El cine experimental o cine de vanguardia es una modalidad cinematográfica que reevalúa rigurosamente las convenciones cinematográficas y explora formas no narrativas o alternativas a las narrativas o métodos de trabajo tradicionales. [1] Muchas películas experimentales, en particular las primeras, se relacionan con las artes de otras disciplinas: pintura, danza, literatura y poesía, [2] o surgen de la investigación y el desarrollo de nuevos recursos técnicos. [3]
Si bien algunas películas experimentales se han distribuido a través de canales convencionales o incluso se han realizado en estudios comerciales, la gran mayoría se han producido con presupuestos muy bajos, con un equipo mínimo o una sola persona y se autofinancian o reciben apoyo de pequeñas subvenciones. [4]
Los cineastas experimentales suelen empezar como aficionados y algunos utilizan las películas experimentales como trampolín hacia la producción cinematográfica comercial o la transición a puestos académicos. El objetivo de la producción cinematográfica experimental puede ser plasmar la visión personal de un artista o promover el interés por las nuevas tecnologías, en lugar de entretener o generar ingresos, como es el caso de las películas comerciales. [5]
El término cine experimental describe una gama de estilos cinematográficos que a menudo difieren de las prácticas del cine comercial y documental convencional y a menudo se oponen a ellas . También se utiliza el término "vanguardia" para las películas del tipo rodadas en los años veinte en Francia, Alemania o Rusia para describir este tipo de trabajo, y " underground " se utilizó en los años sesenta, aunque también ha tenido otras connotaciones. Hoy en día prevalece el término "cine experimental", porque es posible hacer películas experimentales sin la presencia de ningún movimiento de vanguardia en el campo cultural.
Aunque el término "experimental" abarca una amplia gama de prácticas, una película experimental suele caracterizarse por la ausencia de una narrativa lineal, el uso de diversas técnicas de abstracción (desenfoque, pintura o rayado sobre la película, montaje rápido), el uso de sonido asincrónico ( no diegético ) o incluso la ausencia de cualquier banda sonora. El objetivo suele ser colocar al espectador en una relación más activa y reflexiva con la película. Al menos durante la década de 1960, y en cierta medida después, muchas películas experimentales adoptaron una postura de oposición a la cultura dominante.
La mayoría de las películas experimentales se realizan con presupuestos muy bajos, se autofinancian o se financian a través de pequeñas subvenciones, con un equipo mínimo o, a menudo, con un equipo de una sola persona, el cineasta. Algunos críticos han argumentado que gran parte del cine experimental ya no es, de hecho, "experimental", sino que se ha convertido en un género cinematográfico convencional . [6] Muchas de sus características más típicas, como los enfoques no narrativos, impresionistas o poéticos de la construcción de la película, definen lo que generalmente se entiende por "experimental". [7]
En la década de 1920, dos condiciones prepararon a Europa para el surgimiento del cine experimental. En primer lugar, el cine maduró como medio y la resistencia intelectual al entretenimiento de masas comenzó a disminuir. En segundo lugar, florecieron los movimientos de vanguardia en las artes visuales. Los dadaístas y los surrealistas , en particular, se dedicaron al cine. Entr'acte (1924) de René Clair , con Francis Picabia , Marcel Duchamp y Man Ray , y música de Erik Satie , llevó la comedia alocada al nonsequitur.
Los artistas Hans Richter , Jean Cocteau , Marcel Duchamp, Germaine Dulac y Viking Eggeling contribuyeron con cortos dadaístas/surrealistas. Fernand Léger , Dudley Murphy y Man Ray crearon la película Ballet Mécanique (1924), que ha sido descrita como dadaísta , cubista o futurista . [ cita requerida ] Duchamp creó la película abstracta Anémic Cinéma (1926).
Alberto Cavalcanti dirigió Rien que les heures (1926), Walter Ruttmann dirigió Berlín. Sinfonía de una metrópolis (1927) y Dziga Vertov filmó El hombre de la cámara (1929), " sinfonías urbanas " experimentales de París , Berlín y Kiev , respectivamente.
