hasta finales del siglo XVII, cuando las lengüetas dobles comenzaron a abrirse camino en la instrumentación estándar. El uso creciente del dulciano como instrumento de bajo continuo significó que comenzó a incluirse en orquestas de ópera , en obras como las de Reinhard Keiser y Jean-Baptiste Lully . [1] Mientras tanto, a medida que el dulciano avanzaba tecnológicamente y podía lograr más virtuosismo, compositores como Joseph Bodin de Boismortier , Johann Ernst Galliard , Johann Friedrich Fasch y Georg Philipp Telemann escribieron música exigente para solistas y conjuntos para el instrumento. [1] Antonio Vivaldi lo llevó a la prominencia al incluirlo en treinta y nueve conciertos . [1]
Aunque el fagot todavía se utilizaba a menudo para dar claridad a la línea de bajo debido a su registro bajo sonoro, las capacidades de los instrumentos de viento crecieron a medida que la tecnología avanzaba durante la era clásica . Esto permitió que el instrumento tocara en más tonalidades que el dulciano. Joseph Haydn aprovechó esto en su Sinfonía n.º 45 ( "Sinfonía de despedida "), en la que el fagot toca en fa sostenido menor. [2] Siguiendo con estos avances, los compositores también comenzaron a explotar el fagot por su color único, flexibilidad y capacidad virtuosa, en lugar de por su capacidad superficial para duplicar la línea de bajo. Entre los que hicieron esto se incluyen Ludwig van Beethoven en sus tres Dúos para clarinete y fagot (WoO 27) para clarinete y fagot y Niccolo Paganini en sus dúos para violín y fagot. [15] En su Concierto para fagot en si bemol mayor, KV 191 , WA Mozart utilizó todos los aspectos de la expresividad del fagot con sus contrastes de registro, ejecución en staccato y sonido expresivo, y se destacó especialmente por su calidad de canto en el segundo movimiento. [2] Este concierto a menudo se considera una de las obras más importantes de todo el repertorio del fagot, incluso hoy en día. [1]
La similitud del fagot con la voz humana, además de su recién descubierta capacidad virtuosa, fue otra cualidad que muchos compositores aprovecharon durante la era clásica. Después de 1730, el registro del fagot alemán se amplió hasta Si bemol 4 , y mucho más alto con el instrumento francés. [16] Los avances tecnológicos también hicieron que el sonido del registro tenor del fagot se volviera más resonante, y tocar en este registro creció en popularidad, especialmente en el mundo musical austrogermánico. Pedagogos como Josef Frohlich instruían a los estudiantes para que practicaran escalas, terceras y cuartas como lo harían los estudiantes de canto. En 1829, escribió que el fagot era capaz de expresar "lo digno, lo viril, lo solemne, lo grande, lo sublime, la compostura, la suavidad, la intimidad, la emoción, el anhelo, la cordialidad, la reverencia y el ardor conmovedor". [2] En la interpretación de GF Brandt del Concierto para fagot en fa mayor, Op. 75 (J. 127) de Carl Maria von Weber, también se comparó con la voz humana. [2] En Francia, Pierre Cugnier describió el papel del fagot como abarcando no solo la parte del bajo, sino también acompañar la voz y el arpa, tocar en pares con clarinetes y trompas en Harmonie y tocar en "casi todos los tipos de música", incluidos los conciertos, que eran mucho más comunes que las sonatas de la era anterior. [2] [1] Tanto Cugnier como Étienne Ozi enfatizaron la importancia de la similitud del fagot con la voz cantada. [2]
El papel del fagot en la orquesta variaba según el país. En la orquesta vienesa, el instrumento ofrecía un sonido tridimensional al conjunto al doblar a otros instrumentos como los violines, como se escucha en la obertura de Mozart para Las bodas de Fígaro , K 492, donde desempeña un papel más bien técnico junto a las cuerdas. [2] También escribió para el fagot que cambiara su timbre dependiendo del instrumento con el que se emparejara; más cálido con clarinetes, hueco con flautas y oscuro y digno con violines. [2] En Alemania y los países escandinavos, las orquestas normalmente presentaban solo dos fagotes. Pero en Francia, las orquestas aumentaron el número a cuatro en la segunda mitad del siglo XIX. [16] En Inglaterra, el papel del fagotista variaba según el conjunto. Johann Christian Bach escribió dos conciertos para fagot solista, y también apareció en papeles más de apoyo, como acompañar a los coros de la iglesia después de que la revolución puritana destruyera la mayoría de los órganos de iglesia. [2] En las colonias americanas, el fagot se veía típicamente en un ambiente de cámara. Después de la Guerra de la Independencia , los fagotistas se encontraban en bandas de viento que daban actuaciones públicas. [2] En 1800, había al menos un fagot en la Banda de la Marina de los Estados Unidos. [2] En América del Sur, el fagot también apareció en pequeñas orquestas, bandas y música militar (similar a los conjuntos de Harmonie). [2]
