Jeffrey Lynn Koons ( nacido el 21 de enero de 1955) [ 1] es un artista estadounidense reconocido por su trabajo sobre la cultura popular y sus esculturas que representan objetos cotidianos, incluidos animales con globos producidos en acero inoxidable con superficies con acabado de espejo . Vive y trabaja tanto en la ciudad de Nueva York como en su ciudad natal de York , Pensilvania. Sus obras se han vendido por sumas sustanciales, incluidos al menos dos precios récord en subastas para una obra de un artista vivo : 58,4 millones de dólares por Balloon Dog (Orange) en 2013 [2] y 91,1 millones de dólares por Rabbit en 2019. [3] [4]
Los críticos están profundamente divididos en sus opiniones sobre Koons. Algunos consideran que su obra es pionera y de gran importancia histórica para el arte. Otros la rechazan por considerarla kitsch , grosera y basada en una cínica autopromoción. Koons ha declarado que no hay significados ocultos ni críticas en sus obras. [5] [6]
Koons nació en York, Pensilvania , hijo de Henry Koons y Nancy Loomis. Su padre [7] era comerciante de muebles y decorador de interiores. Su madre era costurera. [8] Cuando tenía nueve años, su padre colocaba pinturas de viejos maestros que Koons copiaba y firmaba en la ventana de su tienda en un intento de atraer visitantes. [9] De niño iba de puerta en puerta después de la escuela vendiendo papel para envolver regalos y dulces para ganar dinero de bolsillo. [10] De adolescente veneraba tanto a Salvador Dalí que lo visitaba en el Hotel St. Regis en la ciudad de Nueva York . [11]
Koons estudió pintura en el Maryland Institute College of Art en Baltimore y en la School of the Art Institute of Chicago . [12] Mientras era estudiante en el Art Institute, Koons conoció al artista Ed Paschke , quien se convirtió en una gran influencia y para quien Koons trabajó como asistente de estudio a fines de la década de 1970. [13] Vivió en Lakeview , y luego en el vecindario de Pilsen en Halsted Street y 19th Street. [14]
Después de la universidad, Koons se mudó a Nueva York en 1977 [15] y trabajó en el mostrador de membresía del Museo de Arte Moderno [16] mientras se establecía como artista. Durante este tiempo, se tiñó el cabello de rojo y a menudo usaba un bigote de lápiz, al estilo de Salvador Dalí. [15] En 1980, obtuvo la licencia para vender fondos mutuos y acciones y comenzó a trabajar como corredor de materias primas de Wall Street en First Investors Corporation. Después de un verano con sus padres en Sarasota , Florida, donde trabajó brevemente como activista político , Koons regresó a Nueva York y encontró una nueva carrera como corredor de materias primas, primero en Clayton Brokerage Company y luego en Smith Barney . [15]
Tras graduarse en el Art Institute de Chicago en 1976, Koons se trasladó a Nueva York. Allí, dejó de crear representaciones de sus fantasías personales y comenzó a explorar el arte objetivo, el comercio y la política. [17] Saltó a la fama a mediados de los años 1980 como parte de una generación de artistas que exploraron el significado del arte en una era recién saturada de medios con su serie Pre-new The New. [18] [17] Con el reconocimiento llegó el establecimiento de un estudio tipo fábrica ubicado en un loft en la esquina de Houston Street y Broadway en Nueva York en SoHo . Contaba con más de 30 asistentes, cada uno asignado a un aspecto diferente de la producción de su obra, en un modo similar a la Factory de Andy Warhol . La obra de Koons se produce utilizando un método conocido como fabricación artística . [19] Hasta 2019, Koons tenía una fábrica-estudio de 1.500 m2 ( 16.000 pies cuadrados) cerca de los antiguos patios ferroviarios de Hudson [20] en Chelsea, donde empleaba de 90 a 120 [20] asistentes para producir su obra. [8] Más recientemente, Koons ha reducido su personal y ha pasado a formas de producción más automatizadas y se ha trasladado a un espacio de estudio mucho más pequeño. [21] Ahora utiliza tecnología para crear sus referencias artísticas en ordenadores y las corrige de color hasta que está satisfecho con los resultados. [22] Para garantizar la coherencia, Koons implementó un sistema de color por números , de modo que cada uno de sus asistentes [23] pudiera ejecutar sus lienzos y esculturas como si hubieran sido realizados "por una sola mano". [7] A lo largo de su carrera, ha explorado constantemente temas como el comportamiento consumista , la seducción, la banalidad y la infancia, entre otros. [24]
Jeff Koons comenzó a experimentar con el uso de objetos ya hechos y modos de exhibición en su apartamento en 1976. Su fascinación por el extravagante mundo de los bienes de lujo y sus contrapartes más asequibles lo llevó a coleccionar artículos como juguetes, acabados metálicos, piel de leopardo y porcelana. [17] Entre 1977 y 1979, Koons produjo cuatro obras de arte independientes, a las que más tarde se refirió como Early Works. En 1978 comenzó a trabajar en su serie Inflables , que consta de flores inflables y un conejo de varias alturas y colores, colocados junto a espejos. [25] Koons se inspiró en el énfasis de Robert Smithson en la exhibición y conectó su trabajo con las exhibiciones de la tienda de muebles de su padre. Documentó su trabajo a través de la fotografía, utilizándola como un medio para explorar diferentes técnicas de instalación. [17]
Desde 1979, Koons ha producido trabajos dentro de series. [26] Sus primeros trabajos fueron en forma de escultura conceptual, un ejemplo de lo cual es The Pre-New , una serie de objetos domésticos unidos a artefactos de iluminación, lo que resultó en configuraciones nuevas y extrañas. Otro ejemplo es The New , una serie de aspiradoras , a menudo seleccionadas por nombres de marcas que atrajeron al artista como la icónica Hoover , que había montado en cajas de Perspex iluminadas . Koons exhibió por primera vez estas piezas en la ventana del New Museum de Nueva York en 1980. Eligió una combinación limitada de aspiradoras y las dispuso en gabinetes en consecuencia, yuxtaponiendo la verticalidad de las aspiradoras verticales con los cilindros achaparrados de las aspiradoras "Shelton Wet/Dry drum". En el museo, las máquinas se exhibieron como si estuvieran en una sala de exposición , y se orientaron alrededor de una caja de luz fluorescente roja central con solo las palabras "The New" escritas en ella como si estuvieran anunciando algún nuevo concepto o marca de marketing. [27] Se exhibieron nuevamente en una importante muestra individual en Jeff Koons: The New Encased Works en la galería Daniel Weinberg en 1987. [28]
Otro ejemplo de los primeros trabajos de Koons es The Equilibrium Series (1983), que consiste en una a tres pelotas de baloncesto flotando en agua destilada , un proyecto que el artista había investigado con la ayuda del físico ganador del Premio Nobel Richard Feynman . [7] Los Total Equilibrium Tanks están completamente llenos de agua destilada y una pequeña cantidad de sal común, para ayudar a que las bolas huecas permanezcan suspendidas en el centro del líquido. En una segunda versión, los 50/50 Tanks , solo la mitad del tanque está lleno de agua destilada, con el resultado de que las bolas flotan la mitad dentro y la otra mitad fuera del agua. [29] Además, Koons concibió y fabricó cinco obras únicas para la serie Encased (1983-1993/98), esculturas que consisten en pelotas deportivas apiladas (cuatro filas de seis pelotas de baloncesto cada una y una fila de seis pelotas de fútbol) con su embalaje de cartón original en una vitrina de vidrio. [30] También forman parte de la serie Equilibrium carteles con estrellas del baloncesto en anuncios de Nike y 10 objetos de bronce que representan equipos salvavidas.
