El arte público es arte en cualquier medio cuya forma, función y significado se crean para el público en general a través de un proceso público. Es un género artístico específico [1] con su propio discurso profesional y crítico. El arte público es visual y físicamente accesible al público; Se instala en el espacio público tanto en entornos exteriores como interiores. El arte público busca encarnar conceptos públicos o universales en lugar de conceptos o intereses comerciales, partidistas o personales. [2] En particular, el arte público es también el producto directo o indirecto de un proceso público de creación, adquisición y/o mantenimiento. [3] [4] [5] [6]
El arte independiente creado o representado en el ámbito público o cerca de él (por ejemplo, graffiti , arte callejero ) carece de sanción pública oficial o tangible y no ha sido reconocido como parte del género de arte público, [7] sin embargo, esta actitud está cambiando debido a los esfuerzos de varios artistas callejeros. [8] [9] Estas obras de arte no oficiales pueden existir en propiedad pública o privada inmediatamente adyacente al ámbito público, o en entornos naturales pero, por muy ubicuas que sean, [10] [11] a veces quedan fuera de la definición de arte público por su ausencia. de proceso público o sanción pública como arte público "de buena fe". [12]
Las características comunes del arte público son la accesibilidad pública, la ubicación en el ámbito público, la participación de la comunidad, el proceso público (incluida la financiación pública); Estas obras pueden ser permanentes o temporales. Según la curadora e historiadora del arte y la arquitectura, Mary Jane Jacob , el arte público acerca el arte a la vida. [13]
El arte público es accesible al público, tanto física como visualmente. [13] [14] Cuando el arte público se instala en propiedad privada, los derechos de acceso público general todavía existen. [15]
El arte público se caracteriza por la especificidad del sitio , donde la obra de arte se "crea en respuesta al lugar y la comunidad en la que reside" [6] y por la relación entre su contenido y el público. [16] Cher Krause Knight afirma que "la publicidad del arte descansa en la calidad y el impacto de su intercambio con las audiencias... en su forma más pública, el arte extiende oportunidades para la participación de la comunidad pero no puede exigir una conclusión particular", introduce ideas sociales pero deja espacio. para que el público llegue a sus propias conclusiones [16] .
El arte público a menudo se caracteriza por la participación y colaboración de la comunidad. [13] [4] [16] Los artistas y organizaciones públicas a menudo trabajan en conjunto con arquitectos, fabricantes/trabajadores de la construcción, residentes y líderes de la comunidad, diseñadores, organizaciones de financiación y otros. [17]
El arte público a menudo se crea y ofrece dentro de programas formales de "arte en lugares públicos" que pueden incluir educación artística comunitaria y espectáculos artísticos. [17] Dichos programas pueden ser financiados por entidades gubernamentales a través de iniciativas de Percent for Art . [13] [18]
Parte del arte público está planificado y diseñado para lograr estabilidad y permanencia. [5] Su colocación o exposición al ámbito público físico requiere materiales seguros y duraderos. Las obras de arte públicas están diseñadas para resistir los elementos (sol, viento, agua) así como la actividad humana. En los Estados Unidos, a diferencia de las obras de arte de galerías, estudios o museos, que pueden transferirse o venderse, el arte público está protegido legalmente por la Ley de Derechos de Artistas Visuales de 1990 (VARA), que requiere un proceso oficial de baja para su venta o eliminación. [4]
Las siguientes formas de arte público identifican hasta qué punto el arte público puede integrarse físicamente con el contexto o entorno inmediato. Estas formas, que pueden superponerse, emplean diferentes tipos de arte público que se adaptan a una forma particular de integración ambiental. [13] [19]
