La industria cinematográfica o industria cinematográfica comprende las instituciones tecnológicas y comerciales de la realización cinematográfica , es decir, las compañías de producción cinematográfica , los estudios cinematográficos , la cinematografía , la animación , la producción cinematográfica , la escritura de guiones , la preproducción , la posproducción , los festivales de cine , la distribución y los actores. Aunque el gasto que implica hacer películas llevó casi de inmediato a que la producción cinematográfica se concentrara bajo los auspicios de compañías de producción existentes, los avances en equipos cinematográficos asequibles, así como una expansión de las oportunidades para adquirir capital de inversión fuera de la propia industria cinematográfica, han permitido que la producción cinematográfica independiente evolucione.
En 2019, la taquilla mundial alcanzó un valor de 42,2 mil millones de dólares . [1] Si se incluyen los ingresos de taquilla y de entretenimiento en el hogar , la industria cinematográfica mundial alcanzó un valor de 136 mil millones de dólares en 2018. [2] Hollywood es la industria cinematográfica nacional más antigua del mundo y la más grande en términos de ingresos brutos de taquilla. El cine indio es la industria cinematográfica nacional más grande en términos de número de películas producidas, con 2446 largometrajes producidos anualmente en 2019. [actualizar][ 3]
El mercado cinematográfico mundial tuvo una taquilla de 42 200 millones de dólares en 2019. Los tres principales continentes/regiones por recaudación bruta de taquilla fueron Asia-Pacífico con 17 800 millones de dólares , Estados Unidos y Canadá con 11 400 millones de dólares , y Europa, Oriente Medio y el Norte de África con 10 300 millones de dólares . En 2019 [actualizar], los mercados más grandes por taquilla fueron, en orden decreciente, Estados Unidos, China , Japón , Corea del Sur , Reino Unido , Francia e India . [1] En 2019 [actualizar], los países con mayor número de producciones cinematográficas fueron India y Estados Unidos. [4] En Europa, los centros importantes de producción cinematográfica son Francia, Alemania, España, Italia y el Reino Unido. [5]
El cine de China es uno de los tres hilos históricos distintos del cine en idioma chino junto con el cine de Hong Kong y el cine de Taiwán . El cine se introdujo en China en 1896 y la primera película china, Dingjun Mountain , se realizó en 1905, con la industria cinematográfica centrada en Shanghái en las primeras décadas. China es el hogar de uno de los estudios cinematográficos más grandes del mundo, Hengdian World Studios , y en 2010 tenía la tercera industria cinematográfica más grande por número de largometrajes producidos anualmente. Durante la siguiente década, las compañías de producción fueron principalmente de propiedad extranjera, y la industria cinematográfica nacional se centró en Shanghái, un próspero centro de distribución y la ciudad más grande del Lejano Oriente . En 1913, el primer guion chino independiente , The Difficult Couple , fue filmado en Shanghái por Zheng Zhengqiu y Zhang Shichuan . [6]
A medida que la Sexta Generación [ aclaración necesaria ] ganó exposición internacional, muchas películas posteriores fueron empresas conjuntas y proyectos con patrocinadores internacionales, pero se mantuvieron bastante decididamente discretas y de bajo presupuesto [ cita requerida ] . La Plataforma de Jia (2000) fue financiada en parte por la casa productora de Takeshi Kitano , [7] mientras que su Naturaleza muerta se filmó en video HD. Naturaleza muerta fue una adición sorpresa y ganadora del León de Oro del Festival Internacional de Cine de Venecia de 2006. Naturaleza muerta , que trata sobre trabajadores provinciales de la región de las Tres Gargantas , contrasta marcadamente con las obras de directores chinos de la Quinta Generación como Zhang Yimou y Chen Kaige , que en ese momento estaban produciendo La casa de las dagas voladoras (2004) y La promesa (2005). No presentó ninguna estrella de renombre internacional y fue actuada principalmente por no profesionales. En 2012, el país se convirtió en el segundo mercado más grande del mundo por ingresos de taquilla. En 2014, la recaudación bruta en taquilla en China fue de ¥ 29,6 mil millones ( US$ 4,82 mil millones), y las películas nacionales representaron una participación del 55%. [8] China también se ha convertido en un importante centro de negocios para los estudios de Hollywood. [9] [10]
En 2018, la taquilla bruta de China fue de 8.900 millones de dólares estadounidenses [11] En 2013, la taquilla bruta de China fue de 21.800 millones de yenes (3.600 millones de dólares estadounidenses), el segundo mercado cinematográfico más grande del mundo por ingresos de taquilla [12] Aumentó a 4.800 millones de dólares en 2014 , la mayor recaudación de taquilla en la industria cinematográfica. [13] Debido a la pandemia de COVID-19 , en 2020 China superó a América del Norte como la taquilla más grande del mundo, siendo el primer país en lograr este estatus. [14] China mantuvo este estatus en 2021. Sin embargo, en 2022, América del Norte volvió a superar a China como el mercado más grande de taquilla mundial. [15]
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El cine de los Estados Unidos , a menudo denominado generalmente Hollywood, ha tenido un profundo efecto en el cine de todo el mundo desde principios del siglo XX. El cine de los Estados Unidos (Hollywood) es la industria cinematográfica más antigua del mundo y también la industria cinematográfica más grande en términos de ingresos. Hollywood es el nexo principal de la industria cinematográfica estadounidense con instalaciones de estudio de cine establecidas como el American Film Institute , LA Film School y NYFA establecidas en el área. [16] Sin embargo, cuatro de los seis principales estudios cinematográficos son propiedad de empresas de la Costa Este . Los principales estudios cinematográficos de Hollywood, incluidos Metro-Goldwyn-Mayer , 20th Century Fox y Paramount Pictures , son la fuente principal de las películas de mayor éxito comercial del mundo , [17] [18] incluidas películas como The Sound of Music (1965), Star Wars (1977), Titanic (1997) y Avatar (2009).
Los estudios cinematográficos estadounidenses generan hoy en día en conjunto varios cientos de películas cada año, lo que convierte a Estados Unidos en uno de los productores de películas más prolíficos del mundo. Solo The Walt Disney Company , propietaria de los Walt Disney Studios , tiene su sede en el sur de California . [19] Y aunque Sony Pictures Entertainment tiene su sede en Culver City, California, su empresa matriz, Sony Corporation , tiene su sede en Tokio , Japón. La mayoría de los rodajes ahora [ ¿cuándo? ] se llevan a cabo en California , Nueva York , Luisiana , Georgia y Carolina del Norte . Nuevo México , especialmente en las áreas de Albuquerque y Santa Fe, había sido un estado cada vez más popular para filmar; el programa de televisión Breaking Bad se ambienta allí, y películas como No Country for Old Men y Rust se filmaron allí. [ cita requerida ] Entre 2009 y 2015, Hollywood recaudó constantemente $ 10 mil millones (o más) anualmente. [20] La ceremonia de entrega de premios de Hollywood, los Premios de la Academia , oficialmente conocidos como Los Oscar, es organizada por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMPAS) cada año y, hasta 2019, se han otorgado más de 3000 premios Oscar. [21]
El 27 de octubre de 1911, Nestor Film Company estableció el primer estudio cinematográfico permanente de Hollywood. El clima de California permitió filmar durante todo el año. En 1912, se formó Universal Studios , fusionando Nestor y varias otras compañías cinematográficas, incluida Independent Moving Pictures (IMP).
La India es el mayor productor de películas del mundo y la segunda industria cinematográfica más antigua del mundo. [22] El país alberga algunas de las ciudades más importantes de la industria cinematográfica mundial: Mumbai (anteriormente Bombay) y Chennai (Madrás). En 2009, la India produjo un total de 2.961 películas en celuloide; esta cifra incluye 1.288 largometrajes. [23] Además de ser el mayor productor de películas del mundo, la India también tiene el mayor número de entradas. [24] La industria cinematográfica india es multilingüe y la más grande del mundo en términos de venta de entradas, pero la tercera más grande en términos de ingresos, principalmente debido a que tiene entre los precios de entradas más bajos del mundo. [25] La industria es vista principalmente por un vasto público indio que va al cine. [ cita requerida ] La industria cinematográfica india también es la fuente dominante de películas y entretenimiento en sus países vecinos del sur de Asia . Las tres industrias cinematográficas más grandes de la India son el cine hindi , el cine telugu y el cine tamil . La industria cinematográfica hindi se concentra principalmente en Mumbai (Bombay) y se la conoce comúnmente como Bollywood , un acrónimo de Bombay y Hollywood. El cine telugu se concentra principalmente en Hyderabad y se lo conoce comúnmente como Tollywood . La industria cinematográfica tamil, es decir, Kollywood, se concentra principalmente en Chennai .