Una película experimental famosa es Un perro andaluz (1929) de Luis Buñuel y Salvador Dalí . Los cortos animados de Hans Richter, las películas abstractas de Oskar Fischinger y las películas de GPO de Len Lye son ejemplos de películas de vanguardia europeas más abstractas. [8]
En Francia, otro grupo de cineastas también financió películas a través del mecenazgo y las distribuyó a través de cineclubes, pero eran películas narrativas que no estaban vinculadas a una escuela de vanguardia. El estudioso del cine David Bordwell ha denominado a estos impresionistas franceses e incluye a Abel Gance , Jean Epstein , Marcel L'Herbier y Dimitri Kirsanoff . Estas películas combinan la experimentación narrativa, el montaje y el trabajo de cámara rítmicos y un énfasis en la subjetividad de los personajes. [9]
En 1952, el movimiento de vanguardia letrista , en Francia, provocó disturbios en el Festival de Cine de Cannes , cuando se proyectó Traité de bave et d'éternité (también conocida como Venom y Eternity ) de Isidore Isou . Después de sus críticas a Charlie Chaplin en la conferencia de prensa de 1952 en París para Limelight de Chaplin , hubo una división dentro del movimiento. Los ultraletristas continuaron causando disturbios cuando anunciaron la muerte del cine y mostraron sus nuevas técnicas hipergráficas ; el ejemplo más notorio es Aullidos en favor de Sade ( Hurlements en Faveur de Sade ) de Guy Debord de 1952.
Los cineastas soviéticos también encontraron una contraparte de la pintura y la fotografía modernistas en sus teorías del montaje . Las películas de Dziga Vertov , Sergei Eisenstein , Lev Kuleshov , Alexander Dovzhenko y Vsevolod Pudovkin fueron fundamentales para proporcionar un modelo alternativo al ofrecido por el Hollywood clásico . Si bien no eran películas experimentales per se, contribuyeron al lenguaje cinematográfico de la vanguardia. [10]
Italia tuvo una relación históricamente difícil con su escena de vanguardia, aunque el nacimiento del cine coincidió con el surgimiento del futurismo italiano . [11]
Potencialmente, el nuevo medio del cine era un complemento perfecto para las preocupaciones del futurismo, conocido por promover nuevas estéticas, movimiento y modos de percepción. Especialmente, dada la fascinación futurista por la sensación de velocidad y el dinamismo de la vida moderna. Sin embargo, lo que queda del cine futurista está en su mayoría en papel, muchas películas se perdieron y otras nunca se hicieron. Entre esas literaturas, vale la pena destacar The Futurist Cinema (Marinetti et al., 1916), Technical Manifesto of Futurist Literature (1912), The Variety Theatre (1913), The Futurist Synthetic Theatre (1915) y The New Religion – Morality of Speed (1916). [12] Tal vez, los futuristas estuvieron entre el primer grupo de cineastas de vanguardia dedicados al potencial de la imagen, elogiando el movimiento y apuntando hacia una estética antinarrativa. [13] Como ejemplo, la cita de Marinetti:
"El cine es un arte autónomo. Por tanto, el cine no debe copiar jamás la escena. El cine, siendo esencialmente visual, debe sobre todo cumplir la evolución de la pintura, desprenderse de la realidad, de la fotografía, de lo gracioso y solemne..." [14]
Como lo ejemplifica la cita, la imagen es el tema real, no la historia ni la actuación, un enfoque y una actitud que siguen siendo válidos a lo largo de toda la historia del cine experimental.
Anton Giulio Bragaglia es sin duda el cineasta más conocido del movimiento futurista.
Estados Unidos tuvo algunas películas de vanguardia antes de la Segunda Guerra Mundial , como Manhatta (1921), de Charles Sheeler y Paul Strand , y The Life and Death of 9413: a Hollywood Extra (1928), de Slavko Vorkapich y Robert Florey . Sin embargo, gran parte de la cultura cinematográfica experimental de antes de la guerra consistía en artistas que trabajaban, a menudo de forma aislada, en proyectos cinematográficos. A principios de la década de 1930, el pintor Emlen Etting (1905-1993) dirigió películas de danza que se consideran experimentales. El artista comercial ( Saturday Evening Post ) e ilustrador Douglass Crockwell (1904-1968) [15] hizo animaciones con manchas de pintura presionadas entre láminas de vidrio en su estudio de Glens Falls, Nueva York . [16]
En Rochester, Nueva York , el médico y filántropo James Sibley Watson y Melville Webber dirigieron La caída de la casa Usher (1928) y Lot en Sodoma (1933). Harry Smith , Mary Ellen Bute , el artista Joseph Cornell y Christopher Young realizaron varias películas experimentales con influencia europea. Smith y Bute fueron influenciados por Oskar Fischinger, al igual que muchos animadores y cineastas de vanguardia. En 1930, apareció la revista Experimental Cinema . [17] Los editores fueron Lewis Jacobs y David Platt. En octubre de 2005, una gran colección de películas de ese período fue restaurada y reeditada en DVD, titulada Unseen Cinema: Early American Avant Garde Film 1894-1941 . [18]
Con Slavko Vorkapich, John Hoffman realizó dos poemas visuales sinfónicos, Moods of the Sea (también conocido como Fingal's Cave , 1941) y Forest Murmurs (1947). La primera película está ambientada en la Obertura de las Hébridas de Felix Mendelssohn y fue restaurada en 2004 por el experto en conservación de películas David Shepard .
