Horace Clifford Westermann (11 de diciembre de 1922 - 3 de noviembre de 1981) fue un escultor y grabador estadounidense . Sus esculturas incorporaban con frecuencia técnicas tradicionales de carpintería y marquetería . Desde finales de la década de 1950 hasta su muerte en 1981, Westermann trabajó con una serie de materiales y dispositivos formales para abordar una variedad de referencias personales, literarias, artísticas y de la cultura pop. La obra escultórica del artista se distingue por su intrincada artesanía, en la que la madera, el metal, el vidrio y otros materiales se trabajan a mano laboriosamente, y por su capacidad para transmitir una sensibilidad individualista poco convencional, a menudo humorística.
Las esculturas de Westermann revelan no sólo la influencia de las tradiciones artesanales, sino también de diversos precedentes históricos del arte. La capacidad del artista para transmitir efectos sutiles y extraños mediante la presentación de objetos aparentemente sencillos ha llevado a los críticos a comparar su obra con la de artistas de inspiración surrealista como Joseph Cornell. Sin embargo, la obra de Westermann abarca elementos de una amplia y diversa gama de prácticas artísticas, entre ellas el ensamblaje, el dadaísmo y el arte popular. Además, sus esculturas apuntan al arte minimalista y posminimalista de finales de los años 1960 y posteriores, en términos de su rigurosa artesanía, sofisticación formal, uso poco convencional de los materiales y sentido del humor.
Horace Clifford (HC) Westermann nació en Los Ángeles, California, en diciembre de 1922. [1] Su padre, que tenía el mismo nombre, era contable. Desde muy temprana edad, HC Westermann demostró un talento natural y aptitud para las artes, en especial para la escultura. Diseñó y, en última instancia, creó sus propios scooters y juguetes. [2] Con el tiempo, incluso contribuyó con una pequeña ampliación a la casa de sus padres. [2]
Después de graduarse de la escuela secundaria, Westermann se inscribió brevemente en el City College de Los Ángeles y más tarde aceptó un trabajo en el noroeste del Pacífico como trabajador ferroviario en campamentos madereros. [2] En 1942, al estallar la Segunda Guerra Mundial, se alistó en el Cuerpo de Marines de los EE. UU. a la edad de veinte años y fue destinado a bordo del USS Enterprise como artillero antiaéreo. [2] El USS Enterprise estuvo muy involucrado en la campaña del Pacífico y participó en muchas batallas críticas, como la Batalla de Midway y la campaña de Guadalcanal. El barco soportó la peor parte de numerosos ataques kamikaze japoneses, eventos horribles que informaron gran parte del trabajo posterior de HC Westermann. [3] Además, Westermann fue testigo de la destrucción del USS Franklin y la pérdida de más de 800 hombres. Más tarde reflexionaría sobre la experiencia y describió "el horrible olor de la muerte..." [3] La brutal y horrible guerra naval experimentada por Westermann se refleja en la mayor parte de su trabajo, especialmente en su serie "Barcos de la muerte".
Inmediatamente después del final de la guerra, Westermann formó un dúo de acrobacias con la United Service Organization (USO) y realizó una gira por el Lejano Oriente durante un año, donde conoció a su primera esposa, June Laford, una corista que actuaba en Shanghái. [3] Juntos, Westermann y su nueva esposa se mudaron a Chicago y tuvieron un hijo, Gregory. [3] Westermann luego se inscribió en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago en 1947 para estudiar Artes Aplicadas. [2] También aceptó un trabajo en el Departamento de Artes Aplicadas para apoyar económicamente a su nueva familia. Tres años después, June se divorció de Westermann, después de lo cual se desilusionó cada vez más con el arte convencional. [4]
En 1950, Westermann, amargado y harto del estado actual del arte en Estados Unidos, además de descontento con su situación actual, se alistó nuevamente en el Cuerpo de Marines de Estados Unidos como soldado de infantería en la Guerra de Corea. [4] Entró en el conflicto todavía con un sentimiento patriótico por su servicio en la Segunda Guerra Mundial, pero debido a los errores militares y la violencia sin sentido que presenció, abandonó el conflicto con un conjunto drásticamente diferente de valores sobre el lugar de Estados Unidos en el mundo. Estas opiniones antimilitaristas se reflejarían más tarde en sus obras futuras.
Después de dejar el Cuerpo de Marines al final de la guerra, Westermann se inscribió nuevamente en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago bajo la Ley GI para estudiar Bellas Artes. [4] Aunque carecía de la experiencia laboral como artista que tenían muchos de sus compañeros más jóvenes, Westermann era muy querido por sus compañeros de clase y el personal por su madurez y experiencias en el mundo real. Para complementar su matrícula de la Ley GI, aprendió el oficio de carpintero y comenzó a trabajar como carpintero. Rápidamente se ganó la reputación de realizar un trabajo de calidad, pero sus superiores lo instaron a valorar la velocidad por encima de la artesanía, un conflicto de valores que lo llevó a dejar la carpintería para trabajar y convertirse en escultor en lugar de en un manitas. [4] Continuó su trabajo hasta su muerte el 3 de noviembre de 1981.
