The Velvet Underground & Nico es el álbum de estudio debut de la banda de rock estadounidense Velvet Underground y la cantante alemana Nico . Lanzado por Verve Records en marzo de 1967, el álbum tuvo un desempeño inferior en ventas y polarizó a los críticos tras su lanzamiento debido a su sonido abrasivo y poco convencional y su contenido lírico controvertido. Más tarde se lo consideró uno de los álbumes más influyentes de la música rock y pop y uno de los mejores álbumes de todos los tiempos.
The Velvet Underground & Nico fue grabado en 1966 mientras la banda aparecía en la gira Exploding Plastic Inevitable de Andy Warhol . Warhol, que diseñó la carátula del álbum , coprodujo el disco con Tom Wilson . El álbum presenta elementos de música de vanguardia incorporados a la música rock descarada, minimalista y con groove . El cantante, Lou Reed , ofrece letras explícitas que abarcan temas de abuso de drogas , prostitución , sadomasoquismo y vida urbana. Caracterizado como "el disco de art-rock original", [6] fue una gran influencia en muchos subgéneros del rock y la música alternativa , incluidos el punk , el garage rock , el krautrock , el post-punk , el post-rock , [7] el noise rock , [8] el shoegaze , el rock gótico y el indie rock . [9] En 1982, el músico inglés Brian Eno dijo que si bien el álbum solo vendió aproximadamente 30.000 copias en sus primeros cinco años, "todos los que compraron una de esas 30.000 copias comenzaron una banda". [10]
The Velvet Underground & Nico ha sido incluido en varias listas de todos los tiempos, incluidas las de Apple Music y Rolling Stone . [11] [12] [13] En 2006, fue incluido en el Registro Nacional de Grabaciones por la Biblioteca del Congreso por ser "cultural, histórica o estéticamente significativo". [14]
The Velvet Underground & Nico fue grabado con la primera formación profesional de la Velvet Underground: Lou Reed, John Cale , Sterling Morrison y Maureen Tucker . Por iniciativa de su mentor y mánager Andy Warhol y su colaborador Paul Morrissey , también participó la cantante alemana Nico , que ocasionalmente había interpretado la voz principal de la banda. [15] Cantó la voz principal en tres de las pistas del álbum: " Femme Fatale ", " All Tomorrow's Parties " y " I'll Be Your Mirror ", y fue corista en " Sunday Morning ". En 1966, mientras se grababa el álbum, esta fue también la formación para sus presentaciones en vivo como parte de Exploding Plastic Inevitable de Warhol . [16]
La mayor parte de las canciones que se convertirían en The Velvet Underground & Nico se grabaron en cuatro días a mediados de abril de 1966 en Scepter Studios , un estudio de grabación en Manhattan . Esto fue financiado por Warhol y el ejecutivo de ventas de Columbia Records , Norman Dolph , quien también actuó como ingeniero junto a John Licata. Se desconoce el costo del proyecto. Las estimaciones varían desde $ 1,500 (US $ 14,086 en dólares de 2023) [17] a $ 3,000 (US $ 28,172 en dólares de 2023). [17] [18]
Poco después, Dolph envió un disco de acetato de las grabaciones a Columbia Records en un intento de interesarlos en la distribución del álbum, pero se negaron, al igual que Atlantic Records y Elektra Records —según Morrison, Atlantic se opuso a las referencias a las drogas en las canciones de Reed, mientras que a Elektra no le gustó la viola de Cale. [19] Finalmente, Verve Records , propiedad de MGM Records, aceptó las grabaciones, con la ayuda del productor de Verve, Tom Wilson, que recientemente se había mudado de un trabajo en Columbia. [20]
Con el apoyo de un sello, un mes después, en mayo de 1966, tres de las canciones, « I'm Waiting for the Man », « Venus in Furs » y « Heroin », fueron regrabadas en dos días en los TTG Studios durante una estancia en Hollywood . Cuando la fecha de lanzamiento del disco se pospuso, Wilson llevó a la banda a los Mayfair Recording Studios de Manhattan en noviembre de 1966, para añadir una última canción al álbum: el sencillo « Sunday Morning ». [21]
Aunque Andy Warhol es el único productor formalmente acreditado , tuvo poca influencia más allá de pagar las sesiones de grabación. [22] A varios otros que trabajaron en el álbum se los menciona a menudo como productores técnicos. [18] [23]
