Scott Pilgrim vs. the World [a] es una película de comedia romántica de acción de 2010 coescrita, producida y dirigida por Edgar Wright , basada en laserie de novelas gráficas Scott Pilgrim de Bryan Lee O'Malley . Está protagonizada por un reparto coral , con Michael Cera como Scott Pilgrim , un músico holgazán que está tratando de ganar una competencia para conseguir un contrato discográfico, mientras que también lucha contra los siete ex malvados de su nueva novia Ramona Flowers , interpretada por Mary Elizabeth Winstead .
Tras el lanzamiento del primer volumen se propuso una adaptación cinematográfica de los cómics y Wright se incorporó al proyecto desde el principio. El rodaje comenzó en marzo de 2009 en Toronto y finalizó en agosto de ese mismo año. La película se estrenó tras una mesa redonda en la Comic-Con de San Diego el 22 de julio de 2010 y se estrenó ampliamente en Norteamérica el 13 de agosto. Se volvió a estrenar con motivo de su décimo aniversario en el Reino Unido el 21 de agosto de 2020 y en los Estados Unidos el 30 de abril de 2021.
La película utiliza características famosas de su entorno de Toronto y se adapta al estilo de las imágenes de los videojuegos y los cómics. Se utilizaron artistas musicales reales, incluidos Beck y Metric , como base para cada grupo ficticio en la trama de la batalla de las bandas , con algunos de los actores también actuando. Se utilizó una combinación de métodos digitales y físicos para crear los extensos efectos visuales .
Aunque fue un fracaso de taquilla que no logró recuperar su presupuesto de producción de 85 millones de dólares, Scott Pilgrim vs. the World recibió críticas positivas de los críticos, que destacaron su estilo visual y humor, y se ganó un seguimiento de culto . La película ha aparecido en varias listas de las diez mejores y ha recibido más de 70 premios y nominaciones . En el análisis académico, se ha discutido ampliamente como una narrativa transmedia .
En Toronto , Scott Pilgrim, un bajista de 22 años de su fracasada banda de indie garage Sex Bob-Omb, está saliendo con Knives Chau, una estudiante de secundaria de 17 años, para gran desaprobación de sus amigos de la banda, su compañero de cuarto Wallace Wells y su hermana menor Stacey Pilgrim. Scott conoce a Ramona Flowers , una repartidora estadounidense de Amazon , después de haberla visto por primera vez en un sueño. Scott pierde interés en Knives, pero no rompe con ella antes de perseguir a Ramona. Cuando Sex Bob-Omb toca en una batalla de bandas patrocinada por el ejecutivo discográfico Gideon Graves, Scott es atacado por el ex novio de Ramona, Matthew Patel. Scott derrota a Patel y se entera de que debe derrotar a sus seis ex malvados restantes para poder salir con Ramona.
Scott finalmente rompe con Knives, quien culpa a Ramona y jura recuperarlo volviéndose más como Ramona. Scott derrota a los siguientes tres ex de Ramona: el actor de Hollywood y skater Lucas Lee, el vegano con superpoderes Todd Ingram y la ninja lesbiana Roxy Richter, mientras también se enfrenta a su propia ex, la estrella del pop Envy Adams. Sin embargo, Scott se frustra durante el proceso y, después de un arrebato sobre el historial amoroso de Ramona, ella rompe con él.
En la siguiente batalla de bandas, Sex Bob-Omb derrota al quinto y sexto ex malvado de Ramona, los gemelos Kyle y Ken Katayanagi, lo que le otorga a Scott una vida extra . A pesar de esto, Ramona parece volver con su séptimo y último ex malvado, Gideon. Sex Bob-Omb acepta el contrato discográfico de Gideon , a excepción de Scott, quien abandona la banda en protesta. Gideon invita a Scott a su local, el Chaos Theater, donde Sex Bob-Omb está tocando. Decidido a recuperar a Ramona, Scott desafía a Gideon a una pelea por su afecto, ganando la espada "Poder del amor". Knives interrumpe la batalla, ataca a Ramona, y Scott se ve obligado a revelar que los engañó a ambos. Gideon mata a Scott, y Ramona lo visita en el limbo para revelar que Gideon le ha implantado un dispositivo de control mental .
Scott usa su 1-up para volver a la vida y vuelve a entrar en el Teatro del Caos. Hace las paces con sus amigos y desafía a Gideon, esta vez por sí mismo, obteniendo la espada "Poder del Auto-Respeto". Después de disculparse con Ramona y Knives por engañarlos y aceptar sus propias faltas, Scott une fuerzas con Knives y derrotan a Gideon. Ahora libre de su control, Ramona se prepara para irse. Knives acepta que su relación con Scott ha terminado y, ante el aliento de ella, se va con Ramona para "intentarlo de nuevo".
Scott Pilgrim vs. the World fue una coproducción internacional entre varias compañías: Marc Platt Productions y Closed On Mondays Entertainment (Estados Unidos), Big Talk Films (Reino Unido) y Dentsu (Japón). [5]
Después de que el artista Bryan Lee O'Malley completara el primer volumen de Scott Pilgrim , su editor Oni Press contactó al productor Marc Platt para proponer una adaptación cinematográfica . [7] O'Malley originalmente tenía sentimientos encontrados sobre una adaptación cinematográfica, afirmando que "esperaba que lo convirtieran en una comedia de acción completa con algún actor que [él] odiaba", aunque también "ni siquiera le importaba", admitiendo: "Yo era un artista muerto de hambre, y pensé: 'Por favor, dame algo de dinero'". [8] Universal Studios contrató al director Edgar Wright , quien acababa de terminar Shaun of the Dead , lanzado en 2004, y aceptó adaptar los cómics de Scott Pilgrim . [7] [9] Wright se había interesado por primera vez en hacer la película cuando le dieron una copia previa al lanzamiento de la primera novela gráfica durante la gira de prensa de Shaun of the Dead , [10] diciendo más tarde que "todo lo que [él] encontró interesante sobre el libro, y por qué se sentía fresco y único, era irresistible de adaptar". [11] En mayo de 2005, el estudio contrató a Michael Bacall para coescribir el guión. [9]
Wright citó la película de Mario Bava de 1968 Danger: Diabolik (otra adaptación de una serie de cómics) como una influencia en su enfoque de Scott Pilgrim , afirmando que tomó una "influencia italiana, un sentido de imaginación completamente desenfrenada. No hacen ningún intento de hacer que parezca realista. La composición y puesta en escena de Mario Bava tiene una verdadera actitud de probar cualquier cosa". [12] Otras influencias en los guionistas incluyen películas musicales como Beyond the Valley of the Dolls , Dig! y particularmente Phantom of the Paradise . [13] La película también toma elementos de estilo de las novelas gráficas, incluido el uso de texto de cómic como gráfico (por ejemplo, onomatopeya de efectos de sonido), que Wright y O'Malley describen como "simplemente la perspectiva interna de cómo Scott se entiende a sí mismo y al mundo". [14] Se ha descrito como un videojuego y una película de cómic. [15]
Bacall dijo que quería escribir la película de Scott Pilgrim porque sentía un fuerte sentimiento por su historia y empatizaba con sus personajes. [16] Wright dijo que O'Malley estuvo "muy involucrado" con el guion de la película desde el principio, contribuyendo con líneas y agregando detalles. Debido al largo desarrollo, varias líneas de varios guiones escritos por Wright y Bacall se usaron en cómics posteriores de Scott Pilgrim . [17] El segundo borrador del guion, que según O'Malley "se convirtió en el borrador principal de la película", fue presentado justo a la medianoche de la noche en que se suponía que comenzaría la huelga de escritores en octubre de 2007. [18] Ningún material de Scott Pilgrim's Finest Hour , el sexto volumen de Scott Pilgrim , apareció en la película, ya que el cómic no estaba completo en el momento de la producción de la película; O'Malley contribuyó con sugerencias para el final de la película y les dio a los productores sus notas para el sexto volumen, [19] pero declaró que el final de la película era "su final". [20] Algunas ideas para el final de la película fueron eliminadas antes de la producción, incluyendo que Scott resultaría ser un asesino en serie que fantaseaba con los aspectos del juego [21] y que Gideon se convertiría en un robot estilo Transformers . [22]
El casting de los personajes principales comenzó en junio de 2008, con Wright consultando con O'Malley durante el casting. [23] Las sesiones de prueba comenzaron en julio de 2008, con Wright diciendo que hubo un año de preparación antes de que comenzara el rodaje. También dejó de trabajar en su guion de Ant-Man durante dos años durante la producción de Scott Pilgrim vs. the World . [11] Para 2009, el casting se había completado y la película se tituló Scott Pilgrim vs. the World . [24] El elenco pasó dos meses en entrenamiento de lucha juntos antes de filmar, con Bradley James Allan y Peng Zhang del Jackie Chan Stunt Team ; [11] [25] Michael Cera dijo que "recibió una patada en la garganta durante el entrenamiento" y "esperaba que fuera insoportable, pero no dolió en absoluto, lo cual fue realmente confuso". [10] La fotografía principal comenzó en marzo de 2009 en Toronto, [26] [27] y terminó como estaba programado en agosto. [23] [28]