El papel del fagot durante la era romántica varió entre un papel como instrumento de apoyo para el bajo y un papel como instrumento solista virtuoso y expresivo. De hecho, se consideraba un instrumento que podía utilizarse en casi cualquier circunstancia. La comparación del sonido del fagot con la voz humana continuó durante esta época, ya que gran parte de la pedagogía giraba en torno a la emulación de este sonido. Giuseppe Verdi utilizó la voz lírica y cantada del instrumento para evocar emociones en piezas como su Messa da Requiem . [2] Eugene Jancourt comparó el uso del vibrato en el fagot con el de los cantantes, y Luigi Orselli escribió que el fagot se mezclaba bien con la voz humana. [2] También destacó la función del fagot en la orquesta francesa de la época, que servía para apoyar el sonido de la viola, reforzar el sonido staccato y doblar el bajo, el clarinete, la flauta y el oboe. [2] También se empezó a poner énfasis en el sonido único del staccato del fagot, que podría describirse como bastante corto y agresivo, como en la Sinfonía fantástica Op. 14 de Hector Berlioz en el quinto movimiento. Paul Dukas utilizó el staccato para representar la imagen de dos escobas que cobran vida en El aprendiz de brujo . [16]
Era común que en las orquestas alemanas hubiera solo dos fagotes. [16] Las bandas militares austriacas y británicas también solo llevaban dos fagotes, y se usaban principalmente para acompañamiento y para tocar en situaciones poco convencionales. [2] En Francia, Hector Berlioz también puso de moda el uso de más de dos fagotes; a menudo escribía para tres o cuatro, y en ocasiones escribió para hasta ocho, como en su L'Impériale . [2]
En este punto, los compositores esperaban que los fagotes fueran tan virtuosos como los otros instrumentos de viento, ya que a menudo escribían solos que desafiaban el rango y la técnica del instrumento. Ejemplos de esto incluyen el solo de fagot de Nikolai Rimsky-Korsakov y la cadencia después del clarinete en Sheherazade , Op. 35 y en Tannhäuser de Richard Wagner , que requería que el fagotista usara tres lengüetas y también tocara hasta el tope de su rango en un Mi 5. [ 2] Wagner también usó el fagot por su capacidad de staccato en su trabajo, y a menudo escribió sus tres partes de fagot en terceras para evocar un sonido más oscuro con un color de tono notable. [2] En La noche en el monte pelado de Modest Mussorgsky , los fagotes tocan fortissimo junto con otros instrumentos bajos para evocar "la voz del Diablo". [16]
En este punto en el tiempo, el desarrollo del fagot se desaceleró. En lugar de hacer grandes saltos en mejoras tecnológicas, se corrigieron pequeñas imperfecciones en la función del instrumento. [2] El instrumento se volvió bastante versátil a lo largo del siglo XX; el instrumento era capaz de tocar tres octavas, una variedad de trinos diferentes y mantenía una entonación estable en todos los registros y niveles dinámicos. [2] La pedagogía entre los fagotistas variaba entre los diferentes países, por lo que el instrumento en general desempeñaba una variedad de funciones. Como era un tema común en épocas anteriores, el fagot era valorado por los compositores por su voz única, y su uso aumentó en tono. Un ejemplo famoso de esto es el comienzo de La consagración de la primavera de Igor Stravinsky en el que el fagot toca en su registro más alto para imitar a la Dentsivka rusa . [2] Los compositores también escribieron para el registro medio del fagot, como en "Berceuse" de Stravinsky en El pájaro de fuego y la Sinfonía n.º 5 en mi bemol mayor, Op. 82 de Jean Sibelius . [2] También continuaron resaltando el sonido staccato del fagot, como se escucha en el Scherzo humorístico de Sergei Prokofiev . [2] En Pedro y el lobo de Sergei Prokofiev , el papel del abuelo lo interpreta el fagot.