En 1986, Jeff Koons presentó la serie Statuary, que incluía diez piezas que reinventaban su serie inflable anterior de la década de 1970. La serie tenía como objetivo ilustrar cómo el arte a menudo refleja la autopercepción y evoluciona hacia una expresión decorativa al presentar una vista panorámica de la sociedad. Las esculturas se inspiraron en figuras históricas como Luis XIV y Bob Hope , así como en otros temas y fuentes de la historia del arte. A través de Statuary, Koons redirigió su enfoque artístico hacia el concepto de gusto artístico y el papel social del arte. [31] [17] Incorporó algunos objetos prefabricados, incluido el conejo inflable, y los transformó en piezas de acero inoxidable muy pulidas. Esto condujo a la creación de una de sus obras más icónicas, Rabbit (1986). [17]
Existen tres versiones idénticas de Rabbit . Una versión anteriormente formaba parte de la colección personal del coleccionista de arte Stefan Edlis , pero ahora se encuentra como obsequio en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago y otra en el Museo Broad de Los Ángeles. [32] El 15 de mayo de 2019, Jeff Koons estableció un récord para la pieza más cara vendida por un artista vivo , por la venta de "Rabbit". La tercera versión de la pieza se vendió en la casa de subastas Christie's por 80 millones de dólares estadounidenses, lo que, después de incluir los honorarios del subastador, el precio de venta final de "Rabbit" fue de 91 075 000 dólares estadounidenses. [3] [4]
Desde entonces, el conejo ha vuelto a su forma blanda original y, con más de 15 metros de altura, ha volado por los aires. El 15 de octubre de 2009, el conejo gigante de color metálico monocromático utilizado durante el desfile del Día de Acción de Gracias de Macy's de 2007 [33] se exhibió para la Nuit Blanche en el Eaton Centre de Toronto. [34] Los demás objetos de la serie combinan objetos que Koons encontró en tiendas de recuerdos e imágenes barrocas, jugando así con la distinción entre el arte popular y el arte culto. [35]
La serie Lujo y Degradación, que se mostró por primera vez en las exposiciones homónimas de Koons en la efímera International With Monument Gallery de Nueva York y en la Daniel Weinberg Gallery de Los Ángeles en 1986, es un grupo de obras centradas temáticamente en el alcohol . [36] Este grupo incluía un mueble bar de acero inoxidable para viajes, un decantador de cristal de Baccarat y otras reproducciones hechas a mano de parafernalia relacionada con el alcohol, así como anuncios reimpresos y enmarcados de bebidas como Gordon's Gin ("I Could Go for Something Gordon's"), Hennessy ("Hennessy, The Civilized Way to Lay Down the Law"), Bacardi ("Aquí... el gran sabor del ron Bacardi"), Dewars ("The Empire State of Scotch"), Martell ("I Assume You Drink Martell") y Frangelico ("Stay in Tonight" y "Find a Quiet Table") [37] en colores seductoramente intensificados sobre lienzo [8] Koons se apropió de estos anuncios y los revalorizó recontextualizándolos en obras de arte. "Ofrecen una crítica de la publicidad tradicional que apoya la visión censuradora de Baudrillard de la obscena promiscuidad de los carteles para el consumidor". [38] Otra obra, Jim Beam – JB Turner Engine (1986), se basa en una locomotora conmemorativa, coleccionable, en botella , creada por Jim Beam ; sin embargo, Koons se apropió de este modelo y lo hizo fundir en acero inoxidable reluciente. [39] El modelo de tren fundido en acero titulado Jim Beam – Baggage Car (1986) incluso contiene bourbon Jim Beam. [40] [41] Con la serie Luxury and Degradation, Koons interfirió en los reinos de lo social. Creó una superficie artificial y reluciente que representaba un lujo proletario . Se interpretó como seducción por simulación porque era un lujo falso. Ser el productor de este engaño lo llevó a una especie de liderazgo, como él mismo comentó. [42]
El mismo material, acero inoxidable, se utilizó para la estatua de Kiepenkerl . Tras ser reconstruida en los años 50, la figura del comerciante ambulante fue sustituida en 1987 por Jeff Koons para la exposición decenal Skulptur Projekte . Situada en una plaza central de Münster, la estatua conservó cierto poder cultural como símbolo nostálgico del pasado. [43] Durante el proceso de producción, la fundición en la que se estaba fabricando la pieza quiso quitar la carcasa de cerámica demasiado pronto, lo que provocó que la pieza se doblara y deformara. Koons decidió traer a un especialista y aplicarle a la pieza una «cirugía plástica radical». Después de esta experiencia se sintió liberado: «Ahora era libre de trabajar con objetos que no necesariamente existían previamente. Podía crear modelos». [44]
Koons luego pasó a la serie Banality . Para este proyecto contrató talleres en Alemania e Italia que tenían una larga tradición de trabajo en cerámica , porcelana y madera. [15] La serie culminó en 1988 con Michael Jackson and Bubbles, una serie de tres estatuas de porcelana bañadas en oro de tamaño natural del cantante sentado abrazando a Bubbles , su chimpancé mascota. Tres años después, una de estas se vendió en Sotheby's Nueva York por US$5,6 millones. [45] Dos de estas esculturas se encuentran ahora en el Museo de Arte Moderno de San Francisco y el Museo de Arte Contemporáneo Broad (BCAM) en el centro de Los Ángeles. La estatua se incluyó en una retrospectiva de 2004 en el Museo de Arte Moderno Astrup Fearnley en Oslo que viajó un año después al Museo de Arte de la Ciudad de Helsinki . También apareció en su segunda retrospectiva en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago , en 2008. La estatua actualmente forma parte de la colección del Museo de Arte Moderno Astrup Fearnley en Tjuvholmen en Oslo. [46] Su obra Cristo y el Cordero (1988) ha sido analizada como un reconocimiento y una crítica del poder espiritual y meditativo del rococó. [47]
Anticipándose a una respuesta crítica poco generosa a su exposición de la serie Banality de 1988 , con todos sus nuevos objetos realizados en una edición de tres, [48] lo que permitió exposiciones simultáneas e idénticas en galerías de Nueva York, Colonia y Chicago, Koons ideó la serie Art Magazine Ads (1988-1989). [49] Colocados en Artforum , Art in America , Flash Art y Art News, los anuncios fueron diseñados como promociones para sus propias exposiciones en galerías. [50] Koons también publicó Signature Plate , una edición para la revista Parkett , con una calcomanía fotográfica en colores sobre una placa de porcelana con borde dorado. [51] La periodista de arte Arifa Akbar informó para The Independent que en "una era en la que los artistas no eran considerados como 'estrellas', Koons hizo grandes esfuerzos para cultivar su personalidad pública empleando a un asesor de imagen". Con fotografías de Matt Chedgey, Koons colocó "anuncios en revistas de arte internacionales de él mismo rodeado de los adornos del éxito" y dio entrevistas "refiriéndose a sí mismo en tercera persona". [19]