Meshes of the Afternoon (1943) de Maya Deren y Alexander Hammid es una de las primeras películas experimentales estadounidenses. Proporcionó un modelo para la producción y distribución autofinanciada en 16 mm , que pronto fue retomado por Cinema 16 y otras sociedades cinematográficas . Igualmente importante, estableció un modelo estético de lo que podía hacer el cine experimental. Meshes tenía una sensación onírica que recordaba a Jean Cocteau y los surrealistas, pero igualmente parecía personal, nueva y estadounidense. Las primeras obras de Kenneth Anger , Stan Brakhage , Shirley Clarke , Gregory Markopoulos , Jonas Mekas , Willard Maas , Marie Menken , Curtis Harrington , Sidney Peterson , Lionel Rogosin y Earle M. Pilgrim siguieron una línea similar. Significativamente, muchos de estos cineastas fueron los primeros estudiantes de los programas universitarios pioneros de cine establecidos en Los Ángeles y Nueva York . En 1946, Frank Stauffacher inició la serie de películas experimentales "Arte en el cine" en el Museo de Arte Moderno de San Francisco , donde las películas de Oskar Fischinger se presentaron en varios programas especiales, influyendo en artistas como Jordan Belson y Harry Smith a realizar animación experimental.
Crearon "programas de cine alternativo" en el Black Mountain College (hoy desaparecido) y en el San Francisco Art Institute . Arthur Penn enseñó en el Black Mountain College, lo que pone de relieve la idea errónea popular, tanto en el mundo del arte como en Hollywood, de que la vanguardia y lo comercial nunca se encuentran. Otro desafío a esa idea errónea es que, en una etapa avanzada de su vida, después de que sus carreras en Hollywood habían terminado, tanto Nicholas Ray como King Vidor hicieron películas de vanguardia.
El teórico del cine P. Adams Sitney ofrece un concepto de "cine visionario" e inventó algunas categorías de género, incluyendo el cine mitopoético , el cine estructural, el cine de trance y el cine participativo, para describir la morfología histórica del cine experimental en la vanguardia estadounidense desde 1943 hasta la década de 2000. [19]
La sociedad cinematográfica y el modelo de autofinanciamiento continuaron durante las dos décadas siguientes, pero a principios de la década de 1960, una perspectiva diferente se hizo perceptible en el trabajo de los cineastas de vanguardia estadounidenses. Cineastas como Michael Snow , Hollis Frampton , Ken Jacobs , Paul Sharits , Tony Conrad y Ernie Gehr , son considerados por P. Adams Sitney como modelos clave de lo que él llama " cine estructural ". Sitney dice que los elementos clave del cine estructural son una posición fija de la cámara, efecto de parpadeo, refotografía fuera de pantalla e impresión en bucle. [20] El artista Bruce Conner creó ejemplos tempranos como A Movie (1958) y Cosmic Ray (1962). Como ha señalado Sitney, en el trabajo de Stan Brakhage y otros experimentalistas estadounidenses del período temprano, el cine se utiliza para expresar la conciencia individual del creador, un equivalente cinematográfico de la primera persona en la literatura. Dog Star Man (1961-64) de Brakhage ejemplificó un cambio de la confesión personal a la abstracción, y también evidenció un rechazo a la cultura de masas estadounidense de la época. Por otro lado, Kenneth Anger agregó una banda sonora de rock a su Scorpio Rising (1963) en lo que a veces se dice que es una anticipación de los videos musicales , e incluyó algunos comentarios camp sobre la mitología de Hollywood. Jack Smith y Andy Warhol incorporaron elementos camp en su trabajo, y Sitney postuló la conexión de Warhol con el cine estructural.