En la década de 1930, la producción del simbolismo nacional implícito en los monumentos del siglo XIX comenzó a ser regulada por programas nacionales de largo plazo con objetivos propagandísticos ( Federal Art Project , Estados Unidos; Oficina Cultural, Unión Soviética). Programas como el New Deal del presidente Roosevelt facilitaron el desarrollo del arte público durante la Gran Depresión , pero tuvieron objetivos propagandísticos. Los programas artísticos del New Deal tenían como objetivo desarrollar el orgullo nacional por la cultura estadounidense y al mismo tiempo evitar abordar la tambaleante economía. [16] Aunque problemáticos, los programas artísticos del New Deal como el FAP alteraron la relación entre el artista y la sociedad al hacer que el arte fuera accesible a todas las personas. [16] El programa Art-in-Architecture (AiA) del New Deal desarrolló un porcentaje para programas de arte, una estructura para financiar el arte público que todavía se utiliza en la actualidad. Este programa asignó la mitad del uno por ciento de los costos totales de construcción de todos los edificios gubernamentales a la compra de arte estadounidense contemporáneo para ellos. [16] AiA ayudó a solidificar la política de que el arte público en los Estados Unidos debería ser verdaderamente propiedad del público. También promovió el arte público específico del sitio. [dieciséis]
El enfoque del arte público cambió radicalmente durante la década de 1970, tras las reivindicaciones del movimiento de derechos civiles sobre el espacio público, la alianza entre los programas de regeneración urbana y los esfuerzos artísticos a finales de la década de 1960, y las ideas revisadas de la escultura. [23] El arte público adquirió un estatus más allá de la mera decoración y visualización de historias nacionales oficiales en el espacio público. El arte público se volvió mucho más sobre el público. [16] Esta perspectiva se vio reforzada en la década de 1970 por políticas culturales urbanas, por ejemplo, el Fondo de Arte Público con sede en Nueva York y los programas urbanos o regionales de Porcentaje para el Arte en Estados Unidos y Europa. Además, el discurso del arte público pasó del nivel nacional al local, en consonancia con la tendencia site-specific y la crítica de los espacios institucionales de exhibición que emergen en las prácticas del arte contemporáneo.
Entre los años 1970 y 1980, la gentrificación y las cuestiones ecológicas surgieron en la práctica del arte público tanto como motivo de encargo como como enfoque crítico por parte de los artistas. El elemento de retiro individual y romántico implícito en la estructura conceptual del land art , y su voluntad de reconectar el entorno urbano con la naturaleza, se convierte en una reivindicación política en proyectos como Wheatfield – A Confrontation (1982) de la artista estadounidense Agnes Denes , como así como en 7000 Oaks (1982) de Joseph Beuys . Ambos proyectos se centran en el aumento de la conciencia ecológica a través de un proceso de diseño urbano verde, lo que llevó a Denes a plantar un campo de trigo de dos acres en el centro de Manhattan y a Beuys a plantar 7000 robles junto con bloques de basalto en Kassel, Alemania, en un jardín de guerrilla o comunitario. moda. En los últimos años, los programas de regeneración urbana verde destinados a convertir lotes abandonados en áreas verdes incluyen regularmente programas de arte público. Este es el caso de High Line Art, 2009, un programa de encargo para el High Line , derivado de la conversión de un tramo de vía férrea en la ciudad de Nueva York ; y de Gleisdreieck , 2012, un parque urbano derivado de la reconversión parcial de una estación de ferrocarril de Berlín que acoge, desde 2012, una exposición de arte contemporáneo al aire libre.
La década de 1980 también fue testigo de la institucionalización de los parques de esculturas como programas curados. Mientras que las primeras exposiciones y colecciones de esculturas al aire libre, públicas y privadas, datan de la década de 1930 [24] tenían como objetivo crear un entorno apropiado para formas escultóricas a gran escala difíciles de mostrar en las galerías de los museos, instalaciones como Noguchi's Garden en Queens , Nueva York (1985) reflejan la necesidad de una relación permanente entre la obra de arte y su sitio.
Esta relación también se desarrolla en el proyecto de Donald Judd para la Fundación Chinati (1986) en Texas, que aboga por el carácter permanente de las instalaciones a gran escala cuya fragilidad puede quedar destruida al reubicar la obra.
