El ballet es una forma de danza formalizada que tiene sus orígenes en las cortes renacentistas italianas de los siglos XV y XVI. El ballet se extendió de Italia a Francia con la ayuda de Catalina de Médici , donde el ballet se desarrolló aún más bajo su influencia aristocrática. Un ejemplo temprano del desarrollo del ballet por parte de Catalina es "Le Paradis d' Amour", una obra presentada en la boda de su hija Margarita de Valois con Enrique de Navarra . El dinero aristocrático fue responsable de las etapas iniciales del desarrollo del "ballet de la corte", ya que era el dinero real el que dictaba las ideas, la literatura y la música utilizadas en los ballets que se crearon principalmente para entretener a los aristócratas de la época. El primer "ballet de la corte" formal reconocido se representó en 1573, "Ballet des Polonais". En una verdadera forma de entretenimiento real, "Ballet des Polonais" fue encargado por Catalina de Médici para honrar a los embajadores polacos que visitaban París tras la ascensión de Enrique de Anjou al trono de Polonia. En 1581, Catalina de Médicis encargó otro ballet de la corte, el Ballet Comique de la Reine , aunque fue su compatriota Balthasar de Beaujoyeulx quien lo organizó. Catalina de Médicis y Balthasar de Beaujoyeulx fueron los responsables de presentar el primer ballet de la corte que aplicó los principios de la Academia de Baif, integrando poesía, danza, música y escenografía para transmitir una historia dramática unificada. Además, la organización y el desarrollo inicial del "ballet de la corte" fueron financiados, influenciados y producidos por los aristócratas de la época, satisfaciendo tanto sus necesidades personales de entretenimiento como de propaganda política.
A finales del siglo XVII, Luis XIV fundó la Académie Royale de Musique (la Ópera de París ), en cuyo seno surgió la primera compañía profesional de ballet teatral , el Ballet de la Ópera de París . El predominio del francés en el vocabulario del ballet refleja esta historia. El ballet teatral pronto se convirtió en una forma de arte independiente, aunque todavía mantenía con frecuencia una estrecha asociación con la ópera, y se extendió desde el corazón de Europa a otras naciones. El Ballet Real Danés y el Ballet Imperial del Imperio Ruso se fundaron en la década de 1740 y comenzaron a florecer, especialmente después de 1850 aproximadamente. En 1907, el ballet ruso a su vez regresó a Francia, donde los Ballets Russes de Sergei Diaghilev y sus sucesores fueron particularmente influyentes. Pronto el ballet se extendió por todo el mundo con la formación de nuevas compañías, entre ellas el Royal Ballet de Londres (1931), el San Francisco Ballet (1933), el American Ballet Theatre (1937), el Royal Winnipeg Ballet (1939), el Australian Ballet (1940 como predecesor del Borovansky Ballet), el New York City Ballet (1948), el Cuban National Ballet (1948), el National Ballet of Canada (1951) y la National Ballet Academy and Trust of India (2002). [1]
En el siglo XX los estilos de ballet continuaron desarrollándose e influyeron fuertemente en la danza de concierto en general , por ejemplo, en los Estados Unidos el coreógrafo George Balanchine desarrolló lo que ahora se conoce como ballet neoclásico , los desarrollos posteriores han incluido el ballet contemporáneo y el ballet postestructural , por ejemplo, visto en el trabajo de William Forsythe en Alemania.
La etimología de la palabra "ballet" refleja su historia. La palabra ballet proviene del francés y fue tomada prestada del inglés alrededor del siglo XVII. La palabra francesa a su vez tiene su origen en el italiano balletto , un diminutivo de ballo (baile). Ballet en última instancia se remonta al italiano ballare , que significa "bailar" . [2]
El ballet se originó en la corte renacentista como una consecuencia de la pompa cortesana en Italia , [3] donde las bodas aristocráticas eran celebraciones fastuosas. Los tutús , las zapatillas de ballet y el trabajo en puntas aún no se usaban. La coreografía fue adaptada de los pasos de danza de la corte. [4] Los intérpretes se vestían a la moda de la época. Para las mujeres, eso significaba vestidos formales que cubrían sus piernas hasta los tobillos. [5] El ballet primitivo era participativo, y el público se unía a la danza hacia el final.
