La actuación es una actividad en la que se cuenta una historia mediante su representación por un actor que adopta un personaje —en teatro , televisión , cine , radio o cualquier otro medio que haga uso del modo mimético— .
La interpretación implica una amplia gama de habilidades, entre las que se incluyen una imaginación bien desarrollada , facilidad emocional , expresividad física, proyección vocal , claridad de discurso y capacidad para interpretar dramas . La actuación también exige la capacidad de emplear dialectos , acentos , improvisación , observación y emulación, mímica y combate escénico . Muchos actores se forman durante mucho tiempo en programas especializados o universidades para desarrollar estas habilidades. La gran mayoría de los actores profesionales han pasado por una formación exhaustiva. Los actores y actrices suelen tener muchos instructores y profesores para una gama completa de formación que incluye canto , trabajo escénico, técnicas de audición y actuación para la cámara .
La mayoría de las primeras fuentes occidentales que examinan el arte de actuar ( griego : ὑπόκρισις , hypokrisis ) lo discuten como parte de la retórica . [1]
Uno de los primeros actores conocidos fue un antiguo griego llamado Tespis de Icaria en Atenas . Escribiendo dos siglos después del evento, Aristóteles en su Poética ( c. 335 a. C. ) sugiere que Tespis salió del coro ditirámbico y se dirigió a él como un personaje separado . Antes de Tespis, el coro narraba (por ejemplo, "Dionisio hizo esto, Dionisio dijo"). Cuando Tespis salió del coro, habló como si fuera el personaje (por ejemplo, "Yo soy Dioniso, hice esto"). Para distinguir entre estos diferentes modos de narración (representación y narración), Aristóteles usa los términos " mímesis " (a través de la representación) y " diégesis " (a través de la narración). [2] Del actor griego Tespis , el nombre deriva la palabra "thespian".
Los conservatorios y las escuelas de arte dramático suelen ofrecer una formación de dos a cuatro años sobre todos los aspectos de la interpretación. Las universidades ofrecen principalmente programas de tres a cuatro años, en los que el estudiante suele poder elegir centrarse en la interpretación, mientras continúa aprendiendo sobre otros aspectos del teatro . Las escuelas varían en su enfoque, pero en América del Norte el método más popular que se enseña deriva del "sistema" de Konstantin Stanislavski , que fue desarrollado y popularizado en Estados Unidos como método de actuación por Lee Strasberg , Stella Adler , Sanford Meisner y otros.
Otros enfoques pueden incluir una orientación más física, como la promovida por profesionales del teatro tan diversos como Anne Bogart , Jacques Lecoq , Jerzy Grotowski o Vsevolod Meyerhold . Las clases también pueden incluir psicotécnica , trabajo con máscaras , teatro físico , improvisación y actuación ante la cámara.
Independientemente del enfoque de la escuela, los estudiantes deben esperar una formación intensiva en interpretación de textos, voz y movimiento. Las solicitudes para los programas de teatro y los conservatorios suelen implicar extensas audiciones . Por lo general, cualquier persona mayor de 18 años puede solicitarlo. La formación también puede comenzar a una edad muy temprana. Las clases de interpretación y las escuelas profesionales dirigidas a menores de 18 años están muy extendidas. Estas clases introducen a los jóvenes actores a diferentes aspectos de la interpretación y el teatro, incluido el estudio de la escena.
Un mayor entrenamiento y exposición a hablar en público permite a las personas mantener una fisiología más tranquila y relajada . [3] Medir la frecuencia cardíaca de un orador público es quizás una de las formas más fáciles de evaluar los cambios en el estrés , ya que la frecuencia cardíaca aumenta con la ansiedad . A medida que los actores aumentan sus actuaciones, la frecuencia cardíaca y otros signos de estrés pueden disminuir. [4] Esto es muy importante en la formación de actores, ya que las estrategias adaptativas obtenidas de una mayor exposición a hablar en público pueden regular la ansiedad implícita y explícita. [5] Al asistir a una institución que se especializa en actuación, la mayor oportunidad de actuar conducirá a una fisiología más relajada y una disminución del estrés y sus efectos en el cuerpo. Estos efectos pueden variar desde la salud hormonal hasta la cognitiva que puede afectar la calidad de vida y el desempeño. [6]
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Algunas formas clásicas de interpretación implican un importante elemento de improvisación . La más notable es su uso por parte de las compañías de la commedia dell'arte , una forma de comedia de máscaras que se originó en Italia.
