Sidney Arthur Lumet ( nacido el 25 de junio de 1924 en Nueva York, Estados Unidos) fue un director de cine estadounidense. Lumet comenzó su carrera en el teatro antes de pasarse al cine, donde se ganó una reputación por hacer dramas neoyorquinos realistas y crudos que se centraban en la clase trabajadora , abordaban las injusticias sociales y , a menudo, cuestionaban la autoridad. Recibió varios premios, incluido un Premio Honorario de la Academia y un Globo de Oro , así como nominaciones a nueve Premios de Cine de la Academia Británica y un Premio Primetime Emmy .
Fue nominado cinco veces a los Premios Óscar : cuatro como Mejor Director por el drama legal 12 Angry Men (1957), el drama criminal Dog Day Afternoon (1975), el drama satírico Network (1976) y el thriller legal The Verdict (1982), y uno como Mejor Guion Adaptado por Prince of the City (1981). Otras películas incluyen A View from the Bridge (1962), Long Day's Journey into Night (1962), The Pawnbroker (1964), Fail Safe (1964), The Hill (1965), Serpico (1973), Murder on the Orient Express (1974), Equus (1977), The Wiz (1978), The Morning After (1986), Running on Empty (1988) y Before the Devil Knows You're Dead (2007). Recibió el Premio Honorífico de la Academia en 2004. [2]
Miembro de la clase inaugural del Actors Studio de Nueva York , [3] Lumet comenzó a actuar en Off-Broadway e hizo su debut como actor en Broadway en la obra de 1935 Dead End . Luego dirigió las obras de Broadway Night of the Auk (1956), Caligula (1960) y Nowhere to Go But Up (1962). Lumet también es conocido por su trabajo en televisión. Recibió una nominación al premio Primetime Emmy por dirección sobresaliente en una serie dramática por NBC Sunday Showcase (1961). También dirigió para Goodyear Television Playhouse , Kraft Television Theatre y Playhouse 90 .
Lumet nació en Filadelfia y creció en el barrio Lower East Side de Manhattan . [4] Estudió actuación teatral en la Professional Children's School de Nueva York y en la Universidad de Columbia . [5] [6]
Los padres de Lumet, Baruch y Eugenia (née Wermus) Lumet, eran judíos y veteranos del teatro yiddish ; [7] habían inmigrado a los Estados Unidos desde Polonia . Su padre, actor, director, productor y escritor, nació en Varsovia . [8] La madre de Lumet, que era bailarina, murió cuando él era un niño. Tenía una hermana mayor. [9] Lumet hizo su debut profesional en la radio a los cuatro años y su debut en el escenario en el Yiddish Art Theatre a los cinco años. [10] Cuando era niño, también apareció en muchas producciones de Broadway , [7] incluyendo Dead End de 1935 y The Eternal Road de Kurt Weill .
En 1935, a los 11 años, Lumet apareció en un cortometraje de Henry Lynn, Papirossen (que significa "cigarrillos" en yiddish ), coproducido por la estrella de la radio Herman Yablokoff . La película se mostró en una obra de teatro con el mismo título, basada en la canción " Papirosn ". La obra y el cortometraje se presentaron en el Teatro McKinley Square del Bronx. [11] En 1939, a los 15 años, hizo su única aparición en un largometraje en ...One Third of a Nation... . [12] [13]
La Segunda Guerra Mundial interrumpió la temprana carrera actoral de Lumet y pasó cuatro años en el ejército de los EE. UU . [14] Después de regresar del servicio como reparador de radares destinado en India y Birmania (1942-1946), se involucró con el Actors Studio y luego formó su propio taller de teatro. Organizó un grupo Off-Broadway y se convirtió en su director, y continuó dirigiendo en teatro de verano mientras enseñaba interpretación en la High School of Performing Arts . [12] Fue el entrenador de teatro senior en el nuevo edificio de la calle 46 de "Performing Arts". Lumet, de 25 años, dirigió el departamento de teatro en una producción de The Young and Fair . [ cita requerida ]
Lumet comenzó su carrera como director con producciones Off-Broadway y se convirtió en un director de televisión muy eficiente. Comenzó a dirigir televisión en 1950 después de trabajar como asistente de su amigo y entonces director Yul Brynner . Pronto desarrolló un método de filmación "rápido como un rayo" debido a la alta rotación requerida por la televisión. Como resultado, mientras trabajaba para CBS , dirigió cientos de episodios de Danger (1950-1955), Mama (1949-1957) y You Are There (1953-1957), esta última una serie semanal que presentó a Walter Cronkite en una de sus primeras apariciones en televisión. Lumet eligió a Cronkite para el papel de presentador "porque la premisa del programa era tan tonta, tan escandalosa, que necesitábamos a alguien con la tranquilidad más americana, sencilla y cálida", dijo. [15]
También dirigió obras originales para Playhouse 90 , Kraft Television Theatre y Studio One , dirigiendo aproximadamente 200 episodios, lo que lo estableció como "uno de los directores más prolíficos y respetados en el negocio", según Turner Classic Movies . Su capacidad para trabajar rápidamente durante el rodaje se trasladó a su carrera cinematográfica. [16] Debido a que la calidad de muchos dramas televisivos era tan impresionante, varios de ellos fueron adaptados posteriormente como películas.