.jpg/1280px-The_Gangsta_Gardener,_Ron_Finley,_August_17-20_2018_(43425965344).jpg)
El arte público se enfrenta a un desafío de diseño por su propia naturaleza: cuál es la mejor manera de activar las imágenes de su entorno. El concepto de “ sostenibilidad ” surge como respuesta a las deficiencias ambientales percibidas de una ciudad. El desarrollo sostenible , impulsado por las Naciones Unidas desde la década de 1980, incluye aspectos económicos, sociales y ecológicos. Una obra de arte público sostenible incluiría planes de regeneración y desmantelamiento urbano. La sostenibilidad ha sido ampliamente adoptada en muchos proyectos de ingeniería y planificación ambiental. El arte sostenible es un desafío para responder a las necesidades de un espacio de apertura en lo público.
En otra obra de arte pública titulada "Misión leopardo" [25] se encargó en 2016 en Haryana, India, entre el remoto terreno caducifolio de la aldea de Tikli, un equipo coordinado por el artista Hunny Mor pintó dos leopardos posados en ramas en un tanque de agua de 115 pies de altura. . La campaña tenía como objetivo concienciar sobre la convivencia y la conservación del medio ambiente. La obra de arte se puede ver desde varios kilómetros de distancia en todas direcciones.
El trabajo de Ron Finley como Gangsta Gardener (o Guerrilla Gardener) del centro sur de Los Ángeles es un ejemplo de un artista cuyas obras constituyen obras de arte público temporales en forma de huertos públicos que abordan la sostenibilidad, la seguridad alimentaria y la justicia alimentaria . [26] [27] [28]
Andrea Zittel ha producido obras, como Indianápolis Island , que hacen referencia a la sostenibilidad y la permacultura con las que los participantes pueden participar activamente. [29] [30]
Parte del arte público está diseñado para fomentar la interacción práctica directa. Los ejemplos incluyen arte público que contiene componentes interactivos musicales, de luz, de vídeo o de agua. Por ejemplo, la pieza arquitectónica central frente al Centro de Ciencias de Ontario es una fuente y un instrumento musical ( hidraulófono ) de Steve Mann donde las personas pueden producir sonidos bloqueando chorros de agua para forzar el agua a través de mecanismos productores de sonido. Una de las primeras e inusuales obras de arte públicas interactivas fue el Siglo de Luz de 1980 de Jim Pallas en Detroit, Michigan [31] de un gran mandala de luces al aire libre que reaccionaba de maneras complejas a los sonidos y movimientos detectados por el radar (destruido por error 25 años después [32 ] ). Otro ejemplo son las dos obras de Rebecca Hackemann, The Public Utteraton Machines de 2015 y The Urban Field Glass Project / Visionary Sightseeing Binoculars 2 008, 20013, 2021, 2022. The Public Utteraton Machines registra las opiniones de la gente sobre otro arte público en Nueva York, como Jeff Split Rocker de Koon y muestra respuestas en línea.