Además de las películas comerciales convencionales, la India también ofrece un enfoque diferente del cine: el cine paralelo . El movimiento del cine paralelo se originó en Bengala Occidental alrededor de la década de 1950. El movimiento fue liderado inicialmente por el cine bengalí . Más tarde ganó prominencia en otras industrias cinematográficas de la India. El cine paralelo es un término general designado a un cierto tipo de películas que se alejan de las convenciones del cine convencional popular. El cine paralelo ha asumido varias formas a lo largo de los años. Los cineastas asociados con el cine paralelo son Satyajit Ray , Mrinal Sen , Ritwik Ghatak . Las películas paralelas se caracterizan por su rechazo de las formas populares como las canciones y las secuencias de lucha, su afinidad por los entornos rurales, el uso de actores de método y paletas de colores atenuadas. Los mejores ejemplos de cine paralelo son las películas más famosas de Ray: Pather Panchali (1955), Aparajito (1956) y El mundo de Apu (1959), que formaron la Trilogía de Apu . Otros ejemplos de este tipo de películas son Raincoat , Dhobi Ghat y Mithya .
Las películas indias han ganado popularidad no solo en el mercado interno sino también en los mercados internacionales, con Dangal teniendo un ingreso bruto en el extranjero de $ 260 millones, Secret Superstar y Bajrangi Bhaijaan generando un ingreso bruto de $ 80,4 millones, y Baahubali: The Beginning y Baahubali 2: The Conclusion (una duología de gran éxito del cine telugu ) recaudando más de $ 370 millones a nivel mundial. [26] En la India, tienen más de 400 casas de producción con 32 casas corporativas; también apoyando el sustento de más de 6 millones de personas. [27]
Las otras industrias cinematográficas más grandes son el cine malabar , el cine kannada , el cine bengalí ( cine de Bengala Occidental ) y el cine maratí , ubicados principalmente en Kochi , Bengaluru , Calcuta y Mumbai , respectivamente. La porción mayoritaria restante se extiende por el norte, oeste, este y sur de la India (con cine gujarati , punjabi , odia , bhojpuri y asamés ). Sin embargo, hay varios centros más pequeños de industrias cinematográficas indias en idiomas regionales centrados en los estados donde se hablan esos idiomas. El cine indio encierra varias formas de arte como la música clásica india, la música folclórica de diferentes regiones del país, la danza clásica india, la danza folclórica y mucho más. Bollywood, Kollywood y Tollywood forman la mayor parte de la industria cinematográfica india y se ven en todo el subcontinente indio , y son cada vez más [ ¿cuándo? ] populares en el Reino Unido, Estados Unidos, Australia, Nueva Zelanda, el sudeste asiático , África , los países del Golfo , los países europeos , el este de Asia y China. El complejo de estudios cinematográficos más grande del mundo es Ramoji Film City, ubicado en Hyderabad , India, que abrió sus puertas en 1996 y mide 674 ha (1666 acres). Compuesto por 47 estudios de sonido, tiene decorados permanentes que van desde estaciones de tren hasta templos. [28]
En 1986, la producción cinematográfica anual de la India había aumentado de 741 películas producidas anualmente a 833 películas anuales, lo que convirtió a la India en el mayor productor de películas del mundo. [29] En 2014 [actualizar], Bollywood representa el 45% de los ingresos netos de taquilla de la India, mientras que los cines tamil y telugu juntos representan el 36%, y el resto de las industrias cinematográficas regionales constituyen el 21% del cine indio. [30] En 2021, el cine telugu (Tollywood) ha superado tanto al cine hindi (Bollywood) como al cine tamil (Kollywood), y ha emergido como la industria cinematográfica más grande de la India en términos de taquilla. En 2023, Bollywood volvió a surgir como la industria cinematográfica más grande de la India. [31] [32]
El cine ruso , conocido popularmente como Mollywood , se refiere a la industria cinematográfica de Rusia dedicada a la producción de películas en idioma ruso. El término popular Mollywood es una combinación de " Moscú " y " Hollywood ".
Comenzó en el Imperio ruso , se desarrolló ampliamente en la Unión Soviética y en los años posteriores a su disolución . La industria cinematográfica rusa seguiría siendo reconocida internacionalmente. En el siglo XXI, el cine ruso se ha dado a conocer internacionalmente con películas como Hardcore Henry (2015), Leviatán (2014), Ronda de noche (2004) y Brother (1997). El Festival Internacional de Cine de Moscú comenzó en Moscú en 1935. El Premio Nika es el principal premio cinematográfico nacional anual en Rusia.
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Las primeras películas vistas en el Imperio ruso fueron traídas por los hermanos Lumière , quienes exhibieron películas en Moscú y San Petersburgo en mayo de 1896. Ese mismo mes, el camarógrafo de Lumière, Camille Cerf, realizó la primera película en Rusia, registrando la coronación de Nicolás II en el Kremlin . [33]
Aleksandr Drankov produjo la primera película narrativa rusa, Stenka Razin (1908), basada en hechos narrados en una canción popular y dirigida por Vladimir Romashkov . Entre los cineastas rusos notables de la época se encontraban Aleksandr Khanzhonkov e Ivan Mozzhukhin , que realizó La defensa de Sebastopol en 1912. Yakov Protazanov realizó La partida de un gran anciano (1912), una película biográfica sobre Lev Tolstoy .
El pionero de la animación Ladislas Starevich realizó la primera película de animación rusa (y la primera película de marionetas en stop motion con una historia) en 1910: Lucanus Cervus . Sus otros cortometrajes en stop motion La bella Leukanida (1912) y La venganza del camarógrafo (1912), producidos para Aleksandr Khanzhonkov, también se encuentran entre las primeras películas de animación. En los años siguientes, Starevich realizó cortometrajes basados en fábulas como La cigarra y la hormiga (1913), así como películas de propaganda de la Primera Guerra Mundial. [ cita requerida ] .
El Reino Unido ha tenido una importante industria cinematográfica durante más de un siglo. Si bien la producción cinematográfica alcanzó un máximo histórico en 1936, [35] se suele pensar que la "edad de oro" del cine británico ocurrió en la década de 1940, durante la cual los directores David Lean , [36] Michael Powell (con Emeric Pressburger ) [37] y Carol Reed [38] produjeron su trabajo más aclamado. Muchos actores británicos han alcanzado fama mundial y éxito de crítica, como Maggie Smith , Roger Moore , Michael Caine , [39] Sean Connery , [40] Daniel Day-Lewis , Gary Oldman y Kate Winslet . [41] Algunas de las películas con mayores ingresos de taquilla de la historia se han realizado en el Reino Unido, incluidas la tercera y cuarta serie de películas más taquilleras ( Harry Potter y James Bond ). [42]
La primera película en movimiento fue filmada en Leeds por Louis Le Prince en 1888, [43] [44] y las primeras películas en movimiento reveladas en celuloide fueron realizadas en Hyde Park, Londres , en 1889 por el inventor británico William Friese Greene , [45] quien patentó el proceso en 1890.
Dos de las ocho películas más taquilleras de todos los tiempos en todo el mundo [ ¿cuándo? ] tienen alguna dimensión histórica, cultural o creativa británica: Titanic (1997), Harry Potter y las Reliquias de la Muerte – Parte 2 (2011), El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey (2003) y Piratas del Caribe: El Cofre del Hombre Muerto (2005). Si añadimos cuatro películas más de Harry Potter y una más de El Señor de los Anillos , además de la versión de Tim Burton de Alicia en el País de las Maravillas (2010), más de la mitad de las veinte películas más exitosas económicamente [ ¿cuándo? ] tenían una dimensión británica sustancial. [46] [¿ investigación original? ]
La influencia británica también se puede ver en el "ciclo inglés" de películas animadas de Disney, que incluyen Alicia en el país de las maravillas (1951), Peter Pan (1953), Cien y un dálmatas (1961), La espada en la piedra (1963) y El libro de la selva (1967). [47] Disney se interesó por primera vez en las películas de acción real como un medio para utilizar las reservas financieras que se habían acumulado en Gran Bretaña y que no podían repatriarse debido a los controles de cambio, al hacer dos películas con fuentes escocesas e inglesas. Se trata de La isla del tesoro (1950) y La historia de Robin Hood y sus alegres hombres (1952), que fueron éxitos de taquilla. El estudio continuó recurriendo a material de origen británico para sus películas animadas después de la muerte de Walt Disney en 1967, con los largometrajes de dibujos animados Robin Hood (1973), Las muchas aventuras de Winnie the Pooh y Los rescatadores (ambos de 1977), uno de los muchos Disney que se basó en los personajes de AA Milne .
