Los cómics son un medio utilizado para expresar ideas con imágenes, a menudo combinadas con texto u otra información visual. Por lo general, adopta la forma de una secuencia de paneles de imágenes. Los dispositivos textuales como globos de diálogo , subtítulos y onomatopeyas pueden indicar diálogo, narración, efectos de sonido u otra información. No hay consenso entre los teóricos e historiadores sobre una definición de cómic ; algunos enfatizan la combinación de imágenes y texto, algunos la secuencialidad u otras relaciones de imagen, y otros aspectos históricos como la reproducción masiva o el uso de personajes recurrentes. Las caricaturas y otras formas de ilustración son los medios más comunes de creación de imágenes en los cómics. Los cómics fotográficos son una forma que utiliza imágenes fotográficas. Las formas comunes incluyen tiras cómicas , caricaturas editoriales y de broma , y cómics . Desde finales del siglo XX, los volúmenes encuadernados como novelas gráficas , álbumes de cómics y tankōbon se han vuelto cada vez más comunes, junto con los cómics web y los cómics científicos / médicos. [1]
La historia del cómic ha seguido diferentes caminos en diferentes culturas. Los académicos han postulado una prehistoria que se remonta a las pinturas rupestres de Lascaux . A mediados del siglo XX, el cómic floreció, particularmente en los Estados Unidos , Europa occidental (especialmente Francia y Bélgica ) y Japón . La historia del cómic europeo a menudo se remonta a las tiras cómicas de Rodolphe Töpffer de la década de 1830, mientras que Wilhelm Busch y su Max y Moritz también tuvieron un impacto global a partir de 1865, [2] [3] [4] [5] y se hicieron populares tras el éxito en la década de 1930 de tiras y libros como Las aventuras de Tintín . El cómic estadounidense surgió como un medio de comunicación masivo a principios del siglo XX con la llegada de las tiras cómicas de periódico; Los cómics de estilo revista siguieron en la década de 1930, el género de superhéroes se hizo prominente después de que Superman apareciera en 1938. Las historias de los cómics y las caricaturas japonesas ( manga ) proponen orígenes tan temprano como el siglo XII. Los cómics japoneses generalmente se mantienen separados de la evolución de los cómics euroamericanos, y el arte del cómic occidental probablemente se originó en la Italia del siglo XVII. [6] Las tiras cómicas japonesas modernas surgieron a principios del siglo XX, y la producción de revistas y libros de cómics se expandió rápidamente en la era posterior a la Segunda Guerra Mundial (1945), con la popularidad de dibujantes como Osamu Tezuka . Los cómics han tenido una reputación de baja calidad durante gran parte de su historia, pero hacia fines del siglo XX, comenzaron a encontrar una mayor aceptación entre el público y los académicos.
El término inglés comics se utiliza como sustantivo singular cuando se refiere al medio en sí (por ejemplo, " El cómic es una forma de arte visual"), pero se convierte en plural cuando se refiere a obras colectivamente (por ejemplo, " El cómic es un material de lectura popular").
Los cómics podrán adaptarse posteriormente a animaciones (anime), dramas, programas de televisión y películas.