En 1989, el Museo Whitney y su curador invitado Marvin Heiferman pidieron a Koons que hiciera una obra de arte sobre los medios en una valla publicitaria [7] para la muestra "Image World: Art and Media Culture". La valla publicitaria estaba pensada como un anuncio de una película no realizada, titulada Made in Heaven. [52] Koons empleó a su entonces esposa Ilona Staller (" Cicciolina ") como modelo en la sesión que formó la base de la obra resultante para el Whitney, Made in Heaven (1990-1991). [53] Incluyendo obras con títulos como Dirty Ejaculation e Ilonaʼs Asshole , la serie de enormes fotografías granuladas [54] impresas en lienzo, cristalería y esculturas retrataron a Koons y Staller en posiciones sexuales altamente explícitas y crearon una considerable controversia. Las pinturas de la serie hacen referencia al arte de los períodos barroco y rococó (entre otros, Gian Lorenzo Bernini , Jean-Honoré Fragonard y François Boucher ) y también se inspiran en los avances de los primeros pintores modernos como Gustave Courbet y Édouard Manet . [55]
La serie se mostró por primera vez en la Bienal de Venecia de 1990. [56] Según se informa, Koons destruyó gran parte del trabajo cuando Staller se llevó a su hijo Ludwig con ella a Italia. [57] Para celebrar el 20º aniversario de Made in Heaven , Luxembourg & Dayan decidió presentar una edición reducida de la serie. [55] [58] [54] El Museo Whitney también exhibió varias de las fotografías sobre lienzo en su retrospectiva de 2014.
Koons no estaba entre los 44 artistas estadounidenses seleccionados para exhibir su trabajo en Documenta 9 en 1992, [59] pero fue comisionado por tres comerciantes de arte para crear una pieza para el cercano Castillo Arolsen en Bad Arolsen , Alemania. El resultado fue Puppy , una escultura topiaria de 43 pies (13 m) de alto de un cachorro de West Highland White Terrier , ejecutado en una variedad de flores (incluyendo caléndulas , begonias , impatiens , petunias y lobelias ) [60] sobre una subestructura de acero inoxidable cromado recubierto de color transparente. Las flores autolimpiantes crecerían durante el tiempo específico en que se exhibiera la pieza. [61] El tamaño y la ubicación de Puppy -el patio de un palacio barroco- reconocían a la audiencia masiva. [62] Después del estallido que siguió a su serie Made in Heaven , Koons decidió hacer "una imagen que comunicara calidez y amor a la gente". [63] En 1995, en una iniciativa conjunta entre el Museo de Arte Contemporáneo , Kaldor Public Art Projects y el Festival de Sídney , [64] la escultura fue desmantelada y re-erigida en el Museo de Arte Contemporáneo en el puerto de Sídney sobre una nueva armadura de acero inoxidable más permanente con un sistema de irrigación interno . Mientras que el Arolsen Puppy tenía 20.000 plantas, la versión de Sídney tenía alrededor de 60.000. [65]
La pieza fue adquirida en 1997 por la Solomon R. Guggenheim Foundation e instalada en la terraza exterior del Museo Guggenheim Bilbao . [66] Antes de la dedicación en el museo, un trío de Euskadi Ta Askatasuna (ETA) disfrazados de jardineros intentaron plantar macetas llenas de explosivos cerca de la escultura, [67] pero fueron frustrados por el oficial de policía vasco Jose María Aguirre, quien luego fue asesinado a tiros por miembros de ETA. [68] [69] Actualmente la plaza en la que se encuentra colocada la estatua lleva el nombre de Aguirre. En el verano de 2000, la estatua viajó a la ciudad de Nueva York para una exposición temporal en el Rockefeller Center . [60]
El magnate de los medios Peter Brant y su esposa, la modelo Stephanie Seymour , encargaron a Koons que creara un duplicado de la estatua de Bilbao Puppy (1993) para su patrimonio de Connecticut , el Brant Foundation Art Study Center. [70] En 1998, se lanzó una versión en miniatura de Puppy como un jarrón de porcelana esmaltada blanca, en una edición de 3000. [71]
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La celebración de Koons fue para honrar el ardientemente esperado regreso de Ludwig de Roma [ cita requerida ] . La serie, que consiste en una serie de esculturas a gran escala y pinturas de perros de globos, corazones de San Valentín, diamantes y huevos de Pascua , fue concebida en 1994. Algunas de las piezas aún se están fabricando. [ cita requerida ] Cada una de las 20 esculturas diferentes de la serie viene en cinco "versiones únicas" de diferentes colores, [73] incluido el huevo agrietado (azul) del artista que ganó el premio Charles Wollaston 2008 a la obra más distinguida en la Exposición de verano de la Royal Academy . [74] Las piezas de diamantes se crearon entre 1994 y 2005, hechas de acero inoxidable brillante de siete pies de ancho. [75]
Creada en una edición de cinco versiones, su obra posterior Tulips (1995-2004) consiste en un ramo de flores de globos multicolores inflados hasta proporciones gigantescas (más de 2 m (6,6 pies) de alto y 5 m (16 pies) de ancho). [76] Koons comenzó a trabajar en Balloon Flower en 1995. [77]
Koons estaba presionando para terminar la serie a tiempo para una exhibición en 1996 en el Museo Solomon R. Guggenheim en Nueva York, pero la muestra fue finalmente cancelada debido a retrasos en la producción y sobrecostos. [78] Cuando la financiación de "Celebration" se acabó, el personal fue despedido, un equipo de dos: Gary McCraw, el gerente del estudio de Koons, que había estado con él desde 1990, y Justine Wheeler, una artista de Sudáfrica, que había llegado en 1995 y finalmente se hizo cargo de la operación de la escultura. El artista convenció a sus coleccionistas principales Dakis Joannou , Peter Brant y Eli Broad , junto con los distribuidores Jeffrey Deitch , Anthony d'Offay y Max Hetzler , para que invirtieran fuertemente en la costosa fabricación de la serie Celebration en Carlson & Company, con sede en el sur de California (incluidas sus series Balloon Dog y Moon ), [78] [79] y más tarde, en Arnold, una empresa con sede en Frankfurt . Los comerciantes financiaron el proyecto en parte vendiendo obras a los coleccionistas antes de que fueran fabricadas. [80]
En 2006, Koons presentó Hanging Heart , un corazón de acero pulido de 9 pies de alto, uno de una serie de cinco ejemplos de diferentes colores, parte de su serie Celebration . [81] Grandes esculturas de esa serie se exhibieron en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York en 2008. Las adiciones posteriores a la serie incluyen Balloon Swan (2004-2011), un pájaro de acero inoxidable de 11,5 pies (3,5 metros), [82] Balloon Rabbit (2005-2010) y Balloon Monkey , todos para los cuales los regalos de fiesta para niños se reconciben como formas monumentales fascinantes. [83]
La serie también incluye, además de esculturas, dieciséis [84] pinturas al óleo. [85]