En los años 1970 y 1980, los estudios británicos se ganaron una reputación [ cita requerida ] por sus excelentes efectos especiales en películas como Superman (1978), Alien (1979) y Batman (1989). Parte de esta reputación se basó en el núcleo de talentos reunidos para el rodaje de 2001: Una odisea del espacio (1968) que posteriormente trabajaron juntos en series y largometrajes para Gerry Anderson . Aardman Animations, con sede en Bristol, es conocida por su animación stop-motion.
A finales de 1998, Channel 4 lanzó su canal de cine en abierto Film4 , un canal diseñado específicamente para mostrar películas. Emite a partir de las 11:00 a. m. BST y compite con la cadena de cine de televisión de pago Sky Cinema .
La compañía de efectos visuales Framestore , con sede en Londres y Tim Webber como supervisor de efectos visuales , ha trabajado en las películas The Dark Knight (2008) y Gravity (2013), con nuevas técnicas involucradas en Gravity que tardaron tres años en completarse. [48]
Francia es la cuna del cine y fue responsable de muchas de sus contribuciones significativas a la forma de arte y al proceso de realización cinematográfica en sí. [49] Varios movimientos cinematográficos importantes, incluida la Nouvelle Vague , comenzaron en el país. Se destaca por tener una industria cinematográfica particularmente fuerte, debido en parte a las protecciones brindadas por el gobierno francés . [49]
El cine francés se entrelaza a veces con el cine de naciones extranjeras. Directores de naciones como Polonia ( Roman Polanski , Krzysztof Kieślowski y Andrzej Żuławski ), Argentina ( Gaspar Noé y Edgardo Cozarinsky ), Rusia ( Alexandre Alexeieff , Anatole Litvak ), Austria ( Michael Haneke ) y Georgia ( Géla Babluani , Otar Iosseliani ) son prominentes en las filas del cine francés. Por el contrario, algunos directores franceses han tenido carreras en otros países, como Luc Besson , Jacques Tourneur o Francis Veber en los Estados Unidos .
Otro elemento que apoya este hecho es que París tiene la mayor densidad de cines del mundo, medida en número de salas de cine por habitante, [50] y que en la mayoría de las salas de cine del "centro de París" se proyectan películas extranjeras que en otros lugares quedarían relegadas a los cines "de arte y ensayo" junto a las obras "mainstream". Philippe Binant realizó, el 2 de febrero de 2000, la primera proyección de cine digital en Europa, con la tecnología DLP CINEMA desarrollada por Texas Instruments , en París. [51] París también cuenta con la Cité du cinéma, un importante estudio al norte de la ciudad, y Disney Studio, un parque temático dedicado al cine y el tercer parque temático cerca de la ciudad después de Disneyland y Parc Asterix. [52]
En 2015, Francia produjo un récord de 300 largometrajes. [53] Las películas estadounidenses y británicas solo representaron el 44,9% del total de entradas en 2014. Esto se debe en gran medida a la fortaleza comercial de las producciones nacionales, que representaron el 44,5% de las entradas en 2014 (35,5% en 2015; 35,3% en 2016). [54] A mediados de la década de 2000, se describía a la industria cinematográfica francesa como "más cerca de ser completamente autosuficiente que cualquier otro país de Europa, recuperando alrededor del 80-90% de su presupuesto en ingresos generados por el mercado interno". [55] En 2018, las películas francesas tuvieron una taquilla internacional de 237 millones de euros con 40 millones de entradas (un 52% menos que en 2017), siendo Italia el principal mercado extranjero. [56]
El cine de Irán ( en persa : سینمای ایران ) o cine de Persia se refiere a las industrias cinematográficas y cinematográficas de Irán , que producen una variedad de películas comerciales anualmente. Las películas de arte iraníes han ganado fama internacional y ahora disfrutan de un seguimiento global. [57]
Junto con China, Irán ha sido elogiado como uno de los mejores exportadores de cine en la década de 1990. [58] Algunos críticos ahora [ ¿cuándo? ] clasifican a Irán como el cine nacional más importante del mundo, artísticamente, con una importancia que invita a la comparación con el neorrealismo italiano y movimientos similares en décadas pasadas. [57] El cineasta alemán Werner Herzog ha elogiado al cine iraní como uno de los cines artísticos más importantes del mundo. [59] Es notable que Irán haya ganado 2 premios de la Academia y haya sido nominado 3 veces, lo que lo ubica en el puesto 11 en el cine mundial, segundo en Asia después de Japón y primero en Medio Oriente [60] .:
El mercado cinematográfico turco destaca en el panorama paneuropeo como el único mercado en el que las películas nacionales superan regularmente a las películas estadounidenses . [61] En 2013, tuvo 1,2 millones de entradas y se estrenaron 87 largometrajes . [62] Entre 2004 y 2014, las 12,9 millones de entradas estimadas generadas en mercados europeos no nacionales solo representaron el 7% de las entradas totales a películas turcas en Europa (incluida Turquía). Esta fue la tercera proporción más baja entre los 30 mercados europeos para los que se dispone de dichos datos e ilustra claramente la fuerte dependencia de las películas turcas del mercado interno, una característica que comparten las películas polacas y rusas. [63]
En 2014, Kış Uykusu ( El sueño del invierno ) ganó el Premio del Festival de Cine de Cannes a la Mejor Película. [64] En 2013, Turquía todavía se ubicaba detrás de los Países Bajos en términos de taquilla con poco más de 200 millones de euros como el octavo mercado de taquilla más grande de Europa por delante de Suecia y Suiza con una clara brecha con los 6 mercados principales, todos los cuales registraron GBO entre 504 millones de euros (España) hasta más de mil millones de euros en Francia, el Reino Unido , Alemania y la Federación Rusa . [65] Ir al cine es comparativamente barato en Turquía. En 2013, una entrada de cine costaba en promedio 4,0 EUR en Turquía, y se estimó que este era el precio promedio de entrada más bajo, medido en euros, en Europa, marginalmente más barato que en varios mercados de Europa central y oriental como Croacia, Rumania, Lituania o Bulgaria (sujeto a tipos de cambio). [66] .
Japón tiene una de las industrias cinematográficas más antiguas y grandes del mundo; en 2010, era la cuarta más grande en cuanto a número de largometrajes producidos. [67] Se han producido películas en Japón desde 1897, cuando llegaron los primeros camarógrafos extranjeros. [ cita requerida ]
En una lista de Sight & Sound de las mejores películas producidas en Asia , las obras japonesas ocuparon ocho de las 12 primeras, con Tokyo Story (1953) en el puesto número uno. [ cita requerida ] Tokyo Story también encabezó la encuesta de directores de Sight & Sound de 2012 de Las 50 mejores películas de todos los tiempos , destronando a Ciudadano Kane , [68] [69] mientras que Los siete samuráis (1954) de Akira Kurosawa fue votada como la mejor película en lengua extranjera de todos los tiempos en la encuesta de 2018 de la BBC a 209 críticos en 43 países. [70] Japón ha ganado el Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera cuatro veces ( Rashomon , La puerta del infierno , Samurai I: Musashi Miyamoto y Partures ), más que cualquier otro país asiático. [ ¿cuando? ] .
En Egipto se rodaron un número limitado de películas mudas a partir de 1896; Laila , de 1927, fue la primera película de larga duración. La industria cinematográfica de El Cairo se convirtió en una fuerza regional con la llegada del sonido. Entre 1930 y 1936, varios estudios pequeños produjeron al menos 44 largometrajes. En 1936, Studio Misr , financiado por el industrial Talaat Harb , surgió como el principal equivalente egipcio de los grandes estudios de Hollywood, un papel que la compañía mantuvo durante tres décadas. [71] De los más de 4000 cortometrajes y largometrajes realizados en la región MENA desde 1908, más de las tres cuartas partes fueron películas egipcias . Las películas egipcias suelen hablarse en el dialecto árabe egipcio . [72] [73]
Desde 1976, El Cairo acoge anualmente el Festival Internacional de Cine de El Cairo (CIFF), acreditado por la Federación Internacional de Asociaciones de Productores Cinematográficos. En 1996, se inauguró la Ciudad Egipcia de Producción de Medios (EMPC) en la Ciudad 6 de Octubre , al sur de El Cairo, aunque en 2001, solo uno de los 29 estudios previstos estaba en funcionamiento. [74] La censura, que antes era un obstáculo a la libertad de expresión, ha disminuido notablemente en 2012, cuando el cine egipcio había comenzado a abordar con audacia cuestiones que abarcaban desde cuestiones sexuales [75] hasta duras críticas al gobierno. [76]
Las décadas de 1940, 1950 y 1960 se consideran generalmente la edad de oro del cine egipcio. Al igual que en Occidente, las películas respondían a la imaginación popular, y la mayoría caían en géneros predecibles (los finales felices eran la norma) y muchos actores hacían carrera interpretando papeles muy definidos. En palabras de un crítico, "si una película egipcia destinada al público popular carecía de alguno de estos requisitos previos, constituía una traición al contrato no escrito con el espectador, cuyos resultados se manifestarían en la taquilla". [77] Desde la década de 1990, el cine egipcio ha tomado caminos separados. Las películas de arte más pequeñas atraen cierta atención internacional, pero escasa asistencia en casa. Las películas populares, a menudo comedias amplias como ¡Qué mentira! y las obras extremadamente rentables del comediante Mohamed Saad , luchan por retener a un público que se siente atraído por las películas occidentales o, cada vez más, receloso de la inmoralidad percibida del cine. [78]
El término cine de Corea (o cine coreano) abarca las industrias cinematográficas de Corea del Norte y Corea del Sur . Como sucedió con todos los aspectos de la vida coreana durante el siglo pasado, la industria cinematográfica a menudo ha estado a merced de los acontecimientos políticos, desde finales de la dinastía Joseon hasta la Guerra de Corea y la interferencia gubernamental interna. Si bien ambos países tienen industrias cinematográficas relativamente sólidas en la actualidad [ ¿cuándo? ] [ cita requerida ] , solo las películas surcoreanas han logrado un amplio reconocimiento internacional. Las películas norcoreanas tienden a retratar sus temas comunistas o revolucionarios.