En los escenarios orquestales, la mayoría de las orquestas desde principios del siglo XX hasta la actualidad tienen tres o cuatro fagotistas, y el cuarto suele cubrir también el contrafagot . [16] En la pedagogía del fagot empezó a aparecer un mayor énfasis en el uso del timbre, el vibrato y el fraseo, y muchos siguieron la filosofía de Marcel Tabuteau sobre el fraseo musical. [2] El vibrato empezó a utilizarse en la interpretación en conjunto, dependiendo del fraseo de la música. [2] Se esperaba, y actualmente se espera, que el fagot se desenvolviera con fluidez con otros instrumentos de viento de madera en términos de virtuosismo y técnica. Ejemplos de esto incluyen la cadencia para fagotes en la Rapsodie espagnole de Maurice Ravel y los trinos de varios dedos utilizados en el Octeto de Stravinsky . [2]
En el siglo XX, el fagot fue menos utilizado como solista de concierto y, cuando lo fue, el conjunto que lo acompañaba se hizo más suave y silencioso. [2] Además, ya no se usaba en bandas de música, aunque todavía existía en bandas de concierto con uno o dos de ellos. [2] El repertorio orquestal siguió siendo en gran medida la misma tradición austrogermánica en la mayoría de los países occidentales. [2] Apareció principalmente en configuraciones solistas, de cámara y sinfónicas. A mediados de la década de 1900, la radiodifusión y la grabación crecieron en popularidad, lo que permitió nuevas oportunidades para los fagotistas y condujo a un lento declive de las presentaciones en vivo. [2] Gran parte de la nueva música para fagot de finales del siglo XX y principios del XXI a menudo incluía técnicas extendidas y estaba escrita para configuraciones solistas o de cámara. Una pieza que incluía técnicas extendidas fue la Sequenza XII de Luciano Berio , que requería digitaciones microtonales, glissandos y trinos tímbricos. [2] En los Concertazioni de Bruno Bartolozzi se utilizan la doble y triple lengüeta, la lengüeta de aleteo, los multifónicos, los cuartos de tono y el canto . [1] También se escribieron una variedad de conciertos y piezas para fagot y piano, como Five Sacred Trees de John Williams y la Sonata para fagot y piano de André Previn . También hubo piezas de "interpretación" como Sonata Abassoonata de Peter Schickele , que requería que el fagotista fuera tanto músico como actor. [2] El cuarteto de fagot se hizo prominente en esta época, con piezas como It Takes Four to Tango de Daniel Dorff . [2]
El fagot se utiliza con poca frecuencia como instrumento de jazz y rara vez se ve en un conjunto de jazz . Comenzó a aparecer en la década de 1920, cuando Garvin Bushell comenzó a incorporar el fagot en sus actuaciones. [2] Se produjeron peticiones específicas para su uso en el grupo de Paul Whiteman , los inusuales octetos de Alec Wilder y algunas otras apariciones de sesión. Las siguientes décadas vieron al instrumento utilizado solo esporádicamente, ya que el jazz sinfónico cayó en desgracia, pero la década de 1960 vio a artistas como Yusef Lateef y Chick Corea incorporar el fagot en sus grabaciones. La diversa y ecléctica instrumentación de Lateef vio al fagot como una adición natural (véase, por ejemplo, The Centaur and the Phoenix (1960) que presenta el fagot como parte de una sección de trompetas de 6 hombres, incluidos algunos solos) mientras que Corea empleó el fagot en combinación con el flautista Hubert Laws .