Las tradiciones de cómics europeas, estadounidenses y japonesas han seguido caminos diferentes. [7] Los europeos han visto su tradición comenzando con el suizo Rodolphe Töpffer desde 1827 y los estadounidenses han visto el origen de la suya en la tira de periódico de la década de 1890 de Richard F. Outcault The Yellow Kid , aunque muchos estadounidenses han llegado a reconocer la precedencia de Töpffer. Wilhelm Busch influyó directamente en Rudolph Dirks y sus Katzenjammer Kids . [8] [9] [10] [11] [12] Japón tiene una larga historia de caricaturas satíricas y cómics que conducen a la era de la Segunda Guerra Mundial. El artista ukiyo-e Hokusai popularizó el término japonés para cómics y dibujos animados, manga , a principios del siglo XIX. [13] En la década de 1930, Harry "A" Chesler comenzó un estudio de cómics, que en su apogeo llegó a emplear a 40 artistas que trabajaban para 50 editoriales diferentes que ayudaron a que el medio del cómic floreciera en "la Edad de Oro del Cómic" después de la Segunda Guerra Mundial. [14] En la era de la posguerra, los cómics japoneses modernos comenzaron a florecer cuando Osamu Tezuka produjo un prolífico cuerpo de trabajo. [15] Hacia finales del siglo XX, estas tres tradiciones convergieron en una tendencia hacia los cómics de extensión de libro: el álbum de cómics en Europa, el tankōbon [a] en Japón y la novela gráfica en los países de habla inglesa. [7]
Además de estas genealogías, los teóricos e historiadores del cómic han visto precedentes del cómic en las pinturas rupestres de Lascaux [16] en Francia (algunas de las cuales parecen ser secuencias cronológicas de imágenes), los jeroglíficos egipcios , la Columna de Trajano en Roma, [17] el Tapiz de Bayeux normando del siglo XI , [18] el grabado en madera de Bois Protat de 1370 , el Ars moriendi y los libros en bloque del siglo XV , El Juicio Final de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina, [17] y los grabados secuenciales del siglo XVIII de William Hogarth , [19] entre otros. [17] [b]
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Las publicaciones periódicas de humor ilustrado fueron populares en la Gran Bretaña del siglo XIX, la primera de las cuales fue The Glasgow Looking Glass, de corta duración , en 1825. [21] La más popular fue Punch , [22] que popularizó el término cartoon por sus caricaturas humorísticas. [23] En ocasiones, las caricaturas de estas revistas aparecían en secuencias; [22] el personaje Ally Sloper apareció en la primera tira cómica serializada cuando el personaje comenzó a aparecer en su propia revista semanal en 1884. [24]
Los cómics estadounidenses surgieron a partir de revistas como Puck , Judge y Life . El éxito de los suplementos de humor ilustrado del New York World y, posteriormente, del New York American , en particular The Yellow Kid de Outcault , condujo al desarrollo de las tiras cómicas de los periódicos. Las primeras tiras de los domingos ocupaban una página completa [25] y, a menudo, eran en color. Entre 1896 y 1901, los dibujantes experimentaron con la secuencialidad, el movimiento y los bocadillos. [26] Un ejemplo es Gustave Verbeek , que escribió su serie de cómics "The UpsideDowns of Old Man Muffaroo and Little Lady Lovekins" entre 1903 y 1905. Estos cómics se hacían de tal manera que uno podía leer el cómic de 6 paneles, pasar el libro y seguir leyendo. Hizo 64 cómics de este tipo en total. En 2012, Marcus Ivarsson realizó una nueva versión de una selección de los cómics en el libro 'In Uppåner med Lilla Lisen & Gamle Muppen'. ( ISBN 978-91-7089-524-1 )
Las tiras diarias más cortas, en blanco y negro, comenzaron a aparecer a principios del siglo XX y se establecieron en los periódicos después del éxito en 1907 de Mutt and Jeff de Bud Fisher . [27] En Gran Bretaña, Amalgamated Press estableció un estilo popular de una secuencia de imágenes con texto debajo de ellas, incluyendo Illustrated Chips y Comic Cuts . [28] Las tiras de humor predominaron al principio, y en las décadas de 1920 y 1930 las tiras con historias continuas en géneros como la aventura y el drama también se hicieron populares. [27]