Encargado por el Deutsche Guggenheim en 1999, Koons creó las primeras siete pinturas de la nueva serie, Easyfun , que comprende pinturas y esculturas montadas en la pared. [86] En 2001, Koons emprendió una serie de pinturas, Easyfun-Ethereal , utilizando un enfoque de collage que combinaba bikinis, comida y paisajes pintados bajo su supervisión por asistentes. [87] La serie finalmente se expandió a veinticuatro pinturas. [86]
En 2000, Koons diseñó Split-Rocker , su segunda escultura floral hecha de acero inoxidable, tierra, tela geotextil y un sistema de riego interno, que se mostró por primera vez en el Palacio de los Papas en Aviñón , Francia. Al igual que Puppy , está cubierta con alrededor de 27.000 flores vivas, [88] incluyendo petunias , begonias , impatiens , geranios y caléndulas . [89] Con un peso de 150 toneladas y una altura de más de 37 pies, Split-Rocker está compuesta por dos mitades: una basada en un pony de juguete que pertenece a uno de los hijos de Koons, la otra basada en un dinosaurio de juguete. Juntos, forman la cabeza de una mecedora infantil gigante. Koons produjo dos ediciones de la escultura. A partir de 2014, posee una de ellas; [89] la otra se exhibe en Glenstone en Maryland. [88] En Glenstone, Split-Rocker florece desde mediados de mayo hasta mediados de octubre, y requiere cuidados diarios durante ese período. [90] En el verano de 2014, Split-Rocker se instaló en Rockefeller Plaza en la ciudad de Nueva York durante varios meses coincidiendo con la inauguración de la retrospectiva de Koons en el Museo Whitney de Arte Estadounidense .
Las pinturas y esculturas de la serie Popeye , que Koons comenzó en 2002, presentan las figuras de dibujos animados de Popeye y Olivia . [91] Uno de esos artículos es una reproducción de acero inoxidable de una figura de Popeye de PVC del mercado masivo . [92] El artista también hará uso de animales inflables nuevamente, esta vez en combinación con escaleras, botes de basura y vallas. Para crear estas esculturas, los juguetes reciben una capa de recubrimiento después de encontrar la forma correcta. Luego se hace una copia impresa y se envía a la fundición para ser fundida en aluminio. De regreso al estudio, las esculturas se pintan para lograr el aspecto brillante de los inflables originales. [93] Para estas instalaciones surrealistas, Acrobat en particular, Koons se inspiró en el imaginista de Chicago HC Westermann . [94] La escultura de Popeye fue comprada por el multimillonario Steve Wynn por $ 28 millones y se exhibe afuera de la entrada del casino en la propiedad del hotel y casino Encore Boston Harbor de Wynn. [95]
Hulk Elvis es una serie de trabajos de Koons creada entre 2004 y 2014. [96] Las obras van desde esculturas de bronce mecanizadas con precisión (inspiradas en un inflable del popular héroe de cómic y extruidas en tres dimensiones) hasta pinturas al óleo a gran escala . [97] El título de la serie de trabajos combina al popular héroe de cómic Hulk con el ícono pop Elvis . La triple imagen de la figura de Hulk recuerda a la serigrafía Triple Elvis (1963) de Andy Warhol , tanto en lo que respecta a la multiplicación como a la postura de la figura de Hulk. [98]
Según el artista, la serie Hulk Elvis con su imagen fuerte y heroica de Hulk representa "un cuerpo de trabajo con un alto contenido de testosterona ". [99] Koons también percibe la serie como "un puente entre Oriente y Occidente", ya que se podría establecer un paralelo entre el héroe de cómic Hulk y los dioses guardianes asiáticos . [100]
Las obras tridimensionales Hulk (Friends) y Hulks (Bell) (ambas de 2004-2012) presentan Hulks aparentemente inflables que pesan casi una tonelada cada uno y están hechos de bronce y madera. [101] La escultura Hulk (Organ) (2004-2014) incluye un instrumento musical completamente funcional cuyos sonidos profundos potenciales coinciden con la apariencia poderosa y masculina de la figura. [102]
Las pinturas de la serie son collages hechos con varias capas de Photoshop . Las imágenes van desde paisajes abstractos hasta elementos de la iconografía estadounidense (trenes, caballos, carruajes) e incluyen personajes como Hulk o un mono inflable de plástico. [99] Las pinturas de paisajes a menudo tienen un contenido sexual explícito o implícito. Por ejemplo, un dibujo lineal crudo recurrente de una vulva hace referencia a El origen del mundo (1866) de Courbet . [103]
La serie Hulk Elvis se ha exhibido en varios espacios de arte internacionales, como la Galería Gagosian en Londres (2007), la Galería Gagosian en Hong Kong, China (2014) y la Österreichische Galerie Belvedere en Viena, Austria (2015). [104]
En 2008, Jeff Koons comenzó a trabajar en su serie Antiquity, profundizando en temas de la representación del eros , la fertilidad y la belleza femenina a lo largo de la historia del arte. [105] [106] En el centro de cada escena de las pinturas Antiquity (2009-2013) hay una famosa escultura antigua o clásica, meticulosamente representada en pintura al óleo y escalada al mismo tamaño que las esculturas. Los fondos igualmente detallados incluyen una visión arcádica . [83] Koons hace uso de tecnología contemporánea, incluidas tomografías computarizadas e imágenes digitales, para producir las esculturas de metal. Reinterpreta figuras históricas a través de la creación de esculturas con forma de globo, como la Venus metálica, y mediante la integración de figuras representativas y personajes de cómics. [105] [107]
En referencia a la antigua estatua de mármol romana Venus Calipigia , la Venus Metálica (2010-2012) estaba hecha de acero inoxidable con alto contenido de cromo con revestimiento de color transparente y plantas con flores vivas. [101]
En Ballerinas (2010-2014), Koons representa figuras de bailarinas, derivadas de obras de porcelana decorativa diseñadas por la artista ucraniana Oksana Zhnikrup , en la imponente escala de la escultura clásica. [108] [109] [110] [111]
En esta serie presentada en la Galería Gagosian en 2015, Koons tomó 35 obras maestras, entre ellas Déjeuner sur l'Herbe de Manet , La balsa de la Medusa de Géricault y Autorretrato con sombrero de Rembrandt , las hizo repintar al óleo sobre lienzo y les añadió un pequeño estante, pintado como si hubiera brotado directamente de la imagen. Cada obra incluye una bola de cristal azul que se asienta sobre un estante de aluminio pintado unido al frente de la pintura. Tanto el espectador como la pintura se reflejan en la bola de cristal. [112] [113]
Gazing Ball toma su nombre de los adornos esféricos espejados que se encuentran frecuentemente en céspedes, jardines y patios alrededor de la casa de la infancia de Koons en Pensilvania. [114] Después de crear las pinturas de Gazing Ball, Koons también hizo varias esculturas blancas de la era grecorromana junto con objetos utilitarios cotidianos que se encuentran en el paisaje suburbano y rural actual, como buzones y un bebedero para pájaros.