Domenico da Piacenza (c. 1400–c. 1470) fue uno de los primeros maestros de danza. Junto con sus alumnos, Antonio Cornazzano y Guglielmo Ebreo da Pesaro , se formó en danza y fue el responsable de enseñar el arte a los nobles. Da Piacenza dejó una obra: De arte saltandi et choreus ducendi (Sobre el arte de la danza y la dirección de danzas), que fue compuesta por sus alumnos. [6]
En 1489, Galeazzo, duque de Milán , se casó con Isabel de Aragón en Tortona . El maestro de danza italiano Bergonzio Botta organizó un elaborado espectáculo de danza para las celebraciones . Las danzas estaban conectadas por una breve narración sobre Jasón y los Argonautas , y cada una correspondía a un plato diferente de la cena. Tristano Calco de Milán escribió sobre el evento, y se consideró tan impresionante, que se organizaron muchos espectáculos similares en otros lugares. [7] [8]
El ballet fue moldeado aún más por el ballet de cour francés , que consistía en bailes sociales interpretados por la nobleza en tándem con música, discurso, verso, canción, desfile, decoración y vestuario. [9] Cuando Catalina de Médici , una aristócrata italiana con interés en las artes, se casó con el heredero de la corona francesa Enrique II , trajo su entusiasmo por la danza a Francia y proporcionó apoyo financiero. Los brillantes entretenimientos de Catalina apoyaron los objetivos de la política de la corte y generalmente se organizaron en torno a temas mitológicos. [10] El primer ballet de cour fue el Ballet de Polonais. Este ballet se realizó en 1573 con motivo de la visita del embajador polaco. Fue coreografiado por Balthasar de Beaujoyeulx y presentó un baile de una hora para dieciséis mujeres, cada una representando una provincia francesa. El Ballet Comique de la Reine (1581), también coreografiado y dirigido por Balthasar de Beaujoyeulx , fue encargado por Luisa de Lorena , reina consorte del rey Enrique III , hijo de Catalina, para celebrar el matrimonio del favorito de Enrique, el duque de Joyeuse, con Margarita de Lorena, hermana de la reina Luisa. El ballet duró más de cinco horas y fue bailado por veinticuatro bailarines: doce náyades y doce pajes. [11] [12]
Ese mismo año, la publicación de Il Ballarino de Fabritio Caroso , un manual técnico sobre danza cortesana, tanto escénica como social, ayudó a establecer a Italia como un centro de desarrollo técnico del ballet. [13]
El ballet se desarrolló como una forma de arte centrada en la interpretación en Francia durante el reinado de Luis XIV , que era un apasionado de la danza. [14] Su interés en el ballet tenía motivaciones políticas. Estableció estrictas etiquetas sociales a través del baile y lo convirtió en uno de los elementos más cruciales de la vida social de la corte, manteniendo efectivamente la autoridad sobre los nobles y reinando sobre el estado. [15] Los iniciados de Luis llevaron al refinamiento y la perfección del baile social entre los aristócratas como una forma de mostrar la realeza, consolidando aún más el arte del ballet clásico con reglas y protocolos recientemente establecidos. [16]
En 1661, Luis XIV, decidido a impulsar su ambición de controlar a los nobles [17] y revertir el declive de los estándares de la danza que comenzó en el siglo XVII, estableció la Académie Royale de Danse . [14] Antes de eso, los aristócratas consideraban la danza, junto con la equitación y el entrenamiento militar, como tres disciplinas principales para mostrar su nobleza. No obstante, la fundación de la academia por parte de Luis desvió su atención de las artes militares a las funciones sociales de la corte, de la guerra al ballet, lo que endureció aún más las reglas a su alrededor. [18]
Para expandir la influencia de la cultura francesa por toda Europa, Luis ordenó a Pierre Beauchamp , el maestro de danza personal del rey y compañero favorito en el ballet de cour en la década de 1650, [19] que creara "una manera de hacer que la danza se entendiera en el papel". [20] Beauchamp también fue nombrado intendente des ballets du roi y en 1680 se convirtió en el director de la academia de danza, cargo que ocupó hasta 1687. [19] Esta orden condujo a una intensa investigación en esta área por parte de muchos maestros de ballet, sin embargo, solo el sistema de notación de danza de Beauchamp fue reconocido. [21] En su sistema, codificó las cinco posiciones básicas de los pies en el ballet. [19] Raoul Auger Feuillet, un maestro de ballet parisino, adoptó más tarde su sistema y publicó su trabajo en 1700. Su sistema de notación se volvió significativamente popular en Europa. [22]