Algunos cineastas de vanguardia se alejaron aún más de la narrativa. Mientras que el Nuevo Cine Americano se caracterizó por una visión oblicua de la narrativa, basada en la abstracción, lo camp y el minimalismo, los cineastas estructurales como Frampton y Snow crearon un cine altamente formalista que ponía en primer plano el medio en sí: el encuadre, la proyección y, lo más importante, el tiempo. Se ha argumentado que al descomponer la película en componentes básicos, buscaban crear un cine antiilusionista, aunque las últimas obras de Frampton tienen una enorme deuda con la fotografía de Edward Weston , Paul Strand y otros, y de hecho celebran la ilusión. Además, aunque muchos cineastas comenzaron a hacer "películas estructurales" bastante académicas después de la publicación en Film Culture de un artículo de P. Adams Sitney a fines de la década de 1960, muchos de los cineastas nombrados en el artículo objetaron el término.
En la edición de 2000 de la revista de arte Art in America se publicó una reseña crítica de los estructuralistas , en la que se examinaba el formalismo estructural como una filosofía conservadora de la realización cinematográfica.
En la década de 1970, el arte conceptual llegó incluso más lejos. Robert Smithson , un artista afincado en California, realizó varias películas sobre sus obras de arte en tierra y proyectos anexos. Yoko Ono realizó películas conceptuales. La más famosa de ellas es Rape, que se centra en la vida de una mujer que es invadida por cámaras mientras intenta huir. En esa época, una nueva generación estaba entrando en el campo, muchos de los cuales eran estudiantes de los primeros vanguardistas. Leslie Thornton , Peggy Ahwesh y Su Friedrich ampliaron el trabajo de los estructuralistas, incorporando una gama más amplia de contenido, manteniendo al mismo tiempo una forma autorreflexiva.
Andy Warhol , el hombre detrás del Pop Art y una variedad de otras formas orales y artísticas, realizó más de 60 películas a lo largo de la década de 1960, la mayoría de ellas experimentales. En años más recientes, cineastas como Craig Baldwin y James O'Brien ( Hyperfutura ) han hecho uso de material de archivo casado con narrativas de acción en vivo en una forma de cine mash-up que tiene fuertes matices sociopolíticos. La Jetée (1962) de Chris Marker consiste casi en su totalidad en fotografías fijas acompañadas de narración, mientras que Year of the Nail (2007) de Jonás Cuarón utiliza fotografías no escenificadas que el director tomó de sus amigos y familiares combinadas con actuación de voz para contar una historia ficticia. Otros ejemplos de películas creadas en el siglo XXI con esta técnica son Dogville de Lars von Trier y la filmografía de David Lynch .
Los escritos y la producción cinematográfica de Laura Mulvey impulsaron un florecimiento del cine feminista basado en la idea de que la narrativa convencional de Hollywood reforzaba las normas de género y una mirada patriarcal. Su respuesta fue resistirse a la narrativa de una manera que mostrara sus fisuras e inconsistencias. Chantal Akerman y Sally Potter son sólo dos de las principales cineastas feministas que trabajaron en este estilo en la década de 1970. El videoarte surgió como medio en este período, y feministas como Martha Rosler y Cecelia Condit lo aprovecharon al máximo.
En la década de 1980, el trabajo experimental feminista, gay y de otros ámbitos políticos continuó, y cineastas como Barbara Hammer , Su Friedrich , Tracey Moffatt , Sadie Benning e Isaac Julien, entre otros, encontraron en el formato experimental un espacio propicio para sus preguntas sobre la política de la identidad.
El movimiento queercore dio origen a una serie de cineastas queer experimentales como GB Jones (uno de los fundadores del movimiento) en la década de 1990 y posteriormente Scott Treleaven , entre otros.
Con muy pocas excepciones, entre ellas Curtis Harrington , los artistas que participaron en estos primeros movimientos se mantuvieron al margen de la industria cinematográfica y del entretenimiento comercial dominante. Unos pocos enseñaron ocasionalmente y luego, a partir de 1966, muchos se convirtieron en profesores en universidades como las Universidades Estatales de Nueva York , el Bard College , el Instituto de las Artes de California , el Colegio de Arte de Massachusetts , la Universidad de Colorado en Boulder y el Instituto de Arte de San Francisco .