En junio de 2022, Dakis Jouannou encargó a Koons la creación de una obra de arte para su espacio en la Fundación DESTE para el Arte Contemporáneo, en la isla griega de Hidra . Koons creó la serie Apollo, que incluye una escultura titulada Apollo Wind Spinner (2020-2022), un molino de viento reflectante de 9,1 metros (30 pies) de ancho sobre el espacio de arte Slaughterhouse. Las paredes dentro de Slaughterhouse se han transformado utilizando como base los antiguos frescos de Boscoreale , cerca de Pompeya . La exposición incluye varias otras obras nuevas, entre ellas un par de zapatillas Nike de bronce, Gazing Ball Tripod (2020-2022) y Plato's Solid Forms Wind Spinners (2020-2022). [115]
Para la temporada 2007-2008 en la Ópera Estatal de Viena , Koons diseñó la imagen a gran escala (176 m²) Geisha como parte de la serie de exposiciones "Safety Curtain", concebida por museum in progress . [116] Koons trabajó con la artista pop estadounidense Lady Gaga en su álbum de estudio de 2013 Artpop , incluida la creación de su portada con una escultura que hizo de Lady Gaga. [117] En septiembre de 2014, la publicación bianual de arte y cultura GARAGE Magazine publicó la primera obra de arte digital de Koons para la portada de su edición impresa. La pieza, titulada Lady Bug , es una escultura de realidad aumentada que solo se puede ver en dispositivos móviles a través de una aplicación de GARAGE Magazine, que permite a los espectadores explorar la pieza desde una variedad de ángulos como si estuvieran parados sobre ella. [118]
En 2012, Koons compró Advanced Stone Technologies, una filial de la división de piedra del Instituto Técnico de Escultura Johnson Atelier, una organización sin fines de lucro . Trasladó el taller de piedra de alta tecnología de Nueva Jersey a un espacio más grande, de 5600 m2 (60 000 pies cuadrados ) en Morrisville, condado de Bucks, Pensilvania . La instalación existe únicamente para fabricar las obras de Koons hechas de piedra. [119]
En 2013, Koons creó la escultura Gazing Ball (Hércules Farnesio), que se inspiró en el Hércules Farnesio . [120] La escultura está hecha de yeso blanco y puede interpretarse como una perpetuación del colorismo en cómo vemos el mundo antiguo. [120]
En 1999, Koons encargó una canción sobre sí mismo para el álbum de Momus Stars Forever . [121]
Un dibujo similar a sus globos de tulipán fue colocado en la página principal del motor de búsqueda de Internet Google . El dibujo saludó a todos los que visitaron la página principal de Google el 30 de abril de 2008 y el 1 de mayo de 2008. [122] [123]
En 2006, Koons apareció en Artstar , una serie de televisión sin guion ambientada en el mundo del arte de Nueva York. Tuvo un papel menor en la película de 2008 Milk, interpretando al asambleísta estatal Art Agnos . [124]
En septiembre de 2012, el gobernador de Nueva York, Andrew Cuomo, le encomendó a Koons la tarea de ayudar a revisar los diseños para un nuevo puente Tappan Zee . [125]
En 2019, Koons presentó Bouquet of Tulips , una escultura conmemorativa de 11 metros de altura en París inspirada en la Estatua de la Libertad , en honor a las víctimas de los ataques de noviembre de 2015. [ 126] [127]
En febrero de 2024, un cohete SpaceX que transportaba 125 de las esculturas lunares en miniatura de acero inoxidable de Koon partió del Centro Espacial Kennedy en Florida. Las esculturas, que llevan el nombre de personajes históricos como Leonardo da Vinci y Billie Holiday , formaban parte de un proyecto más grande que involucraba un módulo de aterrizaje lunar diseñado por Intuitive Machines . El módulo de aterrizaje, que también transportaba equipo de la NASA, llegó a la Luna el 22 de febrero. [128] Koons, inspirado por la visión de exploración espacial del presidente Kennedy , vio este proyecto como una forma de inspirar a la sociedad. Este esfuerzo, que incluía planes para esculturas más grandes en la Tierra y los NFT correspondientes , tenía como objetivo ser la primera obra de arte autorizada en la Luna, protegida por los Acuerdos de Artemisa . [129]
Koons actuó como curador de una exposición de Ed Paschke en la Galería Gagosian , Nueva York, en 2009. [130] También curó una exposición en 2010 de obras de la colección privada del multimillonario griego Dakis Joannou en el New Museum de la ciudad de Nueva York. La exposición, Skin Fruit: Selections from the Dakis Joannou Collection , generó un debate sobre el amiguismo dentro del mundo del arte, ya que Koons es muy coleccionado por Joannou y anteriormente había diseñado el exterior del yate Guilty de Joannou . [131] [132]
Koons fue el artista designado para diseñar el decimoséptimo de la serie de "Art Cars" de BMW . Su obra de arte se aplicó a un BMW M3 E92 con especificaciones de carrera y se reveló al público en el Centro Pompidou de París el 2 de junio de 2010. [133] Con el respaldo de BMW Motorsport , el automóvil compitió en las 24 Horas de Le Mans de 2010 en Francia. [134]
En 1989, Koons y su colega artista Martin Kippenberger trabajaron juntos en un número de la revista de arte Parkett ; al año siguiente, Koons diseñó un cartel de exposición para Kippenberger. [135]
En 2013, Koons colaboró con la cantautora y artista de performance estadounidense Lady Gaga para su tercer álbum de estudio, ARTPOP . [136] La portada del álbum muestra una escultura desnuda de Gaga hecha por Koons detrás de una escultura de bola azul, y piezas de otras obras de arte en el fondo como El nacimiento de Venus pintado por Sandro Botticelli , que inspiró la imagen de Gaga a través de la nueva era, incluso en su video musical de " Applause " y la interpretación de la canción en los MTV Video Music Awards de 2013. [137] La imagen de la portada fue revelada pieza por pieza en una campaña de marketing social donde sus fanáticos tuvieron que tuitear el hashtag de Twitter "#iHeartARTPOP" para desbloquearla. [138] La canción "Applause" en sí incluye la letra "Un segundo soy un Koons, luego, de repente, Koons soy yo".