Feuillet concentró sus esfuerzos en la danza más influyente en la corte, llamada "La belle danse", o también conocida como "El estilo noble francés". Este tipo de baile era popular en los bailes o cortes con habilidades más exigentes. "Entrée grave", como una de las formas más altas de la belle danse , era interpretada típicamente por uno o dos hombres con movimientos elegantes y gráciles, seguidos de música lenta y elegante. En este momento, solo los hombres realizaban la belle danse y la entrée grave . Las mujeres actuaron en los ballets de la reina y otras ocasiones sociales, pero no en la entrée grave , los ballets del rey, en las cortes o en los escenarios de París, hasta la década de 1680. Durante esta época en particular, los hombres eran considerados los campeones y maestros del arte, mostrando su danza masculina, digna y noble, una danza del rey. Esto también estableció el modelo para el ballet clásico. [23]
Los ballets de la corte tenían una larga historia de combinación de danza y etiqueta desde el Renacimiento, pero cuando llegó el momento de la belle danse , las etiquetas en el ballet alcanzaron un nivel completamente nuevo. Cada una de las reglas de etiqueta en las cortes de Luis se detallaba con gran detalle en la belle danse y uno podía ver ciertamente el estatus noble de los demás a través de sus bailes. [24] Cinco posiciones de los cuerpos codificadas por Beauchamp, seguidas por Feuillet, describían el cuerpo como una corte en miniatura, con la cabeza como punto central, coordinando sus extremidades como el rey gobernando su estado. Un bailarín que interpretara a un noble genuino realizaría cinco posiciones diferentes a las de uno que interpretara a un campesino o personajes de menor rango. [25] La prueba de nobleza también se indicaba mediante el uso de máscaras, maquillaje, vestuario, especialmente zapatos en la belle danse . [26]
Jean-Baptiste Lully , violinista, bailarín, coreógrafo y compositor italiano que se unió a la corte de Luis XIV en 1652, [27] jugó un papel importante en el establecimiento de la dirección general que seguiría el ballet durante el siglo siguiente. Apoyado y admirado por el rey Luis XIV, Lully a menudo incluía al rey en sus ballets. El título de Rey Sol para el monarca francés se originó en el papel de Luis XIV en el Ballet de la Nuit (1653) de Lully. Luis XIV, de catorce años, bailó cinco papeles en este ballet de 12 horas. [28] Este ballet era lujoso y presentaba una escena en la que se quemaba una parte del decorado de una casa, incluía brujas, hombres lobo, gitanos, pastores, ladrones y las diosas Venus y Diana. [29] Sin embargo, el tema principal del ballet no era la oscuridad y los terrores nocturnos, sino que se centraba en Luis, que aparecía al final como el Sol (el dios del sol, Apolo), poniendo fin a la noche. [30] La principal contribución de Lully al ballet fueron sus composiciones llenas de matices. Su comprensión del movimiento y la danza le permitió componer específicamente para ballet, con fraseos musicales que complementaban los movimientos físicos. [29] Lully también colaboró con el dramaturgo francés Molière . Juntos, tomaron un estilo teatral italiano, la commedia dell'arte , y lo adaptaron a su trabajo para un público francés, creando la comédie-ballet . Entre sus mayores producciones, con Beauchamp como coreógrafo, [19] estuvo Le Bourgeois Gentilhomme (1670). [31]
En 1669, Luis XIV fundó la Académie d'Opéra con Pierre Perrin como director. [32] Luis XIV se retiró como bailarín en 1670, en gran parte debido a un aumento excesivo de peso. Antes, en 1661, había fundado una escuela, la Adacemie Royale de danse . Beauchamp fue el primer maestro de ballet de la Ópera y creó las danzas para la primera producción de la nueva compañía, Pomone, con música de Robert Cambert . [19] Más tarde, después de que Perrin se declarara en quiebra, el rey restableció la Ópera como Académie royale de Musique y nombró a Lully director. [32] Beauchamp fue uno de los coreógrafos principales. [19] En esta posición, Lully, con su libretista Philippe Quinault , creó un nuevo género, la tragédie en musique , cada acto del cual presentaba un divertissement que era una escena de ballet en miniatura. [27] En casi todas sus creaciones importantes, Jean-Baptiste Lully unió la música y el teatro con elementos de la danza italiana y francesa. Su obra creó un legado que definiría el futuro del ballet.
La corte de Francia fue, en cierto modo, la principal fuente de cultura de moda para muchas otras cortes reales de Europa. Se imitaron estilos de entretenimiento, incluidos los ballets reales. Las cortes de España, Portugal, Polonia, Alemania y otros lugares se convirtieron en espectadores y participantes de los ballets. Además de Francia, Italia ejerció una importante influencia en esta forma de arte, sobre todo Venecia .