A Norman Dolph y John Licata se les atribuye a veces la producción de las sesiones de Scepter Studios, ya que fueron responsables de la grabación y la ingeniería, aunque ninguno de los dos aparece en los créditos. [18] Dolph dijo que Cale fue el productor creativo, ya que manejó la mayoría de los arreglos . [18] Sin embargo, Cale recordó que Tom Wilson produjo casi todas las pistas y dijo que Warhol "no hizo nada". [23] Reed también dijo que el "verdadero productor" del álbum fue Wilson. [22] Reed afirmó que fue MGM quien decidió traer a Wilson y le dio crédito por producir canciones como "Sunday Morning": "Andy absorbió todas las críticas. Entonces MGM dijo que querían traer a un verdadero productor, Tom Wilson. Así es como obtuvimos 'Sunday Morning', con todas esas sobregrabaciones: la viola de fondo, Nico cantando. Pero no podía deshacer lo que ya se había hecho". [24]
Sin embargo, Sterling Morrison y Lou Reed citaron la falta de manipulación de Warhol como un método legítimo de producción. [18] Morrison describió a Warhol como el productor "en el sentido de producir una película". [25] Reed dijo:
Él hizo posible que fuéramos nosotros mismos y siguiéramos adelante con el proyecto porque era Andy Warhol. En cierto sentido, él realmente lo produjo, porque era un paraguas que absorbía todos los ataques cuando no éramos lo suficientemente grandes como para ser atacados ... y como él era el productor, simplemente entrábamos, preparábamos todo y hacíamos lo que siempre hacíamos y nadie lo detenía porque Andy era el productor. Por supuesto, él no sabía nada sobre producción de discos, pero no tenía por qué saberlo. Simplemente se sentaba allí y decía: "Oooh, eso es fantástico", y el ingeniero decía: "¡Ah, sí! ¡Claro! Es fantástico, ¿no?" [26]
The Velvet Underground & Nico se destacó por sus descripciones abiertas de temas como el abuso de drogas , la prostitución , el sadismo, el masoquismo y la desviación sexual . " I'm Waiting for the Man " describe los esfuerzos de un protagonista por obtener heroína , [27] [28] mientras que " Venus in Furs " es una interpretación casi literal de la novela del siglo XIX del mismo nombre (que en sí misma presenta relatos prominentes de BDSM ). [29] " Heroína " detalla el uso de la droga por parte de un individuo y la experiencia de sentir sus efectos. [30]
Lou Reed , que escribió la mayoría de las letras del álbum, nunca tuvo la intención de escribir sobre esos temas para causar impacto. Reed, un fanático de poetas y autores como Raymond Chandler , Nelson Algren , William S. Burroughs , Allen Ginsberg y Hubert Selby, Jr. , no veía ninguna razón por la que el contenido de sus obras no pudiera traducirse bien a la música rock and roll . Reed, un estudiante de inglés que estudió una licenciatura en la Universidad de Syracuse , dijo en una entrevista que pensaba que unir los dos (temas ásperos y música) era "obvio". [23] "Ese es el tipo de cosas que podrías leer. ¿Por qué no las escucharías? Tienes la diversión de leer eso, y además obtienes la diversión del rock". [23]
Aunque el tema oscuro del álbum se considera hoy revolucionario, [31] varias de las canciones del álbum se centran en temas más típicos de la música popular. Ciertas canciones fueron escritas por Reed como observaciones de los miembros de las " superestrellas de Factory " de Andy Warhol. " Femme Fatale ", en particular, fue escrita sobre Edie Sedgwick a pedido de Warhol. " I'll Be Your Mirror ", inspirada en Nico , [21] es una canción tierna y afectuosa; en marcado contraste con una canción como "Heroin". Una percepción errónea común es que " All Tomorrow's Parties " fue escrita por Reed a pedido de Warhol (como se afirma en la biografía de Velvet Underground de Victor Bockris y Gerard Malanga , Up-Tight: The Velvet Underground Story ). Si bien la canción parece ser otra observación de los habitantes de Factory, Reed escribió la canción antes de conocer a Warhol, después de haber grabado un demo en julio de 1965 en Ludlow Street. [15] Tenía sonidos de música folk , que posiblemente se inspiraron en Bob Dylan . [32]