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En abril de 2017, Koons colaboró con la casa de moda de lujo francesa Louis Vuitton para la "Masters Collection" y diseñó una serie de bolsos y mochilas con reproducciones de sus obras maestras favoritas de los Viejos Maestros, como Leonardo da Vinci , Tiziano , Vincent van Gogh , Peter Paul Rubens y Jean-Honoré Fragonard . Más tarde ese año presentó otro puñado de bolsos y accesorios con reproducciones de obras de Claude Monet , JMW Turner , Édouard Manet , Paul Gauguin y François Boucher . [139] Los precios varían desde $ 585 por un llavero hasta $ 4,000 por el bolso grande. [140] También colaboró con la cantante Cupcakke varias veces en 2019.
Koons también ha realizado algunos encargos relacionados con el vino. En diciembre de 2012, Château Mouton Rothschild anunció que Koons era el artista de la etiqueta de su cosecha 2010, una tradición que comenzó en 1946. Otros artistas que han diseñado etiquetas incluyen a Pablo Picasso , Francis Bacon , Salvador Dalí y Joan Miró , entre otros. [141] En agosto de 2013, Dom Pérignon lanzó su cosecha 2004, con una edición especial hecha por Koons, así como un estuche hecho a medida llamado 'Balloon Venus'. Este tiene un precio de venta recomendado de 15.000 €. [ cita requerida ]
Del 15 de febrero al 6 de marzo de 2008, Koons donó un tour privado de su estudio a la Fundación de Enfermedades Hereditarias para subastarlo en Charitybuzz . [ cita requerida ] De sus diseños de tulipanes de edición limitada de 2010 para Kiehl's Crème de Corps , una parte de las ganancias se destinó al Instituto de la Familia Koons, una iniciativa del Centro Internacional para Niños Desaparecidos y Explotados . [20] Desde que comenzó su relación con el Centro Internacional, Koons ha donado más de 4,3 millones de dólares al Instituto que lleva el nombre de su familia. [142]
Desde su instalación en 1980 en una ventana del New Museum of Contemporary Art de Nueva York, la obra de Koons ha sido ampliamente exhibida internacionalmente en exposiciones individuales y grupales. En 1986, apareció en una muestra grupal con Peter Halley , Ashley Bickerton , Ross Minoru Lang y Meyer Vaisman en la Sonnabend Gallery de Nueva York. En 1997, la parisina Galerie Jerome de Noirmont organizó su primera muestra individual en Europa. Su serie Made in Heaven se mostró por primera vez en la Bienal de Venecia en 1990. [56]
Como artista joven, Koons fue incluido en muchas exposiciones curadas por Richard Milazzo , incluyendo The New Capital en White Columns en 1984, Paravision en Postmasters Gallery en 1985, Cult and Decorum en Tibor De Nagy Gallery en 1986, Time After Time en Diane Brown Gallery en 1986, Spiritual America en CEPA en 1986, y Art at the End of the Social en The Rooseum, Malmö, Suecia en 1988. Estas exposiciones serían junto a otros artistas notables como Ross Bleckner , Joel Otterson y Kevin Larmon . [143]
Entre sus exposiciones individuales en museos se incluyen el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (1988), el Centro de Arte Walker de Minneapolis (1993), el Deutsche Guggenheim de Berlín (2000), el Kunsthaus Bregenz (2001), el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles (2003) y una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno Astrup Fearnley de Oslo (2004), que viajó al Museo de Arte de la Ciudad de Helsinki (2005). En 2008, la serie Celebration se mostró en la Neue Nationalgalerie de Berlín y en el tejado del Museo Metropolitano de Arte . [144]
Considerada como su primera retrospectiva en Francia, la exposición de 2008 de 17 esculturas de Koons en el Palacio de Versalles también marcó la primera exhibición ambiciosa de un artista estadounidense contemporáneo organizada por el castillo. El New York Times informó que "varias docenas de personas se manifestaron fuera de las puertas del palacio" en una protesta organizada por un grupo de derecha poco conocido dedicado a la pureza artística francesa. También se criticó que el noventa por ciento de los 2,8 millones de dólares estadounidenses en financiación para la exposición provinieron de patrocinadores privados, principalmente François Pinault . [145]
La retrospectiva de Koons del 31 de mayo al 21 de septiembre de 2008 en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago , [8] [146] [147] que fue ampliamente publicitada en la prensa, rompió el récord de asistencia del museo con 86.584 visitantes. [148] [149] La exposición incluyó numerosas obras de la colección del MCA, junto con pinturas y esculturas recientes del artista. La exposición retrospectiva refleja el compromiso del MCA con el trabajo de Koons, ya que presentó la primera encuesta estadounidense del artista en 1988. [150] Para la exposición final en su edificio Marcel Breuer , el Museo Whitney planea presentar una retrospectiva de Koons en colaboración con el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles y el Centro Pompidou de París. [151]
En julio de 2009, Koons realizó su primera gran exposición individual en Londres, en la Serpentine Gallery . Titulada Jeff Koons: Popeye Series , la exposición incluía modelos de aluminio fundido de juguetes de piscina para niños y "pinturas densas y realistas de Popeye sosteniendo su lata de espinacas o fumando su pipa, con una langosta roja asomándose sobre su cabeza". [152]
En mayo de 2012, Koons realizó su primera gran exposición individual en Suiza, en el Museo Beyeler de Basilea , titulada Jeff Koons . Se exhiben obras de tres series: The New , Banality y Celebration , así como la escultura floreada Split-Rocker . [153]
También en 2012, Jeff Koons. The Painter en la Schirn Kunsthalle de Frankfurt se centró principalmente en el desarrollo del artista como pintor, mientras que en la muestra Jeff Koons. The Sculptor en la Liebieghaus de Frankfurt, las esculturas de Jeff Koons entraron en diálogo con el edificio histórico y una colección de esculturas que abarca cinco milenios. [154] En conjunto, ambas exposiciones forman la mayor muestra de la obra de Koons hasta la fecha. [155] [156]