Las compañías de ballet profesionales comenzaron a organizarse y a realizar giras por Europa, actuando para audiencias aristocráticas. En Polonia, el rey Vladislao IV Vasa (1633-1648) organizó producciones de ópera italiana, que incluían intérpretes de ballet en algunas escenas. Entre los famosos maestros de ballet europeos que trabajaron para la corte polaca se encuentran Jean Favier , Antoine Pitrot , Antonio Sacco y Francesco Caselli . [33]
El siglo XVIII fue un período de avance en los estándares técnicos del ballet y el período en el que el ballet se convirtió en una forma de arte dramático seria a la par de la ópera. Central para este avance fue la obra seminal de Jean-Georges Noverre , Lettres sur la danse et les ballets (1760), que se centró en el desarrollo del ballet d'action , en el que los movimientos de los bailarines están diseñados para expresar el carácter y ayudar en la narrativa. Noverre creía que: el ballet debe ser técnico pero también conmover emocionalmente al público, las tramas deben estar unificadas, la escenografía y la música deben apoyar la trama y estar unificadas dentro de la historia, y que la pantomima debe ser simple y comprensible. [34]
Se realizaron reformas en la composición de ballet por parte de compositores como Christoph Willibald Gluck . Finalmente, el ballet se dividió en tres técnicas formales: sérieux , demi-caractère y comique . El ballet también comenzó a aparecer en las óperas como interludios llamados divertissements.
Venecia siguió siendo un centro de danza en Europa, en particular durante el Carnaval de Venecia , cuando bailarines y visitantes de todo el continente viajaban a la ciudad para un animado intercambio cultural. El Teatro San Benedetto de la ciudad se convirtió en un famoso punto de referencia en gran parte debido a los ballets que se representaban allí. Las técnicas de ballet italianas siguieron siendo la influencia dominante en gran parte del sur y este de Europa hasta que las técnicas rusas las suplantaron a principios del siglo XX.
Las representaciones de ballet se extendieron a Europa del Este durante el siglo XVIII, a zonas como Hungría, donde se celebraban en teatros privados en castillos aristocráticos. Se establecieron compañías profesionales que actuaban por toda Hungría y también hacían giras por el extranjero. El Teatro Nacional de Budapest fue cumpliendo cada vez más el papel de hogar de los bailarines. [35]
Algunos de los principales bailarines de la época que actuaron por toda Europa fueron Louis Dupré , Charles Le Picque con Anna Binetti, Gaetano Vestris y Jean-Georges Noverre . [33]
La bailarina se convirtió en la intérprete de danza más popular en Europa en la primera mitad del siglo XIX, desviando gradualmente la atención del bailarín masculino. En muchas representaciones, los héroes del ballet eran interpretados por una mujer, como el niño principal en la pantomima . [36]
El profesionalismo de las compañías de ballet se convirtió en el centro de atención de una nueva generación de maestros y bailarines de ballet. Viena fue una importante fuente de influyentes instructores de ballet. El primer maestro de ballet del Teatro Nacional y la Ópera Real de Hungría fue Frigyes Campilli, nacido en Viena , que trabajó en Budapest durante 40 años. [37]
El siglo XIX fue un período de grandes cambios sociales, que se reflejaron en el ballet con un alejamiento de las sensibilidades aristocráticas que habían dominado los períodos anteriores a través del ballet romántico . Bailarinas como Geneviève Gosselin , Marie Taglioni y Fanny Elssler experimentaron con nuevas técnicas como el trabajo en punta que le dio a la bailarina prominencia como la figura ideal del escenario. Taglioni era conocida como la "Bailarina Cristiana", ya que su imagen era ligera y pura (asociada con su papel como la sílfide en La Sílfide). Fue entrenada principalmente por su padre, Filipo Taglioni. En 1834, Fanny Elssler llegó a la Ópera de París y se hizo conocida como la "Bailarina Pagana", debido a las ardientes cualidades de la danza Cachucha que la hicieron famosa. Los libretistas profesionales comenzaron a elaborar las historias de los ballets. Maestros como Carlo Blasis codificaron la técnica del ballet en la forma básica que todavía se usa hoy. La zapatilla de ballet con punta en forma de caja fue inventada para apoyar el trabajo en punta.
El movimiento romántico en el arte, la literatura y el teatro fue una reacción contra las restricciones formales y la mecánica de la industrialización.[22] El espíritu de la época llevó a los coreógrafos a componer ballets románticos que parecían ligeros, etéreos y libres, que actuarían como contraste con la difusión de la ciencia reduccionista a través de muchos aspectos de la vida cotidiana que, en palabras de Edgar Allan Poe, "expulsaron a la hamadríade de los bosques". Estos ballets "irreales" retrataban a las mujeres como seres frágiles sobrenaturales, criaturas etéreas que podían ser levantadas sin esfuerzo y casi parecían flotar en el aire. Las bailarinas comenzaron a usar trajes con faldas pastel y sueltas que dejaban al descubierto las espinillas. Las historias giraban en torno a espíritus extraños y folclóricos. Un ejemplo de uno de estos ballets románticos es La sílfide , uno de los ballets románticos más antiguos que aún se representan en la actualidad.