Los escritores generalmente han descrito a The Velvet Underground & Nico como rock artístico , [6] [33] rock experimental , [34] proto-punk , [35] rock psicodélico , [36] y avant-pop . [37] Gran parte del sonido del álbum fue concebido por John Cale , quien enfatizó las cualidades experimentales de la banda. Fue influenciado en gran medida por su trabajo con el compositor minimalista La Monte Young , John Cage y el movimiento temprano Fluxus , y alentó el uso de formas alternativas de producir sonido en la música. Cale pensó que sus sensibilidades encajaban bien con las de Lou Reed, quien ya estaba experimentando con afinaciones alternativas. Por ejemplo, Reed había "inventado" la afinación de la guitarra de avestruz para una canción que escribió llamada "The Ostrich" para la banda de corta duración The Primitives. La afinación de la guitarra de avestruz consiste en que todas las cuerdas estén afinadas en la misma nota. Este método se utilizó en las canciones "Venus in Furs" y "All Tomorrow's Parties". A menudo, las guitarras también se afinaban un tono más abajo, lo que producía un sonido más grave y completo que Cale consideraba "sexy". [18]
Cale tocó la viola en varias de las canciones del álbum, en particular "Venus in Furs" y "The Black Angel's Death Song". La viola usaba cuerdas de guitarra y mandolina, y cuando se tocaba fuerte, Cale comparaba su sonido estridente con el de un motor de avión. [31] La técnica de Cale generalmente involucraba drones minimalistas , desafinaciones para un efecto surrealista y espeluznante, y distorsión para resaltar los armónicos y transformar el sonido del instrumento. [38] Según Robert Christgau , el "dron narcótico" no solo sostiene la temática sadomasoquista de "Venus in Furs", sino que también "identifica y unifica el [álbum] musicalmente". De las interpretaciones vocales, creía que "la sexualidad contenida y cántica de Nico" complementaba "el abandono desapasionado del canto de Reed". [39] En 1966, Richard Goldstein describió la voz de Nico como "algo así como un violonchelo levantándose por la mañana". [40]
El estilo de batería de Tucker en el álbum implicaba tocar de pie en lugar de sentada, tocando bombos y panderetas de lado con una baqueta en la mano izquierda y un mazo en la derecha, lo que daba como resultado "una mezcla de ritmos de trance africano y un genio de arreglos al estilo de Ringo ", según Adam Budofsky de Modern Drummer . [41] El percusionista inicial de la banda y ex miembro, Angus MacLise , había influido en el estilo de Tucker y la había influenciado a tocar ritmos "contundentes" que encajaban, en sus palabras, con "el estado de ánimo ominoso" de varias de las canciones del álbum. [41]
La portada del álbum The Velvet Underground & Nico es reconocible por presentar una impresión de Warhol de un plátano . Las primeras copias del álbum invitaban al propietario a "Pelar lentamente y ver", y al quitar la piel del plátano se revelaba un plátano de color carne debajo. Se necesitaba una máquina especial para fabricar estas cubiertas (una de las causas del lanzamiento retrasado del álbum), pero MGM pagó los costos pensando que cualquier vínculo con Warhol impulsaría las ventas del álbum. [18] [23] La mayoría de las ediciones de vinilo reeditadas del álbum no presentan la etiqueta despegable; las copias originales del álbum con la característica de la etiqueta despegable son ahora artículos de colección raros. Un LP reeditado japonés a principios de la década de 1980 fue la única versión reeditada que incluyó la etiqueta del plátano durante muchos años. En la reedición en CD de 1996 , la imagen del plátano está en la portada, mientras que la imagen del plátano pelado está en el interior del estuche , debajo del propio CD. El álbum fue reimpreso en vinilo pesado en 2008, presentando una pegatina de plátano. [42]
Cuando se publicó por primera vez el álbum, la foto de la contraportada principal (tomada en una actuación del evento Exploding Plastic Inevitable de Warhol ) contenía una imagen del actor Eric Emerson proyectada al revés en la pared detrás de la banda. Habiendo sido arrestado recientemente por posesión de drogas y desesperado por dinero, Emerson amenazó con demandar por este uso no autorizado de su imagen, a menos que le pagaran. [18] En lugar de cumplir, MGM retiró copias del álbum y detuvo su distribución hasta que la imagen de Emerson pudiera ser borrada con aerógrafo de la foto en las impresiones posteriores. [43] Las copias que ya se habían impreso se vendieron con una gran pegatina negra que cubría la imagen del actor. [43]