En el final original de la película, escrito antes del lanzamiento del último libro de Scott Pilgrim , Scott vuelve con Knives. [29] O'Malley se opuso al primer final porque sintió que diluiría el personaje de Knives. [30] Después de que se lanzó el último libro de la serie, en el que Scott y Ramona vuelven a estar juntos, y con la reacción dividida de la audiencia al final original de la película, se filmó un nuevo final para que coincidiera con los libros, con Scott y Ramona volviendo a estar juntos. [29] O'Malley ayudó a escribir el nuevo final y Wright llamó a la actriz de Knives, Ellen Wong, de antemano, pensando que podría estar decepcionada por el cambio, pero descubrió que le gustaba la idea. [31] El final final se filmó tres meses antes del estreno de la película; [14] Wright dice que es su "final preferido". [22] La película recibió un presupuesto de producción de $ 85-90 millones, una cantidad compensada por reembolsos de impuestos que resultaron en un costo final de alrededor de $ 60 millones. [32] Universal aportó 60 millones de dólares del presupuesto previo al reembolso. [33] La pista de comentarios de O'Malley se grabó el 14 de agosto de 2010, un día después del estreno de la película en los cines. [34]
Uno de los productores, Miles Dale, dijo que la película es "la película más grande jamás ambientada en Toronto". [36] La película presenta ubicaciones notables de Toronto: Casa Loma , St. Michael's College School , Sonic Boom, la Biblioteca Pública de Toronto Wychwood Library, una ubicación de Goodwill en St. Clair West, una Second Cup , una Pizza Pizza , Lee's Palace y Artscape Wychwood Barns . [35] [36] [37] La producción planeó ambientar la película en Toronto porque, en palabras de Dale, "los libros son súper específicos en sus detalles locales" y el director Wright quería usar las imágenes de los libros, por lo que Universal Studios no tenía planes de alterar el entorno. [36] Dale declaró que " Bathurst Street es prácticamente la corteza cerebral de Scott Pilgrim". [36] David Fleischer de Torontoist escribió que aunque las películas ambientadas en la ciudad de Nueva York muestran todos los puntos de referencia principales, "Scott Pilgrim se deleita en la simplicidad" de los lugares cotidianos que aún son identificables como Toronto, como la intersección de Bathurst/Bloor y un solo restaurante Pizza Pizza. [37]
El director Wright, que vivió en la ciudad durante un año antes de hacer la película, dijo que "como cineasta británico que hace [su] primera película fuera del Reino Unido, [él] no querría que nadie [le] desmerezca por equivocarse en la ubicación", apegándose al verdadero Toronto y "filmando incluso las ubicaciones más banales" en el cómic. [37] Wright dijo que lo primero que hizo cuando llegó a Toronto fue recorrer todas las ubicaciones con O'Malley, diciendo que esto le dio una "especie de aterrizaje en las ubicaciones reales [que] simplemente hizo que todo se sintiera bien", aunque O'Malley no podía recordar los lugares exactos de algunos y por eso condujeron usando sus fotos de referencia del cómic para encontrarlos. [37] A la producción se le permitió filmar en ubicaciones de Second Cup y Pizza Pizza, y Wright dijo que usarlos en lugar de Starbucks "simplemente se sintió bien" porque "significa algo para el público canadiense y la gente en el público internacional simplemente piensa que [ellos] inventaron [Pizza Pizza] ellos mismos. Suena como una linda marca de película". [37]
Wright dijo que se sentía orgulloso de haber podido grabar el mural original de Lee's Palace antes de que lo derribaran; también hizo reconstruir el antiguo bar en un set para escenas interiores, lo que fue recibido positivamente cuando las bandas que asesoraron para la película lo visitaron. Wright sugirió que "querían que se conservara como una pieza de museo". [37] Otra reconstrucción fue la del club Rock It, que ya no existía, con el interior construido sobre un estudio de sonido. [37] La tienda Sonic Boom había cambiado de cómo aparecía en los cómics, pero permitió que su interior se restaurara por completo a la apariencia anterior para la filmación. [35] [37] Los fondos también se cambiaron para la película: muchos paisajes se simplificaron en la posproducción para emular el estilo de dibujo de los cómics, incluida la eliminación de muchos árboles de las escenas filmadas en Hillcrest Park y Turner Road. [37]
La Casa Loma ha servido como escenario de muchas producciones cinematográficas diferentes, por lo que aparecer en Scott Pilgrim vs. the World como escenario de una película fue descrito como "muy alucinante". [37] La escena en la Casa Loma también muestra la Torre CN y Baldwin Steps , con Don McKellar (que interpretó al director en la escena) informando que "la gente se estaba volviendo loca" en la noche de apertura en Toronto cuando se estrenó. [37] La pelea en la Casa Loma está en el cómic original, pero el momento en que Scott Pilgrim es empujado a través de un paisaje urbano genérico de pintura mate para revelar la Torre CN solo se agregó para la película. En su capítulo, "Scott Pilgrim Gets It Together": The Cultural Crossovers of Bryan Lee O'Malley", Mark Berninger llama a esta revelación "una referencia irónica a la ubicación fílmica específica" y dice que está "totalmente en línea con el uso de O'Malley del comentario metaficcional para enfatizar la hibridez transnacional precisamente al resaltar la identidad canadiense". [38]
Wright también tiene un ojo increíble para el reparto, llenando su película con personajes que podrían, y a menudo pronto lo serían, ser superhéroes. Para darte una idea de lo apropiadamente superheroicos que son estos personajes, el reparto incluye al ex o futuro Superman , el Capitán América, el Capitán Marvel , LEGO Robin , Royal Pain , Human Torch , Punisher y The Atom .
– Helen O'Hara , La guía definitiva de películas de superhéroes (2020), págs. 74-75 [39]
El casting se llevó a cabo entre 2008 y 2010, [23] [24] involucrando al director Wright y a los directores de casting Jennifer Euston , Allison Jones y Robin D. Cook. [40] Cera fue elegida en marzo de 2008 [41] y Winstead en mayo. [42] A finales de 2008, Whitman, Wong y Kendrick fueron elegidos; en enero de 2009, Routh, Evans y Larson fueron anunciados juntos, con Webber, Pill, Simmons y Bhabha agregados casi al mismo tiempo. [43] El casting de extras en Toronto comenzó en febrero de 2009. [44] Aunque se basa en una novela gráfica sobre un músico, los expertos y críticos consideran que la película es una adaptación de cómic y una película de superhéroes , y en los años posteriores a su estreno, los comentaristas notaron que la película cuenta con un elenco estelar de los actores más importantes de las películas de cómics y superhéroes, [39] [45] [46] con Noah Dominguez de CBR diciendo que " Scott Pilgrim vs. the World puede tener el mejor de los actores de películas de cómics, jamás". [45] Patrick O'Donnell de NME escribió que "actores notables [que han protagonizado] adaptaciones de cómics antes y después de sus papeles en Scott Pilgrim [inyectan] una calidad meta al estilo ya rompedor de géneros de la película". [47]
El director Wright se sentía confiado con su casting para la película, diciendo que "al igual que con Hot Fuzz [cuando] tenían gente genial en cada pequeño papel, es lo mismo con esto. Lo bueno de esto es que hay gente [como] Michael [Cera] y Jason [Schwartzman], y [...] gente que está en ascenso, como Anna Kendrick, Aubrey Plaza y Brie Larson, y luego también hay completos desconocidos". [48] Collider señaló que los actores menos conocidos encajaban bien en sus papeles, y Wright confirmó que no tenían mucha presión para encontrar muchos nombres importantes, añadiendo que "Universal nunca le dio ningún problema a la hora de elegir a gente más importante, porque en cierto modo Michael [Cera] ha protagonizado dos películas de más de 100 millones de dólares, y también mucha de la otra gente, aunque no sean los nombres más importantes, la gente sin duda sabe quiénes son". [48] También señaló que, si bien algunos de los actores eran más famosos cuando audicionaron, como Schwartzman y Evans, otros se volvieron más conocidos durante el tiempo que la película estaba en desarrollo, diciendo que "Anna Kendrick hizo su primera audición antes de filmar la primera Crepúsculo . Y Aubrey Plaza consiguió el papel en Scott Pilgrim antes de hacer Funny People o Parks and Recreation , lo cual es una locura. Te muestra cuánto tiempo ha llevado hacer esta película". [10]
Las decisiones de casting fueron todas tomadas por O'Malley durante una sesión de casting con Wright; [19] O'Malley no estaba en la sala, pero le mostraron todas las cintas. [18] Wright dijo que planeaba elegir a Cera mientras escribía Hot Fuzz , después de ver episodios de Arrested Development , [48] también dijo que necesitaba un actor al que "el público seguiría incluso cuando el personaje fuera un poco idiota". [49] Cera dijo que estaba igualmente emocionado de trabajar con Wright, "porque [él] era un gran admirador suyo". [10] Se comprometió a entrenar para escenas de lucha durante un año como preparación, lo que le valió el apodo en el set de "rey de las flexiones" debido a lo musculoso que se volvió. [50] Wright explicó que, aunque Cera es un músico talentoso, no estaban buscando particularmente personas que ya supieran tocar instrumentos, ya que los miembros del elenco que no podían aprender posteriormente para la película. [48] Al igual que Cera, Wright ya tenía en mente a Mary Elizabeth Winstead como su elección para Ramona Flowers, pensando en ella para el papel dos años antes de que comenzara el rodaje porque "tiene una disposición muy alegre como persona, por lo que fue interesante conseguir que interpretara una versión de sí misma que estaba rota por dentro. Ella es genial en la película porque causa mucho caos pero sigue teniendo los pies sobre la tierra de manera sobrenatural". [51] En 2020, Wright y Winstead explicaron cómo ella había sido su primera opción después de verla en Death Proof y porque tiene unos ojos grandes que reflejaban la novela gráfica. Wright dijo que Universal había sugerido a Seth Rogen para el papel de Scott, ya que su reciente película Knocked Up había tenido éxito, pero Wright no podía ver a nadie más que a Cera en el papel. [52]