Una corriente del movimiento romántico fue una nueva exploración del folclore y la cultura étnica tradicional. Esta influencia se vio en el surgimiento de la danza folclórica europea y las representaciones occidentales de pueblos africanos, asiáticos y de Oriente Medio en los escenarios europeos. En los ballets de este período, a menudo se creaban personajes no europeos como villanos o como diversiones tontas para adaptarse a la comprensión occidental orientalista del mundo. [38] La Ópera Nacional de Ucrania , un teatro de artes escénicas con una compañía de ópera residente, se estableció en Kiev en 1867. También incluía una pequeña troupe residente de bailarines de ballet, que realizaban principalmente bailes de estilo folclórico durante las producciones de ópera. En 1893, esto creció hasta convertirse en una troupe lo suficientemente grande como para presentar grandes ballets. La danza folclórica y los ballets con historias ucranianas estuvieron entre las primeras producciones. [39]
Muchas de las principales compañías de ballet profesionales europeas que sobreviven hoy en día se establecieron en nuevos teatros en las capitales de Europa durante mediados y fines del siglo XIX, incluido el Ballet de Kiev , el Ballet Nacional Húngaro , el Ballet del Teatro Nacional (Praga) y el Ballet Estatal de Viena (anteriormente Ballet de la Ópera Estatal de Viena ). Estos teatros generalmente combinaban grandes compañías de ópera, teatro y ballet bajo el mismo techo. Los compositores, dramaturgos y coreógrafos pudieron entonces crear obras que aprovecharon la capacidad de colaboración entre estas compañías de interpretación.
Aunque Francia fue fundamental en el ballet temprano, otros países y culturas pronto adoptaron la forma de arte, sobre todo Rusia. Rusia tiene una reconocida tradición de ballet, y el ballet ruso ha tenido una gran importancia en su país a lo largo de la historia. Después de 1850, el ballet comenzó a decaer en París, pero floreció en Dinamarca y Rusia gracias a maestros como August Bournonville , Jules Perrot , Arthur Saint-Léon , Enrico Cecchetti y Marius Petipa . A finales del siglo XIX, el orientalismo estaba de moda. El colonialismo trajo consigo el conocimiento de las culturas asiática y africana, pero distorsionado con desinformación y fantasía. El Este era percibido a menudo como un lugar lejano donde todo era posible, siempre que fuera lujoso, exótico y decadente. Petipa apeló al gusto popular con La hija del faraón (1862), y más tarde El talismán (1889) y La Bayadère (1877). Petipa es mejor recordado por sus colaboraciones con Chaikovski . Utilizó su música para la coreografía de El cascanueces (1892, aunque esto es motivo de debate entre los historiadores), La bella durmiente (1890) y la reposición definitiva de El lago de los cisnes (1895, con Lev Ivanov ). Todas estas obras se inspiraron en el folclore europeo.
En esta época comenzó a aparecer el tutú clásico de bailarinas tal como se lo conoce hoy en día. Consistía en una falda corta y rígida sostenida por capas de crinolina o tul que dejaba ver el movimiento acrobático de las piernas, combinado con un amplio refuerzo que servía para preservar la modestia.
A mediados del siglo XIX, las compañías de ballet de Europa comenzaron a realizar lucrativas giras por teatros de América del Norte, Central y del Sur. El prestigioso Teatro Colón de Buenos Aires, Argentina, había recibido a artistas de ballet extranjeros en su escenario, y compañías de gira de Europa presentaban ballets completos ya en 1867. [40] En la década de 1880, el Teatro Colón tenía su propia compañía de ballet profesional. Sin embargo, todavía pasarían varias décadas antes de que la mayoría de los países fuera de Europa pudieran contar con sus propias compañías de ballet profesionales.
Sergei Diaghilev devolvió el ballet a París con su compañía Ballets Russes , formada por bailarines de la comunidad rusa exiliada en París después de la Revolución.
Diaghilev y el compositor Igor Stravinsky unieron sus talentos para dar vida al folclore ruso en El pájaro de fuego y Petrushka , coreografiadas por Fokine. Los siguientes encargos coreográficos de Diaghilev fueron para Nijinsky. Su primer ballet fue L'après-midi d'un Faune (La siesta de un fauno), con música de Debussy. Se destacó por sus formas bidimensionales y la falta de técnica de ballet. Causó controversia al representar al fauno frotando el pañuelo de una de las doncellas sobre sí mismo, en una simulación de masturbación. Sin embargo, la obra más controvertida de los Ballets Rusos fue La consagración de la primavera , coreografiada por Nijinsky con música de Stravinsky. La música moderna del ballet, el pisoteo de los pies de las palomas y el tema del sacrificio humano conmocionaron tanto al público que provocó disturbios.