En enero de 2012, la sociedad comercial Velvet Underground (de la que John Cale y Lou Reed eran socios generales ) demandó a la Fundación Andy Warhol para las Artes Visuales, Inc. en el Tribunal de Distrito de los Estados Unidos para el Distrito Sur de Nueva York después de que la Fundación cediese la licencia del diseño del plátano de la portada a Incase Designs para su uso en una línea de fundas para iPhone y iPad . La demanda se refería a infracción de derechos de autor , infracción de marca registrada y competencia desleal . [44]
Alegando que la Fundación había afirmado anteriormente que "podría" poseer los derechos de autor del diseño, la sociedad solicitó al tribunal una sentencia declaratoria de que la Fundación no tenía tales derechos. [45] En respuesta, la Fundación le dio a la sociedad un "Pacto de no demandar", una promesa escrita y vinculante de que, incluso si la sociedad y ciertas otras partes continuaban usando el diseño comercialmente, la Fundación nunca invocaría su declarada propiedad de los derechos de autor contra ellos en el tribunal.
A petición de la Fundación, la jueza Alison J. Nathan separó y desestimó de la demanda la reclamación de derechos de autor de la sociedad. Según la jueza Nathan, la Constitución permite a los tribunales federales decidir solo "casos" o "controversias" , lo que significa disputas en curso o inminentes sobre derechos legales, que involucran hechos concretos y actos específicos, que requieren la intervención del tribunal para proteger al demandante de daños o interferencias con sus derechos. La jueza sostuvo que la demanda de la sociedad no cumplía con ese estándar porque incluso si la Fundación continuaba reclamando la propiedad de los derechos de autor del diseño, e incluso si su reclamación era inválida, esa reclamación no dañaría legalmente a la sociedad ni le impediría hacer sus propios usos legales del diseño. La sociedad no afirmó que poseía los derechos de autor del diseño, solo que la Fundación no los poseía. Dado que, según el tribunal, la Fundación prometió no demandar a la sociedad por ningún "uso potencialmente infractor de los derechos de autor del diseño del plátano", la sociedad podría continuar usando el diseño y no habría ninguna acción legal que la Fundación pudiera emprender (según la ley de derechos de autor ) [b] para detenerlo. Y si, concluyó el tribunal, la sociedad podía continuar con sus actividades como siempre (en lo que respecta a los derechos de autor ) independientemente de si la Fundación era la titular de los derechos de autor del diseño, una decisión judicial no tendría consecuencias prácticas para la sociedad; sería una opinión puramente académica (o " consultiva "), que los tribunales federales no pueden emitir. Por lo tanto, el tribunal "desestimó sin perjuicio" la solicitud de la sociedad de que resolviera si la Fundación era la titular de los derechos de autor del diseño. [45] Las reclamaciones restantes sobre la marca registrada se resolvieron extrajudicialmente con un acuerdo confidencial, y la demanda de la sociedad fue desestimada a fines de mayo de 2013. [46]
Tras su lanzamiento, The Velvet Underground & Nico fue un fracaso comercial. [47] El contenido controvertido del álbum provocó su prohibición casi instantánea en varias tiendas de discos, muchas estaciones de radio se negaron a reproducirlo y las revistas se negaron a publicar anuncios sobre él. [18] Su falta de éxito también se puede atribuir a Verve , que no promocionó ni distribuyó el álbum con nada más que una atención modesta. [18] [31] Sin embargo, Richie Unterberger de AllMusic también señala que:
... la música era simplemente demasiado atrevida para encajar en la radio comercial; la radio de rock "underground" apenas estaba comenzando en ese momento, y en cualquier caso, bien puede haber pasado por alto el disco en un momento en que la música psicodélica se acercaba a su apogeo. [48]
El álbum entró por primera vez en las listas de álbumes de Billboard el 13 de mayo de 1967, en el puesto número 199 y abandonó las listas el 10 de junio de 1967, en el puesto número 195. Cuando Verve retiró el álbum en junio debido a la demanda de Eric Emerson, desapareció de las listas durante cinco meses. Luego volvió a entrar en las listas el 18 de noviembre de 1967, en el puesto número 182, alcanzó el puesto número 171 el 16 de diciembre de 1967 y finalmente abandonó las listas el 6 de enero de 1968, en el puesto número 193. [23]