En la década de 1930 aparecieron las revistas periódicas delgadas llamadas cómics , que primero reimprimían tiras cómicas de periódicos; hacia finales de la década, el contenido original comenzó a dominar. [29] El éxito en 1938 de Action Comics y su héroe principal Superman marcó el comienzo de la Edad de Oro de los cómics , en la que el género de superhéroes era prominente. [30] En el Reino Unido y la Commonwealth , Dandy (1937) y Beano (1938), creados por DC Thomson , se convirtieron en exitosos títulos basados en el humor, con una circulación combinada de más de 2 millones de copias en la década de 1950. Sus personajes, incluidos " Dennis the Menace ", " Desperate Dan " y " The Bash Street Kids ", han sido leídos por generaciones de niños británicos. [31] Los cómics experimentaron originalmente con superhéroes e historias de acción antes de decidirse por tiras humorísticas que presentaban una mezcla de los estilos de cómics de Amalgamated Press y de EE. UU. [32]
La popularidad de los cómics de superhéroes disminuyó en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, [33] mientras que las ventas de cómics continuaron aumentando a medida que proliferaban otros géneros, como el romance , el western , el crimen , el terror y el humor. [34] Después de un pico de ventas a principios de la década de 1950, el contenido de los cómics (en particular el crimen y el terror) fue sometido al escrutinio de grupos de padres y agencias gubernamentales, lo que culminó en audiencias del Senado que llevaron al establecimiento del organismo de autocensura Comics Code Authority . [35] Se ha culpado al Código de atrofiar el crecimiento de los cómics estadounidenses y mantener su bajo estatus en la sociedad estadounidense durante gran parte del resto del siglo. [36] Los superhéroes se restablecieron como el género de cómics más destacado a principios de la década de 1960. [37] El cómic underground desafió al Código y a los lectores con contenido adulto y contracultural a fines de la década de 1960 y principios de la de 1970. [38] El underground dio origen al movimiento del cómic alternativo en los años 1980 y a su contenido maduro, a menudo experimental, en géneros no relacionados con superhéroes. [39]
En Estados Unidos, los cómics han tenido una reputación de poco culto debido a sus raíces en la cultura de masas ; las élites culturales a veces veían a la cultura popular como una amenaza para la cultura y la sociedad. En la segunda mitad del siglo XX, la cultura popular ganó mayor aceptación y las líneas entre la alta y la baja cultura comenzaron a difuminarse. Sin embargo, los cómics continuaron siendo estigmatizados, ya que el medio era visto como entretenimiento para niños y analfabetos. [40]
La novela gráfica —cómics de la longitud de un libro— comenzó a ganar atención después de que Will Eisner popularizara el término con su libro Un contrato con Dios (1978). [41] El término se hizo ampliamente conocido entre el público después del éxito comercial de Maus , Watchmen y The Dark Knight Returns a mediados de la década de 1980. [42] En el siglo XXI, las novelas gráficas se establecieron en las librerías convencionales [43] y bibliotecas [44] y los webcomics se volvieron comunes. [45]
El suizo francófono Rodolphe Töpffer produjo tiras cómicas a partir de 1827, [17] y publicó teorías detrás de la forma. [46] Wilhelm Busch publicó por primera vez su Max y Moritz en 1865. [47] Las caricaturas aparecieron ampliamente en periódicos y revistas desde el siglo XIX. [48] El éxito de Zig et Puce en 1925 popularizó el uso de globos de diálogo en los cómics europeos, después de lo cual los cómics franco-belgas comenzaron a dominar. [49] Las aventuras de Tintín , con su característico estilo de línea clara , [50] se serializó por primera vez en suplementos de cómics de periódicos a partir de 1929, [51] y se convirtió en un ícono de los cómics franco-belgas. [52]
Tras el éxito de Le Journal de Mickey (fundada en 1934), [53] las revistas especializadas en cómics [54] como Spirou (fundada en 1938) y Tintín (1946-1993), y los álbumes de cómics a todo color se convirtieron en el principal medio de difusión de los cómics a mediados del siglo XX. [55] Al igual que en los EE. UU., en aquella época los cómics se consideraban infantiles y una amenaza para la cultura y la alfabetización; los comentaristas afirmaban que "ninguno resiste el más mínimo análisis serio", [c] y que los cómics eran "el sabotaje de todo arte y toda literatura". [57] [d]