Después de la "edad de oro" de Petipa, Michel Fokine comenzó su carrera en San Petersburgo, pero se trasladó a París y trabajó con Diaghilev y los Ballets Rusos.
El ballet ruso continuó su desarrollo bajo el régimen soviético. Quedaba poco talento en el país después de la Revolución, pero fue suficiente para sembrar una nueva generación. Después del estancamiento de la década de 1920, a mediados de la década de 1930 apareció en escena esa nueva generación de bailarines y coreógrafos. La perfección técnica y la precisión de la danza fueron promovidas (y exigidas) por Agrippina Vaganova , que había sido alumna de Petipa y Cecchetti y dirigía la Academia de Ballet Vaganova , la escuela para preparar bailarines para el Ballet Kirov en San Petersburgo/Leningrado.
El ballet era muy popular entre el público. Tanto el Bolshoi, con sede en Moscú, como el Kirov, con sede en San Petersburgo (entonces Leningrado), eran compañías de ballet activas. La presión ideológica obligó a la creación de muchas piezas realistas socialistas , la mayoría de las cuales causaron poca impresión en el público y fueron eliminadas del repertorio de ambas compañías más tarde.
Sin embargo, algunas piezas de esa época fueron notables. Romeo y Julieta de Prokofiev y Lavrovsky es una obra maestra. Las llamas de París , si bien muestra todos los defectos del arte realista socialista, fue pionera en el uso activo del cuerpo de baile en la representación y requirió un virtuosismo asombroso. La versión de ballet del poema de Pushkin , La fuente de Bakhchisarai con música de Boris Asafiev y coreografía de Rostislav Zakharov también fue un éxito.
El famoso ballet Cenicienta , para el que Prokofiev puso música, también es producto del ballet soviético. Durante la era soviética, estas piezas eran en su mayoría desconocidas fuera de la Unión Soviética y, más tarde, fuera del Bloque del Este . Sin embargo, después del colapso de la Unión Soviética recibieron un mayor reconocimiento.
Por ejemplo , el estreno norteamericano de La fuente de Bakhchisarai , a cargo del Ballet Kirov en Nueva York, en 1999, fue un gran éxito. La era soviética del Ballet Ruso ponía mucho énfasis en la técnica, el virtuosismo y la fuerza. Exigía una fuerza que normalmente estaba por encima de la norma de los bailarines occidentales contemporáneos. Entre las primeras bailarinas destacadas se encuentran Galina Ulanova , Natalya Dudinskaya y Maya Plisetskaya, y coreógrafos como Pyotr Gusev .
Las compañías rusas, particularmente después de la Segunda Guerra Mundial, realizaron múltiples giras por todo el mundo que revitalizaron el ballet en Occidente.
La Torre de la Doncella [41] escrita por Afrasiyab Badalbeyli es el primer ballet del Oriente musulmán . [42] [43] [41]
Tras el traslado de los Ballets Rusos a Francia, el ballet comenzó a tener una influencia más amplia, particularmente en los Estados Unidos de América.
Desde París, tras desacuerdos con Diaghilev, Fokine se fue a Suecia y luego a los Estados Unidos, donde se instaló en Nueva York. Diaghilev creía que el ballet tradicional ofrecía poco más que belleza y exhibición atlética. Para Fokine eso no era suficiente. Además del virtuosismo técnico, exigía dramatismo, expresión y autenticidad histórica. El coreógrafo debe investigar el período y el contexto cultural del lugar y rechazar el tutú tradicional en favor de un vestuario de época preciso.
Fokine coreografió Sherazade y Cleopatra . También reelaboró Petrouchka y El pájaro de fuego . Una de sus obras más famosas fue La muerte del cisne , interpretada por Anna Pavlova . Más allá de su talento como bailarina, Pavlova tenía el don teatral para cumplir con la visión de Fokine del ballet como drama. La leyenda dice que Pavlova se identificó tanto con el papel del cisne que pidió su disfraz de cisne desde su lecho de muerte.
George Balanchine desarrolló una técnica de vanguardia en Estados Unidos al abrir una escuela en Nueva York. Adaptó el ballet a los nuevos medios, el cine y la televisión. [44] Balanchine, un trabajador prolífico, recoreografió clásicos como El lago de los cisnes y La bella durmiente, además de crear nuevos ballets. Produjo interpretaciones originales de los dramas de William Shakespeare como Romeo y Julieta y El sueño de una noche de verano , y también de La viuda alegre de Franz Léhar .