El artista disfrutó de una retrospectiva en 2014 en el Museo Whitney de Arte Estadounidense de Nueva York. Scott Indrisek, que escribe para ARTINFO.com, la describió como "atrevida, bastante entretenida y tan digerible como un paquete de M&M ". [157]
En 2019 se realizó una exposición llamada Jeff Koons en el Ashmolean en el Museo Ashmolean de Oxford, Reino Unido. [158]
Koons recibió el Premio Cultural BZ de un periódico local de Berlín en 2000 y la Medalla Skowhegan de Escultura en 2001. Fue nombrado Caballero de la Legión de Honor francesa en 2002 y luego ascendido a Oficial en 2007. [159] Recibió un doctorado honorario de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago en 2008. [160] Recibió el Premio Wollaston 2008 de la Real Academia de las Artes de Londres. [56] En 2013 recibió la Medalla de las Artes del Departamento de Estado de EE. UU . [161] En 2014, Koons recibió el Premio Golden Plate de la Academia Estadounidense de Logros presentado por el miembro del Consejo de Premios Wayne Thiebaud durante la Cumbre Internacional de Logros en San Francisco. [162] [163] [164] En 2017 aceptó el Premio Anual de Miembro Honorario por Contribución Destacada a la Cultura Visual de la Sociedad Edgar Wind , Universidad de Oxford . [165] Fue nombrado Profesor Honorario de Escultura de la Academia de Bellas Artes de Carrara, en la ceremonia de celebración del 250 aniversario en la Academia de Bellas Artes, Carrara, Italia [16 de abril de 2019] [166]
Koons es un artista ampliamente coleccionado en América y Europa, donde algunos coleccionistas adquieren su obra en profundidad. Eli Broad posee 24 piezas y Dakis Joannou posee unas 38 obras de todas las etapas de la carrera del artista. [73]
Koons ha sido representado por distribuidores como Mary Boone (1979-1980), Sonnabend Gallery (1986-2021), [167] Galerie Max Hetzler , Jérôme de Noirmont y Gagosian Gallery . El derecho exclusivo a la venta principal de la serie "Celebration" estuvo durante mucho tiempo en manos de Gagosian Gallery, su distribuidor dominante durante muchos años. Desde 2021, Pace Gallery ha representado a Koons en exclusiva en todo el mundo. [168]
Muchas de las obras de Koons se han vendido en subastas privadas. Sus récords de subasta se han logrado principalmente con sus esculturas (especialmente las de su serie Celebration), mientras que sus pinturas son menos populares. [169] En 2001, una de sus tres esculturas de porcelana de Michael Jackson y Bubbles se vendió por 5,6 millones de dólares. El 14 de noviembre de 2007, Hanging Heart (Magenta/Gold) de la colección de Adam Lindemann, una de las cinco en diferentes colores, se vendió en Sotheby's Nueva York por 23,6 millones de dólares, convirtiéndose, en ese momento, en la pieza más cara de un artista vivo jamás subastada. [81] Fue comprada por la Galería Gagosian de Nueva York, que el día anterior había comprado otra escultura de Koons, Diamond (Blue) , por 11,8 millones de dólares en Christie's Londres. [170] Gagosian parece haber comprado ambas obras de la serie Celebration en nombre del oligarca del acero ucraniano Victor Pinchuk . [171] En julio de 2008, su Balloon Flower (Magenta) (1995-2000) , de 3,3 metros de altura , perteneciente a la colección de Howard y Cindy Rachofsky, también se vendió en Christie's Londres por un récord de 25,7 millones de dólares. En total, Koons fue el artista que más vendió en subasta, con 81,3 millones de euros en ventas durante el año hasta junio de 2008. [172]
Durante la recesión de finales de la década de 2000 , sin embargo, los precios del arte se desplomaron y las ventas en subastas de obras de alto valor de Koons cayeron un 50 por ciento en 2009. [172] Un corazón colgante violeta se vendió por 11 millones de dólares en una venta privada. [173] Sin embargo, los precios de las series anteriores del artista Luxury and Degradation parecen mantenerse. The Economist informó que Thomas H. Lee , un inversor de capital privado, vendió Jim Beam JB Turner Train (1986) en un acuerdo global negociado por Giraud Pissarro Segalot por más de 15 millones de dólares. [174] En 2012, Tulips (1995-2004) alcanzó un precio récord en subasta para Koons en Christie's , vendiéndose a un postor telefónico por 33,6 millones de dólares, muy por encima de su alta estimación de 25 millones de dólares. [175] En Christie's en 2015, el óleo sobre lienzo Triple Elvis (2009) estableció un récord mundial de subasta para una pintura del artista, vendiéndose por $ 8,565,000, más de $ 5 millones más que el máximo anterior. [176] El Conejo de acero inoxidable de Koons (1986) se vendió por $ 91,1 millones en una subasta en 2019, lo que lo convierte en la obra más cara vendida por un artista vivo en una subasta . [168]
En 2018, el coleccionista de arte multimillonario Steven Tananbaum presentó una demanda contra Koons y Gagosian Gallery por no entregar tres esculturas, Balloon Venus , Eros y Diana, por las que pagó 13 millones de dólares. [177] Poco después, el productor de Hollywood Joel Silver presentó una demanda similar contra Gagosion y Koons por no entregar una escultura de 8 millones de dólares en 2014. Ambas demandas se resolvieron en 2019 y 2020. [178]
Entre los curadores y coleccionistas de arte y otros en el mundo del arte, la obra de Koons es etiquetada como neo-pop o post-pop como parte de un movimiento de la década de 1980 en reacción al arte reducido del minimalismo y el conceptualismo de la década anterior. Koons se resiste a tales comentarios: "Un espectador podría ver al principio ironía en mi trabajo... pero yo no veo ninguna en absoluto. La ironía provoca demasiada contemplación crítica". [179] Koons rechaza cualquier significado oculto en su obra de arte. [180]
Ha provocado controversia al elevar el kitsch descarado al terreno del arte elevado, explotando temas más descartables que, por ejemplo, las latas de sopa Campbell de Warhol . Su obra Balloon Dog (1994-2000) se basa en globos retorcidos para darles forma de perro de juguete.