Las películas de Corea del Sur disfrutaron de una "época dorada" a finales de los años 1950 y 1960. En 2005, Corea del Sur se había convertido en una de las pocas naciones en ver más películas nacionales que importadas en los cines [79] debido en gran medida a las leyes que imponen límites a la cantidad de películas extranjeras que se pueden mostrar por sala por año. [80] En los cines, las películas coreanas deben proyectarse durante 73 días al año desde 2006. En la televisión por cable, la cuota de películas nacionales del 25% se reducirá al 20% después del TLC entre Corea del Sur y Estados Unidos. [81] El cine de Corea del Sur tuvo una recaudación total de taquilla en el país en 2015 de ₩ 884 mil millones y tuvo 113.000.000 de entradas, el 52% de las entradas totales. [ cita requerida ]
La historia del cine de Polonia es casi tan larga como la historia de la cinematografía , y tiene logros universalmente reconocidos, aunque las películas polacas tienden a estar menos disponibles comercialmente que las películas de varias otras naciones europeas.
Después de la Segunda Guerra Mundial , el gobierno comunista construyó un cine nacional basado en el autor , formó a cientos de nuevos directores y los empoderó para hacer películas. Cineastas como Roman Polański , Krzysztof Kieślowski , Agnieszka Holland , Andrzej Wajda , Andrzej Żuławski , Andrzej Munk y Jerzy Skolimowski influyeron en el desarrollo de la cinematografía polaca. En años más recientes, la industria ha estado liderada por los productores, siendo la financiación la clave para que se haga una película, y con muchos cineastas independientes de todos los géneros, las producciones polacas tienden a estar más inspiradas en el cine estadounidense .
La Escuela de Cine Polaca estuvo fuertemente influenciada por los neorrealistas italianos . Aprovechó los cambios liberales en Polonia después del Octubre Polaco de 1956 para retratar la complejidad de la historia polaca durante la Segunda Guerra Mundial y la ocupación alemana. Entre los temas más importantes estaban la generación de ex soldados del Ejército Nacional y su papel en la Polonia de posguerra y las tragedias nacionales como los campos de concentración alemanes y el Levantamiento de Varsovia . Los cambios políticos permitieron al grupo hablar más abiertamente de la historia reciente de Polonia. Sin embargo, la censura seguía siendo fuerte cuando se trataba de la historia después de 1945 y había muy pocas películas sobre los acontecimientos contemporáneos. Esto marcó la principal diferencia entre los miembros de la Escuela de Cine Polaca y los neorrealistas italianos.
La Escuela de Cine Polaca fue la primera en subrayar el carácter nacional de los polacos y uno de los primeros movimientos artísticos de Europa Central en oponerse abiertamente a las directrices oficiales del realismo socialista . Los miembros del movimiento tienden a subrayar el papel del individuo en oposición a la colectividad. Había dos tendencias dentro del movimiento: los directores jóvenes como Andrzej Wajda generalmente estudiaban la idea del heroísmo, mientras que otro grupo (el más notable fue Andrzej Munk ) analizaba el carácter polaco a través de la ironía, el humor y una disección de los mitos nacionales.
El cine de Filipinas comenzó con la introducción de las primeras imágenes en movimiento en el país el 31 de agosto de 1897, en el Salón de Pertierra en Manila . Al año siguiente, las escenas locales fueron filmadas en película por primera vez por un español, Antonio Ramos, utilizando el cinematógrafo Lumière . [82] Si bien la mayoría de los primeros cineastas y productores del país eran en su mayoría extranjeros y expatriados adinerados y emprendedores , el 12 de septiembre de 1919, Dalagang Bukid (Country Maiden) , una película basada en una obra musical popular, fue la primera película realizada y exhibida por el cineasta filipino José Nepomuceno . [83] Apodado como el "Padre del cine filipino", su trabajo marcó el comienzo del cine como forma de arte en Filipinas. [84]
El cine de Bangladesh es la industria cinematográfica en lengua bengalí con sede en Dhaka , Bangladesh . La industria a menudo ha sido una industria cinematográfica importante desde principios de la década de 1970. La palabra "Dhollywood" es un acrónimo de las palabras Dhaka y Hollywood . El estilo dominante del cine de Bangladesh es el cine melodramático , que se desarrolló entre 1947 y 1990 y caracteriza la mayoría de las películas hasta el día de hoy. El cine fue introducido en Bangladesh en 1898 por Bradford Bioscope Company, a la que se le atribuye haber organizado el primer estreno de una película en Bangladesh. Entre 1913 y 1914, se abrió la primera productora llamada Picture House. Un cortometraje mudo titulado Sukumari ( La buena chica ) fue la primera película producida en la región durante 1928. El primer largometraje , El último beso , se estrenó en 1931. Desde la separación de Bangladesh de Pakistán en 1971, Dhaka es el centro de la industria cinematográfica de Bangladesh y generó la mayor parte de los ingresos, la producción y las audiencias. Los años 1960, 1970, 1980 y la primera mitad de los años 1990 fueron los años dorados para las películas de Bangladesh, ya que la industria produjo muchas películas exitosas. The Face and the Mask , el primer largometraje en idioma bengalí, se produjo en 1956. [85] [86] Matir Moina , una película de 2002 de Tarek Masud , se convirtió en la primera película de Bangladesh en ser honrada en el Festival de Cine de Cannes.
El estudio cinematográfico más grande del sudeste asiático se inauguró el 5 de noviembre de 2011 en 10 hectáreas de tierra en Nongsa, isla de Batam , Indonesia . Infinite Frameworks (IFW) es una empresa con sede en Singapur (cerca de la isla de Batam) que es propiedad de un consorcio con el 90 por ciento de la misma en manos del empresario y productor de cine indonesio, Mike Wiluan. [87] En 2010-2011, debido al aumento sustancial del impuesto al valor agregado aplicado a las películas extranjeras, los cines ya no tenían acceso a muchas películas extranjeras, incluidas las películas ganadoras del Oscar. Las películas extranjeras incluyen las principales taquillas de Occidente y otros grandes productores de cine del mundo. Esto causó un efecto dominó masivo en la economía del país. Se supone que esto aumentó la compra de DVD sin licencia. Sin embargo, incluso los DVD que violan los derechos de autor tardaron más en obtenerse. El costo mínimo para ver una película extranjera que no se proyecta localmente era de 1 millón de rupias. Esto era equivalente a US$100, ya que incluye un boleto de avión a Singapur. [88]
El cine de Pakistán , o simplemente cine pakistaní ( urdu : پاکستانی سنیما ), se refiere a la industria cinematográfica de Pakistán . La mayoría de las películas filmadas en Pakistán están en urdu , el idioma nacional, pero también pueden incluir películas en inglés, el idioma oficial, y en idiomas regionales como el punjabi , el pastún , el balochi y el sindhi . Lahore ha sido descrita como el epicentro del cine pakistaní, lo que dio lugar al término " Lollywood ", compuesto de Lahore y Hollywood.