Más recientemente, Illinois Jacquet , Ray Pizzi , Frank Tiberi y Marshall Allen han tocado el fagot además de sus interpretaciones de saxofón. La fagotista Karen Borca , intérprete de free jazz , es uno de los pocos músicos de jazz que toca solo el fagot; Michael Rabinowitz, el fagotista español Javier Abad y James Lassen, un estadounidense residente en Bergen , Noruega, son otros. Katherine Young toca el fagot en los conjuntos de Anthony Braxton . Lindsay Cooper , Paul Hanson , el fagotista brasileño Alexandre Silvério, Trent Jacobs y Daniel Smith también utilizan actualmente el fagot en el jazz. Los fagotistas franceses Jean-Jacques Decreux [17] y Alexandre Ouzounoff [18] han grabado jazz, explotando la flexibilidad del instrumento del sistema Buffet con buenos resultados.
Junto con el uso de pastillas electrónicas y amplificación, el instrumento comenzó a usarse más en el jazz y el rock. [2] [1] Sin embargo, el fagot sigue siendo bastante raro como miembro regular de las bandas de rock. Varios éxitos de la música pop de la década de 1960 incluyen el fagot, incluyendo " The Tears of a Clown " de Smokey Robinson and the Miracles (el fagotista fue Charles R. Sirard [19] ), " Jennifer Juniper " de Donovan , " 59th Street Bridge Song " de Harpers Bizarre y el fagot oompah subyacente a " Winchester Cathedral " de The New Vaudeville Band . De 1974 a 1978, el fagot fue tocado por Lindsay Cooper en la banda de vanguardia británica Henry Cow . La canción de Leonard Nimoy " The Ballad of Bilbo Baggins " presenta el fagot. En los años 70, Brian Gulland lo tocaba en la banda británica de rock medieval/progresivo Gryphon , así como en la banda estadounidense Ambrosia , donde lo tocaba el baterista Burleigh Drummond. La banda belga de rock in opposition Univers Zero también es conocida por su uso del fagot.
Más recientemente, el álbum Hidden de These New Puritans de 2010 hace un uso intensivo del instrumento; su principal compositor, Jack Barnett, afirmó repetidamente estar "escribiendo mucha música para fagot" en el período previo a su grabación. [20] La banda de rock Better Than Ezra tomó su nombre de un pasaje de París era una fiesta de Ernest Hemingway en el que el autor comenta que escuchar a una persona molestamente habladora sigue siendo "mejor que Ezra aprendiendo a tocar el fagot", refiriéndose a Ezra Pound .
La banda británica de rock psicodélico / progresivo Knifeworld cuenta con el fagot de Chloe Herrington, quien también toca para la orquesta de rock de cámara experimental Chrome Hoof .
Fiona Apple presentó el fagot en la canción de apertura de su álbum de 2004 Extraordinary Machine .
En 2016, el fagot apareció en el álbum Gang Signs and Prayers del artista británico de "grime" Stormzy . Tocado por la fagotista británica Louise Watson, el fagot se escucha en las pistas "Cold" y "Mr Skeng" como complemento a las líneas de bajo de sintetizador electrónico que se encuentran típicamente en este género.
La serie animada de Cartoon Network Over the Garden Wall presenta un fagot en el episodio 6 titulado "Lullaby in Frogland", donde se anima al personaje principal a tocar el fagot para impresionar a un grupo de ranas.
El personaje Jan Bellows en la serie de Hulu Only Murders in the Building es un fagotista profesional.
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El fagot se sostiene en diagonal frente al intérprete, pero a diferencia de la flauta, el oboe y el clarinete, no se puede sostener fácilmente con las manos del intérprete únicamente. Por lo general, se requieren algunos medios de apoyo adicionales; los más comunes son una correa de asiento unida a la base de la articulación de la bota, que se coloca transversalmente sobre el asiento de la silla antes de sentarse, o una correa para el cuello o un arnés para los hombros sujeto a la parte superior de la articulación de la bota. Ocasionalmente, se sujeta una punta similar a las que se usan para el violonchelo o el clarinete bajo a la parte inferior de la articulación de la bota y se apoya en el piso. Es posible tocar de pie si el intérprete usa una correa para el cuello o un arnés similar, o si la correa del asiento está atada al cinturón. A veces, cuando se toca de pie, se usa un dispositivo llamado percha de equilibrio . Este se instala entre el instrumento y la correa para el cuello y desplaza el punto de apoyo más cerca del centro de gravedad, ajustando la distribución del peso entre las dos manos.