Ellen Wong, una actriz poco conocida de Toronto, [23] audicionó para el papel de Knives Chau tres veces. En su segunda audición, Wright se enteró de que Wong tiene cinturón verde en taekwondo , y dice que se sintió intrigado por esta "jovencita de rostro dulce que es una ruda en secreto". [51] En la retrospectiva de 2020 de Entertainment Weekly , Wong dijo que no creía que la considerarían para el papel porque es asiática, mientras que Chris Evans dijo que Wright se acercó a él para un papel en la película y sintió que "era una obviedad [porque él] era un gran admirador" del director, asumiendo el papel de Lucas Lee. [52] Otros actores considerados para Lucas fueron el futuro coprotagonista de Evans en Marvel Cinematic Universe, Sebastian Stan [40] y Robert Pattinson de Crepúsculo . [53] Los actores que interpretan a los dobles de Lucas son los dobles reales de Evans. [54] Aubrey Plaza, que tiene un papel secundario como Julie Powers, dijo que "hay mucha gente rara, perfectamente elegida", citando a Michael Cera y Alison Pill como particularmente compatibles con sus personajes. [55] Otras candidatas para el papel de Pill de Kim fueron Betty Gilpin , Zoe Kazan y Rooney Mara . [40] Además de Plaza, otros miembros del elenco y el equipo expresaron sentimientos similares: Kieran Culkin explicó que le enviaron un guion para audicionar sin un nombre de personaje, pero cuando vio la descripción de Wallace supo que el papel era para él, y Wright dijo que la audición de Brie Larson, que entonces tenía 18 años, "impresionó a todos los demás", y agregó: "[El productor ejecutivo] Jared [LeBoff] y yo dijimos después: 'Tenemos que elegirla'". [52]
Wright dice que una cosa con la que está particularmente contento es que esta película, a diferencia de muchas comedias, incluida la suya, tiene "muchas mujeres divertidas", recordando una escena en particular que llamó "la carrera de relevos de mujeres divertidas", porque "comienza con Anna Kendrick, luego cambia a Aubrey Plaza, luego cambia a Mary [Elizabeth Winstead], luego cambia a Brie Larson, y es solo Michael [Cera] siendo atacado por todos lados por todas las diferentes mujeres en la película". [48] En junio de 2013, O'Malley, que es de ascendencia coreana y canadiense blanca, declaró que lamentaba el hecho de que el elenco de la película fuera predominantemente blanco y que no hubiera suficientes papeles para minorías. [56]
El elenco de la película repitió sus papeles para la serie animada de Netflix de 2023 Scott Pilgrim Takes Off . [57]
La película no sólo está ambientada físicamente en Toronto, sino que también, según Allan Weiss, está situada cultural y temporalmente dentro de "los barrios Annex y Wychwood [de Toronto] durante la era de David Miller ", el tiempo y lugar de una escena musical muy específica en la que la película "se integra [...] no sólo a través de la banda ficticia de Scott[,] sino también por la aparición de clubes como el ahora desaparecido Rockit[, y] la banda sonora de indie rock de la película"; Weiss afirma que la película "marca la mitificación de la escena cool de Annex, la transformación del indie rock de Toronto [...] en materia de aventuras", ya que "casi todos los eventos principales [...] están conectados de alguna manera con esta escena musical". [58]
La banda sonora cuenta con contribuciones del productor de Radiohead Nigel Godrich , Beck , Metric , Broken Social Scene , Cornelius , Dan the Automator , Kid Koala y David Campbell . [59] [60] [61] [62] [63] O'Malley había escrito listas de reproducción para cada uno de los cómics en la parte posterior de los libros, presentando a Wright a otras bandas canadienses durante el desarrollo. Basándose en esto, Wright dijo que la producción "trató de [...] encontrar una banda real para cada una de las bandas ficticias, porque generalmente en las películas musicales tienes un compositor que hace todo". [48] Wright y Godrich se reunieron y buscaron bandas para escribir para la película durante dos años. [10] Godrich compuso la banda sonora de la película, su primera banda sonora cinematográfica . [11] Antes de que se involucrara con la película, los primeros guiones tenían la broma recurrente de que "nunca escuchabas a las bandas [...] Escuchabas la introducción, y luego pasaba a la siguiente escena, y alguien decía, 'Oh Dios mío, esa es la mejor canción de la historia'. Eso fue una broma durante mucho tiempo", según Wright. [64]
Webber, Pill y Simmons, como miembros de Sex Bob-omb, tuvieron que aprender a tocar sus respectivos instrumentos y pasaron tiempo ensayando como banda con Cera (que ya tocaba el bajo) antes de que comenzara la filmación. [65] Chris Murphy de la banda Sloan fue el entrenador de guitarra de los actores de la película. [48] Los actores también cantan en la banda sonora de la película. [66] Beck escribió y compuso la música interpretada por Sex Bob-omb en la película. [67] Las canciones tardaron dos días en escribirse y grabarse, y Beck dijo que "tenían que ser poco pensadas, [...] tenían que ser divertidas, pero [él] también quería que sonaran crudas, como demos". [68] Brian LeBarton toca la batería y el bajo para la banda en la banda sonora y la banda sonora de la película.
Brendan Canning y Kevin Drew de Broken Social Scene escribieron todas las canciones de Crash and the Boys. Las pistas fueron cantadas por Erik Knudsen , quien interpreta a Crash en la película. Drew declaró que la razón detrás de esto fue que "[él] sabía que [Knudsen] no necesitaba ser cantante para lograrlo" porque las canciones eran "tan rápidas y punk y veloces" y "necesitaba ser la voz del personaje". [69]
Metric es la inspiración para la banda de la película The Clash at Demonhead y contribuyó con la canción "Black Sheep" a la película, [70] por pedido de Godrich. [71] La ropa, la actuación y el estilo de la cantante principal de Metric, Emily Haines , también son la base para la cantante principal de The Clash at Demonhead, Envy Adams. [70] [72] Brie Larson, quien interpreta a Envy Adams, dijo que "no tenía idea de que [su] cuerpo pudiera moverse de esa manera" cuando habló en el estreno en el Reino Unido sobre su interpretación en el escenario de la canción. [73] La periodista musical Janelle Sheetz escribió que "la actuación de Larson es bastante similar a la de [Haines] pero con una actitud apropiada para [Envy Adams]". [74] La moda cinematográfica de Envy Adams también tuvo una influencia inversa en los cómics: la última novela gráfica estaba en desarrollo mientras se hacía la película, y O'Malley dijo que, aunque "intentaba distanciarse de [las interpretaciones de los actores]", también "le dio a Envy Adams uno de los atuendos reales de Brie Larson" en el cómic. [18]
Larson como Envy Adams proporciona la voz de "Black Sheep" en la película, mientras que la banda sonora presenta una versión de la canción con Haines como cantante principal, [75] por pedido de la banda; [76] Larson era una cantante profesional y ha actuado en algunas de sus otras películas. [77] Metric había estado interpretando la canción en sus conciertos desde 2007, pero no la había lanzado antes de la película. [78] Todd Martens del Los Angeles Times dijo que "Envy es una caricatura de Haines" y, asimismo, según Haines, que "'Black Sheep' es esencialmente una caricatura de Metric", como una canción que emula sus aspectos más distintivos. [64] Godrich estuvo de acuerdo y agregó que "era perfecto para esta película [porque] no es Metric. Es una sombra de Metric". [64] Routh, que interpreta a The Clash en el bajista de Demonhead Todd Ingram, dijo que "[él] puede tocar ["Black Sheep"] realmente bien", pero la película no usó su instrumental, solo la voz de Larson sobre Metric, [11] que había vuelto a grabar la pista para hacerla más siniestra. [64] Routh pasó "tres o cuatro meses" aprendiendo a tocar el bajo para la película. [11]
La canción interpretada por Matthew Patel fue escrita por Dan the Automator e interpretada por Satya Bhabha en la película. Bhabha dijo que la "grabaron en Capitol Records Studio 2, que es donde Frank Sinatra grabó mucho de su material. Y había un piano de Ray Charles en la habitación", explicando que la historia musical lo ayudó a terminar la grabación. [11]
Wright dijo que los cambios tonales de la película en línea con la representación de las diferentes partes del libro, y para sus escenas de lucha, fueron tratados como una película musical , diciendo: [48]
Pensamos que debería ser como un musical en cierto modo, en términos de que las peleas no sean diferentes a las canciones. Siempre pensé que había muchas películas de artes marciales que eran como musicales, así que queríamos llevarlo más allá. Ya sabes, en una película de Gene Kelly , cuando realiza una rutina increíble, al final de la escena nadie dice: "¡Dios mío, eso fue increíble!". La canción trata sobre algo, y luego puede haber algún diálogo al final que también trate sobre ese tema. Y así es como funciona esto, donde la gente tiene estas grandes peleas, y es un poco como en los libros, donde todo vuelve a la normalidad, y hay una pequeña reacción a lo que acaba de suceder, pero no hay ningún tipo de duelo por la muerte.