En la década de 1960, el término bandes dessinées ("tiras dibujadas") se volvió ampliamente utilizado en francés para denotar el medio. [58] Los dibujantes comenzaron a crear cómics para audiencias maduras, [59] y se acuñó el término "Noveno Arte" [e] , ya que los cómics comenzaron a atraer la atención del público y académico como una forma de arte. [60] Un grupo que incluía a René Goscinny y Albert Uderzo fundó la revista Pilote en 1959 para dar a los artistas mayor libertad sobre su trabajo. Las aventuras de Astérix de Goscinny y Uderzo aparecieron en ella [61] y se convirtieron en la serie de cómics en francés más vendida. [62] A partir de 1960, el satírico y rompedor de tabúes Hara-Kiri desafió las leyes de censura en el espíritu contracultural que condujo a los eventos de mayo de 1968. [ 63]
La frustración con la censura y la interferencia editorial llevó a un grupo de dibujantes de Pilote a fundar L'Écho des savanes sólo para adultos en 1972. Los cómics experimentales y orientados a adultos florecieron en la década de 1970, como en la ciencia ficción experimental de Mœbius y otros en Métal hurlant , incluso los editores convencionales comenzaron a publicar cómics para adultos en formato de prestigio . [64]
A partir de los años 1980, la sensibilidad mainstream se reafirmó y la serialización se hizo menos común a medida que el número de revistas de cómics disminuyó y muchos cómics comenzaron a publicarse directamente como álbumes. [65] Las editoriales más pequeñas como L'Association [66] que publicaban obras más largas [67] en formatos no tradicionales [68] de creadores autoristas también se hicieron comunes. Desde los años 1990, las fusiones dieron como resultado menos editoriales grandes, mientras que las editoriales más pequeñas proliferaron. Las ventas en general continuaron creciendo a pesar de la tendencia hacia un mercado impreso en contracción. [69]
Los cómics y dibujos animados japoneses ( manga ), [g] tienen una historia que se remonta a los personajes antropomórficos del Chōjū-jinbutsu-giga de los siglos XII y XIII, los libros ilustrados toba-e y kibyōshi del siglo XVII , [73] y los grabados en madera como el ukiyo-e, que fueron populares entre los siglos XVII y XX. Los kibyōshi contenían ejemplos de imágenes secuenciales, líneas de movimiento, [74] y efectos de sonido. [75]
Las revistas ilustradas para expatriados occidentales introdujeron las caricaturas satíricas de estilo occidental en Japón a finales del siglo XIX. Nuevas publicaciones tanto en estilo occidental como japonés se hicieron populares y, a finales de la década de 1890, comenzaron a aparecer en Japón suplementos de cómics de periódicos de estilo estadounidense, [76] así como algunas tiras cómicas estadounidenses. [73] En 1900 se produjo el debut del Jiji Manga en el periódico Jiji Shinpō , el primer uso de la palabra "manga" en su sentido moderno, [72] y donde, en 1902, Rakuten Kitazawa comenzó la primera tira cómica japonesa moderna. [77] En la década de 1930, las tiras cómicas se serializaban en revistas mensuales de gran circulación para niñas y niños y se recopilaban en volúmenes de tapa dura. [78]
La era moderna de los cómics en Japón comenzó después de la Segunda Guerra Mundial, impulsada por el éxito de los cómics serializados del prolífico Osamu Tezuka [79] y la tira cómica Sazae-san . [80] Los géneros y las audiencias se diversificaron durante las décadas siguientes. Las historias suelen publicarse primero en revistas que suelen tener cientos de páginas y pueden contener más de una docena de historias; [81] luego se compilan en libros en formato tankōbon . [82] A finales del siglo XX y principios del XXI, casi una cuarta parte de todo el material impreso en Japón eran cómics. [83] Las traducciones se volvieron extremadamente populares en los mercados extranjeros, en algunos casos igualando o superando las ventas de los cómics nacionales. [84]
Las tiras cómicas son generalmente historietas cortas, de varios paneles, que, desde principios del siglo XX, han aparecido con mayor frecuencia en los periódicos. En los EE. UU., las tiras diarias normalmente han ocupado un solo nivel, mientras que las tiras dominicales han tenido varios niveles. Desde principios del siglo XX, las tiras cómicas de los periódicos diarios se han impreso generalmente en blanco y negro y las tiras cómicas de los domingos se han impreso generalmente en color y a menudo han ocupado una página completa del periódico. [85]
Los formatos de las publicaciones periódicas especializadas en cómics varían mucho en las distintas culturas. Los cómics , principalmente un formato estadounidense, son publicaciones periódicas delgadas [86] que suelen publicarse en color. [87] Los cómics europeos y japoneses suelen publicarse por entregas en revistas: mensuales o semanales en Europa [72] y, por lo general, en blanco y negro y semanales en Japón. [88] Las revistas de cómics japonesas suelen tener cientos de páginas. [89]