Muchos profesionales del cine experimental no poseen, de hecho, títulos universitarios, aunque sus exhibiciones son prestigiosas. Algunos han cuestionado el estatus de las películas realizadas en la academia, pero profesores de cine de larga trayectoria como Stan Brakhage , Ken Jacobs , Ernie Gehr y muchos otros, continuaron refinando y expandiendo su práctica mientras enseñaban. Sin embargo, la inclusión del cine experimental en los cursos de cine y en las historias del cine estándar ha hecho que el trabajo sea más conocido y más accesible.
A partir de 1946, Frank Stauffacher dirigió el programa "Arte en el Cine" de películas experimentales y de vanguardia en el Museo de Arte Moderno de San Francisco .
El Festival de Cine Experimental de Knokke-Le-Zoute , que se celebró en Knokke-Heist ( Bélgica) , fue el festival de cine experimental más importante del mundo entre 1949 y 1975. Permitió descubrir la vanguardia estadounidense en 1958 con las películas de Brakhage y de muchos otros cineastas europeos y estadounidenses.
De 1947 a 1963, Cinema 16 , con sede en Nueva York , funcionó como el principal exhibidor y distribuidor de cine experimental en los Estados Unidos. Bajo el liderazgo de Amos Vogel y Marcia Vogel, Cinema 16 floreció como una sociedad de miembros sin fines de lucro comprometida con la exhibición de películas documentales, de vanguardia, científicas, educativas y de performance para un público cada vez mayor. [21]
En 1962, Jonas Mekas y otros 20 cineastas fundaron la cooperativa Film-Makers' Cooperative en la ciudad de Nueva York. Pronto se formaron cooperativas de artistas similares en otros lugares: Canyon Cinema en San Francisco, la cooperativa Film-Makers' Co-op de Londres y el Canadian Filmmakers Distribution Center.
Siguiendo el modelo de Cinema 16, las películas experimentales se han exhibido principalmente fuera de las salas comerciales en pequeñas sociedades cinematográficas , microcines , museos , galerías de arte , archivos y festivales de cine . [22]
Varias otras organizaciones, tanto en Europa como en América del Norte, ayudaron a desarrollar el cine experimental, entre ellas Anthology Film Archives de la ciudad de Nueva York, The Millennium Film Workshop, el British Film Institute de Londres, el National Film Board of Canada y el Collective for Living Cinema.
Algunos de los festivales de cine más populares, como el Festival de Cine de Ann Arbor , el Side Bar "Views from the Avant-Garde" del Festival de Cine de Nueva York , el Festival Internacional de Cine de Rotterdam y el Festival de Cine de Media City [23] presentan de forma destacada obras experimentales.
El Festival de Cine Underground de Nueva York , el Festival de Cine Underground de Chicago , el Festival de Artes de Medios Experimentales Freewaves de Los Ángeles , el Festival de Cine Lésbico y Gay Experimental de Nueva York MIX NYC y el Festival de Imágenes de Toronto también apoyan esta labor y ofrecen espacios para películas que de otro modo no se verían. Existe cierta controversia sobre si "underground" y "vanguardia" significan realmente lo mismo y si el cine no tradicional desafiante y el cine de bellas artes están realmente relacionados fundamentalmente. [24]
Lugares como Anthology Film Archives , San Francisco Cinematheque , Pacific Film Archive en Berkeley, California , Tate Modern, Londres y el Centro Pompidou en París suelen incluir películas experimentales y obras contemporáneas de importancia histórica. Las series de proyecciones que ya no se encuentran en Nueva York y que presentaban obras experimentales incluyen Robert Beck Memorial Cinema, Ocularis y Collective for Living Cinema .
Todas estas asociaciones y movimientos han permitido el nacimiento y desarrollo de películas y escuelas experimentales nacionales como el "cine del cuerpo" ("Écoles du corps" o "Cinéma corporel") y los movimientos "postestructurales" en Francia, y el "estructural/materialismo" en Inglaterra, por ejemplo. [25]
Aunque el cine experimental es conocido por un número relativamente pequeño de profesionales, académicos y conocedores, ha influido y sigue influyendo en la cinematografía , los efectos visuales y la edición . [26]
El cine experimental llegó al público general en las exposiciones mundiales, especialmente las de Montreal, Expo 67 , [27] y Osaka, Expo 70. [ 28]
El género del vídeo musical puede considerarse como una comercialización de muchas técnicas del cine experimental. El diseño de los títulos y la publicidad televisiva también han sido influenciados por el cine experimental. [29] [30] [31] [32]
Muchos cineastas experimentales también han realizado largometrajes, y viceversa. [33]