También dijo que se hicieron algunos videos musicales de interpretaciones de canciones, incluyendo algunos de Sex Bob-omb y la única interpretación de The Clash en Demonhead, filmando la canción completa a pesar de que no se usarían en forma completa en la película; dijo que eran tan buenos que quería grabarlos todos para que lo tuvieran. [48] El lanzamiento en Blu-ray para el hogar incluye características especiales, con videos musicales de las interpretaciones completas de "Garbage Truck", "Threshold" y "Summertime" de Sex Bob-omb, y "Black Sheep" de The Clash en Demonhead. [79] El video musical de "Black Sheep" también se había incluido como un contenido adicional con la reserva de la banda sonora en iTunes . [80]
La música de la serie de videojuegos The Legend of Zelda se utiliza para abrir la película, en efectos de sonido, [81] y en una secuencia de sueños. Para obtener permiso para usar la música, Edgar Wright envió un clip de la película y escribió una carta a Nintendo of America que describía la música como "como rimas infantiles para una generación". [49] Hay otros efectos de sonido y clips de otros videojuegos utilizados en la película. [81] [82] Zeitlin Wu escribe que la película lleva los elementos de videojuego de la novela gráfica al límite al poder incluir tales efectos de sonido. [15]
La película se describe como que tiene un "aspecto inimitable" de iconografía de manga y videojuego (particularmente de 16 bits ) con colores brillantes y gráficos mezclados con la acción en vivo; el supervisor de efectos visuales Frazer Churchill describió el aspecto como "complicado" de lograr, llamando al estilo y atractivo de la película "imágenes de muy alta tecnología con una sensación de muy baja fidelidad". [83] Churchill fue entrevistado por MTV en agosto de 2010 sobre los efectos en la película. Señaló que parte del trabajo era más complejo debido a una ética de filmación de Wright: que debería haber una representación física de cualquier efecto de posproducción, diciendo que "siempre que la imagen parpadea en las tomas terminadas -cada puñetazo, choque de espadas o algo así- esos eran en realidad destellos [...] en el set con flashes de fotos [...] y luego [ellos] agregan [...] flash con CG. Cuando alguien muere y estalla en monedas, [ellos] vaciaban baldes de Mylar plateado para que los actores tuvieran algo a lo que reaccionar". [83]
Churchill describió la primera pelea (Scott vs. Matthew Patel) como "la más desafiante". [83] Él dice que esto se debió a los elementos técnicos involucrados, como el baile de Bollywood generado por computadora y que requirió trabajo de pantalla azul , pintura mate y muchas acrobacias. La escena también incorpora el efecto de desplazamiento de fondo de videojuego , que fue filmado por una segunda unidad durante un día completo. Churchill agregó que un momento en particular requirió mucho trabajo: "Cuando Scott salta del escenario hacia ese vórtice estilo manga, eso está compuesto de fotografía cinematográfica hecha en el set, fotografía fija digital y gráficos y líneas de velocidad dibujadas a mano a partir de lo que [Oscar Wright] nos dio". [83] El artista del guión gráfico Oscar Wright (también hermano del director Edgar Wright) señaló que la introducción de Patel se utilizó "para transmitir el tipo de energía que [querían] y explorar cómo [ellos] introducirían los elementos gráficos 2D". [84]
La tercera pelea (Scott vs. Todd Ingram) tuvo que ser adaptada del material del cómic de manera más creativa, ya que los superpoderes de Todd se muestran impresos mediante anillos, lo que fue manejado por el equipo de efectos visuales. Churchill explica que se inspiraron en el antiguo logotipo de RKO Pictures de una torre de transmisión. Para imitar esto, "hicieron que los anillos se sintieran desiguales y tuvieran estas aberraciones ópticas con ráfagas de color". [83] En esta pelea, Scott también es golpeado a través de varias paredes, lo que se logró con configuraciones de cámara. El movimiento que se aleja de Todd se muestra a partir de tomas de cámara amplias y cerradas , con Cera como Scott siendo arrastrado en una plataforma en la habitación. La imagen de Cera luego se fusionó con un Scott digital y un doble de riesgo, que atraviesan las paredes. [83]
El superpoder de desaparición utilizado por Roxy en la película se logró mediante una pantalla azul, con la actriz Whitman borrada digitalmente, pero se utilizó humo blanco y flashes en el set para marcar las apariciones. El humo negro se agregó digitalmente, mientras que los destellos de la lente se hicieron manualmente "simplemente haciendo destellar diferentes luces a la cámara" durante un día para crear material. [83] Roxy aparece en la cuarta pelea, donde usa un arma blanca. Churchill dice que Whitman aprendió a bailar con cintas y usó una cinta rosa en la coreografía, que fue reemplazada digitalmente con el arma. [83]
Se escribió un nuevo software para producir elementos de la quinta pelea (Scott contra los gemelos Katayanagi); Andrew Whitehurst desarrolló lo que Churchill llamó el "Generador de formas de onda", y el equipo de efectos visuales trabajó con el productor musical Godrich para poder transformar diferentes elementos de la música en animaciones y crear música visual. [83] Churchill explicó que "el software convertiría estos sonidos en datos de animación, por lo que cuando la banda toca, los gráficos y los dragones se mueven al ritmo de la música". [83] Esta pelea fue escrita por Oscar Wright sin ninguna referencia cómica, ya que la película superó la publicación de los libros. [84] Los "demonios de audio", que luchan contra monstruos impulsados por la música de la película, fueron creados en el set por Churchill usando globos meteorológicos . [83]
Para la pelea culminante contra Gideon, se filmó durante una semana una torre piramidal parecida a una de Super Mario Bros. , y Churchill dijo que a menudo se calentaba debido a los efectos de luz que se usaban, incluidos los flashes y las luces rojas para representar el fuego en la espada de Scott. La escena también usó una pantalla azul y muchos especialistas en acrobacias. Oscar Wright hizo el storyboard de toda la secuencia, excepto por el error de Gideon al final, en el que Edgar Wright pensó durante la edición y se creó completamente en posproducción. [83] Edgar Wright también señaló que la escena de la pelea en la torre piramidal fue la pieza más lenta que había filmado, diciendo: "Así que estábamos avanzando a un ritmo asombroso. Y luego estaba esta pieza final en una pirámide. De repente, bajamos la velocidad a hacer diez tomas en un día, lo cual es muy lento para mí. Me senté allí en la cima de esta pirámide, mirando hacia abajo a estas enormes plataformas que se maniobraban y pensé: '¿De quién fue esta idea?' ¡Y fue mía!" [10]
Antes de dirigir escenas de lucha con efectos visuales, Wright consultó con amigos directores con más experiencia, incluidos Quentin Tarantino , Guillermo del Toro y Sam Raimi . [10]
La secuencia del título de apertura fue diseñada por Richard Kenworthy de Shynola y se inspiró en la animación dibujada en película . La secuencia también comienza con una versión de 8 bits de la pizarra del título de Universal y la música, que Art of the Title llama el " amuse-bouche " de la película y que fue diseñada por Oscar Wright. [15] [84]
Oscar Wright dice que la idea del logo de Universal de 8 bits fue una decisión temprana en la producción, y que lo trató "como un FMV de baja resolución y baja velocidad de cuadros por segundo que podrías encontrar al comienzo de algunos de esos juegos" desde el principio. [84] La creación de la pizarra de títulos implicó separar las letras de 'Universal' y hacer que parecieran pixeladas, utilizando un gráfico de globo giratorio a juego de los animadores de películas VooDooDog, y reduciendo la velocidad de cuadros por segundo a cuatro segundos (en lugar de uno) para que pareciera "paso a paso"; también se agregó una versión de 8 bits de la música que lo acompaña, que según Oscar Wright "realmente sella el trato". [84]
Edgar Wright tuvo la idea de tener la secuencia de Quentin Tarantino después de proyectarle un corte temprano de la película. Tarantino le dijo que la película "necesitaba una secuencia de título al principio para que la gente se acomodara y diera más pistas sobre lo que estábamos a punto de ver". [85] La secuencia de apertura original tenía el título de la película mostrado sobre la larga toma de la banda de la sala de estar que viene antes de la secuencia del título, que Edgar Wright dijo que fue una de las primeras escenas en ser guionizada, con los créditos del elenco al final de la película . [84] Después de una maqueta temprana de la secuencia del título en AVID , se acercaron a Shynola para crearla, [85] ya que los artistas gráficos de la película (Oscar Wright y Double Negative ) estaban demasiado ocupados con los otros efectos de la película en este punto de la producción y Edgar Wright estaba familiarizado con su trabajo. [84]
Edgar Wright describió la animatic AVID , una animación de boceto en blanco y negro con gráficos en forma de onda , como algo que "le da a la película un mayor sentido de ocasión y una ruptura muy clara entre el prólogo y la primera escena que hace avanzar la historia". [84] En esta etapa, también habían elegido la "canción de la banda sonora más fuerte" de Beck para reproducirla sobre la secuencia del título. [84]
Kenworthy habló de sus referencias para el diseño: [84]
No se puede estudiar animación sin conocer bien a Len Lye , Oskar Fischinger , Stan Brakhage y Norman McLaren . Volvimos a ver esas películas y todavía estaban llenas de vida. Nos entusiasmó la idea de proyectar imágenes tan vívidas en la pantalla grande, frente a un público que probablemente no había experimentado ese trabajo.
Shynola también recibió una selección de referencias de Edgar Wright, quien describió el resumen como " 2001 se encuentra con Barrio Sésamo " y les mostró la secuencia del título de Faster, Pussycat! Kill! Kill!, que usaba pistas ópticas dibujadas . [84] Al igual que con la animación tradicional dibujada sobre película, Kenworthy trazó y pintó las imágenes. [84] Wright también proporcionó referencias musicales, diciendo que "querían visualizar la música y tener cada gráfico, símbolo e imagen subliminal al ritmo de la música: un aluvión hipnótico de color, luz y música. La idea era que la animación fuera como una manifestación de lo genial que es la música en la cabeza de Knives. Es por eso que [ellos] terminan la secuencia con ella mirando, los títulos son como si su cerebro estuviera explotando con lo genial que es la pista". [84]