Su primera película, 12 Angry Men (1957), un drama judicial centrado en una tensa deliberación del jurado basada en una obra de teatro en vivo de la CBS , fue un comienzo auspicioso para Lumet. Fue un éxito de crítica y lo estableció como un director experto en adaptar propiedades de otros medios al cine. La mitad de la gama de películas de Lumet se originó en el teatro. [17]
Después de su primera película, Lumet dividió sus energías entre películas de drama político y social, así como adaptaciones de obras literarias y novelas, grandes historias de estilo, comedias negras ambientadas en Nueva York y dramas policiales realistas (incluidos Serpico y Prince of the City ). Como resultado de dirigir 12 Angry Men , también fue responsable de liderar la primera ola de directores que hicieron una transición exitosa de la televisión al cine. [18]
Un controvertido programa de televisión que dirigió en 1960 ganó cierta notoriedad: The Sacco-Vanzetti Story en NBC . Según The New York Times , el drama recibió críticas del estado de Massachusetts (donde Sacco y Vanzetti fueron juzgados y ejecutados) porque se creía que postulaba que los asesinos condenados eran, de hecho, completamente inocentes. Sin embargo, la controversia resultante le hizo más bien que mal a Lumet, y le permitió conseguir varios trabajos cinematográficos prestigiosos. [19]
Comenzó a adaptar obras clásicas para cine y televisión, dirigiendo a Marlon Brando , Joanne Woodward y Anna Magnani en el largometraje The Fugitive Kind (1959), basado en la obra de Tennessee Williams Orpheus Descending . Dirigió una versión televisiva en vivo de The Iceman Cometh de Eugene O'Neill , a la que siguió su película A View from the Bridge (1962), otro drama psicológico, basado en la obra escrita por Arthur Miller . A esto le siguió otra obra de Eugene O'Neill convertida al cine, Long Day's Journey into Night (1962), con Katharine Hepburn obteniendo una nominación al Óscar por su actuación como ama de casa adicta a las drogas; los cuatro actores principales arrasaron en los premios de actuación en el Festival de Cine de Cannes de 1962. [ 20]
El crítico de cine Owen Gleiberman observó que Lumet era un "director duro y directo" que, debido a que se formó durante la Edad de Oro de la Televisión en los años 50, se hizo famoso por su enérgico estilo de dirección. Las palabras "Sidney Lumet" y "energía", añadió, se convirtieron en sinónimos. "La energía estaba allí en los momentos más tranquilos. Era una energía interior, un zumbido de existencia que Lumet observaba en las personas y sacaba a la luz en ellas... [cuando] salía a las calles de Nueva York... las electrizaba". [21] También escribió:
Era una energía de clase trabajadora de barrio periférico. Las calles de Lumet eran tan mezquinas como las de Scorsese, pero las de Lumet parecían más simples que poéticas. Canalizó esa vitalidad sórdida de Nueva York con tal fuerza natural que era fácil pasar por alto lo que realmente implicaba el logro. Captó esa atmósfera neoyorquina como nadie más porque la vio, la vivió, la respiró, pero luego tuvo que salir y escenificarla, o recrearla, casi como si estuviera montando un documental, dejando que sus actores se enfrentaran como depredadores al azar, insistiendo en la luz más natural posible, haciendo que las oficinas parecieran tan feas y burocráticas como eran porque sabía, debajo de eso, que no eran solo oficinas sino guaridas, y que había una intensidad más profunda, casi una especie de belleza, en captar la crudeza de la realidad tal como realmente se veía. [21]