El fagot se toca con ambas manos en posición fija, la izquierda encima de la derecha, con cinco orificios principales para los dedos en la parte delantera del instrumento (más cerca del público) más un sexto que se activa con una tecla abierta. Cinco teclas adicionales en la parte delantera se controlan con los dedos meñiques de cada mano. La parte trasera del instrumento (más cerca del ejecutante) tiene doce o más teclas que se controlan con los pulgares, el número exacto varía según el modelo.
Para estabilizar la mano derecha, muchos fagotistas utilizan un aparato ajustable en forma de coma llamado "muleta" o reposamanos, que se monta en la articulación de la bota. La muleta se fija con un tornillo de mariposa, que también permite ajustar la distancia que sobresale del fagot. Los músicos apoyan la curva de la mano derecha donde el pulgar se une a la palma contra la muleta. La muleta también evita que la mano derecha se canse y permite al músico mantener las yemas de los dedos planas sobre los orificios para los dedos y las teclas.
Un aspecto de la técnica del fagot que no se encuentra en ningún otro instrumento de viento de madera se llama flicking . Implica que el pulgar de la mano izquierda presione momentáneamente, o "slicking" (golpee) las teclas A, C y D altas al comienzo de ciertas notas en la octava media para lograr una ligadura limpia a partir de una nota más baja. Esto elimina el crujido o los breves multifónicos que ocurren sin el uso de esta técnica. Alternativamente, un método similar se llama "venting" (ventilación), que requiere que la tecla de registro se use como parte de la digitación completa en lugar de estar abierta momentáneamente al comienzo de la nota. Esto a veces se llama el "estilo europeo"; el ventilar eleva ligeramente la entonación de las notas y puede ser ventajoso al afinar a frecuencias más altas. Algunos fagotistas hacen flicking (golpee) A y B ♭ cuando se usa la lengua, para mayor claridad de articulación, pero el flicking (o ventilación) es prácticamente omnipresente para las ligaduras.
Mientras que el flicking se utiliza para ligar notas más altas, la tecla de susurro se utiliza para notas más bajas. Desde el A ♭ justo debajo del C central y más abajo, la tecla de susurro se presiona con el pulgar izquierdo y se mantiene durante la duración de la nota. Esto evita el crujido, ya que las notas bajas a veces pueden crujir hasta una octava más alta. Tanto el flicking como el uso de la tecla de susurro son especialmente importantes para garantizar que las notas hablen correctamente durante el ligado entre registros altos y bajos.
Aunque los fagotes suelen estar afinados de fábrica, el músico tiene un alto grado de flexibilidad para controlar el tono mediante el uso de la ayuda de la respiración, la embocadura y el perfil de la caña. Los músicos también pueden utilizar digitaciones alternativas para ajustar el tono de muchas notas. Al igual que en otros instrumentos de viento de madera, la longitud del fagot se puede aumentar para bajar el tono o disminuir para subirlo. En el fagot, esto se hace preferiblemente cambiando el bocal por uno de una longitud diferente (las longitudes se indican con un número en el bocal, que suele empezar en 0 para la longitud más corta y 3 para la más larga, pero hay algunos fabricantes que utilizan otros números), pero es posible empujar el bocal hacia dentro o hacia fuera ligeramente para ajustar el tono de forma considerable. [21]
La embocadura del fagot es un aspecto muy importante para producir un sonido pleno, redondo y rico en el instrumento. Los labios están enrollados sobre los dientes, a menudo con el labio superior más adelante en una "mordida cruzada". Los labios proporcionan presión micromuscular en toda la circunferencia de la caña, que controla en gran medida la entonación y la excitación armónica, y por lo tanto debe modularse constantemente con cada cambio de nota. La distancia a lo largo de la caña en la que se colocan los labios afecta tanto al tono (menos caña en la boca hace que el sonido sea más afilado o "aflautado", y más caña lo hace suave y menos proyectil) como a la forma en que la caña responderá a la presión.
La musculatura empleada en la embocadura del fagot se encuentra principalmente alrededor de los labios, que presionan la lengüeta para darle la forma necesaria para el sonido deseado. La mandíbula se levanta o se baja para ajustar la cavidad oral para un mejor control de la lengüeta, pero los músculos de la mandíbula se utilizan mucho menos para la presión vertical ascendente que en las lengüetas simples, y solo se emplean sustancialmente en el registro muy alto. Sin embargo, los estudiantes de lengüeta doble a menudo "muerden" la lengüeta con estos músculos porque el control y el tono de los músculos labiales y otros todavía se están desarrollando, pero esto generalmente hace que el sonido sea agudo y "ahogado" ya que contrae la abertura de la lengüeta y sofoca la vibración de sus láminas.