Los cómics de formato libro adoptan diferentes formas en diferentes culturas. Los álbumes de cómics europeos son, por lo general, volúmenes en color impresos en tamaño A4 , un tamaño de página más grande que el utilizado en muchas otras culturas. [90] [55] En los países de habla inglesa, el formato de bolsillo comercial que se origina a partir de cómics recopilados también se ha elegido para el material original. De lo contrario, los volúmenes encuadernados de cómics se denominan novelas gráficas y están disponibles en varios formatos. A pesar de incorporar el término "novela", un término normalmente asociado con la ficción, "novela gráfica" también se refiere a la no ficción y a las colecciones de obras cortas. [91] Los cómics japoneses se recopilan en volúmenes llamados tankōbon después de la serialización de revistas. [92]
Las caricaturas de humor y las caricaturas editoriales suelen constar de un único panel, que a menudo incorpora un texto o un globo de diálogo. Las definiciones de cómics que enfatizan la secuencia generalmente excluyen las caricaturas de humor, las caricaturas editoriales y otras caricaturas de un solo panel; pueden incluirse en definiciones que enfatizan la combinación de palabras e imágenes. [93] Las caricaturas de humor comenzaron a proliferar en periódicos de gran formato publicados en Europa en los siglos XVIII y XIX, y el término "caricatura" [h] se utilizó por primera vez para describirlas en 1843 en la revista de humor británica Punch . [23]
Los webcomics son cómics que están disponibles en Internet y se publicaron por primera vez en la década de 1980. Tienen la capacidad de llegar a grandes audiencias y los nuevos lectores a menudo pueden acceder a archivos de entregas anteriores. [94] Los webcomics pueden hacer uso de un lienzo infinito , lo que significa que no están limitados por el tamaño o las dimensiones de una página de cómic impresa. [95]
Algunos consideran que los guiones gráficos [96] y las novelas sin palabras son cómics. [97] Los estudios cinematográficos, especialmente en animación, suelen utilizar secuencias de imágenes como guías para las secuencias cinematográficas. Estos guiones gráficos no están pensados como un producto final y rara vez son vistos por el público. [96] Las novelas sin palabras son libros que utilizan secuencias de imágenes sin subtítulos para contar una narración. [98]
"Los cómics... a veces tienen cuatro patas y a veces tienen dos, a veces vuelan y a veces no... para emplear una metáfora tan mixta como el medio mismo, definir el cómic supone cortar un enigma con nudos gordianos envuelto en un misterio..."
R. C. Harvey , 2001 [93]
De manera similar a los problemas de definición de literatura y cine, [99] no se ha llegado a un consenso sobre una definición del medio del cómic, [100] y los intentos de definiciones y descripciones han sido víctimas de numerosas excepciones. [101] Teóricos como Töpffer, [102] RC Harvey , Will Eisner , [103] David Carrier, [104] Alain Rey, [100] y Lawrence Grove enfatizan la combinación de texto e imágenes, [105] aunque hay ejemplos destacados de cómics de pantomima a lo largo de su historia. [101] Otros críticos, como Thierry Groensteen [105] y Scott McCloud, han enfatizado la primacía de las secuencias de imágenes. [106] Hacia finales del siglo XX, los descubrimientos de las tradiciones del cómic por parte de diferentes culturas, el redescubrimiento de formas tempranas de cómic olvidadas y el surgimiento de nuevas formas hicieron que definir el cómic fuera una tarea más complicada. [107]
Los estudios europeos sobre el cómic comenzaron con las teorías de Töpffer sobre su propio trabajo en la década de 1840, que enfatizaban las transiciones entre paneles y la combinación visual-verbal. No hubo más avances hasta la década de 1970. [108] Pierre Fresnault-Deruelle adoptó entonces un enfoque semiótico para el estudio del cómic, analizando las relaciones texto-imagen, las relaciones entre imágenes a nivel de página y las discontinuidades de las imágenes, o lo que Scott McCloud más tarde denominó "cierre". [109] En 1987, Henri Vanlier introdujo el término multicadre o "multiframe", para referirse a la página del cómic como una unidad semántica. [110] En la década de 1990, teóricos como Benoît Peeters y