"Lumet generalmente insistió en la naturaleza colaborativa de la película, a veces ridiculizando el predominio del director 'personal'", escribió el historiador de cine Frank R. Cunningham. Como resultado, Lumet se hizo famoso entre los actores y directores de fotografía por su apertura a compartir ideas creativas con el escritor, los actores y otros artistas. [22] Lumet "no tiene igual en la dirección distinguida de actores superiores", agregó Cunningham, y muchos provenían del teatro. Fue capaz de obtener actuaciones poderosas de actores, como Ralph Richardson , Marlon Brando , Richard Burton , Katharine Hepburn , James Mason , Sophia Loren , Geraldine Fitzgerald , Blythe Danner , Rod Steiger , Vanessa Redgrave , Paul Newman , Sean Connery , Henry Fonda , Dustin Hoffman , Albert Finney , Simone Signoret y Anne Bancroft . "Dale un buen actor y es posible que encuentre al gran actor que lleva dentro", escribió el crítico de cine Mick LaSalle . [23]
Cuando era necesario, Lumet elegía actores sin formación, pero afirmaba que "más del noventa por ciento de las veces, quiero las mejores herramientas que pueda conseguir: actores, guionistas, iluminadores, camarógrafos, utileros". [22] No obstante, cuando utilizaba actores menos experimentados, aún podía lograr actuaciones superiores y memorables. Lo hizo con Nick Nolte , Anthony Perkins , Armand Assante , Jane Fonda , Faye Dunaway , Timothy Hutton y Ali MacGraw , quien se refirió a él como "el sueño de todo actor". [24] En opinión de Jane Fonda, "Era un maestro. Un gran control de su oficio. Tenía valores fuertes y progresistas y nunca los traicionó". [25]
Si bien el objetivo de todas las películas es entretener, el tipo de película en la que creo va un paso más allá: obliga al espectador a examinar una u otra faceta de su propia conciencia, estimula el pensamiento y hace fluir los jugos mentales.
—Sidney Lumet [26]
Lumet creía que las películas son un arte y que "la cantidad de atención que se les presta está directamente relacionada con la calidad de las imágenes". [27] Debido a que comenzó su carrera como actor, se hizo conocido como un "director de actores" y trabajó con los mejores de ellos a lo largo de los años, una lista probablemente inigualable por cualquier otro director. [28] El académico de interpretación Frank P. Tomasulo estuvo de acuerdo y señaló que muchos directores que son capaces de entender la actuación desde la perspectiva de un actor eran todos "grandes comunicadores". [29]
Según los historiadores de cine Gerald Mast y Bruce Kawin, la "sensibilidad de Lumet hacia los actores y hacia los ritmos de la ciudad lo han convertido en el descendiente más longevo de la tradición neorrealista de los años 50 y su compromiso urgente con la responsabilidad ética" en Estados Unidos. [30] Citaron su película The Hill (1965) como "una de las películas más radicales política y moralmente de los años 60". Agregaron que debajo de los conflictos sociales de las películas de Lumet se encuentra la "convicción de que el amor y la razón eventualmente prevalecerán en los asuntos humanos", y que "la ley y la justicia eventualmente se cumplirán, o no". [30] Su película debut Doce hombres sin piedad fue una película aclamada en su época, representando un modelo de razón liberal y compañerismo durante los años 50. [31] La película y Lumet fueron nominados a los Premios de la Academia, y él fue nominado al Premio del Sindicato de Directores . [12]