La improvisación como método de actuación formó una parte importante del «sistema» de formación de actores del actor ruso Konstantin Stanislavski , que desarrolló a partir de la década de 1910. A finales de 1910, el dramaturgo Maxim Gorky invitó a Stanislavski a unirse a él en Capri , donde hablaron sobre la formación y la «gramática» de actuación emergente de Stanislavski. [7] Inspirado por una actuación teatral popular en Nápoles que utilizó las técnicas de la commedia dell'arte , Gorky sugirió que formaran una compañía, inspirada en los actores ambulantes medievales , en la que un dramaturgo y un grupo de jóvenes actores idearían nuevas obras juntos por medio de la improvisación. [8] Stanislavski desarrollaría este uso de la improvisación en su trabajo con su Primer Estudio del Teatro de Arte de Moscú . [9] El uso de Stanislavski se extendió aún más en los enfoques de actuación desarrollados por sus estudiantes, Michael Chekhov y Maria Knebel .
En el Reino Unido, el uso de la improvisación fue iniciado por Joan Littlewood a partir de la década de 1930 y, más tarde, por Keith Johnstone y Clive Barker. En los Estados Unidos, fue promovida por Viola Spolin , después de trabajar con Neva Boyd en una Hull House en Chicago, Illinois (Spolin fue estudiante de Boyd de 1924 a 1927). Al igual que los practicantes británicos, Spolin sentía que jugar era un medio útil para entrenar a los actores y ayudaba a mejorar la actuación de un actor. Con la improvisación, argumentó, las personas pueden encontrar libertad expresiva, ya que no saben cómo resultará una situación improvisada. La improvisación exige una mente abierta para mantener la espontaneidad, en lugar de planificar previamente una respuesta. Un actor crea un personaje, a menudo sin referencia a un texto dramático, y un drama se desarrolla a partir de las interacciones espontáneas con otros actores. Este enfoque para crear nuevos dramas ha sido desarrollado de manera más sustancial por el cineasta británico Mike Leigh , en películas como Secrets & Lies (1996), Vera Drake (2004), Another Year (2010) y Mr. Turner (2014).
La improvisación también se utiliza para encubrir si un actor o actriz comete un error.
Actuar frente a un público puede provocar muchas veces "miedo escénico", una forma de estrés en la que una persona se pone ansiosa frente a un público. Esto es común entre los actores, especialmente entre los nuevos, y puede provocar síntomas como aumento de la frecuencia cardíaca, aumento de la presión arterial y sudoración. [10] [11]
En un estudio de 2017 sobre estudiantes universitarios estadounidenses, los actores de diversos niveles de experiencia mostraron frecuencias cardíacas igualmente elevadas a lo largo de sus actuaciones; esto concuerda con estudios previos sobre frecuencias cardíacas de actores profesionales y aficionados. [12] Si bien todos los actores experimentaron estrés, lo que provocó una frecuencia cardíaca elevada, los actores más experimentados mostraron una menor variabilidad de la frecuencia cardíaca que los actores menos experimentados en la misma obra. Los actores más experimentados experimentaron menos estrés durante la actuación y, por lo tanto, tuvieron un menor grado de variabilidad que los actores menos experimentados y más estresados. Cuanto más experimentado sea un actor, más estable será su frecuencia cardíaca durante la actuación, pero aún experimentará frecuencias cardíacas elevadas.
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La semiótica de la interpretación implica el estudio de las formas en que los aspectos de una actuación llegan a funcionar como signos para su público . Este proceso implica en gran medida la producción de significado, mediante el cual los elementos de la actuación de un actor adquieren importancia, tanto dentro del contexto más amplio de la acción dramática como en las relaciones que cada uno establece con el mundo real.
Sin embargo, siguiendo las ideas propuestas por el teórico surrealista Antonin Artaud , también puede ser posible entender la comunicación con un público que ocurre "por debajo" del significado y el sentido (que el semiólogo Félix Guattari describió como un proceso que implica la transmisión de "signos a-significantes"). En su obra El teatro y su doble (1938), Artaud comparó esta interacción con la forma en que un encantador de serpientes se comunica con una serpiente, un proceso que identificó como " mímesis ", el mismo término que Aristóteles en su Poética ( c. 335 a. C. ) utilizó para describir el modo en que el drama comunica su historia, en virtud de su encarnación por el actor que la representa, a diferencia de la " diégesis ", o la forma en que un narrador puede describirla. Estas "vibraciones" que pasan del actor al público pueden no precipitarse necesariamente en elementos significativos como tales (es decir, "significados" percibidos conscientemente), sino que pueden operar por medio de la circulación de " afectos ".