El escrito también solicitaba que la secuencia de apertura no utilizara ninguna de las ilustraciones del cómic, para no estropear la película, por lo que Kenworthy propuso "una pelea de ojos epilépticos de 8 bits" y creó una película de estado de ánimo utilizando patrones geométricos y efectos visuales del manga; Edgar Wright solicitó que debería tener menos referencias evidentes a los videojuegos. [84] Shynola luego trabajó con el concepto musical, Kenworthy dijo que "se les ocurrió hacer una representación visual del sonido ligeramente amateur, crudo y garagero de [Sex Bob-omb]. Algo que tuviera la sensación de una actuación en vivo. Una película animada, colorida y directa parecía una opción perfecta". [84] Trabajando más con Edgar Wright, eligieron tener una representación visual de cada personaje y rayar la cantidad apropiada de marcas 'X' para los actores que interpretaron a cada uno de los ex malvados. [84]
A medida que la película se acercaba a su finalización, Shynola tenía poco tiempo para terminar la secuencia del título, por lo que trabajaron en sincronizar la secuencia y la música digitalmente al principio, visualizando los ajustes finales antes de pasar las imágenes a hojas de acetato . De cada hoja de acetato, se produjo un segundo de metraje. [84] Kenworthy dijo que después de producir las imágenes, "golpeaban deliberadamente [cada hoja] un poco por el suelo para recoger mucha suciedad, rayones y pelos". [84]
Para imprimir la secuencia, cada hoja se colocaba en un escáner de negativos de alta resolución y se cortaba en fotogramas individuales antes de imprimirla en película de 35 mm . También había dificultades con la impresión en color, ya que la mayoría de los colores que querían utilizar eran "ilegales". [84] Durante el proceso de impresión, Kenworthy añadió partes de una película de borrador que había hecho en la universidad, que se había utilizado al escanear para comprobar la precisión del color. [84]
ComicsAlliance llama a la secuencia del título "sólo la primera de una memorable serie de mezclas perfectas de gráficos, películas y animación que traducen hermosamente el espíritu de las novelas gráficas de Bryan Lee O'Malley a la pantalla". [86] Art of the Title describe la secuencia como "napalm visual", [84] y Bleeding Cool dice que es "bastante maravillosa". [87] Jade Budowski de Decider escribe que "con su escena introductoria de fuego rápido y la secuencia de título animada vibrante que sigue, [la película] no pierde tiempo en absorberte en [su] mundo". [88]
La película incluye varios easter eggs que aluden a los cómics o que presagian . Fleischer señaló que, aunque el cómic y la película tienen el apartamento de Scott y Wallace en 65A Albert Avenue (filmado en 65 Alberta Avenue), hay una referencia al antiguo apartamento de O'Malley en 27 Alberta Avenue como la dirección en el recibo de entrega de Amazon que Scott firma. [37] Fleischer también señala la "L" parpadeante en un cartel de Flight Centre en Manning Avenue, que escribe es una advertencia de que está a punto de ocurrir una pelea. [37] Wright dijo, antes de que saliera la película, que una camiseta de Plumtree , la banda que originó el nombre "Scott Pilgrim", aparecería en la película. [48] Otras camisetas que usa Scott incluyen una de The Smashing Pumpkins , una banda que comparte sus iniciales; [82] una con el logotipo del bajo de la serie de juegos Rock Band ; [89] y uno que hace referencia a Los Cuatro Fantásticos , que usa después de derrotar a Lucas, interpretado por Evans, quien en ese momento era mejor conocido por su papel de la Antorcha Humana en las películas de Los Cuatro Fantásticos . [81] Las camisetas cambiantes de Scott a menudo coinciden con el color cambiante del cabello de Ramona a lo largo de la película. [82]
También hay referencias a otros medios, particularmente juegos y cómics, con James Hunt de Den of Geek compilando una lista de varios, incluido el parche de X-Men de Scott visto mientras lo arranca de su abrigo; la Trifuerza de Legend of Zelda representada por las iniciales de Gideon en la película y la secuencia del título (que se muestra arriba) y Nega-Scott inspirado en Dark Link ; la banda de Envy que lleva el nombre del juego de 1990 The Clash en Demonhead (así como The Clash ); Kim vistiendo a la moda japonesa Gothic Lolita para la batalla final como un punto de humor; la escena que fue filmada, interpretada y editada completamente como un episodio de Seinfeld ; y usando la línea "este es un juego de liga" de The Big Lebowski . [81] /La película señala que el vidrio roto en cámara lenta que cae y refleja a Ramona y Roxy mientras pelean se asemeja a la pantalla de selección de personajes de Street Fighter , y que el Chaos Theater y el trabajo forzado de Sex Bob-omb son una referencia a EarthBound . [90]
Al igual que The Clash at Demonhead, los otros nombres de bandas hacen referencia a videojuegos: Sex Bob-omb a los Bob-ombs de los juegos de la franquicia Mario, y Crash and the Boys a un juego llamado Crash 'n' the Boys: Street Challenge . Según la actriz Larson, The Clash at Demonhead fue el primer juego que tuvo el autor de cómics O'Malley. [82]
Que Scott toque la línea de bajo de lo que él llama " Final Fantasy II " también se considera un huevo de pascua; toca la línea de bajo del juego Final Fantasy IV , pero este juego fue lanzado como Final Fantasy II fuera de Japón en la década de 1990 porque la segunda y tercera entregas no se habían lanzado internacionalmente en ese momento. [82]
En su discusión sobre la adaptación, Zeitlin Wu señala que en la novela gráfica, la cuarta pelea (Scott vs. Roxy Richter) fue una recreación cuadro por cuadro de la introducción a Ninja Gaiden , y en la película, este mismo remake cuadro por cuadro se usa como la introducción de la pelea final contra Gideon. [15]
El 22 de julio de 2010 se presentó un panel de Scott Pilgrim vs. the World en el Hall H [91] en la Comic-Con de San Diego ; después del panel, Wright invitó a miembros seleccionados de la audiencia a una proyección de la película, a la que siguió una actuación de "Black Sheep" de Metric. [92] [93] La película se mostró luego en el Festival Fantasia en Montreal el 27 de julio de 2010, [94] y también se presentó en la Movie-Con III en Londres el 15 de agosto de 2010. [95] Se estrenó formalmente en Canadá en Toronto el 13 de agosto de 2010; Plumtree, que se había separado años antes, volvió a estar juntos para un espectáculo en el evento. [18] [96]
La película se estrenó ampliamente en Norteamérica el 13 de agosto de 2010, y se estrenó en 2818 cines. [32] [97] Terminó en quinto lugar en su primer fin de semana de estreno con un total de $10,5 millones ($14,7 millones cuando se ajusta a la inflación), [32] [98] [33] y para su segundo fin de semana de estreno había caído al final de los diez primeros. [99] El Wall Street Journal describió esto como "decepcionante", [98] y Ben Fritz del Los Angeles Times dijo que la película parecía ser una "gran decepción financiera". [100] Universal reconoció su decepción por las ganancias del fin de semana de estreno, diciendo que "habían sido conscientes de los desafíos de ampliar esta película a una audiencia general"; De todas formas, el portavoz del estudio dijo que Universal estaba "orgulloso de esta película y de nuestra relación con el visionario y creativo cineasta Edgar Wright [...] [Wright] ha creado una película verdaderamente única que rompe los esquemas y rompe los géneros y, cuando se la examine en el futuro, se la identificará como una pieza importante de la cinematografía". [33]
En el Reino Unido, la película se estrenó en Leicester Square (el Odeon ) el 19 de agosto de 2010, antes de abrirse el 25 de agosto [73] en 408 cines, quedando en segundo lugar en su primer fin de semana con £ 1,6 millones. [101] En Italia, tuvo proyecciones nocturnas en los cines durante una semana antes de ser trasladada a las franjas horarias de la tarde; un académico ha sugerido que el "plan de marketing defectuoso" que la enmarcó como una película para niños fue la razón de su pobre desempeño en taquilla. [102] En Japón, la película se estrenó durante el Festival Internacional de Cine Fantástico de Yubari el 26 de febrero de 2011, como selección oficial. Se estrenó en el resto del país el 29 de abril de 2011. [103] [104]
Cuando Universal Pictures comenzó el ciclo de promoción de Scott Pilgrim Vs. The World , claramente no sabían qué ángulo utilizar. Para ser justos, la película tiene mucho que ofrecer.
– Nina Corcoran, Stereogum [13]Hablaré por mí mismo y no por el estudio. Pero, para mí, tener a alguien como Edgar [Wright] con un proyecto como Scott Pilgrim , y saber cuál iba a ser su visión, tanto en lo sonoro como en lo visual, fue súper emocionante. Es lo que entusiasma mucho a un especialista en marketing: hacer algo original y audaz y, como resulta, creo, adelantado a su tiempo.
– Michael Moses, ex copresidente de marketing de Universal Pictures [105]
El 25 de marzo de 2010, se lanzó el primer avance . [106] Un segundo avance con música de The Ting Tings , LCD Soundsystem , Be Your Own Pet , Cornelius , Blood Red Shoes y The Prodigy se lanzó el 31 de mayo de 2010. [107] En agosto de 2010, se lanzó un avance interactivo, en el que los espectadores podían hacer clic en puntos del video para ver los datos de producción. [108] El póster teatral, mencionado en el libro de Liam Burke, "reflejó la imagen de apertura de la novela gráfica", como una señal de sus orígenes; Burke dice que la campaña de marketing de la película fue "típica de la estrategia de involucrar a los fanáticos y construir una audiencia central con material promocional que muestra la continuidad del cómic". [109]
Cera afirmó que sentía que la película era "difícil de vender" y que no "sabía cómo transmitir esa película en una campaña de marketing. [Podía] verla como algo que la gente tarda en descubrir". [110] Se ha culpado a la mala comercialización por la falta de éxito de taquilla de la película, especialmente cuando se compara con su recepción crítica positiva y su popularidad. [13]
En los MTV Movie Awards de 2010 en junio, se lanzó el primer clip de la película, en el que Scott se enfrenta a Lucas Lee en una batalla. [54] En esta proyección, Pill reveló que la relación pasada de Kim y Scott se exploraría en otros medios, diciendo que "habrá un pequeño algo, algo que se emitirá en Adult Swim ". [111] El cortometraje animado, Scott Pilgrim vs. the Animation , producido por Titmouse Inc. , adapta el prólogo de apertura del segundo libro de Scott Pilgrim y se emitió en Adult Swim el 12 de agosto de 2010, un día antes del estreno en cines de la película, y luego se lanzó en su sitio web. [112]
También vinculado con el lanzamiento de la película estuvo un videojuego parcialmente basado en ella, Scott Pilgrim vs. the World: The Game . El juego fue lanzado para PlayStation Network el 10 de agosto de 2010 y en Xbox Live Arcade el 25 de agosto, recibiendo críticas en su mayoría positivas. [113] [114] Un relanzamiento del juego titulado Scott Pilgrim vs. the World: The Game - Complete Edition , y que comprende el juego principal, así como contenido descargable centrado en Knives y Wallace, fue lanzado el 14 de enero de 2021. [115] El juego es publicado por Ubisoft y desarrollado por Ubisoft Montreal y Ubisoft Chengdu, con animación de Paul Robertson y música original de Anamanaguchi . [116] [117]