La Enciclopedia de Biografías del Mundo afirma que sus películas a menudo presentaban actores que estudiaban el " método de interpretación ", conocidos por retratar un estilo terrenal e introspectivo. Un ejemplo destacado de estos actores "de método" sería Al Pacino , quien, al principio de su carrera, estudió con el gurú de la interpretación de método Lee Strasberg . Lumet también prefería la apariencia de espontaneidad tanto en sus actores como en los escenarios, lo que le dio a sus películas un aspecto improvisado al filmar gran parte de su trabajo en locaciones. [32]
Lumet era un firme creyente en el ensayo y sentía que si un actor ensayaba correctamente, el actor no perdería la espontaneidad. Según el crítico Ian Bernard, Lumet sentía que le da a los actores "el arco completo del papel", lo que les da la libertad de encontrar ese "accidente mágico". [33] El director Peter Bogdanovich le preguntó si ensayaba extensamente antes de filmar, y Lumet dijo que le gustaba ensayar un mínimo de dos semanas antes de filmar. [28] Durante esas semanas, recuerda Faye Dunaway , quien protagonizó Network (1976), también bloqueó las escenas con su camarógrafo. Como resultado, agregó que "no se pierde ni un minuto mientras está filmando, y eso se nota no solo en el presupuesto del estudio, sino que se nota en el ímpetu de la actuación". [34] Ella elogió su estilo de dirección en Network , en la que ganó su único premio de la Academia:
Sidney, déjame decirlo, es uno de los hombres más talentosos y profesionales del mundo, si no el más... y actuar en Network fue una de las experiencias más felices que he tenido... Es un hombre realmente talentoso que contribuyó mucho a mi actuación. [34]
En parte, gracias a que sus actores ensayaban bien, podía ejecutar una producción en poco tiempo, lo que le permitía mantener sus producciones dentro de sus modestos presupuestos. Cuando filmó El príncipe de la ciudad (1981), por ejemplo, aunque había más de 130 papeles con diálogos y 135 localizaciones diferentes, pudo coordinar todo el rodaje en 52 días. Como resultado, escribieron los historiadores Charles Harpole y Thomas Schatz, los actores estaban ansiosos por trabajar con él, ya que lo consideraban un "director de actores excepcional". La estrella de la película, Treat Williams, dijo que Lumet era conocido por ser "enérgico":
Era una auténtica bola de fuego. Tenía pasión por lo que hacía y "llegaba al trabajo" con todas sus fuerzas. Probablemente sea el director más preparado emocionalmente con el que he trabajado. Sus películas siempre se entregaban dentro de los plazos previstos y del presupuesto. Y todo el mundo volvía a casa para cenar. [35]
Harpole añadió que "mientras que a muchos directores no les gustaban los ensayos ni aconsejar a los actores sobre cómo construir sus personajes, Lumet sobresalía en ambas cosas". [27] De este modo, podía ofrecer a sus intérpretes una muestra cinematográfica de sus habilidades y ayudarlos a profundizar su contribución actoral. El actor Christopher Reeve , que coprotagonizó Deathtrap (1982), también señaló que Lumet sabía hablar en lenguaje técnico: "Si quieres trabajar de esa manera, él sabe hablar con método, sabe improvisar y lo hace todo igual de bien". [28]
A medida que avanza una película, se vuelve cada vez más agotadora y realmente necesitas un director que te ayude a recordar dónde está tu personaje en todo momento. Sidney Lumet era así. Todos los directores maravillosos hacen eso.