Además de la embocadura propiamente dicha, los estudiantes también deben desarrollar un tono muscular sustancial y un control en el diafragma, la garganta, el cuello y la parte superior del pecho, que se utilizan para aumentar y dirigir la presión del aire. La presión del aire es un aspecto muy importante del tono, la entonación y la proyección de los instrumentos de lengüeta doble, y afecta a estas cualidades tanto o más que la embocadura.
Atacar una nota en el fagot con cantidades imprecisas de músculo o presión de aire para el tono deseado dará como resultado una entonación deficiente, crujidos o multifónicos, produciendo accidentalmente el parcial incorrecto o que la lengüeta no hable en absoluto. Estos problemas se agravan por las cualidades individuales de las lengüetas, que son categóricamente inconsistentes en su comportamiento por razones inherentes y evidentes.
Los requerimientos musculares y la variabilidad de las cañas implican que lleva algún tiempo para que los fagotistas (y oboístas) desarrollen una embocadura que muestre un control consistente en todas las cañas, dinámicas y entornos de interpretación.
La técnica de digitación del fagot varía mucho más entre los ejecutantes que la de cualquier otro instrumento de viento de orquesta. El complejo mecanismo y la acústica hacen que el fagot carezca de digitaciones sencillas de buena calidad de sonido o entonación para algunas notas (especialmente en el registro más alto), pero, por el contrario, existe una gran variedad de digitaciones superiores, pero generalmente más complicadas, para ellas. Por lo general, las digitaciones más sencillas para dichas notas se utilizan como digitaciones alternas o de trino, y el fagotista utilizará como "digitación completa" una o varias de las ejecuciones más complejas posibles, para una calidad de sonido óptima. Las digitaciones utilizadas quedan a criterio del fagotista y, para pasajes particulares, él o ella puede experimentar para encontrar nuevas digitaciones alternativas que sean así idiomáticas para el ejecutante.
Estos elementos han dado lugar a que las digitaciones "completas" y alternas difieran ampliamente entre los fagotistas, y se ven influenciadas además por factores como las diferencias culturales en el sonido que se busca, cómo se fabrican las cañas y la variación regional en las frecuencias de afinación (que requieren digitaciones más agudas o más graves). Los enclaves regionales de fagotistas tienden a tener cierta uniformidad en la técnica, pero a escala global, la técnica difiere de tal manera que dos fagotistas determinados pueden no compartir digitaciones para ciertas notas. Debido a estos factores, la técnica ubicua del fagot solo puede notarse parcialmente.
El pulgar izquierdo opera nueve teclas: B ♭ 1 , B 1 , C 2 , D 2 , D 5 , C 5 (también B 4 ), dos teclas cuando se combinan crean A 4 , y la tecla de susurro. La tecla de susurro debe mantenerse presionada para notas entre F 2 y G ♯ 3 inclusive y algunas otras notas; se puede omitir, pero el tono se desestabilizará. Se pueden crear notas adicionales con las teclas del pulgar izquierdo; la tecla D 2 y la tecla inferior sobre la tecla de susurro en la unión del tenor (tecla C ♯ ) juntas crean C ♯ 3 y C ♯ 4 . La misma tecla inferior de la unión del tenor también se usa, con digitación adicional, para crear E 5 y F 5 . D 5 y C 5 juntos crean C ♯ 5 . Cuando se utilizan las dos teclas de la articulación tenor para crear A 4 con una digitación ligeramente modificada en la articulación de la bota, se crea B ♭ 4. La tecla de susurro también se puede utilizar en ciertos puntos a lo largo del registro alto del instrumento, junto con otras digitaciones, para alterar la calidad del sonido según se desee.