El teórico Samito Jalbuena escribió: "Desde el comienzo de su controvertida carrera, Koons revolucionó por completo la noción tradicional del arte. Centrándose en objetos banales como modelos, cuestionó los estándares de valores normativos en el arte y, en cambio, abrazó las vulnerabilidades de las jerarquías estéticas y los sistemas de gusto". [181]
Koons ha recibido reacciones polarizadas por su trabajo. La crítica Amy Dempsey describió su Balloon Dog como "una presencia impresionante... un monumento masivo y duradero". [182] Jerry Saltz en artnet.com ha comentado que quedó "impresionado por el virtuosismo técnico y la explosión visual deslumbrante" del arte de Koons. [183] Koons estaba entre los nombres de la lista de 2011 de Blake Gopnik "Los 10 artistas más importantes de la actualidad", y Gopnik argumentó que "incluso después de 30 años, las mezclas de lo alto y lo bajo de Koons -un perro hecho con globos y luego agrandado hasta convertirse en un monumento público; un busto de tamaño natural de Michael Jackson y su chimpancé en porcelana dorada y blanca- todavía se sienten importantes". [184]
Mark Stevens de The New Republic lo desestimó como un "artista decadente [que] carece de la voluntad imaginativa para hacer más que trivializar y poner en cursiva sus temas y la tradición en la que trabaja... Es otro de los que sirven a los ricos de mal gusto". [185] Michael Kimmelman de The New York Times vio "un último y patético suspiro del tipo de exageración y sensacionalismo autopromocional que caracterizó lo peor de la década de 1980" y calificó la obra de Koons de "artificial", "barata" y "descaradamente cínica". [186]
En un artículo que compara la escena del arte contemporáneo con el mundo del espectáculo, el crítico Robert Hughes escribió que Koons es
Una manifestación extrema y autocomplaciente de la santurronería que acompaña a los grandes billetes. Koons realmente cree que es Miguel Ángel y no le da vergüenza decirlo. Lo significativo es que hay coleccionistas, especialmente en Estados Unidos, que lo creen. Tiene la seguridad viscosa, la grosera charla sobre la trascendencia a través del arte, de un baptista de pelo corto que vende hectáreas pantanosas en Florida. Y el resultado es que no se puede imaginar la cultura singularmente depravada de Estados Unidos sin él. [187]
Hughes colocó el trabajo de Koons justo por encima del de Seward Johnson y fue citado en un artículo del New York Times diciendo que comparar sus carreras era "como debatir los méritos del excremento de perro versus el excremento de gato". [188]
Ha influido en artistas más jóvenes como Damien Hirst [19] (por ejemplo, en el Hymn de Hirst , una versión de 18 pies (5,5 m) de un juguete anatómico de 14 pulgadas (0,36 m)), Jack Daws , [189] Matthieu Laurette [190] y Mona Hatoum . [ cita requerida ] A su vez, su ampliación extrema de objetos mundanos tiene una deuda con Claes Oldenburg y Coosje van Bruggen . Gran parte de su trabajo también estuvo influenciado por artistas que trabajaron en Chicago durante sus estudios en el Art Institute, incluidos Jim Nutt , Ed Paschke y HC Westermann . [191]
En 2005, fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias . [192]
Koons ha sido demandado varias veces por violación de derechos de autor por el uso de imágenes preexistentes, obras originales de otros, en su obra. En Rogers v. Koons , 960 F.2d 301 (2d Cir. 1992), el Tribunal de Apelaciones de los Estados Unidos para el Segundo Circuito confirmó una sentencia en su contra por el uso de una fotografía de cachorros como base para una escultura, String of Puppies . [193]
Koons también perdió demandas en United Features Syndicate, Inc. v. Koons , 817 F. Supp. 370 ( SDNY 1993), y Campbell v. Koons , No. 91 Civ. 6055, 1993 WL 97381 (SDNY 1 de abril de 1993). [ cita requerida ]
Ganó una demanda, Blanch v. Koons , No. 03 Civ. 8026 (LLS), SDNY, 1 de noviembre de 2005 (slip op.), [194] confirmada por el Segundo Circuito en octubre de 2006, interpuesta por su uso de un anuncio fotográfico como material de origen para las piernas y los pies en una pintura, Niagara (2000). El tribunal dictaminó que Koons había transformado lo suficiente el anuncio original como para calificar como un uso justo de la imagen original. [195]
En 2015, Koons enfrentó acusaciones de haber usado la foto de 1986 del fotógrafo Mitchel Gray para Gordon's Gin en una de sus pinturas Luxury and Degradation sin permiso ni compensación. [196]
En 2018, un tribunal francés dictaminó que su obra de 1988 Fait d'Hiver , que muestra a un cerdo de pie sobre una mujer acostada boca arriba, había copiado un anuncio de una cadena de ropa y declaró a Koons y al Centro Pompidou culpables de infringir los derechos de autor del fotógrafo Franck Davidovici. [197] Esta decisión se confirmó en 2021 en apelación. El resultado es que la obra, propiedad de Foundazione Prada, no puede exhibirse en Francia y el museo y el artista no pueden mostrar reproducciones fotográficas en línea (sin una multa de 600 € por día). Además, se ordenó al museo y al artista pagar conjuntamente 190.000 € y a la empresa de libros 14.000 €. [198]
En 2019, un tribunal francés dictaminó que su obra 1988 Naked , que representa a un niño pequeño ofreciendo flores a una niña, ambos desnudos, había infringido los derechos de autor de una fotografía de postal de 1975 del artista francés Jean-Francois Bauret. [197]
Koons también ha acusado a otros de violación de derechos de autor, alegando que una librería en San Francisco infringió sus derechos de autor en Balloon Dogs al vender sujetalibros con la forma de perros globo. [199] Koons retiró la demanda después de que el abogado de la librería presentara una moción de declaración jurada en la que afirmaba: "Como prácticamente cualquier payaso puede atestiguar, nadie es dueño de la idea de hacer un perro globo, y la forma creada al torcer un globo en una forma similar a la de un perro es parte del dominio público". [200]
Una escultura de Koons de una bailarina se asemeja a la pieza Ballerina Lenochka creada por la artista ucraniana Oksana Zhnykrup en 1974. [201]
En una denuncia de 2021 presentada en el Tribunal de Distrito de los Estados Unidos para el Distrito Sur de Nueva York , el artista Michael Hayden, que hizo una escultura en 1988 de una serpiente envuelta alrededor de una roca para Ilona Staller, afirmó que Koons utilizó ilegalmente la escultura en sus obras. [202]
Koons es miembro de la junta directiva del Centro Internacional para Niños Desaparecidos y Explotados (ICMEC), una organización mundial sin fines de lucro que combate la explotación sexual infantil , la pornografía infantil y el secuestro de niños . [203] En 2007, Koons, junto con su esposa Justine, fundó el Instituto de la Familia Koons del ICMEC sobre Derecho y Política Internacional. [204]
Tras el final de su primer matrimonio en 1994 con la actriz italiana nacida en Hungría Ilona Staller , Staller se fue a Italia con su hijo de dos años en violación de una orden judicial estadounidense. [205] [206] Koons pasó cinco años defendiendo sus derechos parentales . La Corte Suprema italiana falló a favor de Staller. Koons posteriormente estableció el Instituto de la Familia Koons. [207] En 2008, Staller presentó una demanda contra Koons por no pagar la manutención infantil. [208]
Mientras estudiaba en el Maryland Institute College of Art , Koons tuvo una hija, Shannon Rodgers. La pareja puso a la niña en adopción. Rodgers se reencontró con Koons en 1995. [209] Koons ha dicho que la adopción "me ayudó a querer tener más visibilidad para que mi hija pudiera encontrarme. Siempre tuve la esperanza de que pudiéramos reencontrarnos". [209]
En 1991 se casó con la estrella porno italiana naturalizada de origen húngaro Ilona Staller (Cicciolina), que en ese momento era miembro del Parlamento italiano (1987-1992). Koons colaboró con Staller en las pinturas y esculturas de "Made in Heaven" en varios medios, con la esperanza de hacer una película. Mientras mantenían una casa en Manhattan, Koons y Staller vivían en Múnich . [210] En 1992, tuvieron un hijo, Ludwig. El matrimonio terminó poco después en medio de acusaciones de que Koons había sometido a Staller a abuso físico y emocional. [211]
Koons luego se casó con Justine Wheeler, una artista y ex empleada que comenzó a trabajar en el estudio de Koons en 1995. A junio de 2009 [actualizar], la pareja tiene cuatro hijos juntos. [212] En enero de 2009, la familia vivía en una casa adosada del Upper East Side . [213]
Koons donó $50,000 a Correct the Record , un Super PAC que apoyó la campaña presidencial de Hillary Clinton en junio de 2016. [214]
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