Thierry Groensteen dirigieron su atención a las elecciones creativas poéticas de los artistas . [109] Thierry Smolderen y Harry Morgan han mantenido visiones relativistas de la definición de cómic, un medio que ha adoptado diversas formas igualmente válidas a lo largo de su historia. Morgan ve el cómic como un subconjunto de las "literaturas dibujadas " (o "literaturas dibujadas"). [107] La teoría francesa ha llegado a prestar especial atención a la página, a diferencia de las teorías estadounidenses como la de McCloud, que se centran en las transiciones de panel a panel. [110] A mediados de la década de 2000, Neil Cohn comenzó a analizar cómo se entienden los cómics utilizando herramientas de la ciencia cognitiva, yendo más allá de la teoría mediante el uso de experimentos psicológicos y neurocientíficos reales. Este trabajo ha sostenido que tanto las imágenes secuenciales como los diseños de página utilizan "gramáticas" independientes y limitadas por reglas para ser comprendidos que se extienden más allá de las transiciones de panel a panel y las distinciones categóricas de los tipos de diseños, y que la comprensión del cerebro de los cómics es similar a la comprensión de otros dominios, como el lenguaje y la música. [111]
Las narraciones históricas del manga tienden a centrarse en su historia reciente, posterior a la Segunda Guerra Mundial, o en intentos de demostrar raíces profundas en el pasado, como en el rollo ilustrado Chōjū-jinbutsu-giga de los siglos XII y XIII, o el Hokusai Manga de principios del siglo XIX . [112] La primera revisión histórica de los cómics japoneses fue Nihon Manga-Shi de Seiki Hosokibara [i] en 1924. [113] Las primeras críticas japonesas de posguerra fueron en su mayoría de naturaleza política de izquierda hasta la publicación en 1986 de Modern Manga: The Complete Picture de Tomofusa Kure , [j] que restó importancia a la política en favor de aspectos formales, como la estructura y una "gramática" de los cómics. El campo de los estudios de manga aumentó rápidamente, con numerosos libros sobre el tema que aparecieron en la década de 1990. [114] Las teorías formales del manga se han centrado en desarrollar una "teoría de la expresión del manga", [k] con énfasis en las relaciones espaciales en la estructura de las imágenes en la página, distinguiendo el medio del cine o la literatura, en los que el flujo del tiempo es el elemento organizador básico. [115] Los cursos de estudios de cómics han proliferado en las universidades japonesas, y la Sociedad Japonesa de Estudios en Dibujos Animados y Cómics (ja) [l] se estableció en 2001 para promover las becas de cómics. [116] La publicación de Manga! Manga! The World of Japanese Comics de Frederik L. Schodt en 1983 condujo a la difusión del uso de la palabra manga fuera de Japón para significar "cómics japoneses" o "cómics de estilo japonés". [117]
Coulton Waugh intentó la primera historia integral de los cómics estadounidenses con The Comics (1947). [118] Comics and Sequential Art (1985) de Will Eisner y Understanding Comics (1993) de Scott McCloud fueron los primeros intentos en inglés de formalizar el estudio de los cómics. The Aesthetics of Comics (2000) de David Carrier fue el primer tratamiento completo de los cómics desde una perspectiva filosófica. [119] Entre los intentos estadounidenses destacados de definir los cómics se incluyen los de Eisner, McCloud y Harvey. Eisner describió lo que llamó " arte secuencial " como "la disposición de imágenes y palabras para narrar una historia o dramatizar una idea"; [120] Scott McCloud definió los cómics como "imágenes pictóricas y de otro tipo yuxtapuestas en una secuencia deliberada, destinadas a transmitir información y/o producir una respuesta estética en el espectador", [121] una definición estrictamente formal que separaba a los cómics de sus adornos históricos y culturales. [122] RC Harvey definió los cómics como "narrativas pictóricas o exposiciones en las que las palabras (a menudo escritas en el área de la imagen dentro de globos de diálogo) suelen contribuir al significado de las imágenes y viceversa". [123] Cada definición ha tenido sus detractores. Harvey vio la definición de McCloud como excluyente de las caricaturas de un solo panel, [124] y se opuso a que McCloud restara importancia a los elementos verbales, insistiendo en que "la característica esencial de los cómics es la incorporación de contenido verbal". [110] Aaron Meskin vio las teorías de McCloud como un intento artificial de legitimar el lugar de los cómics en la historia del arte. [103]