En 1967, Joyas de Balanchine rompió con la tradición narrativa y dramatizó un tema en lugar de una trama. Este enfoque encaja con las fuentes de financiación patrocinadas por el estado en los Estados Unidos que buscaban fomentar la "libertad y el libre pensamiento" en contraste con la danza impulsada por la narrativa, que se consideraba demasiado conectada con el socialismo, especialmente el comunismo soviético . [45] Hoy, en parte gracias a Balanchine, el ballet es una de las danzas mejor conservadas del mundo. [ cita requerida ]
Barbara Karinska era una emigrada rusa y una hábil costurera que colaboró con Balanchine para elevar el arte del diseño de vestuario de un papel secundario a una parte integral de una actuación de ballet. Introdujo el corte al bies y un tutú clásico simplificado que permitía a la bailarina una mayor libertad de movimiento. Con una meticulosa atención a los detalles, decoró sus tutús con abalorios, bordados, crochet y apliques.
La Guerra Fría se caracterizó por la competencia ideológica entre los Estados Unidos capitalistas y la Unión Soviética comunista. Las representaciones de ballet se utilizaban a menudo para demostrar la libertad artística y creativa que prevalecía en las sociedades occidentales, en contraste con las restricciones percibidas sobre la expresión artística en la Unión Soviética. Muchas compañías de ballet, como el Ballet Bolshoi de la Unión Soviética y el American Ballet Theatre de los Estados Unidos, eran vistas como embajadoras de sus respectivas naciones. Actuaban en giras internacionales, incluidos intercambios entre la Unión Soviética y los Estados Unidos, mostrando su excelencia artística y promoviendo el entendimiento cultural. Según Anne Searcy, profesora adjunta de la Escuela de Música, en su libro "Ballet in the Cold War", [46] "las giras durante la era de la Guerra Fría no se limitaban a las representaciones de ballet, sino que también servían como un medio para que los gobiernos de Estados Unidos y la Unión Soviética afirmaran su influencia a escala mundial. Searcy sostiene que estas giras tenían motivos políticos subyacentes, ya que ambas naciones competían por el control global e intentaban moldear la percepción del resto del mundo. Además, destaca que el público de ambas naciones reaccionó de maneras inesperadas y, a pesar de las diferencias ideológicas, el ballet en los Estados Unidos y la Unión Soviética compartían más similitudes de las que ambos lados estaban dispuestos a reconocer. Los bailarines Rudolf Nureyev y Mikhail Baryshnikov de la Unión Soviética desertaron a Occidente durante la Guerra Fría. Sus deserciones de alto perfil llamaron la atención sobre la represión artística en la Unión Soviética y resaltaron el atractivo de la libertad y la expresión artística en Occidente.
Sin embargo, durante los intercambios culturales entre los Estados Unidos y la Unión Soviética, los malentendidos culturales obstaculizaron con frecuencia las representaciones de ballet. La producción de " Espartaco " del Ballet Bolshoi en los Estados Unidos causó conflictos con los estadounidenses, ya que no vieron la actuación como un ballet. Casualmente, una película de Hollywood con el mismo título acababa de estrenarse, lo que provocó confusión entre el público. [47] Los productores soviéticos esperaban transmitir el mensaje de revuelta proletaria del ballet, pero los espectadores estadounidenses encontraron la producción extraña y poco convencional. Los bailarines usaban sandalias romanas planas en lugar de las tradicionales zapatillas de punta, y la asequibilidad de las entradas de cine provocó decepción y desaprobación por parte del público. Esto resultó en muchas reacciones negativas, y lamentablemente el ballet fue eliminado de las representaciones programadas, lo que provocó más conflictos y odio entre rusos y estadounidenses.
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Además de los conceptos erróneos y el conflicto, el ballet se utilizó como una herramienta de poder blando , un medio para proyectar influencia cultural e ideales. Los Ballet Russes , una compañía en París compuesta por un instructor ruso y bailarines rusos, impactaron la visión de cómo Estados Unidos veía a Rusia de manera positiva. Mostraron sus logros artísticos y exhibieron su herencia cultural, intentando ganar corazones y mentes y ayudando a Rusia a obtener su reconocimiento en el ballet en el mundo occidental. Estas actuaciones de ballet fueron vistas como símbolos de orgullo nacional y superioridad cultural. Esta compañía trajo una gran cantidad de elementos culturales rusos a sus actuaciones. Esto incluía compositores, coreógrafos, pintores , trajes tradicionales, melodías e historias rusas. Cabe destacar que el ballet que mostró más influencias rusas, como Petrushka , [48] también fue el más popular entre el público. Si bien estas actuaciones no necesariamente representaron la Rusia real de la época, contribuyeron a una percepción de Rusia en la mente occidental como un símbolo de progresismo y talento artístico excepcional. Después del impacto de los Ballets Rusos, el ballet ruso fue aceptado en la cultura estadounidense y sirvió de inspiración para que Estados Unidos incorporara también el ballet a su propia cultura.