El músico inglés Brian Eno dijo en 1982 que, si bien el álbum solo vendió aproximadamente 30.000 copias en sus primeros cinco años, "todos los que compraron una de esas 30.000 copias formaron una banda". [10] Los escritores suelen utilizar esta cita como una cifra definitiva de cuántas copias de The Velvet Underground & Nico se vendieron en los primeros años. Si bien, de hecho, vendió menos de lo que Warhol y la banda esperaban, según una declaración de regalías de MGM presentada a Jeff Gold, un ex ejecutivo de Warner Bros. Records , se vendieron 58.476 copias del álbum hasta febrero de 1969, una cifra respetable para un LP de finales de la década de 1960. [49] [50] [51] Grant McPhee, cineasta y escritor musical, realizó más tarde una investigación en 2021 sobre la famosa afirmación de Eno y concluyó que es posible que se hayan vendido hasta 200.000 copias solo en 1971. [52]
Una reseña breve de Billboard publicada antes del lanzamiento del álbum elogió la voz "inquietante" de Nico y las letras "poderosas" de la banda, llamándola una colección de "folk-rock sofisticado" y un "campeón de izquierda que podría hacer clic a lo grande". [53] Vibrations , una pequeña revista de música rock, le dio al álbum una reseña mayoritariamente positiva en su segundo número, describiendo la música como "un ataque en toda regla a los oídos y al cerebro" al tiempo que destacaba las letras oscuras. [31] Wayne Harada del Honolulu Advertiser y Dave Donelly del Honolulu Star-Bulletin elogiaron la portada del álbum con pegatinas de plátano; el primero la calificó como "la portada más salvaje" de cualquier álbum hasta ahora y el segundo la calificó como un tema de conversación . [54] [55] Harada escribió: "Dentro, la comida también es buena: 'Sunday Morning' tiene un sonido psicodélico definitivo. 'Run Run Run' sigue siendo otra joya del underground que está ganando terreno". [54] Donelly calificó el álbum como "no comercial con C mayúscula, sino una experiencia en sonido". [55] Un crítico anónimo de la American Record Guide elogió las letras de Reed como "penetrantemente contemporáneas", comparándolas con el trabajo de Dylan mientras llamaba a Reed sobre la base del disco "un nuevo talento importante (para mí)". El crítico también elogió la variedad de sonidos presentados por "Sunday Morning", "European Son" y "Heroin" junto con las canciones más al estilo de Dylan. [56]
Mientras tanto, Richard Goldstein del Village Voice , publicado en la ciudad natal de Velvet Underground, Nueva York, fue más reservado en sus elogios. Goldstein llamó a "There She Goes Again" una "flagrante" imitación de la versión de los Rolling Stones de " Hitch Hike " y calificó las interpretaciones vocales de Reed en otras canciones como "angustiosamente parecidas a las del primer Dylan". Sin embargo, finalmente escribió que "los Velvet son un grupo importante y este álbum tiene un trabajo importante [dentro]", destacando "I'm Waiting for the Man", "Venus in Furs", "Femme Fatale" y "Heroin". [57] De esta última canción, Goldstein escribió:
[Es] más comprimido, más contenido que las actuaciones en vivo que he visto. Pero también es una obra más realizada. El ritmo fluctúa salvajemente y finalmente estalla en una serie de chillidos absolutamente aterradores, como el estertor agónico de un violín asfixiante. "Heroin" son siete minutos de auténtico rock 'n' roll de doce tonos. [57]
El escritor del Tampa Tribune Vance Johnston lo descartó como una colección de "varios sonidos confusos ... la mayoría deprimentes y cualquiera que sea el mensaje que no logré captar", pero escribió que los aficionados a Warhol lo declararían su mejor "en cualquier caso". [58] Don Lass del Asbury Park Evening Press de Nueva Jersey fue igualmente despectivo, encontrando la música "tan sin vida e inanimada como la cáscara de plátano desechada, tocando cada cliché en el espectro del rock 'n' roll mientras que pierde la diversión genuina que las buenas interpretaciones de big-beat pueden ofrecer". [59] Un escritor del personal del Pensacola News Journal definió el álbum en general como "un gran sonido salvaje", con sus letras "igualmente frenéticas": "El resultado suena como la fusión de Drácula y algunos de los llorones de pelo largo de la actualidad". [60] John F. Szwed de Jazz & Pop calificó la actuación de la banda en el disco como "tediosa a pesar de sus incursiones en la viola eléctrica y demás ", reconociendo la fuerza de su "fuerte gemido" pero finalmente escribiendo que "algo se pierde en la traducción" en ausencia de los acompañamientos visuales de Exploding Plastic Inevitable . [61]