El enfoque de la actuación adoptado por otros profesionales del teatro implica diversos grados de preocupación por la semiótica de la actuación. Konstantin Stanislavski , por ejemplo, aborda las formas en que un actor, basándose en lo que él llama la "experiencia" de un papel, también debe dar forma y ajustar una actuación para apoyar el significado general del drama, un proceso que él llama establecer la "perspectiva del papel". La semiótica de la actuación juega un papel mucho más central en el teatro épico de Bertolt Brecht , en el que un actor se preocupa por resaltar claramente el significado sociohistórico del comportamiento y la acción por medio de elecciones de actuación específicas, un proceso que él describe como establecer el elemento " no/pero " en un " gestus " físico interpretado dentro del contexto de la " Fábula " general de la obra . Eugenio Barba sostiene que los actores no deberían preocuparse por el significado de su comportamiento de actuación; Este aspecto es responsabilidad, afirma, del director , que entreteje los elementos significativos de la actuación de un actor en el "montaje" dramatúrgico del director.
El semiólogo teatral Patrice Pavis , aludiendo al contraste entre el "sistema" de Stanislavski y el actor- demostrador de Brecht —y, más allá de eso, al ensayo fundacional de Denis Diderot sobre el arte de la actuación, Paradoja del actor ( c. 1770-78 )— argumenta que:
Durante mucho tiempo, la interpretación se ha considerado en términos de la sinceridad o hipocresía del actor: ¿debe creer en lo que dice y conmoverse por ello, o debe distanciarse y transmitir su papel de manera distante? La respuesta varía según cómo se conciba el efecto que se quiere producir en el público y la función social del teatro. [13]
Los elementos de una semiótica de la actuación incluyen los gestos del actor, las expresiones faciales, la entonación y otras cualidades vocales, el ritmo y las formas en que estos aspectos de una actuación individual se relacionan con el drama y el evento teatral (o película, programa de televisión o transmisión de radio, cada uno de los cuales involucra diferentes sistemas semióticos) considerados como un todo. [13] Una semiótica de la actuación reconoce que todas las formas de actuación involucran convenciones y códigos por medio de los cuales la conducta interpretativa adquiere significado, incluidos aquellos enfoques, como el de Stanislvaski o el método de actuación estrechamente relacionado desarrollado en los Estados Unidos, que se ofrecen como "un tipo natural de actuación que puede prescindir de las convenciones y ser recibido como evidente y universal". [13] Pavis continúa argumentando que:
Toda actuación se basa en un sistema codificado (aunque el público no lo perciba como tal) de comportamientos y acciones que se consideran creíbles y realistas o artificiales y teatrales. Defender lo natural, lo espontáneo y lo instintivo no es más que intentar producir efectos naturales, regidos por un código ideológico que determina, en un momento histórico particular y para un público determinado, lo que es natural y creíble y lo que es declamatorio y teatral. [13]
Las convenciones que gobiernan la actuación en general están relacionadas con formas estructuradas de juego , que implican, en cada experiencia específica, " reglas del juego ". [14] Este aspecto fue explorado por primera vez por Johan Huizinga (en Homo Ludens , 1938) y Roger Caillois (en Man, Play and Games , 1958). [15] Caillois, por ejemplo, distingue cuatro aspectos del juego relevantes para la actuación: mimesis ( simulación ), agon ( conflicto o competencia), alea ( azar ) e ilinx ( vértigo , o "situaciones psicológicas vertiginosas" que involucran la identificación o catarsis del espectador ). [14] Esta conexión con el juego como actividad fue propuesta por primera vez por Aristóteles en su Poética , en la que define el deseo de imitar en el juego como una parte esencial del ser humano y nuestro primer medio de aprendizaje como niños :
Es un instinto de los seres humanos, desde la infancia, practicar la mímesis (de hecho, esto los distingue de los demás animales: el hombre es el más mimético de todos, y es a través de la mímesis que desarrolla su primer entendimiento); e igualmente natural que todos disfruten de los objetos miméticos. (IV, 1448b) [16]
Esta conexión con el juego también informó las palabras utilizadas en inglés (como fue el caso análogo en muchos otros idiomas europeos) para el drama : la palabra " play " o "game" (traduciendo el anglosajón plèga o el latín ludus ) fue el término estándar utilizado hasta la época de William Shakespeare para un entretenimiento dramático, así como su creador era un "creador de obras" en lugar de un "dramaturgo", la persona que actuaba era conocida como un "jugador" y, cuando en la era isabelina se construyeron edificios específicos para la actuación, se los conocía como "casas de juego" en lugar de " teatros ". [17]