— Al Pacino [36]
Joanna Rapf, escribiendo sobre el rodaje de The Verdict (1982), afirma que Lumet prestó mucha atención personal a sus actores, ya sea escuchándolos o tocándolos. Describe cómo Lumet y la estrella Paul Newman se sentaron en un banco apartado del set principal, donde Newman se había quitado los zapatos, para discutir en privado una escena importante que estaba a punto de ser filmada. Los actores de Lumet recorrieron sus escenas antes de que la cámara comenzara a rodar. Esta preparación se hizo porque a Lumet le gustaba filmar una escena en una toma o dos como máximo. A Newman le gustaba llamarlo "Speedy Gonzales", y agregó que Lumet no filmaba más de lo que tenía que filmar. "No se protege a sí mismo. Sé que yo lo haría", dijo Newman. [28]
La crítica cinematográfica Betsey Sharkey estuvo de acuerdo y añadió que "era un maestro de una o dos tomas años antes de que Clint Eastwood lo convirtiera en una especialidad respetada". Sharkey recuerda: "[Faye] Dunaway me dijo una vez que Lumet trabajaba tan rápido que era como si estuviera en patines. Un pulso acelerado generado por un gran corazón". [37]
La biógrafa Joanna Rapf observa que Lumet siempre había sido un director independiente y le gustaba hacer películas sobre "hombres que se arman de valor para desafiar al sistema, sobre el hombre común contra el sistema". [28] : Introducción Esto incluye a los personajes femeninos, como en Garbo Talks (1984). Su estrella Anne Bancroft encarnaba el tipo de interpretación de personaje que le atraía: "una activista comprometida con todo tipo de causas, que defiende los derechos de los oprimidos, que es vivaz, franca, valiente, que se niega a conformarse por conveniencia y cuya comprensión de la vida le permite morir con dignidad ... Garbo Talks es en muchos sentidos un homenaje a Nueva York". [28]
En una entrevista en 2006, Lumet dijo que siempre había estado "fascinado por el costo humano que implica seguir pasiones y compromisos, y el costo que esas pasiones y compromisos infligen a los demás". [28] Este tema está en el centro de la mayoría de sus películas, señala Rapf, como sus películas de la vida real sobre la corrupción en el Departamento de Policía de la Ciudad de Nueva York o en dramas familiares como Daniel (1983).
El historiador de cine Stephen Bowles cree que Lumet se sentía más cómodo y eficaz como director de psicodramas serios , en oposición a entretenimientos ligeros. Sus nominaciones al Oscar, por ejemplo, fueron todas por estudios de personajes de hombres en crisis, desde su primera película, Twelve Angry Men , hasta The Verdict . Lumet se destacó por poner drama en la pantalla. [17] La mayoría de sus personajes están impulsados por obsesiones o pasiones, como la búsqueda de la justicia, la honestidad y la verdad, o los celos, la memoria o la culpa. [17] Lumet estaba intrigado por las condiciones obsesivas, escribe Bowles. [17]
Los protagonistas de Lumet tendían a ser antihéroes , hombres aislados y nada excepcionales que se rebelaban contra un grupo o institución. El criterio más importante para Lumet no era simplemente si las acciones de las personas eran correctas o incorrectas, sino si eran genuinas y justificadas por la conciencia del individuo. El denunciante Frank Serpico , por ejemplo, es el héroe por excelencia de Lumet, a quien describió como un "rebelde con una causa". [38]
Un ejemplo anterior de psicodrama fue The Pawnbroker (1964), protagonizada por Rod Steiger . En ella, Steiger interpreta a un sobreviviente del Holocausto cuyo espíritu ha sido destrozado y que vive día a día como gerente de una casa de empeños en Harlem . Lumet utilizó la película para examinar, con flashbacks, las cicatrices psicológicas y espirituales con las que vive el personaje de Steiger, incluida su capacidad perdida para sentir placer. [39] Steiger, que hizo casi 80 películas, dijo durante una entrevista televisiva que la película era su favorita como actor. [40]
Fue el realismo social que impregnó su obra más importante lo que realmente definió a Lumet: los temas del idealismo juvenil derrotado por la corrupción y la desesperanza de las instituciones sociales ineptas le permitieron producir varias películas incisivas y potentes que ningún otro director podría haber hecho.