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El panel de la Comic-Con de San Diego fue un evento popular, y Winstead reflexionó que "en la Comic-Con se sintió como si fuera la película más grande de todos los tiempos". [52] Tres de los miembros del elenco del conjunto , Evans, Simmons y Larson, no estuvieron en el panel de la Comic-Con; los colaboradores frecuentes de Edgar Wright, Simon Pegg y Nick Frost, hicieron breves apariciones, y Wright bromeó sobre que no estarían en esta película. [91] Cera se vistió como el Capitán América en el panel, en referencia a la ausencia de Evans debido a los compromisos de Capitán América: El primer vengador . [91] La Comic-Con de 2010 fue la primera vez que se usaron envoltorios gigantes de hoteles para publicitar, que se pueden ver desde los aviones que aterrizan; Scott Pilgrim vs. Comic-Con envolvió el Hilton Bayfront para el evento. Fuera del salón de convenciones también había una feria 'Scott Pilgrim Experience', que incluía mercadería y abundante pan de ajo gratis. [118]
Scott Pilgrim vs. the World se lanzó en DVD y Blu-ray en América del Norte el 9 de noviembre de 2010, [119] y en el Reino Unido el 27 de diciembre de 2010. [120]
Las características del DVD incluyen cuatro comentarios de audio (del director Wright, el coguionista Bacall y el autor O'Malley; Wright y el director de fotografía Pope; Cera, Schwartzman, Winstead, Wong y Routh; y Kendrick, Plaza, Culkin y Webber); 21 escenas eliminadas, extendidas y alternativas , incluido el final original (donde Scott termina con Knives), con comentarios; bloopers ; galerías de fotos; y una pista de subtítulos de trivia. [79]
El lanzamiento en Blu-ray incluye todas las características del DVD, además de otras características especiales, incluyendo material alternativo, seis featurettes , blogs de producción, Scott Pilgrim vs. the Animation , tráilers y anuncios de televisión, y storyboard picture-in-picture, así como un DVD y una copia digital de la película. [79] [121] El disco Blu-ray "Ultimate Japan Version" incluye una pista de comentarios que presenta a Wright y Shinya Arino . También incluye imágenes de la gira publicitaria de Wright y Cera por Japón y una mesa redonda con el crítico de cine japonés Tomohiro Machiyama. Fue lanzado el 2 de septiembre de 2011. [122]
En su primera semana de lanzamiento en los EE. UU., el DVD vendió 190,217 copias, obteniendo $ 3,422,004 en ingresos, y para 2011 la película había ganado $ 27,349,933 en ventas de medios domésticos en los Estados Unidos; había recaudado más de $ 29 millones en 2018. [1] Alcanzó la cima de las listas de Blu-ray del Reino Unido en su primera semana de lanzamiento. [123]
Simon Abrams revisó las versiones en DVD y Blu-ray, escribiendo que la calidad de imagen del DVD es buena y "realmente no podrías notar que hay algo mal" a menos que hayas visto la versión en Blu-ray, que tiene calidad cinematográfica. [124] Agrega que "la mezcla de audio rica en capas es, sin embargo, tan buena en el [DVD] como en la edición en Blu-ray [y] la pista de sonido envolvente 5.1 en inglés replica a la perfección la forma en que sonaba la película cuando se estrenó en los cines". [124] Abrams señaló que algunas de las características adicionales no son particularmente interesantes, pero que los comentarios de audio en particular fueron entretenidos e informativos. [124]
La película recibió una amplia cobertura, una reunión y un relanzamiento planificado para su décimo aniversario en 2020. [125] [126] Sarah El-Mahmoud de CinemaBlend escribió que estaban viendo "tanto contenido de Scott Pilgrim, ¡debe ser un clásico moderno o algo así!", antes de reconocer su estado mejorado después de la decepcionante taquilla, [125] y Mashable dijo que "durante la última década, Scott Pilgrim ha disfrutado de admiración y prominencia más allá de los sueños más locos de sus competidores de taquilla". [126] Entertainment Weekly creó una cobertura retrospectiva para el aniversario, que incluyó entrevistas a varias estrellas y personas involucradas en la producción de la película. Wright dijo en el artículo que está "increíblemente orgulloso de la película. El hecho de que no esté haciendo un artículo del décimo aniversario sobre Los mercenarios lo dice todo". [52]
En mayo de 2020, Wright anunció planes para proyectar la película nuevamente en los cines para su décimo aniversario, algún tiempo después de la pandemia de COVID-19 . [127] El relanzamiento será en 4K [31] y en asociación con Dolby Cinema , [128] y se había planeado para agosto de 2020, pero se retrasó indefinidamente debido a la pandemia. [129] En agosto de 2020, Odeon Cinemas reveló que le daría al relanzamiento un lanzamiento amplio en todas sus ubicaciones del Reino Unido a partir del 21 de agosto de 2020. [130] El elenco de la película también se reunió de forma remota en mayo de 2020 para grabar Scott Pilgrim Vs the World Water Crisis , una lectura en video del guion como recaudación de fondos para la organización benéfica Water For People . [131] [132] A principios de año, Cera y Pill habían sugerido por separado que se estaba planeando una reunión y un relanzamiento para el aniversario. [133] Screen Rant señaló que, dado que la película se volvió mucho más popular después de su lanzamiento inicial, podría convertirse en un éxito teatral mayor que el que había sido en 2010. [129]
El relanzamiento en cines se reprogramó posteriormente para los cines Dolby Cinema de Norteamérica para el 30 de abril de 2021 y la semana siguiente. Además, Wright anunció que un lanzamiento en Blu-ray Ultra HD de la película seguiría al relanzamiento en cines, pero no dio una fecha de estreno estimada. [134]
El 20 y 21 de mayo de 2020 (según la zona horaria), la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas organizó una fiesta para ver la película. [128] [135] Durante la transmisión en vivo , Wright hizo un comentario con trivia sobre la película y varios miembros del elenco, incluidos Evans, Plaza, Whitman, Routh, Larson, Wong y Webber, se unieron a él en diferentes puntos para agregar los suyos. [31] [127] [136] Collider señaló que la disponibilidad de gran parte del elenco, invitado a participar por la Academia, puede haber sido posible gracias a los cierres pandémicos. [136]
El video de Scott Pilgrim Vs the World Water Crisis se estrenó en el canal EW.com y YouTube de Entertainment Weekly a la 1:00 p.m. EDT el 20 de julio de 2020. [131] [132] [137] La mayoría del elenco principal estuvo presente; Evans pareció leer su parte, pero estuvo ausente durante la mayor parte del video, mientras que Larson, Simmons y Culkin no aparecieron y sus partes fueron leídas por Kendrick, Bhabha y el guionista Bacall respectivamente. A lo largo de la transmisión, O'Malley, quien también apareció junto con Wright, dibujó imágenes de personajes como premios por donaciones a Water For People. Cera recreó el boceto de Ramona que Scott le muestra a Comeau en la película para que también se lo regale. [138]
La narración transmedia consiste básicamente en presentar una narrativa utilizando una combinación de diferentes técnicas creativas. Scott Pilgrim vs. the World incluye pequeños detalles de sonidos, imágenes y subtítulos en pantalla poco realistas. Estos elementos no funcionarían en cualquier película, incluidas otras adaptaciones de cómics. Estas incorporaciones son lo que hace que Scott Pilgrim sea una auténtica adaptación de cómic. Incluso si nunca hubieras oído hablar del material original, podrías sentir las influencias del cómic.
– Meghan Hale, Años de cómic [46]
Se ha discutido ampliamente que Scott Pilgrim vs. the World invoca una narrativa transmedia , utilizando la plataforma de la novela gráfica y las convenciones de los videojuegos y los cómics, dentro de la película. [15] [139] [140] [141] John Bodner explica que "la película se convierte en una adaptación de un texto que es, en muchos sentidos, en sí mismo una adaptación cultural que llama la atención sobre su propio material de origen en su empleo abierto de muchas técnicas derivadas de la estética de los cómics". [140] Zeitlin Wu escribe cómo la película "[rinde] homenaje a los cómics, los videojuegos y las superposiciones entre ambos", y señala que su proceso de adaptación es único en la forma en que ha hecho una película de cómics que no es realista, manteniéndose fiel a la forma original. [15] En su capítulo, "Los preciosos pequeños textos de Scott Pilgrim: adaptación, forma y co-creación transmedia", Bodner señala varios elementos que crean la película como transmedia, describiendo sus referencias a los medios de cómics y videojuegos. [14]
Bodner, Zeitlin Wu y Burke también señalan que Wright, con la película, se convirtió en uno de los únicos directores desde la década de 1960 en utilizar, en palabras de Bodner, "el cuadro de comentarios, las marcas (líneas de acción) y el texto de onomatopeyas como efectos de sonido" en una obra fílmica, utilizando tales técnicas tanto de manera convencional (etiquetando tiempo y lugar) como de manera no convencional para el medio. [14] Burke describe el uso como "autorreflexivo". [109] Zeitlin Wu dice que "a diferencia de Batman de la década de 1960 , el uso de onomatopeyas visuales en Scott Pilgrim fusiona a la perfección la realidad y la ilusión, lo que parece adecuado para una historia en la que las dos son indistinguibles", utilizando las palabras del cómic dentro de la película como parte de la historia en lugar de junto a ella. [15]
En el uso poco convencional, Wright altera el realismo y la diégesis de la película con marcadores de cómic. Bodner da los ejemplos de: el "[texto gráfico] 'a s u t o e x p l o d e' que aparece cuando un agitado Scott entra en la fiesta posterior" que "[prefigura] una pelea (no física) con Ramona" como una forma de etiqueta que "externaliza perspectivas subjetivas"; el uso de la voz irónica típica de autor de O'Malley que aparece cuando un cuadro de comentarios "parece informar [a la audiencia]" de que Todd, después de decir aparentemente retóricamente que no sabe el significado de incorregible, "realmente no" sabe el significado; y el uso de gráficos de texto de onomatopeyas como efectos de sonido. [14] Zeitlin Wu señala que la película "es una de las únicas adaptaciones que incorpora texto de tal manera que transmite la construcción híbrida de texto/imagen de los cómics en forma cinematográfica, llevando su transmedialidad al siguiente nivel" y, en última instancia, desestabiliza los límites formales. [15]