El estudio transcultural de los cómics se complica por la gran diferencia en el significado y el alcance de las palabras "cómics" en diferentes idiomas. [125] El término francés para cómics, bandes dessinées ("tira dibujada") enfatiza la yuxtaposición de imágenes dibujadas como un factor definitorio, [126] lo que puede implicar la exclusión incluso de los cómics fotográficos. [127] El término manga se utiliza en japonés para indicar todas las formas de cómics, dibujos animados [128] y caricaturas. [125]
El término cómic se refiere al medio del cómic cuando se utiliza como sustantivo incontable y, por lo tanto, toma el singular: "el cómic es un medio" en lugar de "los cómics son un medio". Cuando cómic aparece como sustantivo contable, se refiere a instancias del medio, como tiras cómicas individuales o libros de historietas: "Los cómics de Tom están en el sótano". [129]
Los paneles son imágenes individuales que contienen un segmento de acción, [130] a menudo rodeados por un borde. [131] Los momentos principales de una narración se dividen en paneles a través de un proceso llamado encapsulación. [132] El lector junta las piezas a través del proceso de cierre utilizando el conocimiento previo y una comprensión de las relaciones entre paneles para combinar los paneles mentalmente en eventos. [133] El tamaño, la forma y la disposición de los paneles afectan el tiempo y el ritmo de la narración. [134] El contenido de un panel puede ser asincrónico, y los eventos representados en la misma imagen no necesariamente ocurren al mismo tiempo. [135]
El texto se incorpora frecuentemente a los cómics a través de globos de diálogo , subtítulos y efectos de sonido. Los globos de diálogo indican diálogo (o pensamiento, en el caso de los globos de pensamiento ), con colas que apuntan a sus respectivos hablantes. [136] Los subtítulos pueden dar voz a un narrador, transmitir el diálogo o los pensamientos de los personajes, [137] o indicar lugar o tiempo. [138] Los globos de diálogo en sí mismos están fuertemente asociados con los cómics, de modo que la adición de uno a una imagen es suficiente para convertir la imagen en cómic. [139] Los efectos de sonido imitan los sonidos no vocales textualmente usando palabras sonoras onomatopéyicas . [140]
La caricatura es el tipo de dibujo que se utiliza con más frecuencia para hacer cómics, tradicionalmente utilizando tinta (especialmente tinta china ) con plumillas o pinceles de tinta; [141] los medios mixtos y la tecnología digital se han vuelto comunes. A menudo se emplean técnicas de dibujo como líneas de movimiento [142] y símbolos abstractos. [143]
Aunque los cómics suelen ser obra de un único creador, el trabajo de realizarlos se divide con frecuencia entre varios especialistas. Puede haber escritores y artistas separados , y los artistas pueden especializarse en partes de la obra de arte, como personajes o fondos, como es común en Japón. [144] Particularmente en los cómics de superhéroes estadounidenses, [145] el arte puede dividirse entre un dibujante , que diseña la obra de arte a lápiz; [146] un entintador , que termina la obra de arte con tinta; [147] un colorista ; [148] y un rotulista , que agrega los subtítulos y los globos de diálogo. [149]
El término en inglés comics deriva del trabajo humorístico (o "comic") que predominaba en las primeras tiras cómicas de los periódicos estadounidenses, pero el uso del término se ha vuelto estándar también para obras no humorísticas. La ortografía alternativa comix , acuñada por el movimiento del cómic underground , se utiliza a veces para abordar tales ambigüedades. [150] El término "comic book" tiene una historia igualmente confusa, ya que la mayoría de las veces no son humorísticos y son publicaciones periódicas, no libros normales. [151] Es común en inglés referirse a los cómics de diferentes culturas por los términos utilizados en sus idiomas, como manga para los cómics japoneses o bandes dessinées para los cómics franco-belgas en idioma francés . [152]
Muchas culturas han tomado su palabra para cómics del inglés, incluyendo el ruso ( комикс , komiks ) [153] y el alemán ( Comic ). [154] De manera similar, el término chino manhua [155] y el coreano manhwa [156] derivan de los caracteres chinos con los que se escribe el término japonés manga . [157]
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