— Películas clásicas de Turner [16]
Serpico (1973) fue la primera de cuatro películas "fundamentales" que Lumet realizó durante la década de 1970 y que lo marcaron como "uno de los más grandes cineastas de su generación". [16] Era la historia de poder y traición en la fuerza policial de la ciudad de Nueva York, con un policía idealista luchando contra probabilidades imposibles. [16]
Lumet era un niño durante la Depresión y creció pobre en la ciudad de Nueva York, siendo testigo de la pobreza y la corrupción. [28] Esto le inculcó desde muy temprana edad la creencia en la importancia de la justicia para una democracia , un tema que trató de poner en sus películas. Sin embargo, admitió que no creía que el negocio del cine en sí tuviera el poder de cambiar nada. Rapf escribe: "Hay, como él dice, mucha 'mierda' con la que lidiar en la industria del entretenimiento, pero el secreto del buen trabajo es mantener tu honestidad y tu pasión". [28] El historiador de cine David Thomson escribe sobre sus películas:
Sus temas son constantes: la fragilidad de la justicia, la policía y su corrupción. Lumet se hizo rápidamente apreciado... [y] se acostumbró a los grandes temas –Fail Safe , The Pawnbroker , The Hill– y parecía desgarrado entre el aburrimiento y el patetismo... Era esa rareza de los años 70, un director feliz de servir a su material, pero aparentemente no afectado ni cambiado por él... Su sensibilidad hacia los actores y hacia los ritmos de la ciudad lo han convertido en el descendiente más longevo de la tradición neorrealista de los años 50 y su urgente compromiso con la responsabilidad ética en Estados Unidos. [31]
Lumet prefería trabajar en la ciudad de Nueva York y evitaba el dominio de Hollywood . [28] Como director, se identificó fuertemente con la ciudad de Nueva York. "Siempre me gusta estar en el mundo de Woody Allen", dijo. Afirmó que "la diversidad de la ciudad, sus numerosos barrios étnicos, su arte y su crimen, su sofisticación y su corrupción, su belleza y su fealdad, todo alimenta lo que lo inspira". [28] Sentía que para crear, es importante enfrentarse a la realidad a diario. Para Lumet, "Nueva York está llena de realidad; Hollywood es una tierra de fantasía". [28]
Según los historiadores de cine Scott y Barbara Siegel , a menudo utilizaba la ciudad de Nueva York como telón de fondo (si no como símbolo) de su "preocupación por la decadencia de Estados Unidos". [41] Lumet se sentía atraído por las historias relacionadas con el crimen en entornos urbanos de la ciudad de Nueva York, donde los criminales quedan atrapados en un vórtice de eventos que no pueden comprender ni controlar, pero que se ven obligados a resolver. [17]
Al igual que otros directores judíos de Nueva York, como Woody Allen , Mel Brooks y Paul Mazursky , los personajes de Lumet a menudo hablan abiertamente sobre temas controvertidos de la época. Se sentían libres como cineastas y su arte se "filtraba a través de su conciencia judía", escribió el historiador de cine David Desser . Lumet, como los demás, a veces recurría a temas judíos para desarrollar sensibilidades étnicas que eran características de la cultura estadounidense, [42] : 3 al resaltar dinámicamente sus "tensiones únicas y diversidad cultural". Esto se reflejó en parte en la preocupación de Lumet por la vida de la ciudad. [42] : 6 A Stranger Among Us (1992), por ejemplo, es la historia de una mujer policía encubierta y sus experiencias en una comunidad jasídica en la ciudad de Nueva York.
El tema de la “culpa”, explica Desser, domina muchas de las películas de Lumet. Desde su primer largometraje, 12 hombres sin piedad (1957), en el que un jurado debe decidir la culpabilidad o inocencia de un joven, hasta Q&A (1990), en la que un abogado debe determinar la cuestión de la culpabilidad y la responsabilidad de un policía inconformista, la culpa es un hilo conductor que recorre muchas de sus películas. En Asesinato en el Orient Express (1974), todos los sospechosos son culpables. [42] : 172
Sus películas también se caracterizan por un fuerte énfasis en la vida familiar, mostrando a menudo tensiones dentro de la familia. [42] : 172 Este énfasis en la familia incluía "familias sustitutas", como en la trilogía policial compuesta por Serpico (1973), El príncipe de la ciudad (1981) y Q&A . Una "familia no tradicional" también se retrata en Tarde de perros (1975). [42] : 172
Sidney fue un cineasta visionario cuyas películas dejaron una marca indeleble en nuestra cultura popular con su conmovedor comentario sobre nuestra sociedad. Las futuras generaciones de cineastas buscarán en la obra de Sidney orientación e inspiración, pero nunca habrá otro que se le acerque.