El pulgar derecho opera cuatro teclas. La tecla superior se utiliza para producir B ♭ 2 y B ♭ 3 , y puede usarse en B 4 , F ♯ 4 , C 5 , D 5 , F 5 y E ♭ 5 . La tecla circular grande, también conocida como la "tecla de panqueque", se mantiene presionada para todas las notas más bajas desde E 2 hasta B ♭ 1 . También se utiliza, como la tecla de susurro, en digitaciones adicionales para silenciar el sonido. Por ejemplo, en " Boléro " de Ravel , se le pide al fagot que toque el ostinato en G 4 . Esto es fácil de realizar con la digitación normal para G 4 , pero Ravel indica que el intérprete también debe presionar la tecla E 2 (tecla de panqueque) para silenciar el sonido (esto está escrito con el sistema Buffet en mente; la digitación G en la que involucra la tecla Bb - a veces llamada G "francesa" en Heckel). La siguiente tecla operada por el pulgar derecho se conoce como la "tecla de espátula": su uso principal es producir F ♯ 2 y F ♯ 3 . La tecla más baja se usa con menos frecuencia: se utiliza para producir A ♭ 2 (G ♯ 2 ) y A ♭ 3 (G ♯ 3 ), de una manera que evita deslizar el cuarto dedo derecho de otra nota.
Los cuatro dedos de la mano izquierda pueden utilizarse en dos posiciones diferentes. La tecla que normalmente se utiliza con el dedo índice se utiliza principalmente para E 5 , que también sirve para trinos en el registro inferior. Su función principal es el orificio superior. Este orificio se puede cerrar total o parcialmente haciendo rodar el dedo hacia abajo. Esta técnica de medio orificio se utiliza para soplar F ♯ 3 , G 3 y G ♯ 3 . El dedo medio normalmente permanece en el orificio central de la articulación del tenor. También puede moverse a una palanca que se utiliza para E ♭ 5 , también una tecla de trino. El dedo anular opera, en la mayoría de los modelos, una tecla. Algunos fagotes tienen una tecla de E ♭ alternativa sobre el orificio, predominantemente para trinos, pero muchos no la tienen. El dedo meñique opera dos teclas laterales en la articulación del bajo. La tecla inferior se utiliza normalmente para C ♯ 2 , pero se puede utilizar para silenciar o aplanar notas en el registro tenor. La clave superior se utiliza para E ♭ 2 , E 4 , F 4 , F ♯ 4 , A 4 , B ♭ 4 , B 4 , C 5 , C ♯ 5 y D 5 ; aplana G 3 y es la digitación estándar para este instrumento en muchos lugares que afinan a niveles de hercios más bajos, como A440.
Los cuatro dedos de la mano derecha tienen al menos una asignación cada uno. El dedo índice permanece sobre un orificio, excepto que cuando se toca Mi bemol 5 se usa una tecla lateral en la parte superior de la bota (esta tecla también proporciona un trino de Do bemol 3 , aunque sostenido en Re). El dedo medio permanece estacionario sobre el orificio con un anillo alrededor de él, y este anillo y otras almohadillas se levantan cuando el dedo más pequeño de la mano derecha empuja una palanca. El dedo anular generalmente permanece estacionario en la tecla del dedo anular inferior. Sin embargo, la tecla del dedo anular superior se puede usar, generalmente para Si bemol 2 y Si bemol 3 , en lugar de la tecla del pulgar superior en la parte delantera de la unión de la bota; esta tecla proviene del oboe, y algunos fagotes no la tienen porque la digitación del pulgar es prácticamente universal. El dedo más pequeño opera tres teclas. La más posterior, la más cercana al fagotista, se mantiene presionada durante la mayor parte del registro grave. Con esta tonalidad se puede crear F ♯ 4 , así como G 4 , B ♭ 4 , B 4 y C 5 (las tres últimas utilizándolas únicamente para aplanar y estabilizar el tono). La tonalidad más baja para el dedo más pequeño de la mano derecha se utiliza principalmente para A ♭ 2 (G ♯ 2 ) y A ♭ 3 (G ♯ 3 ), pero se puede utilizar para mejorar D 5 , E ♭ 5 y F 5. La tonalidad más adelantada se utiliza, además de la del pulgar, para crear G ♭ 2 y G ♭ 3 ; en muchos fagotes, esta tonalidad opera un orificio de tono diferente al de la tonalidad del pulgar y produce un F ♯ ligeramente más plano ("F ♯ duplicado "); algunas técnicas utilizan una como estándar para ambas octavas y la otra por utilidad, pero otras utilizan la tonalidad del pulgar para el dedo más bajo y el cuarto dedo para el más alto.