En cuanto a la onomatopeya utilizada, Bodner señala que solo una vez el texto como gráfico reemplaza un efecto de sonido (el cabello de Todd desinflándose, junto con la palabra "SAG"), y en los aproximadamente otros 40 casos hay tanto sonido como la onomatopeya que lo representa. [14] Se dice que la función de la técnica del cómic en estos casos es un acto de desnaturalización de la forma cinematográfica y, según Robert S. Peterson, "ralentizar al lector y crear mayor profundidad visual y textura en la escena". [14] Zeitlin Wu, en cambio, sugiere que esto se hizo para incorporar aún más la naturaleza del cómic a la forma cinematográfica, con sonido e imagen perfectamente sincronizados, diciendo que "el resultado es una síntesis ilusionista de imagen, texto y sonido en la que las palabras tienen su propia materialidad. Cada fuente parece tener su propia personalidad y sustancia; 'DING DONG' se disuelve efímeramente, mientras que las letras de 'BLAM!' caen rápidamente del marco una por una, como una fila de dominó". [15] Bodner añade que las marcas utilizadas en la película ilustran tanto el sonido como la línea de visión, cosas que se pueden mostrar en el cine sin marcas, y por lo tanto también se utilizan para desnaturalizar las escenas en las que aparecen. [14] Burke escribe más sobre el uso de efectos de sonido escritos, diciendo que "hay áreas en las que el sonido visualizado de los cómics triunfa sobre la banda sonora del cine", y coincide con Robert C. Harvey en que "la palabra y la imagen se pueden combinar para revelar la alegre bravuconería del héroe incluso en medio de una acción atronadora". [109]
Otra técnica que Bodner describe como la que le da a la película su lectura posmoderna [140] es cómo Wright parece alterar la forma de la película para reflejar elementos inherentes a las secuencias de cómics, específicamente que "[Wright] consistentemente pero juiciosamente [cita] el contenido de los paneles a lo largo de la película, generalmente [...] usando la ilusión de estasis en el cine para reflejar la ilusión de movimiento en los cómics". [14] En términos de forma, Bodner escribe que Wright transcodifica la "construcción de paneles de cómics" en la película; el propio Wright ha dicho que "mucha gente ha mencionado [...] cómo se siente como leer un cómic", [14] un sentimiento del que se hace eco Zeitlin Wu. [15] Bodner sugiere que esto se crea mediante técnicas de transición , y que las técnicas que producen esto son las propias de Wright, basándose en su trabajo en Shaun of the Dead y Hot Fuzz , y agrega que funcionan "replicando el compañero [del panel]: el ' canalón '". [14] Se dice que Wright recrea este elemento del espacio exterior en los cómics en formato cinematográfico al hacer "cortes que son extremadamente rápidos o que se abren en tomas que desplazan la lógica temporal convencional ( edición anticontinuidad ), o con cortes que utilizan un efecto de barrido apenas visible a propósito ", [14] y al usar "apagones, que funcionan como breves momentos de espacio muerto" entre ciertos fotogramas. [15]
Al hablar de la traducción del cómic en sus escritos sobre el proceso de adaptación de la película, Zeitlin Wu señala que "muchos guiones gráficos [para la película] se tomaron directamente de los cómics", diciendo que un método para superar las diferencias temporales-espaciales e ilustrativas-representativas en los medios de novela gráfica y cine es combinar el panel de cómic y la cuadrícula del guión gráfico. [15] Dentro de Scott Pilgrim vs. the World , escribe que las secuencias del panel de cómic con guión gráfico "transmiten una sensación de fragmentación, en lugar de la ilusión habitual de continuidad cinematográfica" y que "el uso más efectivo de los cómics como guión gráfico está en las secuencias de sueños de Scott, que facilitan sus encuentros con Ramona mientras viaja a través del 'subespacio'". [15] En la primera de las secuencias de sueños , "Wright mantiene la fragmentación del medio del cómic al conservar las divisiones entre los paneles originales: la pantalla se desvanece a negro después de cada fotograma, un intento de imitar la experiencia simultáneamente diacrónica y sincrónica de leer cómics". [15] En otro ejemplo de uso de paneles de película, Bodner señala que el cuadro estático muestra a Scott en la computadora ordenando un paquete, la siguiente toma es de Wallace y la siguiente de Scott sentado frente a la puerta, esperando; Bodner explica que la temporalidad de estas imágenes en pantalla no es naturalista y que representan mejor los paneles de cómic donde el lector puede deducir la temporalidad de otra manera. Agrega que, como pastiche , esta escena cumple una doble función para prefigurar el realismo mágico que aparecerá. [14]
De manera similar, hay dos escenas ("la primera batalla de las bandas y el 'ruido' de Lucas Lee por la barandilla") en las que Wright utiliza un ruido de alto volumen para recrear la forma silenciosa de los cómics, ya que en una película el volumen ahoga cualquier otro sonido y requiere el uso de texto de la misma manera que lo hace la forma puramente visual del cómic. [14] Burke también señala el beneficio del texto visual cuando el sonido de otro modo estaría "acallado por el ruido ambiental", y cómo (otras) "adaptaciones cinematográficas a menudo hacen que los personajes más locuaces de los cómics queden mudos". [109]
En su capítulo "Cuéntalo como un juego: Scott Pilgrim y la rivalidad de los medios performativos", Jeff Thoss escribe sobre las diversas señales transmediales, diciendo que "la película intenta superar a la serie de cómics en su emulación de las características de los videojuegos tanto en el nivel del mundo de la historia como en el nivel de su representación. Pero como ninguna de estas dos obras emerge victoriosa, su supuesta rivalidad parece menos como una competencia real que como una forma de iluminar las posibilidades y limitaciones narrativas específicas de los cómics, las películas y los juegos de computadora". [139] Basándose en Thoss, Fehrle examina la remediación ( Bolter y Grusin ), o el uso de la imitación, de los significantes de los videojuegos. En particular, al analizar la pelea entre Scott y Matthew Patel, escribe que "no solo hay una remediación de las peleas de arcade y los videojuegos beat 'em up, [...] sino también una estética televisiva [...] así como un juego con algunos géneros cinematográficos icónicos [...] y finalmente un fuerte vínculo con el teatro como un quinto medio que se suma a la mezcla cuando vemos a Ramona en un balcón shakespeariano colocado en el centro de un foco de atención extremadamente visible". [141] Continúa analizando técnicamente la escena al señalar la pantalla dividida ; Fehrle primero ve la técnica como "más recientemente asociada principalmente con la estética MTV de la televisión de los años 90", señalando que es "una técnica de edición 'antinatural', que pone en primer plano la medialidad de la película al hacer visible el impacto de un editor, un papel que en el sistema de edición de continuidad dominante se considera uno que debe mantenerse oculto". [141] Fehrle describe el resto de la secuencia que presenta a Matthew Patel como una parodia de videos musicales, incluido el "baile de claqué, que se resalta porque la cámara encuadra solo sus pies, así como su pose deliberadamente exagerada inspirada en Fiebre del sábado noche ", al tiempo que también menciona su "toma de duelo a través de las piernas" inspirada en el spaghetti western . [141]
Sin embargo, también se une a Zeitlin Wu al describirlo como un elemento de cómic y videojuego, [15] [141] señalando asimismo la "fuerte espacialidad del medio del cómic a través de su diseño de paneles" representado en la película, especialmente la "división negra en forma de canal entre los tres 'paneles'" en la escena. [141] Fehrle añadió además que su referente de videojuego para la pantalla dividida es el de los "modos multijugador de los videojuegos de consola", con otros elementos de videojuego que informan la secuencia, incluido "un sonido 'bling' de arcade de 8 bits que se reproduce cuando Patel aterriza[,] así como el eco excesivo y el ligero retraso en la voz de Wallace mientras grita 'pelea', [y] texto superpuesto [...] que yuxtapone dramáticamente a los oponentes, instruye al jugador qué hacer o explica el estado (de salud o energía) de los personajes o ayuda a los jugadores a interpretar lo que está sucediendo". [141] Añade que una remediación más obvia de los cómics se ve en los dibujos de novela gráfica al estilo de O'Malley que parecen ilustrar la historia de fondo de Ramona y Matthew. A partir de esta multitud de referentes, Fehrle describe la película y la franquicia de Scott Pilgrim como " hipermediadas ". [141]
La secuencia que sigue a la ruptura de Scott con Knives se analiza de diferentes maneras. Maria J. Ortiz analiza la puesta en escena y el significado narrativo de la escena, escribiendo que cuando Scott "le dice [a Knives] que quiere romper la relación, la siguiente toma de ella es contra un fondo oscuro sin una razón realista" y así introduce metáforas que informan la historia: "lo bueno es brillante/lo malo es oscuro" y que "el cambio de fondo [es] una metáfora del cambio producido en el estado de la relación", lo que resulta en la idea de que un mal cambio es un lugar oscuro literal aquí. [142] Bodner analiza la transmedialidad del encuadre utilizado cuando Scott se aleja, que coincide con la novela gráfica, con un árbol y un tranvía enmarcando el encuadre para introducir una soledad de Scott y Knives, particularmente con una cámara estática que representa el panel. En la película, a esto le sigue un movimiento de los personajes que pasan frente a Scott para conducirlo a una limpieza, lo que según Bodner "es común en la película y actúa como la línea de tinta que forma el borde del panel". [14]
El agregador de reseñas Rotten Tomatoes informa que el 82% de las 273 reseñas de los críticos sobre la película son positivas, con una calificación promedio de 7,50/10. El consenso del sitio web dice: "Su guion puede no ser tan deslumbrante como sus efectos visuales deslumbrantes, pero Scott Pilgrim vs. the World es rápida, divertida e inventiva". [143] Según Metacritic , que muestreó 38 reseñas y calculó una puntuación promedio de 69 sobre 100, la película recibió una respuesta "generalmente favorable". [144] Las audiencias encuestadas por CinemaScore le dieron a la película una calificación de "A-" en una escala de A a F. [145]
Peter Debruge de Variety le dio a la película una crítica mixta, refiriéndose a ella como "un ejemplo de cine con déficit de atención tanto en su mejor como en su más frustrante", diciendo que era económica con su narrativa e incorporaba con éxito las muchas escenas de peleas importantes, pero perdió oportunidades para construir la relación de Scott y Ramona. [146] David Edelstein de la revista New York también escribió una crítica mixta, estando de acuerdo en que Scott "difícilmente parece digno de la Ramona de Winstead" y diciendo que pensaba que "el desfile de ex supervillanos [...] es como una marcha forzada; [él] sintió que [había] tenido suficiente de las peleas y todavía quedaban cinco ex por delante". [147] Michael Phillips dio una crítica generalmente positiva, pero estuvo de acuerdo en que la cantidad de peleas frena la película, escribiendo que "Siete suena a mucho. De hecho, son dos o tres de más". [148] Kirk Honeycutt de The Hollywood Reporter escribió una crítica mayoritariamente negativa, encontrando la película "una película desalentadoramente floja en la que nada está en juego. Un personaje puede 'morir', luego simplemente rebobinar el video y volver a la vida. O cambiar de opinión sobre su verdadero amor y luego cambiarlo de nuevo. La batalla de Scott Pilgrim no es contra el mundo; es contra una brújula moral errática". [149] Cindy White en IGN dio una crítica positiva, elogiando a Wright y el estilo de la película ampliamente, aunque mencionó que "la parte central se arrastra un poco y el final no es todo lo que [ella] esperaba que fuera". [150]