—compositor Quincy Jones [43]
Según Joanna Rapf, Lumet prefería el naturalismo o el realismo. No le gustaba el "aspecto de decorador", con el que la cámara podía llamar la atención. Editaba sus películas de forma que la cámara no llamara la atención. Su director de fotografía, Ron Fortunato, dijo: "Sidney se enfada si ve un aspecto demasiado artístico". [ cita requerida ] A Lumet no le gustaba el CinemaScope y nunca filmó en una relación de aspecto mayor a 1,85:1. [ cita requerida ]
En parte, porque estaba dispuesto y era capaz de abordar tantos problemas y cuestiones sociales importantes, logró buenas interpretaciones de los actores principales y un excelente trabajo de los actores secundarios. Es "una de las figuras incondicionales del cine neoyorquino. Se atiene a los buenos guiones, cuando los consigue", dijo el crítico David Thomson. [31] Aunque los críticos dieron opiniones diversas sobre sus películas, el trabajo de Lumet es generalmente muy estimado. [12] La mayoría de los críticos lo han descrito como un director sensible e inteligente, con buen gusto, el coraje de experimentar con su estilo y con un "don para manejar actores". [12]
En una cita de su libro, Lumet enfatizó la logística de la dirección:
Alguien me preguntó una vez cómo era hacer una película. Le dije que era como hacer un mosaico. Cada montaje es como una pequeña pieza (un montaje, el componente básico de la producción de una película, consiste en una posición de cámara y su iluminación asociada). Lo coloreas, le das forma, lo pules lo mejor que puedes. Haces seiscientas o setecientas de estas, tal vez mil (puede haber fácilmente esa cantidad de montajes en una película). Luego, literalmente, las pegas y esperas que sea lo que te propusiste hacer. [44]
El crítico Justin Chang añade que la habilidad de Lumet como director y en el desarrollo de historias fuertes continuó hasta su última película en 2007, escribiendo sobre su "toque ágil con los actores, su habilidad para extraer gran calidez y humor picante con una mano y persuadirlos hacia extremos de emoción cada vez más oscuros y angustiosos con la otra, se exhibió de manera gratificante en su película final irónicamente titulada, Before the Devil Knows You're Dead ". [45] [46]
En una entrevista con la revista New York , Lumet dijo que espera ver más directores de diferentes orígenes étnicos y comunidades contando sus historias. "Sabes, comencé a hacer películas sobre judíos, italianos e irlandeses porque no sabía nada más". [47]
Lumet se casó cuatro veces; los tres primeros matrimonios terminaron en divorcio. Estuvo casado con la actriz Rita Gam de 1949 a 1955; [16] con la artista y heredera Gloria Vanderbilt de 1956 a 1963; con Gail Jones (hija de Lena Horne ) de 1963 a 1978; y con Mary Bailey Gimbel (ex esposa de Peter Gimbel ) desde 1980 hasta su muerte. Tuvo dos hijas con Jones: Amy, que estuvo casada con PJ O'Rourke de 1990 a 1993, y la actriz y guionista Jenny , que tuvo un papel protagonista en su película Q&A . También escribió el guión de la película Rachel Getting Married (2008), [12] [48] además de co-crear dos series de televisión con Alex Kurtzman : la secuela de El silencio de los corderos, Clarice , y Star Trek: Strange New Worlds .
