El arte participativo es un enfoque para hacer arte que involucra la participación del público en el proceso creativo, permitiéndoles convertirse en coautores, editores y observadores de la obra. Este tipo de arte está incompleto sin la interacción física de los espectadores. Pretende desafiar la forma dominante de hacer arte en Occidente, en la que una pequeña clase de artistas profesionales hacen arte mientras el público asume el papel de observador pasivo o consumidor, es decir, compra el trabajo de los profesionales en el mercado. Las obras elogiadas de defensores que popularizaron el arte participativo incluyen a Augusto Boal en su Teatro del oprimido , así como a Allan Kaprow en sus sucesos .
Uno de los primeros usos del término aparece en la reseña del fotógrafo Richard Ross para la revista del Instituto de Arte Contemporáneo de Los Ángeles de la exposición "Downtown Los Angeles Artists", organizada por el Foro de Arte Contemporáneo de Santa Bárbara en 1980. Describe obras in situ Por Jon Peterson , Maura Sheehan y Judith Simonian colocados de forma anónima en Santa Bárbara, Ross escribió: "Estos artistas tienen la responsabilidad ante la comunidad. Su arte es participativo". [1]
El arte participativo requiere que el artista no esté presente o que de alguna manera pueda retroceder lo suficiente como para igualarse a los participantes. Ésta es la única manera en que a los participantes se les pueda ofrecer la agencia de la creación; sin este detalle, los participantes siempre responderán dentro del dominio de autoridad del artista; quedarán subyugados de esta manera y el trabajo dejará de ser participativo. Este detalle es de vital importancia para afirmar la participación como una forma en sí misma y la diferencia efectivamente del arte interactivo, basado en la comunidad y del arte socialmente comprometido. [2] Cualquiera de estas técnicas puede incluir la presencia del artista, ya que no incidirá de la misma manera en el resultado de la obra.
Hay varios grados de participación, desde la manipulación nominal de un objeto como las esculturas portátiles de Lygia Clark hasta la entrega del cuerpo del artista a los caprichos del público en la performance Rhythm 0 de 1974 de Marina Abramović . La teórica de los nuevos medios Beryl Graham ha comparado los distintos grados de participación en las artes con los ocho peldaños del poder descritos en la "Escalera de la participación ciudadana" de Sherry Arnstein , que van desde la manipulación hasta la consultoría simbólica y el control ciudadano total. [3]
En la edición Otoño/Invierno de la revista Oregon Humanities, el escritor Eric Gold describe "una tradición artística llamada ' práctica social ', que se refiere a obras de arte en las que el artista, el público y sus interacciones entre sí son el medio. El pintor utiliza pigmentos y lienzos, y el escultor, madera o metal, el artista de práctica social a menudo crea un escenario en el que se invita al público a participar. Aunque los resultados pueden documentarse con fotografía, vídeo o cualquier otro medio, la obra de arte son en realidad las interacciones. que surgen del compromiso del público con el artista y la situación".
El arte participativo o interactivo crea una colaboración dinámica entre el artista, el público y su entorno. El arte participativo no es sólo algo que te quedas quieto y miras en silencio: es algo en lo que participas. Lo tocas, lo hueles, escribes en él, hablas con él, bailas con él, juegas con él, aprendes de él. Tú lo co-creas.