Antes de la separación de Bangladesh, Pakistán tenía tres centros principales de producción cinematográfica: Lahore , Karachi y Dhaka . El régimen de Muhammad Zia-ul-Haq , los VCR , la piratería cinematográfica , la introducción de impuestos al entretenimiento, leyes estrictas basadas en una jurisprudencia ultraconservadora, fueron un obstáculo para el crecimiento de la industria. [89] Una vez próspero, el cine en Pakistán tuvo un colapso repentino en la década de 1980 y en la década de 2000 "una industria que alguna vez produjo un promedio de 80 películas al año ahora luchaba por producir incluso unas pocas películas". Sin embargo, con el auge de la industria de la televisión en Karachi, que dio lugar a casas de medios de comunicación privadas más grandes, condujo a la reactivación de la industria cinematográfica de Pakistán a principios de la década de 2010. Karachi , ahora es el mayor centro de producción de la industria cinematográfica en Pakistán, que produce películas paquistaníes en idioma urdu, inglés y sindhi. Lahore es el segundo mayor productor de películas en la actualidad (principalmente películas punjabi), seguido de Peshawar, donde se producen principalmente películas en pastún. También se están produciendo películas a muy pequeña escala en Islamabad (películas en urdu e inglés) y Quetta (películas en baluchi). Las películas paquistaníes están ganando mercado en el ámbito local y en mercados internacionales como los países del Golfo, Reino Unido-Europa, Estados Unidos-América del Norte y el Lejano Oriente. Muchas películas paquistaníes llegaron a la categoría de película en lengua extranjera de los Oscar, es decir , The Day Shall Dawn (1959), The Veil (Ghoonghat) (1963), Zinda Bhaag (2013), Dukhtar (2014), Moor (2015), Mah-e-Mir (2016), Saawan (2017), Cake (2018), Lal Kabootar (2019). Dos películas documentales paquistaníes ganaron los Oscar a la mejor película documental, estas son, Saving Face (2012) y A Girl in the River (2016). Las películas paquistaníes, especialmente las películas urdu, giran en torno al drama familiar, el romance, las historias de amor, la comedia, el suspenso, los asuntos sociales y los problemas políticos. En la era contemporánea, algunas películas paquistaníes han ganado reconocimiento internacional, estas incluyen, Khuda Kay Liye (En el nombre de Dios), Bol , Verna, Zinda Bhaag, Load-Wedding, Wrong No. , Cake, Teefa in Trouble , Lal Kabootar, Mah-e-Meer, Moor, The Legend of Maula Jatt .
El cine punjabi se centra principalmente en el romance, el drama familiar y la acción, mientras que el cine pastún gira en torno a la acción y las disputas tribales.
Los principales premios cinematográficos incluyen los Lux Style Awards , los ARY Film Awards, los Nigar Awards y los National Film Awards.
El cine de Malasia se compone de largometrajes producidos en Malasia, filmados en los idiomas inglés , tamil , malayo , mandarín y cantonés .
Malasia produce anualmente alrededor de 60 largometrajes y entre 300 y 400 series y dramas televisivos, además de las producciones propias de las distintas cadenas de televisión. El país también celebra anualmente sus propios premios cinematográficos a nivel nacional, conocidos como el Festival de Cine de Malasia . En Malasia hay alrededor de 150 cines y complejos cinematográficos que proyectan no solo películas locales, sino también extranjeras.
En Israel se han realizado películas desde antes de la independencia en 1948. [90] La industria es relativamente pequeña económicamente, pero las películas israelíes han sido nominadas a más premios de la Academia a la mejor película en lengua extranjera que cualquier otro país de Oriente Medio. El gobierno está intentando atraer a compañías extranjeras para que filmen en Israel ofreciendo subsidios para los costos de producción. [91]
Hong Kong es un centro cinematográfico para el mundo de habla china (incluida la diáspora mundial ) y el este de Asia en general. Durante décadas fue la tercera industria cinematográfica más grande del mundo (después de India y Estados Unidos) y el segundo mayor exportador de películas. [92] A pesar de una crisis de la industria que comenzó a mediados de la década de 1990 y el regreso de Hong Kong a la soberanía china en julio de 1997, el cine de Hong Kong ha conservado gran parte de su identidad distintiva y continúa desempeñando un papel destacado en el escenario cinematográfico mundial. A diferencia de muchas industrias cinematográficas, Hong Kong ha disfrutado de poco o ningún apoyo gubernamental directo, ya sea a través de subsidios o cuotas de importación. Siempre ha sido un cine completamente comercial, concentrado en géneros que agradan al público, como la comedia y la acción, y muy dependiente de fórmulas, secuelas y remakes. Típicamente de los cines comerciales, su corazón es un sistema de estrellas altamente desarrollado , que en este caso también presenta una superposición sustancial con la industria de la música pop.
La Compañía de Cine de Trinidad y Tobago es una agencia nacional que se creó en 2006 para promover el desarrollo de la industria cinematográfica. Trinidad y Tobago organiza varios festivales de cine organizados por diferentes comités y organizaciones. Entre ellos se incluyen el Festival de Cortometrajes de Escuelas Secundarias y el Festival de Cine con Teléfonos Inteligentes, organizados por la Compañía de Cine de Trinidad y Tobago. También hay un Festival de Cine de Trinidad y Tobago anual que dura dos semanas en la segunda quincena de septiembre.
El sector cinematográfico de Trinidad y Tobago comenzó a surgir a fines de la década de 1950 y principios de la de 1960, y para fines de la década de 1970, había un puñado de producciones locales, tanto de largometrajes como de televisión. [93] El primer largometraje que se produjo en Trinidad y Tobago fue The Right and the Wrong (1970) del director, escritor y productor indio Harbance Kumar. El guion fue escrito por el dramaturgo trinitario Freddie Kissoon. [94] El resto del siglo XX vio un par de largometrajes más realizados en el país, con Bim (1974), destacada por Bruce Paddington como "una de las películas más importantes producidas en Trinidad y Tobago... y uno de los clásicos del cine caribeño". [95] Fue una de las primeras películas en contar con un elenco y equipo técnico casi en su totalidad trinitarios. [96] Hubo un aumento en la producción cinematográfica trinitaria en la década de 2000. Películas como Iván el Terrible (2004), SistaGod (2006), Soy Santana: La Película (2012) y Dios ama al luchador (2013) se estrenaron tanto localmente como internacionalmente. SistaGod tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Toronto de 2006. [97]
El cine nepalí no tiene una historia cinematográfica muy larga, pero la industria tiene su propio lugar en el patrimonio cultural del país. A menudo se lo conoce como 'Nepali Chalchitra' (que se traduce como "películas nepalesas" en español). También se utilizan los términos Kollywood y Kallywood, como un acrónimo de "Kathmandu" y "Hollywood"; sin embargo, "Kollywood" se usa con más frecuencia para referirse al cine tamil. [ cita requerida ] Chhakka Panja ha sido considerada la película más taquillera de todos los tiempos en la industria cinematográfica nepalí y Kohinoor la segunda más alta. Las películas nepalíes The Black Hen (2015) y Kagbeni (2006) recibieron elogios internacionales. [ cita requerida ] El largometraje nepalí White Sun (Seto Surya) recibió el premio a la Mejor Película en el 27º Festival Internacional de Cine de Singapur (SGIFF) en 2016.
Los hermanos Lumière estrenaron la primera proyección con el cinematógrafo en París el 28 de diciembre de 1895. La industria cinematográfica francesa de finales del siglo XIX y principios del XX fue la más importante del mundo. Auguste y Louis Lumière inventaron el cinematógrafo y su L'Arrivée d'un train en gare de La Ciotat en París en 1895 es considerada por muchos historiadores como el nacimiento oficial de la cinematografía. La primera película muda australiana de 1906 fue The Story of the Kelly Gang , un relato de la notoria pandilla liderada por Ned Kelly que fue dirigida y producida por los melburnianos Dan Barry y Charles Tait . Se emitió, de forma continua, durante ochenta minutos. [98]
A principios de la década de 1910, la industria cinematográfica había emergido plenamente con El nacimiento de una nación de D.W. Griffith . También a principios de la década de 1900, las compañías de producción cinematográfica de Nueva York y Nueva Jersey comenzaron a mudarse a California debido al buen clima y los días más largos. Aunque existían luces eléctricas en ese momento, ninguna era lo suficientemente potente como para exponer adecuadamente la película; la mejor fuente de iluminación para la producción cinematográfica era la luz solar natural. Además del clima moderado y seco, también se sintieron atraídos por el estado debido a sus espacios abiertos y su amplia variedad de paisajes naturales.
En 1900, Charles Pathé comenzó a producir películas bajo la marca Pathé-Frères, y Ferdinand Zecca fue contratado para realizar las películas. En 1905, Pathé era la compañía cinematográfica más grande del mundo, posición que mantuvo hasta la Primera Guerra Mundial. Léon Gaumont comenzó a producir películas en 1896, supervisado por Alice Guy . [99]
Además de American Mutoscope, también había numerosos productores más pequeños en los Estados Unidos, y algunos de ellos establecieron una presencia duradera en el nuevo siglo. American Vitagraph , uno de estos productores menores, construyó estudios en Brooklyn y expandió sus operaciones en 1905.