Una década después de su lanzamiento, The Velvet Underground & Nico comenzó a recibir elogios de los críticos de rock. Christgau escribió en su reseña retrospectiva de 1977 para el Village Voice que el disco había sido difícil de entender en 1967, "que es probablemente la razón por la que la gente todavía está aprendiendo de él. Suena intermitentemente crudo, superficial y pretencioso al principio, pero nunca deja de mejorar". [39] Más tarde lo incluyó en su "Biblioteca básica de discos" de grabaciones de los años 1950 y 1960, publicada en Christgau's Record Guide: Rock Albums of the Seventies (1981). [71]
En The Encyclopedia of Popular Music (1998), Colin Larkin lo llamó una "colección poderosa" que "introdujo los encaprichamientos decididamente urbanos de Reed, una fascinación por la cultura callejera y una amoralidad que rayaba en el voyeurismo". [72] En abril de 2003, Spin encabezó su lista de "Los quince álbumes más influyentes de todos los tiempos" con el álbum. [73] El 12 de noviembre de 2000, NPR lo incluyó en su serie "NPR 100" de "las obras musicales estadounidenses más importantes del siglo XX". [74] En 2003, Rolling Stone lo colocó en el número 13 de su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, manteniendo la calificación en una lista revisada de 2012, [75] llamándolo el "álbum de rock más profético jamás hecho". [76] Volvió a clasificarse en el número 23 en un reinicio de la lista de 2020. [77] El álbum fue seleccionado como uno de los 24 álbumes estadounidenses más importantes de la década de 1960 en el libro "The Perfect Collection" de Tom Hibbert (1982).
En 1997, The Velvet Underground & Nico fue nombrado el 22.º mejor álbum de todos los tiempos en una encuesta "Música del Milenio" realizada en el Reino Unido por HMV Group , Channel 4 , The Guardian y Classic FM . [78] En 2006, los lectores de la revista Q lo votaron en el puesto 42 en la encuesta "Los 100 mejores álbumes de la historia de los lectores de la revista Q de 2006", mientras que The Observer lo colocó en el número 1 en una lista de "50 álbumes que cambiaron la música" en julio de ese año. [79] También en 2006, el álbum fue elegido por la revista Time como uno de los 100 mejores álbumes de todos los tiempos. [80] En 2017, Pitchfork colocó al álbum en el número 1 en su lista de "Los 200 mejores álbumes de la década de 1960". [81] Fue votado como el número 13 en la tercera edición de los 1000 mejores álbumes de todos los tiempos de Colin Larkin (2000). [82]
En abril de 1967, un mes después del lanzamiento del álbum, una banda llamada Electrical Banana pudo haber grabado la primera versión de "There She Goes Again". Según el miembro de la banda Dean Kohler , la grabaron en una tienda de campaña en Vietnam en abril de 1967 y enviaron la cinta maestra a una empresa en California para que prensaran discos de 45 RPM. [83]
También en 1967 la banda holandesa The Riats de La Haya lanzó un sencillo con "Run, Run, Run" como lado A y "Sunday Morning" como lado B. La fecha exacta de lanzamiento es desconocida, por lo que sigue abierto el debate sobre si Electric Banana o The Riats fueron los primeros en grabar una versión de Velvet Underground. [84] [85] [86]
En 2009, el músico estadounidense Beck grabó una versión canción por canción de The Velvet Underground & Nico y la publicó en línea en formato de video en su sitio web, como parte de un proyecto llamado Record Club . Los músicos involucrados en la grabación incluyen a Beck además de Nigel Godrich , Joey Waronker , Brian LeBarton , Bram Inscore, Yo, Giovanni Ribisi , Chris Holmes y Þórunn Magnúsdóttir . [87]
También en 2009, varios artistas de Argentina colaboraron para producir una versión canción por canción del disco. Realizaron varios conciertos en Buenos Aires para celebrar el lanzamiento del álbum, que se puso a disposición en línea de forma gratuita. [88]
En 2021, Verve Records lanzó el álbum tributo I'll Be Your Mirror: A Tribute to The Velvet Underground & Nico , una versión pista por pista del álbum con actuaciones de St. Vincent , Sharon Van Etten , Bobby Gillespie e Iggy Pop, entre otros.