Hay muchos ejemplos de artistas que realizan proyectos interactivos, socialmente comprometidos o comunitarios. El problema que estos plantean surge cuando cada uno de ellos se usa indistintamente con el término "arte participativo". Es tentador, pero erróneo, utilizar el término de esta manera porque el arte participativo es una forma en sí mismo, mientras que otros tipos de arte que interactúan con el público (práctica social, arte socialmente comprometido, arte comunitario, etc.) son su subtipos. Si bien puede parecer paradójico, es esencial comprender que el hecho de que una obra de arte interactúe con el público no la convierte en participativa. Es importante señalar que ha habido cierta ofuscación nominal del arte participativo, lo que ha impedido su apreciación como una forma distinta. Es muy probable que esto haya ocurrido simultáneamente con el desarrollo del término Estética Relacional por Bourriaud a finales de los años 1990. Algunas otras técnicas de creación de arte, como el 'arte comunitario' , el ' arte interactivo ' o el ' arte socialmente comprometido ' han sido (mal) etiquetadas como arte participativo, simplemente porque las sutilezas de la distinción no siempre se entienden o se entienden claramente. preocuparse por. Muchas formas de cultura popular y medios de comunicación más allá del arte visual se han vuelto cada vez más participativos con el auge de Internet y las redes sociales., que permiten a los usuarios "participar" a distancia. Se nos hace creer que esto es "participativo", pero como sabemos, interactuar con las plataformas de redes sociales (participar) en realidad es contribuir con trabajo gratuito. Este tipo de "participación" no tiene nada que ver con el arte, pero sí refleja el problema central de la denominación en esta área de la creación artística. La participación puede utilizarse como término general para los diversos tipos de interfaz que las obras de arte han creado con el público. Por ejemplo, 100 personas trabajando directamente con un artista para hacer arte en un museo es completamente diferente a un proyecto de artista ubicado en un centro comunitario local en una zona empobrecida de una ciudad. Podemos decir que ambos necesariamente incluyen involucrar al público, pero es importante que no se los confunda con el arte participativo simplemente porque, por un lado, los resultados de cada uno son completamente diferentes, y así es como se pretende que lo sean (donde el primero está entrelazado). en y permanece en el enrarecido mundo del arte, mientras que este último sólo tiene verdadero valor público en su entorno original) mientras que, por el otro, compromiso no es participación. Como vemos en este ejemplo, los subtipos del arte participativo son reconocibles por sus nombres, pero no todos son iguales. Se puede ver una mayor complejidad en el hecho de que el arte participativo puede ser en sí mismo una forma. Se distingue de sus subtipos por la ausencia del autor. Este es el factor más importante para definir qué es arte verdaderamente participativo porque cuando el autor no está presente o no es conocido, el participante adquiere una verdadera agencia y participa plenamente. En cualquiera de las subformas (arte socialmente comprometido, arte comunitario, etc.), los participantes son, en el mejor de los casos, colaboradores y, en el peor, medios humanos. En cualquier caso, todos los "participantes" quedan subyugados por la presencia física del artista, negándoles autonomía.
Janet Cardiff ha creado varios recorridos de audio que los usuarios experimentan recorriendo rutas específicas del sitio y escuchando paisajes sonoros compuestos por el artista.
Figment es una muestra anual de arte participativo en la ciudad de Nueva York.
Antony Gormley ha involucrado al público en la creación de varias obras, en particular One & Other, que invitó a cientos de participantes a ocupar el pedestal vacío en Trafalgar Square y actuar o contribuir de otra manera a la obra.
Carsten Höller ha creado instalaciones interactivas como Test Site (2006), que invita a los participantes a jugar en toboganes gigantes instalados en la Tate Modern .
Allan Kaprow fue pionero en el campo del arte participativo con sus eventos Happening organizados en la ciudad de Nueva York de los años 60, que utilizaban instalaciones físicas e indicaciones para facilitar experiencias estéticas a los participantes.
Learning to Love you More (2002-2009) fue una obra de arte en Internet de Miranda July y Harrell Fletcher que invitaba a los participantes a enviar respuestas a indicaciones escritas y mostraba un archivo de las obras de arte conceptual resultantes .
Adrian Piper dirigió una serie de eventos titulados Funk Lessons (1982-1984) que combinaban fiestas de baile participativas con conversaciones y conferencias sobre la cultura afroamericana.
El arte popular y tribal puede considerarse un predecesor o modelo del "arte participativo" contemporáneo en el sentido de que muchos o todos los miembros de la sociedad participan en la creación del "arte". Sin embargo, la cuestión ideológica del uso surge en este punto porque el arte hecho en las instituciones del arte ya es, por defecto, parte del mundo del arte y, por lo tanto, su uso percibido es completamente diferente de cualquier práctica ritual o tradicional expresada por grupos populares o tribales. . Como escribió el etnomusicólogo Bruno Nettl, el grupo tribal "no tiene especialización ni profesionalización; su división del trabajo depende casi exclusivamente del sexo y ocasionalmente de la edad, y sólo en raras ocasiones ciertos individuos dominan alguna técnica en un grado distintivo... lo mismo Las canciones son conocidas por todos los miembros del grupo y hay poca especialización en composición, interpretación o fabricación de instrumentos”. [4]