El primer cine permanente que exhibió películas fue el Nickelodeon, que se inauguró en Pittsburgh en 1905. [100] Para entonces, había suficientes películas de varios minutos de duración disponibles para completar un programa que durara al menos media hora y que podía cambiarse semanalmente cuando el público local se aburría. Otros exhibidores en los Estados Unidos siguieron rápidamente su ejemplo y, en dos años, había 8000 de estos nickelodeons en funcionamiento en todo el país. La experiencia estadounidense condujo a un auge mundial en la producción y exhibición de películas a partir de 1906.
Los cines se convirtieron en lugares de entretenimiento populares y centros sociales a principios del siglo XX, al igual que los cabarets y otros teatros. [101]
En 1907, se abrieron cines construidos especialmente para películas en Estados Unidos, Gran Bretaña y Francia. Las películas se proyectaban a menudo con el acompañamiento de música proporcionada por un pianista, aunque podía haber más músicos. También había muy pocos cines más grandes en algunas de las ciudades más grandes. Inicialmente, la mayoría de las películas en los programas eran películas de Pathé , pero esto cambió bastante rápido cuando las compañías estadounidenses aumentaron la producción. El programa estaba compuesto por solo unas pocas películas y la proyección duraba alrededor de 30 minutos. El rollo de película, de una longitud máxima de 1000 pies (300 m), que generalmente contenía una película individual, se convirtió en la unidad estándar de producción y exhibición cinematográfica en este período. El programa se cambiaba dos o más veces por semana, pero aumentó a cinco cambios de programa por semana después de un par de años. En general, los cines se instalaban en los distritos de entretenimiento establecidos de las ciudades. En 1907, Pathé comenzó a alquilar sus películas a los cines a través de intercambios de películas en lugar de vender las películas directamente. [102]
Los litigios sobre patentes entre las principales compañías cinematográficas estadounidenses habían continuado y, a finales de 1908, decidieron poner en común sus patentes y formar un fideicomiso para utilizarlas en el control del negocio cinematográfico estadounidense. Las compañías implicadas eran Pathé, Edison, Biograph, Vitagraph, Lubin, Selig, Essanay, Kalem y la Kleine Optical Company, un importante importador de películas europeas. La compañía George Eastman, el único fabricante de películas en los Estados Unidos, también formaba parte del consorcio, que se llamó Motion Picture Patents Company (MPPC), y Eastman Kodak acordó suministrar únicamente películas a los miembros. Se cobraron derechos de licencia para distribuir y proyectar películas a todos los distribuidores y exhibidores. A las compañías productoras que formaban parte del fideicomiso se les asignaron cuotas de producción (dos rollos, es decir, películas, por semana para las más grandes, un rollo por semana para las más pequeñas), que se suponía que serían suficientes para llenar los programas de los exhibidores autorizados. Pero el mercado era más grande que eso, pues aunque 6.000 exhibidores firmaron contratos con la MPPC, otros 2.000 no lo hicieron. Una minoría de las bolsas (es decir, distribuidores) se quedaron fuera de la MPPC, y en 1909 estas bolsas independientes comenzaron inmediatamente a financiar nuevas compañías productoras de películas. En 1911 había suficientes películas independientes y extranjeras disponibles para programar todas las exhibiciones de los exhibidores independientes, y en 1912 los independientes tenían casi la mitad del mercado. La MPPC había sido efectivamente derrotada en su plan de controlar todo el mercado de los Estados Unidos, y la acción antimonopolio del gobierno, que recién ahora comenzaba contra la MPPC, realmente no era necesaria para derrotarla. [102]
A principios del siglo XX, antes de Hollywood , la industria cinematográfica de los Estados Unidos estaba basada principalmente en Fort Lee, Nueva Jersey, al otro lado del río Hudson desde la ciudad de Nueva York. [103] [104] [105] En necesidad de una sede de invierno, los cineastas se sintieron atraídos por Jacksonville, Florida, debido a su clima cálido, ubicaciones exóticas, excelente acceso ferroviario y mano de obra más barata, lo que le valió a la ciudad el título de "La capital mundial del cine de invierno". [106] Kalem Studios, con sede en Nueva York , fue el primero en abrir un estudio permanente en Jacksonville en 1908. [107] En el transcurso de la siguiente década, más de 30 compañías de cine mudo establecieron estudios en la ciudad, incluidas Metro Pictures (más tarde MGM ), Edison Studios , Majestic Films, King-Bee Film Company, Vim Comedy Company , Norman Studios , Gaumont Studios y Lubin Manufacturing Company . [ cita requerida ] La primera película realizada en Technicolor y el primer largometraje en color producido en los Estados Unidos, The Gulf Between , también se filmó en Jacksonville en 1917.
Jacksonville fue especialmente importante para la industria cinematográfica afroamericana . Un individuo notable en este sentido es el productor europeo-estadounidense Richard Norman , quien creó una serie de películas protagonizadas por actores negros en la línea de Oscar Micheaux y la Lincoln Motion Picture Company . [106] En contraste con los papeles degradantes que se ofrecían en ciertas películas blancas como El nacimiento de una nación , Norman y sus contemporáneos buscaron crear historias positivas que presentaran a los afroamericanos en lo que él denominó "asumiendo espléndidamente diferentes roles". [108] [109]
Sin embargo, los residentes de Jacksonville, en su mayoría conservadores, se opusieron a las características de la industria cinematográfica de sus inicios, como las persecuciones de autos en las calles, los robos simulados a bancos y las alarmas de incendio en lugares públicos, e incluso los disturbios ocasionales. En 1917, el demócrata conservador John W. Martin fue elegido alcalde con la plataforma de domesticar la industria cinematográfica de la ciudad. [106] En ese momento, el sur de California estaba emergiendo como el principal centro de producción cinematográfica, gracias en gran parte al traslado de pioneros del cine como William Selig y DW Griffith a la zona. Estos factores sellaron rápidamente la desaparición de Jacksonville como un importante destino cinematográfico. [ cita requerida ]
Otro factor para el traslado de la industria al oeste fue que hasta 1913, la mayor parte de la producción cinematográfica estadounidense todavía se realizaba alrededor de Nueva York, pero debido al monopolio de las patentes cinematográficas de Thomas A. Edison, Inc. y sus intentos litigiosos de preservarlo, muchos cineastas se mudaron al sur de California, comenzando con Selig en 1909. [110] [111] El sol y el paisaje fueron importantes para la producción de westerns, que llegaron a formar un importante género cinematográfico estadounidense con las primeras estrellas de vaqueros, GM Anderson ("Broncho Billy") y Tom Mix . Selig fue pionero en el uso de animales (bastante) salvajes de un zoológico para una serie de aventuras exóticas, con los actores siendo amenazados o salvados por los animales. Kalem Company envió equipos de filmación a lugares de Estados Unidos y el extranjero para filmar historias en los lugares reales en los que se suponía que habían sucedido. [112] Kalem también fue pionera en la heroína de acción femenina a partir de 1912, con Ruth Roland interpretando papeles protagónicos en sus westerns. [113] [ se necesita una mejor fuente ]
En Francia, Pathé mantuvo su posición dominante, seguida por Gaumont y luego por otras compañías nuevas que aparecieron para atender el auge cinematográfico. Una compañía cinematográfica con un enfoque diferente fue Film d'Art. Film d'Art se creó a principios de 1908 para hacer películas de naturaleza artística seria. Su programa declarado era hacer películas utilizando solo los mejores dramaturgos, artistas y actores. [114] La primera de ellas fue L'Assassinat du Duc de Guise ( El asesinato del duque de Guisa ), un tema histórico ambientado en la corte de Enrique III . Esta película utilizó actores principales de la Comédie-Française y tuvo una banda sonora especial escrita por Camille Saint-Saëns . Las otras grandes productoras francesas siguieron su ejemplo, y esta ola dio lugar a la descripción en idioma inglés de las películas con pretensiones artísticas dirigidas a un público sofisticado como "películas de arte" . En 1910, las compañías cinematográficas francesas empezaron a hacer películas de dos o incluso tres bobinas, aunque la mayoría todavía tenían una sola bobina. Esta tendencia se siguió en Italia, Dinamarca y Suecia. [115]
En Gran Bretaña, la Ley Cinematográfica de 1909 fue la primera legislación primaria que reguló específicamente la industria cinematográfica. Las exhibiciones de películas a menudo se realizaban en lugares temporales y el uso de nitrato de celulosa altamente inflamable para las películas, combinado con la iluminación con focos , creaba un riesgo de incendio significativo. La Ley especificó un código de construcción estricto que exigía, entre otras cosas, que el proyector estuviera encerrado en un recinto resistente al fuego. [116]
El Estudio Babelsberg, cerca de Berlín, en Alemania, fue el primer estudio cinematográfico a gran escala del mundo, fundado en 1912, y el precursor de Hollywood con sus diversos establecimientos de grandes estudios a principios del siglo XX.