En la década de 1990, algunos artistas pidieron una intervención social artística en el espacio público. Estos esfuerzos emplearon el término "arte público de nuevo género" además de los términos "arte contextual", " arte relacional ", " arte participativo ", "arte de diálogo", " arte comunitario " y "arte activista". Suzanne Lacy define el "arte público de nuevo género" como "arte interactivo y socialmente comprometido para audiencias diversas con conexiones con la política de identidad y el activismo social". [16] El Fundred Dollar Bill Project de Mel Chin es un ejemplo de un proyecto de arte público interactivo y activista social. [33] En lugar de reflejar metafóricamente cuestiones sociales, el nuevo género de arte público se esforzó por empoderar explícitamente a los grupos marginados manteniendo al mismo tiempo el atractivo estético. [16] [34] Un ejemplo fue la exposición de arte público de 1993 de la curadora Mary Jane Jacob " Cultura en acción ", que investigó los sistemas sociales a través del compromiso con audiencias que normalmente no visitaban los museos de arte tradicionales. [dieciséis]
En el siglo XXI, el arte público ha sido a menudo un componente importante de los proyectos de ámbito público en ciudades y pueblos del Reino Unido, a menudo a través del compromiso con los residentes locales donde los artistas trabajarán con la comunidad para desarrollar una idea o buscar contenido que se presentará en la obra de arte. Los ejemplos incluirían 'Come Follow Me' de Adrian Riley en Minster en Lincolnshire , donde una obra de arte de texto de 35 m de largo en la plaza pública fuera de la Catedral de la ciudad incluye las propias historias de los residentes locales junto con la historia cívica oficial y el mito del origen de la ciudad. [35]
El término "arte público curado" se utiliza para definir la forma de producir arte público que tiene en cuenta significativamente el contexto, el proceso y los diferentes actores involucrados. Se define de manera ligeramente diferente a los enfoques descendentes de puesta en servicio directa. [ cita necesaria ]
Si designa principalmente el hecho de que un curador dirige y supervisa la realización de una obra de arte público para un tercero, también puede significar que la obra de arte es producida por una comunidad o un público que encarga una obra en colaboración con un curador-mediador. .
Para el primero, el Public Art Fund [36] creado por Doris C. Freedman en 1977 estableció ejemplos significativos de estas maneras prospectivas de encargar proyectos artísticos , con un nuevo enfoque en la forma en que se utilizaba el porcentaje para arte , o el fondos de arte público de Ginebra con el proyecto Neon Parallax que involucra un entorno urbano muy grande en 2005.
Para el segundo podemos referirnos a Les Nouveaux Commanditaires [37] lanzados por la Fundación de Francia con François Hers en 1990 con la idea de que un proyecto pueda responder al deseo de una comunidad. El High Line de Nueva York de 2009 es un buen ejemplo, aunque implica menos arte. El proyecto doual'art en Douala ( Camerún , 1991) se basa en un sistema de encargos que reúne a la comunidad, el artista y la institución encargada de la realización del proyecto. [ cita necesaria ]
Los monumentos conmemorativos de individuos, grupos de personas o eventos a veces se representan a través del arte público. Algunos ejemplos son el Monumento a la Guerra de Vietnam de Maya Lin en Washington DC, el Monumento al SIDA de Tim Tate en Nueva Orleans y el Cenotafio de Kenzō Tange para las víctimas de la bomba atómica en el Parque Conmemorativo de la Paz de Hiroshima en Japón. [38]
El arte público es a veces controvertido. Las siguientes controversias sobre el arte público han sido notables:
Las bases de datos en línea de arte público local y regional surgieron en las décadas de 1990 y 2000, junto con el desarrollo de datos basados en la web. Las bases de datos de arte público en línea pueden ser generales o selectivas (limitadas a esculturas o murales) y pueden ser gubernamentales, cuasi gubernamentales o independientes. Algunas bases de datos en línea, como Archives of American Art Museum del Smithsonian American Art Museum . Actualmente cuenta con más de seis mil obras en su base de datos. [42]
Hay docenas de organizaciones no gubernamentales e instituciones educativas que mantienen bases de datos en línea de arte público que cubren numerosas áreas, incluido el Fondo Nacional de las Artes , WESTAF , Public Art Fund , Creative Time y otros. [43] Public Art Online mantiene una base de datos de obras de arte público, ensayos y estudios de casos, centrándose en el Reino Unido. [44] El Instituto de Arte Público, con sede en el Reino Unido, mantiene información sobre el arte público en seis continentes. [45]
El proyecto de arte público WikiProject comenzó en 2009 y se esforzó por documentar el arte público en todo el mundo. Si bien este proyecto recibió atención inicial de la comunidad académica, se basó principalmente en contribuciones temporales de estudiantes. [46] Actualmente se desconoce su estado.
{{cite news}}: Mantenimiento CS1: URL no apta ( enlace )