Frustrado por el retraso de un año del álbum y su lanzamiento fallido, la relación de Lou Reed con Andy Warhol se volvió tensa. Reed despidió a Warhol como mánager en favor de Steve Sesnick , [89] quien convenció al grupo de avanzar hacia una dirección más comercial. [90] Nico se vio obligada a abandonar el grupo y comenzó una carrera como artista solista. Su álbum debut en solitario, Chelsea Girl , fue lanzado en octubre de 1967, con algunas canciones escritas por miembros de Velvet Underground. [91]
Tom Wilson continuó trabajando con Velvet Underground, produciendo su álbum de 1968 White Light/White Heat [92] y Chelsea Girl de Nico . [93]
Todas las pistas están escritas por Lou Reed , excepto donde se indique lo contrario. Todas las voces principales son de Reed, excepto donde se indique lo contrario.
Según las notas del álbum y el autor Peter Hogan: [94] [95]
Producción
La primera edición en CD del álbum se lanzó en 1986 y presentó ligeros cambios. El título del álbum apareció en la portada, a diferencia del lanzamiento original en LP. Además, el álbum contenía una mezcla alternativa de "All Tomorrow's Parties" que presentaba una sola pista de voz principal en lugar de la versión vocal de doble pista del LP original. Aparentemente, la decisión de usar la versión de doble pista en el LP original se tomó en el último minuto. Bill Levenson, quien supervisaba las ediciones iniciales en CD del catálogo Verve/MGM de VU, quería mantener la versión de una sola voz en secreto como una sorpresa para los fanáticos, pero se consternó al descubrir que la versión alternativa se reveló como tal en la contraportada del CD (y se señaló como "inédita"). [97]
La posterior reedición en CD remasterizada de 1996 eliminó estos cambios, conservando la carátula del álbum original y la mezcla de doble pista de "All Tomorrow's Parties" que se encuentran en el LP.
The Velvet Underground & Nico fue lanzado en su totalidad en el box set de cinco años , Peel Slowly and See , en 1995. El álbum apareció en el segundo disco del set junto con la versión en sencillo de "All Tomorrow's Parties", dos temas de Nico de Chelsea Girl y un extracto de diez minutos de la actuación de 45 minutos de "Melody Laughter". También se incluyen en el set (en el primer disco) las demos del loft de Ludlow Street de 1965 de la banda. Entre estas demos se encuentran las primeras versiones de "Venus in Furs", "Heroin", "I'm Waiting for the Man" y "All Tomorrow's Parties".
En 2002, Universal lanzó un set de dos discos "Deluxe Edition" que contenía la versión estéreo del álbum junto con las cinco pistas de Nico's Chelsea Girl escritas por miembros de la banda en el disco uno, y la versión mono del álbum junto con las mezclas mono de "All Tomorrow's Parties" y "Sunday Morning" y sus lados B "I'll Be Your Mirror" y "Femme Fatale" en el disco dos. Se había planeado incluir en el set una demo de estudio de la pista inédita "Miss Joanie Lee", pero una disputa sobre regalías entre la banda y Universal canceló estos planes. Esta disputa contractual aparentemente también llevó a la cancelación de futuras entregas de la serie Bootleg oficial de la banda. Sin embargo, esta pista se incluyó en el relanzamiento posterior, 45th Anniversary Super Deluxe Edition. [98] En abril de 2010, Universal relanzó el segundo disco de la "Deluxe Edition" como un CD sencillo "Rarities Edition".