El primer estudio cinematográfico de la zona de Hollywood, Nestor Studios , fue fundado en 1911 por Al Christie para David Horsley . Otros estudios de la Costa Este ya habían trasladado su producción a Los Ángeles. Con el tiempo, Hollywood llegó a estar tan fuertemente asociado con la industria cinematográfica que ahora la palabra "Hollywood" se usa coloquialmente para referirse a toda la industria cinematográfica estadounidense.
En 1913, Cecil B. DeMille , en asociación con Jesse Lasky , alquiló un granero con instalaciones de estudio en Hollywood donde se filmó The Squaw Man (1914). Actualmente, es la sede del Museo del Patrimonio de Hollywood .
Los estudios Charlie Chaplin se construyeron en 1917. El sitio también fue utilizado por Kling Studios, para la serie de televisión Superman ; Red Skelton , que utilizó los estudios de sonido para su programa de variedades de televisión de CBS ; y CBS, que filmó allí la serie de televisión Perry Mason . También ha sido propiedad de A&M Records de Herb Alpert y Tijuana Brass Enterprises. Actualmente es The Jim Henson Company, hogar de los Muppets . En 1969, la Junta de Patrimonio Cultural de Los Ángeles lo nombró monumento cultural histórico.
El famoso letrero de Hollywood originalmente decía "Hollywoodland". Fue erigido en 1923 para anunciar un nuevo desarrollo de viviendas en las colinas sobre Hollywood. En 1949, la Cámara de Comercio de Hollywood intervino y eliminó las últimas cuatro letras y reparó las demás. Es una marca registrada y no se puede utilizar sin el permiso de la Cámara de Comercio de Hollywood.
La primera ceremonia de entrega de los Premios Oscar tuvo lugar el 16 de mayo de 1929.
El período comprendido entre los años 1927 (el fin efectivo de la era del cine mudo) y 1948 se considera la era del "sistema de estudios de Hollywood", o la Edad de Oro de Hollywood . En una decisión judicial histórica de 1948 , la Corte Suprema dictaminó que los estudios cinematográficos no podían poseer salas y proyectar únicamente las películas de su estudio y sus estrellas de cine ; de este modo, terminó una era de la historia de Hollywood.
Bollywood es la industria cinematográfica en lengua hindi con sede en Mumbai (antes conocida como Bombay ), Maharashtra , India. El término se suele utilizar incorrectamente para referirse a todo el cine indio ; sin embargo, es solo una parte de la industria cinematográfica india total , que incluye otros centros de producción que producen películas en varios idiomas. [117] Bollywood es el mayor productor de películas de la India y uno de los mayores centros de producción cinematográfica del mundo. [118] [119] [120]
A Bollywood se lo conoce formalmente como cine hindi. [121] Lingüísticamente, las películas de Bollywood tienden a utilizar el idioma vernáculo indostánico , mutuamente inteligible para los hablantes autoidentificados de hindi y urdu , [122] [123] [124] mientras que las películas modernas de Bollywood también incorporan cada vez más elementos del hinglish . [122]
Los luchadores (1899) y El hombre y sus monos (1899), dirigidas y producidas por Harischandra Sakharam Bhatawdekar ( HS Bhatavdekar ), fueron las dos primeras películas realizadas por cineastas indios, ambas eran cortometrajes. También fue el primer cineasta indio en dirigir y producir el primer documental y película relacionada con noticias, titulada El desembarco de Sir MM Bhownuggree .
Las décadas de 1930 y 1940 fueron tiempos tumultuosos: la India se vio sacudida por la Gran Depresión , la Segunda Guerra Mundial, el movimiento independentista indio y la violencia de la Partición . La mayoría de las películas de Bollywood eran abiertamente escapistas , pero también hubo varios cineastas que abordaron temas sociales difíciles o utilizaron la lucha por la independencia india como telón de fondo para sus tramas. [125]
En 1937, Ardeshir Irani , conocido por su trabajo en Alam Ara , realizó la primera película en color en hindi, Kisan Kanya . Al año siguiente, realizó otra película en color, una versión de Mother India .
Tras la independencia de la India , los historiadores del cine consideran el período comprendido entre finales de los años 1940 y principios de los años 1960 como la "Edad de Oro" del cine hindi. [126] [127] [128] Entre las figuras clave de este período se encuentran Raj Kapoor , Guru Dutt , [129] Mehboob Khan , [130] [131] [132] y Dilip Kumar . [133] [134]
La década de 1970 fue cuando se acuñó el nombre "Bollywood", [135] [136] y cuando se establecieron las convenciones por excelencia de las películas comerciales de Bollywood. [137] La clave para esto fue el surgimiento del género cinematográfico masala , que combina elementos de múltiples géneros ( acción , comedia , romance , drama , melodrama , musical ). El cine masala fue iniciado a principios de la década de 1970 por el cineasta Nasir Hussain , [138] junto con el dúo de guionistas Salim-Javed , pioneros del formato de éxito de taquilla de Bollywood . [137]
Tollywood es la industria cinematográfica en lengua bengalí de la India. Fue fundada por la Royal Bioscope Company en 1898 por Hiralal Sen, junto con Matilal Sen, Deboki Lal Sen y Bholanath Gupta. La industria bengalí, que combinaba actuaciones teatrales en vivo con actores, se destacó por utilizar el sonido como una parte importante del drama en su formato Bioscope, cuyo lenguaje cinematográfico era extremadamente diferente al de las películas mudas occidentales. A esto le siguió Jamshedji Framji Madan de la Elphinstone Bioscope Company, que también controlaba la Madan Theatre Company. JJ Madan se convirtió en director ejecutivo de Madan Theatres después de la muerte de su padre en 1923 y Madan Theatres alcanzó su apogeo a fines de la década de 1920, cuando poseía 127 salas y controlaba la mitad de la taquilla del país. Madan Theatres produjo una serie de películas populares y emblemáticas hasta 1937, en paralelo a las obras de estrellas bengalíes de los años 20 como Dhirendra Nath Ganguly, que fundó la Indo British Film Co., la primera productora de propiedad bengalí en 1918. El auge de la industria se produjo entre los años 1930 y 1940, cuando se realizaron diversas películas. Muchas copias fueron destruidas por el fuego. Las copias y los registros de las películas de 1937 a 1947 fueron destruidos en su mayoría, pero este período en Bengala sirvió como la era de las películas políticas en la India, que fue sumamente influyente para la lucha por la independencia de la India. Después de 1947, la industria vio una nueva era de colaboradores creativos del sistema de estudios que hicieron películas bajo el nombre de Agradoot. Esto vio un renacimiento de películas comerciales y musicales donde estrellas como Uttam Kumar y Suchitra Sen hipnotizaron a la audiencia con su cautivadora presencia en pantalla y sus actuaciones moderadas. Ritwick Ghatak, Satyajit Ray, Tapan Sinha, Mrinal Sen y Rituparno Ghosh fueron otros directores notables cuyas obras influyeron en el cine mundial de un modo incomparable. El nombre de la industria se acuñó en honor al lugar Tollygunge, que también sirvió como un descarado homenaje a Hollywood.
El cine de Egipto se refiere a la floreciente industria cinematográfica con sede en El Cairo , conocida como el Hollywood de la región MENA . [139] En 1896, se realizó un número limitado de películas mudas en Egipto a partir de 1896; Laila de 1927 fue notable como el primer largometraje. La industria cinematográfica de El Cairo se convirtió en una fuerza regional con la llegada del sonido. Entre 1930 y 1936, varios estudios pequeños produjeron al menos 44 largometrajes. En 1936, Studio Misr , financiado por el industrial Talaat Harb , emergió como el equivalente egipcio líder de los principales estudios de Hollywood, un papel que la compañía mantuvo durante tres décadas. [140]
Los historiadores no se ponen de acuerdo a la hora de determinar el inicio del cine en Egipto. Algunos sitúan el inicio en 1896, cuando se proyectó la primera película en Egipto, mientras que otros datan el inicio el 20 de junio de 1907 con un cortometraje documental sobre la visita del Jedive Abbas Hilmi II al Instituto de Mursi Abul-Abbas en Alejandría. En 1917, el director Mohammed Karim fundó una productora en Alejandría. La compañía produjo dos películas: Flores muertas y Honor al beduino , que se proyectaron en la ciudad de Alejandría a principios de 1918.