Los actores y actrices necesitan hacer un currículum cuando solicitan papeles. El currículum de un actor es muy diferente de un currículum normal; generalmente es más corto, con listas en lugar de párrafos, y debe tener una foto de su rostro en el reverso. [18] A veces, un currículum también contiene un pequeño video de 30 segundos a 1 minuto que muestra las habilidades del actor, para que el director de casting pueda ver sus actuaciones anteriores, si las hubiera. El currículum de un actor debe enumerar los proyectos en los que ha actuado anteriormente, como obras de teatro, películas o programas, así como sus habilidades especiales y su información de contacto. [19]
La audición es el acto de realizar un monólogo o partes (líneas para un personaje) [20] según lo enviado por el director de casting . La audición implica mostrar las habilidades del actor para presentarse como una persona diferente; puede ser tan breve como dos minutos. Para las audiciones de teatro puede durar más de dos minutos, o pueden realizar más de un monólogo, ya que cada director de casting puede tener diferentes requisitos para los actores. Los actores deben ir a las audiciones vestidos para el papel, para que sea más fácil para el director de casting visualizarlos como el personaje. Para la televisión o el cine tendrán que pasar por más de una audición. A menudo, los actores son llamados a otra audición en el último minuto, y se les envían las partes esa mañana o la noche anterior. La audición puede ser una parte estresante de la actuación, especialmente si uno no ha sido entrenado para audiciones.
El ensayo es un proceso en el que los actores preparan y practican una actuación junto con los directores y el personal técnico. Algunos actores continúan ensayando una escena durante toda la representación para mantenerla fresca en sus mentes y emocionante para el público. [21]
Se sabe que una audiencia crítica con espectadores evaluadores induce estrés en los actores durante la actuación. [22] Si bien las actuaciones públicas causan niveles extremadamente altos de estrés en los actores (más aún en los aficionados), el estrés en realidad mejora la actuación, lo que respalda la idea del "estrés positivo en situaciones desafiantes". [23]
Dependiendo de lo que esté haciendo un actor, su frecuencia cardíaca variará. Esta es la forma en que el cuerpo responde al estrés. Antes de una actuación, uno verá un aumento en la frecuencia cardíaca debido a la ansiedad. Mientras actúa, un actor tiene una mayor sensación de exposición que aumentará la ansiedad por la actuación y la excitación fisiológica asociada, como la frecuencia cardíaca. [24] La frecuencia cardíaca aumenta más durante las actuaciones en comparación con los ensayos debido al aumento de la presión, que se debe al hecho de que una actuación tiene un impacto potencialmente mayor en la carrera de un actor. [24] Después de la actuación, se puede ver una disminución en la frecuencia cardíaca debido a la conclusión de la actividad que induce estrés. A menudo, la frecuencia cardíaca volverá a la normalidad después de que finalice el espectáculo o la actuación; [25] sin embargo, durante los aplausos después de la actuación hay un aumento rápido en la frecuencia cardíaca. [26] Esto se puede ver no solo en los actores, sino también en los oradores públicos y los músicos . [25]
Existe una correlación entre la frecuencia cardíaca y el estrés cuando los actores actúan frente a una audiencia. Los actores afirman que tener una audiencia no cambia su nivel de estrés, pero tan pronto como suben al escenario, su frecuencia cardíaca aumenta rápidamente. [27] Un estudio de 2017 realizado en una universidad estadounidense que analizó el estrés de los actores midiendo la frecuencia cardíaca mostró que la frecuencia cardíaca individual aumentó justo antes de que comenzara la actuación para esos actores. Hay muchos factores que pueden aumentar el estrés de un actor. Por ejemplo, la duración de los monólogos, el nivel de experiencia y las acciones realizadas en el escenario, incluido el movimiento del decorado. A lo largo de la actuación, la frecuencia cardíaca aumenta más antes de que un actor hable. El estrés y, por lo tanto, la frecuencia cardíaca del actor disminuyen significativamente al final de un monólogo, una gran escena de acción o una actuación. [10]