El 1 de octubre de 2012, Universal lanzó una caja de 6 CD del álbum. [99] Presenta las mezclas mono y estéreo previamente disponibles como discos uno y dos respectivamente. El disco uno contiene como pistas adicionales versiones alternativas de "All Tomorrow's Parties", "European Son", "Heroin", "All Tomorrow's Parties" (versión instrumental alternativa) y "I'll Be Your Mirror". El disco dos contiene las mismas pistas adicionales que el segundo disco de la versión de lujo anterior. El disco tres es Chelsea Girl de Nico en su totalidad y el acetato de Scepter Studios (ver más abajo) en su totalidad ocupa el disco 4. Los discos 5 y 6 contienen una actuación en vivo inédita de 1966. Según el ensayo del crítico musical e historiador Richie Unterberger contenido en el set, la fuente del espectáculo es la única cinta de audio de grabación de calidad aceptable durante el mandato del cantante Nico en la banda. El ensayo también aclara que la ausencia de cualquier material en DVD en el box set se debe al hecho de que ninguno de los shows de la banda fue filmado, a pesar de su fuerte dependencia de imágenes multimedia. [100]
La grabación original en acetato de Norman Dolph del material de Scepter Studios contiene varias grabaciones que aparecerían en el álbum final, aunque muchas son mezclas diferentes de esas grabaciones y tres son tomas completamente diferentes. El acetato se cortó el 25 de abril de 1966, poco después de las sesiones de grabación. Resurgió décadas después cuando fue comprado por el coleccionista Warren Hill de Montreal, Quebec , Canadá en septiembre de 2002 en un mercado de pulgas en el barrio de Chelsea de la ciudad de Nueva York por $ 0,75. [101] Hill puso el álbum a subasta en eBay en noviembre. El 8 de diciembre de 2006, se realizó una oferta ganadora de $ 155,401, pero no se aceptó. [102] El álbum fue nuevamente puesto a subasta en eBay y se vendió con éxito el 16 de diciembre de 2006 por $ 25,200. [103] [104]
Aunque se grabaron diez canciones durante las sesiones de Scepter, [18] solo aparecen nueve en el corte de acetato. Dolph recuerda que "There She Goes Again" es la canción que falta [105] (y, de hecho, la versión de "There She Goes Again" que aparece en el LP final se atribuye a la sesión de Scepter Studios). En 2012, el acetato se lanzó oficialmente como disco 4 de la omnicomprensiva caja "45th Anniversary Super Deluxe Edition" del álbum (ver arriba). El disco también incluye seis pistas adicionales inéditas, grabadas durante los ensayos de la banda en The Factory el 3 de enero de 1966. Sin embargo, una versión copiada del acetato comenzó a circular por Internet en enero de 2007. [106] [107] Las versiones pirata de las pistas de acetato también han estado disponibles en vinilo y CD. [108] El acetato se lanzó en vinilo en 2013 como una edición limitada para el Record Store Day . En 2014, volvió a subastarse. [104]
Caja con lista de canciones del disco 4
Notas
Según Nielsen SoundScan , que rastrea las ventas, The Velvet Underground & Nico ha vendido 560.000 copias desde 1991. [120]
...
el disco de rock artístico original
...
post-rock tiene su propia historia esporádica pero extensa [...] En términos de guitarra eléctrica, el linaje clave va desde la Velvet Underground [...] Los Velvet fusionaron la composición folklórica con una estética de pared de ruido que era mitad Phil Spector, mitad La Monte Young, y de ese modo inventaron la dronelogía, un término que describe vagamente el 50 por ciento de la actividad post-rock actual.
El otro día estaba hablando con Lou Reed y me dijo que el primer disco de Velvet Underground vendió 30.000 copias en los primeros cinco años. Las ventas han repuntado en los últimos años, pero quiero decir, ese disco fue un disco muy importante para mucha gente. ¡Creo que todos los que compraron una de esas 30.000 copias formaron una banda!
...
esta obra maestra del rock artístico perdurable
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La versión ahora canónica, seca y gélida y de terror sagrado de Lou Reed y John Cale sobre el rock experimental de entonces
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