AO Scott , quien hizo de la película una "selección de críticos" del New York Times , también la revisó positivamente, sugiriendo que era "la mejor película de videojuegos de la historia". [151] Nick Schager de Slant Magazine también le dio a la película una crítica positiva, otorgándole 3,5 estrellas de 4, [152] con su colega Simon Abrams llamándola "la película producida en estudio más visualmente emocionante, divertida y emocionalmente envolvente del año" y otorgándole 4 estrellas de 5 en su reseña del DVD. [124]
Debruge elogió al elenco y las habilidades de dirección de Wright que hacen que cada uno de los muchos personajes sea distintivo. Sin embargo, criticó la actuación de Cera, diciendo que "su ritmo cómico es impecable, [pero] finalmente interpretó al tímido tímido una vez más". [146] Edelstein encontró que el mayor problema de la película era la actuación de Cera, diciendo que "un protagonista diferente podría haberte mantenido riendo y comprometido. Cera no cobra vida en las escenas de lucha de la manera en que Stephen Chow lo hace en [...] comedias surrealistas de artes marciales [como] Kung Fu Hustle ", [147] con Honeycutt diseccionando la narrativa y determinando que "Cera no da una actuación que afiance el sinsentido" de la película. [149] Por el contrario, AO Scott escribió que "de alguna manera [Cera y Winstead] hacen que funcione" al vender la relación sin ser un cliché, [151] y Abrams dijo que los actores "nunca se habían visto tan bien, especialmente Cera", señalando que "[su] actuación es deliberadamente afectada y egocéntrica a lo largo de las escenas que representan la incómoda relación de Scott y Knives" mientras la película juega deliberadamente con el narcisismo inicial de Scott. [124] La entrega de Cera de la línea particular "Estaba pensando que deberíamos romper, o lo que sea" ha sido revisada como divertida [147] y torpemente realista. [148] White escribió que los actores que interpretan a los ex de Ramona "todos [parecen] estar pasándosela genial en sus escenas". [150] Brie Larson y Kieran Culkin han sido frecuentemente descritos como los ladrones de escena de la película por sus actuaciones como la ex de Scott, la estrella de rock Envy Adams, y el compañero de habitación de Scott, el sarcástico Wallace Wells. [10] [146] [153] [154] [155] [156] Chris Evans y Brandon Routh también han sido llamados ladrones de escena en algunas críticas. [157] [158] [159]
Como aspecto negativo, Debruge añadió que "cualquier persona mayor de 25 años probablemente encuentre [la película] agotadora, como hacer de chaperón en una fiesta llena de universitarios hipersexualizados", [146] comentarios repetidos por Honeycutt, quien calificó la película de "juvenil" y pensó que "una audiencia más amplia entre los espectadores mayores o internacionales parece poco probable". [149] White le dio a la película una calificación positiva de 8/10, diciendo que es "más adecuada para la generación conectada y aquellos de nosotros que crecimos con Nintendo y MTV . Su naturaleza cinética y sensibilidades extravagantes pueden ser un desincentivo para algunos". [150] Scott también encontró atractivos los elementos juveniles, escribiendo que "hay algunas películas sobre la juventud que simplemente te hacen sentir viejo, incluso si no lo eres [pero] Scott Pilgrim vs. the World tiene el efecto opuesto. Su espíritu veloz, divertido y feliz-triste es tan contagioso que la película te hace sentir como en casa en su mundo incluso si el paisaje es, a primera vista, desconocido". [151] Abrams inició su reseña lamentando que "lo triste de Scott Pilgrim vs. the World es que la gente asumió que, debido a que abrazó los intereses de su nicho demográfico, en su campaña publicitaria y en su contenido, estaba destinado al estatus de culto y nada más". [124]
Schager escribió que Edgar Wright es un "artista de mash-up inspirado, y Scott Pilgrim vs. the World puede ser su mejor hibridación hasta la fecha", diciendo que la película se ha convertido en un "videojuego cargado de melée". [152] Debruge también dijo que "el estilo [...] se convierte en el nivel en el que debemos apreciar el trabajo de Wright", destacando particularmente el logotipo de 8 bits de Universal y la escena de Seinfeld . [146] White explica que, aunque el estilo y la estructura del videojuego no son realistas, "incluso los elementos más extravagantes fluyen naturalmente de la narración". [150] El estilo también fue comparado con los cómics. Según Phillips, "Edgar Wright entiende el atractivo de las novelas gráficas originales de Bryan Lee O'Malley [...] Los libros inspirados en el manga de O'Malley combinan la banalidad absoluta con la hipérbole de superhéroes , [y] Wright, que es británico, lo ha asumido y ha ganado. [La película] vive y respira el estilo de los libros originales, con garabatos animados, corazones y estrellas que llenan el marco en muchas tomas individuales". [148] Edelstein abrió su reseña diciendo "¡Sí, así es como se da vida a una novela gráfica en la pantalla!", y explicó que "[Wright toma los] mangas canadienses (en los que lo mundano se encuentra con lo superheroico) y crea una sintaxis propia: parte panel de cómic, parte videojuego arcade". [147]
Al comparar aún más la película con las novelas gráficas y analizarla como una adaptación, Honeycutt coincide en que "el director, productor y coguionista Edgar Wright [...] ha reproducido con éxito las imágenes y la visión del mundo de la novela gráfica de Bryan Lee O'Malley, que es en sí misma una mezcla de personajes comunes perdidos en un mundo de manga, videojuegos, videos musicales e iconografía de cómics". [149] White escribe que los elementos de mash-up en el estilo de la película crean "un cóctel de cultura pop que es divertido, gracioso y deliciosamente poco convencional", elogiando a Wright por "[hacer que los elementos del cómic] funcionen en la traducción a la acción en vivo, y [tener] suficiente respeto por el trabajo de O'Malley en primer lugar para tratar de capturar ese espíritu; [150] Scott está de acuerdo, diciendo que el éxito proviene de su ingenio al llevar el videojuego al mundo del jugador, en lugar de al revés, y por eso "la línea entre la fantasía y la realidad no está tan borrosa como borrada, porque los cineastas crean un universo completamente coherente y perpetuamente sorprendente". [151] Abrams también señala que algunos de los elementos cómicos funcionan mejor en la película, como cuando Scott se despierta, seguido de Wallace y el Otro Scott, debido al momento del medio. Opina que Wright también logró incluir escenas adicionales que informan aún más la caracterización de Scott y agregan humor a los momentos de los cómics. [124] En general, en su En una reseña retrospectiva de 2020, Meghan Hale de Comic Years escribió que "[ Scott Pilgrim vs. the World ] no solo es una adaptación adecuada, sino que da vida a la historia de una manera que innova la forma en que vemos las adaptaciones". [46]
Después de ver la película en una proyección de prueba, el director estadounidense Kevin Smith dijo que estaba impresionado por ella, y que "es fascinante y nadie va a entender qué diablos les acaba de pasar", agregando que Wright "está dando vida a un cómic". [160] Smith también dijo que sus compañeros directores Quentin Tarantino y Jason Reitman estaban "realmente interesados". [160] Carla Gillis, escritora de Now y ex cantante principal de la banda Plumtree, también comentó sobre la película, ya que la canción de su banda " Scott Pilgrim " fue la inspiración para que O'Malley creara la serie; Gillis sintió que la película tenía el mismo tono positivo pero agridulce de la canción. [161] Varias personalidades notables de la industria de los videojuegos, el cine y el anime también elogiaron la película después de su estreno en Japón, entre ellos Hironobu Sakaguchi , Goichi Suda , Miki Mizuno , Tomohiko Itō y Takao Nakano . [162]
En un editorial para Rotten Tomatoes, Nathan Rabin escribió que la película tiene seguidores de culto, [163] y en un artículo de la Met Film School de 2015 , Danny Kelly la incluyó como una de las seis películas más subestimadas de la historia, diciendo que es "un crimen" que más personas no hayan ido a verla. [164] Una clasificación de 2014 de Den of Geek la colocó en tercer lugar en su lista de las 25 mejores películas de cómics subestimadas, y James Hunt escribió que "es fácilmente mejor que cualquier película de esta lista. Y, de hecho, es mejor que la mayoría de las películas que no están en esta lista"; sugirió que sufrió en taquilla debido a un marketing mal ejecutado y a que la gente se cansó de Michael Cera. [165] En 2020, Evans comparó a los fanáticos de Scott Pilgrim con los del Universo Cinematográfico de Marvel, diciendo que eran igual de rabiosos y dedicados; [52] En febrero de 2020, la crítica Alani Vargas escribió que "puede que hoy no sea tan 'de culto'; si le mencionas la película a alguien ahora, lo más probable es que obtengas una respuesta muy entusiasta". [166]
Los artistas musicales se inspiraron en la película, incluido Lil Uzi Vert con sus álbumes Lil Uzi Vert vs. the World y Lil Uzi Vert vs. the World 2 , [167] y el sencillo "Scott and Ramona". [168] [169] El video musical del sencillo "Gimme Love" de la banda australiana The Vines es un homenaje a Scott Pilgrim vs. the World , adoptando el estilo visual de la apertura de la película, [170] [171] y Kid Cudi sampleó el diálogo de la película en la canción "She Knows This" de su álbum Man on the Moon III: The Chosen . [172]
Scott Pilgrim vs. the World ha recibido numerosos premios y nominaciones. También estuvo entre las siete películas finalistas para la nominación en la categoría de Mejores efectos visuales en la 83.ª edición de los Premios Óscar , pero no recibió una nominación. [173] Ganó el Premio del Público en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Lund de 2010. [174] [175]
La película ha sido incluida en varias listas de las diez mejores películas de 2010, incluida la número 1 por Harry Knowles , [176] y en varias listas de Empire . [177] [178] [179] [180]
En 2023, Barry Hertz de The Globe and Mail nombró a la película como una de las 23 mejores películas de comedia canadienses jamás realizadas, reconociendo que no era una producción canadiense, pero escribiendo que "toda la producción, sin embargo, es tan explícitamente canadiense -y tan enamorada de una era muy específica de 'Torontopia' cuando parecía que todo era posible- que excluirla de este resumen sería una traición". [181]
Universal gastó alrededor de 85 millones de dólares para hacer la película, junto con una pequeña inversión de Relativity Media
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