En 1963, el American Ballet de Lincoln Kirstein , que fue el primer ballet realizado en Estados Unidos, logró un éxito significativo, gracias al apoyo de la Fundación Ford , que estableció el estilo neoclásico de George Balanchine como una institución nacional destacada. Al examinar los esfuerzos de diplomacia cultural del New York City Ballet, [49] se hizo evidente que Balanchine ocupaba una posición favorable dentro de las redes formadas entre el gobierno, las fundaciones privadas y corporativas y las artes durante la Guerra Fría cultural, sin embargo, la colaboración entre la compañía de ballet y el gobierno es compleja, ya que los artistas a menudo tenían motivaciones políticas distintas a las del estado. La Guerra Fría tuvo un cambio transformador en la financiación, la organización y la gestión de las artes en la creencia en la influencia social del arte que se había nutrido en la década de 1930.
Durante la Guerra Fría, las representaciones de ballet a veces estaban impregnadas de simbolismo político. Los coreógrafos y bailarines utilizaban este medio para expresar ideas políticas o comentar cuestiones sociales. Estas representaciones tenían el potencial de iniciar debates y discusiones sobre política, sociedad y el papel del arte en la formación de la opinión pública. En general, la exposición al ballet durante la Guerra Fría influyó en la cultura estadounidense al expandir los horizontes artísticos e introducir nuevos estilos y técnicas. Contribuyó al desarrollo de las compañías de ballet estadounidenses, al crecimiento de la educación en danza y a la popularización del ballet como forma de arte en los Estados Unidos.
A menudo se considera que George Balanchine fue el primer pionero de lo que hoy se conoce como ballet neoclásico , un estilo de danza entre el ballet clásico y el ballet contemporáneo actual. Tim Scholl, autor de From Petipa to Balanchine , considera que Apollo (1928) de Balanchine fue el primer ballet neoclásico. Representó un regreso a la forma en respuesta a los ballets abstractos de Serge Diaghilev . Apollo y otras obras todavía se representan hoy en día, predominantemente por el New York City Ballet . Sin embargo, otras compañías pueden pagar una tarifa por los derechos de interpretación de las obras de George Balanchine.
Frederick Ashton es otro destacado coreógrafo asociado con el estilo neoclásico. Tres de sus obras se han convertido en piezas estándar del repertorio internacional: Sylvia (1952), Romeo y Julieta (1956) y Ondine (1958), la última de las cuales fue creada como vehículo para exhibir a Margot Fonteyn .
Un bailarín que se formó con Balanchine y absorbió gran parte de este estilo neoclásico fue Mikhail Baryshnikov . Tras el nombramiento de Baryshnikov como director artístico del American Ballet Theatre en 1980, trabajó con varios coreógrafos modernos, en particular Twyla Tharp . Tharp coreografió Push Comes To Shove para ABT y Baryshnikov en 1976; en 1986 creó In The Upper Room para su propia compañía. Ambas piezas se consideraron innovadoras por su uso de movimientos claramente modernos combinados con el uso de zapatillas de punta y bailarines de formación clásica, por su uso del ballet contemporáneo.
Tharp también trabajó con la compañía Joffrey Ballet , fundada en 1957 por Robert Joffrey . En 1973, coreografió para ellos Deuce Coupe , utilizando música pop y una combinación de técnicas modernas y de ballet. El Joffrey Ballet siguió presentando numerosas piezas contemporáneas, muchas de ellas coreografiadas por el cofundador Gerald Arpino .
En la actualidad existen muchas compañías y coreógrafos de ballet contemporáneo, entre ellos el Ballet de Madrid ; el Ballet Real de Flandes ; Alonzo King y su compañía, Alonzo King LINES Ballet ; Nacho Duato y la Compañía Nacional de Danza ; William Forsythe, que ha trabajado extensamente con el Ballet de Frankfurt y hoy dirige The Forsythe Company ; y Jiří Kylián , ex director artístico del Nederlands Dans Theater . Compañías tradicionalmente "clásicas", como el Ballet Kirov y el Ballet de la Ópera de París , también interpretan regularmente obras contemporáneas.
Varios métodos de ballet conocidos llevan el nombre de sus creadores. Por ejemplo, dos sistemas predominantes de Rusia se conocen como el método Vaganova, en honor a Agrippina Vaganova , y el método Legat, en honor a Nikolai Legat . El método Cecchetti fue inventado por el bailarín italiano Enrico Cecchetti (1850-1928), y el método Bournonville, inventado por August Bournonville (1805-1879), se emplea principalmente en el país de Bournonville, Dinamarca.
…первый балет на мусульманском востоке появился у нас.