Desde 1976, la capital ha celebrado anualmente el Festival Internacional de Cine de El Cairo , que ha sido acreditado por la Federación Internacional de Asociaciones de Productores de Cine . [141] También hay otros 12 festivales. De los más de 4.000 cortometrajes y largometrajes realizados en la región MENA desde 1908, más de las tres cuartas partes fueron películas egipcias . [72] [142] [143] Las películas egipcias se hablan típicamente en el dialecto árabe egipcio . Desde entonces, se han producido más de 4.000 películas en Egipto, tres cuartas partes de la producción árabe total. El historiador Samir Kassir señala (2004) que los Estudios Misr en particular, "a pesar de sus altibajos, iban a convertir a El Cairo en la tercera capital de la industria cinematográfica mundial, después de Hollywood y Bombay, pero por delante de Cinecittà de Italia". [144] Egipto es el país más productivo de Oriente Medio en el campo de la producción cinematográfica, y el que tiene el sistema de medios más desarrollado. [145]
Nollywood es un apodo que originalmente se refería a la industria cinematográfica nigeriana . [146] El origen del término se remonta a principios de la década de 2000, y se remonta a un artículo en The New York Times . [147] [148] Debido a la historia de la evolución de significados y contextos, no existe una definición clara o consensuada para el término, lo que lo ha convertido en un tema de varias controversias. El origen del término "Nollywood" sigue sin estar claro; Jonathan Haynes rastreó el uso más temprano de la palabra a un artículo de 2002 de Matt Steinglass en el New York Times , donde se usó para describir el cine nigeriano . [147] [148] Charles Igwe señaló que Norimitsu Onishi también usó el nombre en un artículo de septiembre de 2002 que escribió para el New York Times . [149] [150] El término sigue utilizándose en los medios para referirse a la industria cinematográfica nigeriana, y más tarde se asumió que su definición era una combinación de las palabras "Nigeria" y " Hollywood ", el principal centro cinematográfico estadounidense. [151] [152] [153] [154]
La definición de qué películas se consideran Nollywood siempre ha sido un tema de debate. Alex Eyengho definió Nollywood como "la totalidad de las actividades que tienen lugar en la industria cinematográfica nigeriana, ya sea en inglés, yoruba , hausa , igbo , itsekiri , edo , efik , ijaw , urhobo o cualquier otro de los más de 300 idiomas nigerianos ". Afirmó además que "la trayectoria histórica de Nollywood comenzó desde la Nigeria anterior y posterior a la independencia , con los esfuerzos teatrales (escenarios) y cinematográficos ( celuloide ) de personas como el jefe Hubert Ogunde , el jefe Amata, Baba Sala , Ade Love , Eddie Ugbomah y algunos otros". [152] La influencia de la industria cinematográfica nigeriana, a menudo denominada informalmente como Nollywood, ha influido en todos los países de África.
A finales de 2013, la industria cinematográfica alcanzó un récord de ingresos de 1,72 billones de ₦ (4.100 millones de dólares estadounidenses). En 2014, la industria valía 853.900 millones de ₦ (5.100 millones de dólares estadounidenses), lo que la convierte en la tercera industria cinematográfica más valiosa del mundo, detrás de Estados Unidos y la India . Contribuyó con aproximadamente el 1,4% a la economía de Nigeria; esto se atribuyó al aumento del número de películas de calidad producidas y a métodos de distribución más formales. [155] [156]
La rentabilidad de un estudio cinematográfico depende fundamentalmente de la elección de los proyectos cinematográficos adecuados y de la participación de los equipos de gestión y creativos adecuados (elenco, dirección, diseño visual, banda sonora, fotografía, vestuario, diseño de escenarios, edición y muchas especialidades adicionales), pero también depende en gran medida de la elección de la escala y el enfoque adecuados para la promoción cinematográfica , el control de los ingresos a través de tecnologías como la gestión de derechos digitales (DRM), prácticas contables sofisticadas y la gestión de flujos de ingresos auxiliares ; en el extremo, para una importante franquicia de medios centrada en el cine, la película en sí misma podría ser solo un gran componente de muchas grandes contribuciones a los ingresos totales de la franquicia.
La industria cinematográfica es un mercado brutalmente competitivo en el que el ganador se lleva todo, impulsado por " procesos no lineales " que fluctúan enormemente. [157] Los ingresos de taquilla están altamente concentrados en un pequeño número de películas muy exitosas, y la cuota de mercado de la industria cinematográfica también está altamente concentrada en los estudios cinematográficos que tienen la suerte de hacer esas películas. [157] Pero el mercado es "extremadamente volátil" y es imposible predecir de antemano quién se convertirá en el ganador del mercado en un momento dado "o cuánto durará su dominio". [157] Las películas y los estudios cinematográficos dominantes "cambian de lugar de manera dramática y a menudo". [157]
La siguiente es una lista de los 13 países principales por el número de largometrajes (ficción, animación y documentales) producidos, según el Instituto de Estadística de la UNESCO , a menos que se indique lo contrario. [3]
Los siguientes países son los mercados de taquilla más grandes en términos de ingresos brutos de taquilla, según el Informe THEME 2022 de la MPA (Motion Picture Association). [171]
Los siguientes países son los mercados de taquilla más grandes en términos de número de entradas vendidas en 2019. [174]
La censura económica se produce cuando una empresa, industria o país toma medidas para garantizar su rentabilidad, normalmente mediante la autocensura de contenidos para complacer al grupo que ejerce su influencia económica. Ese grupo puede ser de naturaleza política, como el boicot a individuos o la prohibición o imposición de impuestos por parte de los gobiernos a determinados productos. Esta herramienta tiende a tener un alcance más amplio más allá de las fronteras de un gobierno que la censura puramente política. Algunos ejemplos incluyen la autocensura de Hollywood de cualquier representación negativa de los nazis durante la mayor parte de la década de 1930 para mantener el acceso a las audiencias alemanas y evitar molestar a los antisemitas en su país, o la autocensura de los grandes estudios de cualquier representación negativa de China o su partido gobernante después de 1997 para mantener el acceso a las audiencias chinas. [186]
La publicidad nativa es información diseñada para persuadir de maneras más sutiles que la propaganda clásica . Un ejemplo moderno común en los Estados Unidos es la copaganda , en la que los programas de televisión muestran retratos poco realistas y favorecedores de las fuerzas del orden, en parte para pedir prestado equipo y obtener su ayuda para bloquear las calles y filmar más fácilmente en el lugar. [187] Otras acusaciones de lavado de reputación se han presentado en la industria del entretenimiento, incluido el pulido de la imagen de los Padrinos de la mafia. [188]
La colocación de productos también ha sido un punto de crítica, con la industria tabacalera promoviendo el tabaquismo en la pantalla. [189] Los Centros para el Control de Enfermedades citan que el 51% de los fumadores adolescentes no comenzarían a fumar si las películas con fumadores recibieran automáticamente una clasificación "R", lo que salvaría un millón de vidas. [190]
Mientras la taquilla china sigue en auge (se expandió un 30 por ciento en el primer trimestre de 2014 y se espera que alcance los 4.640 millones de dólares para fin de año), Pekín está reemplazando a Londres y Tokio como el destino promocional más importante para el talento de Hollywood.
El auge del mercado cinematográfico de China continental ha centrado la atención de Hollywood en el público chino y ahora hace que Beijing sea más importante en las giras promocionales que Tokio y Hong Kong.
{{cite journal}}: Requiere citar revista |journal=( ayuda )Y luego me olvidé de que la India lidera el mundo en producción cinematográfica, con 833 películas (frente a las 741 del año anterior).
{{cite book}}: Mantenimiento de CS1: falta la ubicación del editor ( enlace )JA: Escribo diálogos en urdu, pero la acción y las descripciones están en inglés. Luego, un asistente transcribe el diálogo en urdu aldevanagari
porque
la mayoría de la gente lee hindi. Pero yo escribo en urdu. No solo yo, creo que la mayoría de los escritores que trabajan en este llamado cine hindi escriben en urdu:
Gulzar
, o
Rajinder Singh Bedi
o
Inder Raj Anand
o
Rahi Masoom Raza
o
Vahajat Mirza
, que escribió diálogos para películas como
Mughal-e-Azam
y
Gunga Jumna
y
Mother India
. Así que la mayoría de los escritores de diálogos y la mayoría de los compositores de canciones son de la disciplina urdu, incluso hoy en día.
Creo que el Gobierno debería erradicar el mal ancestral de certificar las películas urdu como si fueran hindi. Es un hecho conocido que la industria cinematográfica ha aceptado y utilizado voluntariamente el urdu. Dos eminentes escritores urdu,
Krishan Chander
e
Ismat Chughtai,
han dicho que "más del setenta y cinco por ciento de las películas se hacen en urdu". Es una lástima que, aunque el urdu se utiliza libremente en las películas, los productores en general mencionen el idioma de la película como "hindi" en los formularios de solicitud proporcionados por la Junta de Censura. Es una tergiversación grave e injusta para la gente que ama el urdu.
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Manual de realización de películas en Wikilibros