Fueron las habilidades adquiridas durante su etapa como carpintero y su constante compromiso con la excelencia lo que rápidamente le granjeó a Westermann una reputación como uno de los mejores escultores de su tiempo. [4] Sus obras nunca estuvieron claramente definidas por los movimientos artísticos predominantes de la época, el surrealismo y la expresividad figurativa. Al principio, sus obras fueron vistas simplemente como una forma de comentario social, lo que hasta cierto punto lo fueron. Sin embargo, Westermann nunca proporcionó ningún significado o interpretación subjetiva a sus diversas obras, afirmando "A mí también me desconcierta", cuando se le preguntó sobre el significado de una de sus esculturas. [3] Esta falta de un movimiento subyacente definido llevó a que la obra de Westermann se asociara estrechamente con el expresionismo, aunque todavía se basaba en nociones surrealistas. [4]
Sus obras reflejaban esta falta de unidad tanto en la definición como en la forma, ya que Westermann produjo una amplia gama de obras, desde esculturas hasta litografías, utilizando materiales que iban desde el papel y la madera contrachapada hasta el latón y el plomo. [4] Sin embargo, todas sus obras reflejaban un tema común, moldeado por sus experiencias en tiempos de guerra. En una carta a un amigo, Westermann describe una situación que experimentó a bordo del USS Enterprise en los primeros días de la campaña del Pacífico. Estaba atado a un emplazamiento de cañón antiaéreo en la popa del barco cuando fueron atacados por aviones japoneses. Un piloto kamikaze se dirigió hacia el barco, lo que llevó a Westermann a disparar, impactar y, en consecuencia, desviar el avión hacia la parte delantera de su barco, donde no pudo ver cómo impactaba y explotaba la proa mientras estaba atado a la popa. [3] En esta carta, Westermann continúa explicando que este recuerdo, y muchos más como él, todavía estaban vívidamente arraigados en su mente. [3]
Esta visión brutal de la condición humana se quedó grabada en la mente de Westermann y dio como resultado su visión del mundo muy sombría y antimilitarista: todos estamos solos en un mundo regido por acontecimientos que escapan al control de cualquiera. [4] La representación más clara de esta filosofía se ve en su serie antes mencionada "Barcos de la muerte", una colección de esculturas y pinturas que representan cascos de barcos bombardeados, generalmente en llamas, rodeados de siniestras aletas de tiburón en el océano. [4]
Incluso sus obras posteriores conservan este mismo tema de la impotencia humana, ya que suelen girar en torno a algún escenario que implica una fatalidad inminente para el sujeto. A este tema común se suma el hecho de que Gregory, el hijo de Westermann, se alistó en los marines y sirvió en la guerra de Vietnam, una decisión a la que Westermann se opuso firmemente, como hizo con la guerra. [4] Ver a su hijo servir en un conflicto de ese tipo sólo resultó en fortalecer aún más sus propias opiniones antimilitaristas. Su obra "Antimobile" también adquirió un tono antimaterialista despectivo, que se ve en sus opiniones cada vez más anticonsumistas. [4] Westermann criticó la creciente falta de artesanía en la industria moderna y el aumento de los productos fabricados a máquina. Mencionó la "despersonalización de la sociedad por la máquina" como una influencia importante de su carrera artística adulta. [4] En contraste, todas sus obras muestran la misma atención meticulosa al detalle y altos niveles generales de artesanía personal. Cada pieza de una de las esculturas de Westermann está limada y terminada a mano, con la misma atención al detalle que se da a los componentes internos, invisibles, que al acabado exterior. [2]
Como ya se ha mencionado, una de las principales características de las obras de Westermann es su insoportable nivel de precisión y artesanía, así como su predilección por las esquinas ensambladas y la madera laminada en sus productos finales. [2] Tampoco se limitó nunca a un único conjunto de materiales. Westermann experimentó con todo tipo de madera, metal, laminado, materiales sintéticos como el caucho y más. [2] El espectador tiene la sensación de que cada material individual es tratado como un bien preciado. Nada se desperdicia y todo tiene una parte integral de la escultura terminada.
En cuanto a la temática y el estilo, Westermann también poseía una plétora de técnicas. En su variedad de esculturas y pinturas, se apoyaba tanto en el humor seco como en imágenes visuales intensas y comentarios sociales hirientes. [4] La representación más clara de esto es su obra "Walnut Box-1964", que es una pequeña caja de madera construida con nogal y llena de nueces reales. [4] Esto marca una clara transición de su estilo ambiguo y enigmático habitual, pero aún conserva el mismo nivel de artesanía que se ve en cada una de las esculturas de Westermann.
Se hizo famoso por combinar alusiones existenciales con un ingenio distintivo y seco en una escultura construida con el más alto nivel de detalle. [2] Lo que surgió del taller de Westermann fue una pieza diferente a todo lo que se había visto en ese momento. [2] Sus contemporáneos tenían a Westermann y sus obras en muy alta estima, aunque algunos críticos no lo hicieran. En su mayor parte, su trabajo fue muy bien recibido por los críticos y el público por igual. [2]
Westermann fue objeto de su primera gran retrospectiva en un museo en noviembre de 1968 en el LACMA, una versión ampliada de la cual viajó al Museo de Arte Contemporáneo de Chicago . [5]
Westermann fue objeto de su segunda gran retrospectiva en un museo en mayo de 1978 en el Museo Whitney, que luego pasó por el SFMOMA , el Museo de Arte de Seattle , el Centro de Arte de Des Moines y el Museo de Arte de Nueva Orleans . [5]
Westermann fue objeto de su tercera gran retrospectiva en un museo en junio de 2001 en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, que luego pasó al Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn , el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles y la Colección Menil . [5]
Westermann es objeto de una gran retrospectiva (1955-1981) en la Fondazione Prada , Milán, del 20 de octubre de 2017 al 15 de enero de 2018
En 2023, Pentimenti Productions estrenó un documental en 3D titulado Westermann: Memorial to the Idea of Man If He Was an Idea. La película fue dirigida por Leslie Buchbinder . El título de la película hace referencia a la escultura de Westermann de 1958. La película incluía entrevistas con Ed Ruscha , Frank Gehry y Martha Westermann Renner, la hermana del artista. Ed Harris prestó su voz a un guion extraído de las cartas de Westermann .
Citas