En el fagot se pueden realizar muchas técnicas extendidas, como multifónicos , flutter-tonguing , respiración circular , double tongueing y armónicos. En el caso del fagot, el flutter-tonguing se puede lograr haciendo "gargarismos" en la parte posterior de la garganta, así como mediante el método convencional de hacer rodar Rs. Los multifónicos en el fagot son abundantes y se pueden lograr utilizando digitaciones alternativas particulares, pero generalmente están muy influenciados por la posición de la embocadura. Además, nuevamente utilizando ciertas digitaciones, se pueden producir notas en el instrumento que suenan en tonos más bajos que el rango real del instrumento. Estas notas tienden a sonar muy graves y desafinadas, pero técnicamente suenan por debajo del si ♭ grave .
El fagotista también puede producir notas más bajas que el si bemol grave alargando la longitud de la campana. Esto se puede conseguir insertando una "extensión de la grave" especialmente diseñada en la campana, pero también se puede conseguir con un pequeño tubo de papel o goma o una campana de clarinete/corno inglés colocada dentro de la campana del fagot (aunque la nota puede tender a ser aguda). El efecto de esto es convertir el si bemol grave en una nota más baja, casi siempre un la natural; esto baja ampliamente el tono del instrumento (más notablemente en el registro más bajo) y, a menudo, convertirá el si más grave en si bemol ( y hará que el do vecino sea muy grave). La idea de utilizar el la grave fue iniciada por Richard Wagner , que quería ampliar el rango del fagot. Muchos pasajes de sus óperas posteriores requieren el la grave, así como el si bemol inmediatamente superior; Esto es posible en un fagot normal usando una extensión que también aplana el si grave a si ♭ , pero todas las extensiones de la campana tienen efectos significativos en la entonación y la calidad del sonido en el registro más bajo del instrumento, y pasajes como este se realizan con mayor frecuencia con relativa facilidad con el contrafagot.
Algunos fagotes han sido fabricados especialmente para permitir a los fagotistas realizar pasajes similares. Estos fagotes están hechos con una "campana Wagner", que es una campana extendida con una tonalidad tanto para el la grave como para el si bemol grave, pero no se han generalizado; los fagotes con campanas Wagner sufren problemas de entonación similares a los de un fagot con una extensión de la normal, y un fagot debe construirse específicamente para acomodarla, lo que hace que la opción de extensión sea mucho menos complicada. Extender el rango del fagot incluso más bajo que el la, aunque es posible, tendría efectos aún más fuertes en el tono y haría que el instrumento fuera prácticamente inutilizable.
A pesar de las dificultades logísticas de la nota, Wagner no fue el único compositor que escribió el La grave. Otro compositor que ha exigido que el fagot sea cromático hasta el La grave es Gustav Mahler . Richard Strauss también exige el La grave en su ópera Intermezzo . Algunas obras tienen La grave opcionales, como en el Quinteto de viento de Carl Nielsen , op. 43, que incluye un La grave opcional para la cadencia final de la obra.
El complejo sistema de digitación y el alto coste y la falta de acceso a cañas de fagot de calidad pueden hacer que aprender a tocar el fagot sea más difícil que aprender a tocar otros instrumentos de viento de madera. [22] El coste es otro factor que influye en la decisión de una persona de aprender a tocar el fagot. Los precios pueden oscilar entre 7.000 y más de 45.000 dólares estadounidenses por un instrumento de alta calidad. [23] En América del Norte, los niños en edad escolar pueden empezar a tocar el fagot sólo después de haber empezado con otro instrumento de lengüeta, como el clarinete o el saxofón. [24]
Los estudiantes en Estados Unidos suelen comenzar a estudiar la interpretación y la técnica del fagot en los años intermedios de su educación musical, a menudo en asociación con el programa de banda de su escuela. A menudo se les proporciona a los estudiantes un instrumento escolar y se los anima a que tomen lecciones con instructores privados. Los estudiantes suelen recibir instrucción sobre la postura adecuada, la posición de las manos, la embocadura , el repertorio y la producción de tonos.
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