Lumet murió de linfoma a los 86 años el 9 de abril de 2011, en su residencia de Manhattan. [5] [26] Cuando se le preguntó en una entrevista de 1997 sobre cómo quería "salir", Lumet respondió: "No pienso en ello. No soy religioso. Sé que no quiero ocupar ningún espacio. Quémenme y esparzan mis cenizas sobre Katz's Delicatessen ". [49] Unos meses después de la muerte de Lumet, se realizó una celebración retrospectiva de su trabajo en el Lincoln Center de Nueva York con numerosos oradores y estrellas de cine. [50] En 2015, Nancy Buirski dirigió By Sidney Lumet , un documental sobre su carrera [51] [52] que se emitió en enero de 2017 como parte de la serie American Masters de PBS . [35] [53] [54]
Según el historiador de cine Stephen Bowles, Lumet logró convertirse en un destacado cineasta dramático en parte porque "su criterio más importante [al dirigir] no es si las acciones de sus protagonistas son correctas o incorrectas, sino si sus acciones son genuinas". Y cuando esas acciones están "justificadas por la conciencia del individuo, esto le da a sus héroes una fuerza y un coraje poco comunes para soportar las presiones, los abusos y las injusticias de los demás". De este modo, sus películas nos han brindado continuamente al "héroe por excelencia que actúa desafiando la autoridad del grupo de pares y afirmando su propio código de valores morales". [17]
Según The Encyclopedia of Hollywood , Lumet fue uno de los cineastas más prolíficos de la era moderna, dirigiendo, en promedio, más de una película al año desde su debut como director en 1957. [41] Turner Classic Movies destaca su "fuerte dirección de actores", "narrativa vigorosa" y el "realismo social" en su mejor trabajo. [16] El crítico de cine del Chicago Sun-Times Roger Ebert lo describió como "uno de los mejores artesanos y humanitarios más cálidos entre todos los directores de cine". [55] Lumet también era conocido como un "director de actores", habiendo trabajado con los mejores de ellos durante su carrera, probablemente más que "cualquier otro director". [28] Sean Connery , quien actuó en cinco de sus películas, lo consideró uno de sus directores favoritos, y uno que tenía esa "cosa de visión". [56]
Las memorias publicadas de Lumet sobre su vida en el cine, Making Movies (1996), son "extremadamente alegres y contagiosas en su entusiasmo por el arte de hacer películas en sí", escribe Bowles, "y están en marcado contraste con el tono y el estilo de la mayoría de sus películas. Tal vez la firma de Lumet como director sea su trabajo con actores y su capacidad excepcional para lograr actuaciones de alta calidad, a veces extraordinarias, incluso de los sectores más inesperados". [17] Jake Coyle, un escritor de Associated Press , estuvo de acuerdo: "Si bien Lumet ha sido relativamente subestimado durante años, los actores han realizado consistentemente algunas de sus actuaciones más memorables bajo su dirección. Desde Katharine Hepburn hasta Faye Dunaway , Henry Fonda hasta Paul Newman , Lumet es conocido como un director de actores", [57] y para algunos, como Ali MacGraw , fue considerado "el sueño de todo actor". [24]
Lumet es uno de los directores de cine más importantes de la historia del cine estadounidense, y su obra ha dejado una huella indeleble tanto en el público como en la propia historia del cine.
— Frank Pierson,
expresidente de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas [58]
Con la creencia de que las "convincentes historias e inolvidables interpretaciones de Lumet eran su punto fuerte", el director y productor Steven Spielberg describió a Lumet como "uno de los más grandes directores en la larga historia del cine". [59] Al Pacino , al enterarse de la muerte de Lumet, declaró que con sus películas, "Deja un gran legado, pero más que eso, para las personas cercanas a él, seguirá siendo el ser humano más civilizado y el hombre más amable que he conocido". [59] El escritor del Boston Herald, James Verniere, observó que "en un momento en el que la industria cinematográfica estadounidense está decidida a ver qué tan bajo puede llegar, Sidney Lumet sigue siendo un maestro del drama estadounidense moralmente complejo". [60] Después de su muerte, sus colegas directores neoyorquinos Woody Allen y Martin Scorsese rindieron homenaje a Lumet. Allen lo llamó el "cineasta neoyorquino por excelencia", mientras que Scorsese dijo que "nuestra visión de la ciudad ha sido mejorada y profundizada por clásicos como Serpico , Dog Day Afternoon y, sobre todo, el notable Prince of the City ". [43] Lumet también recibió elogios del alcalde de Nueva York, Michael Bloomberg , quien lo llamó "uno de los grandes cronistas de nuestra ciudad". [43]
No ganó ningún premio Óscar individual, aunque sí recibió un premio honorífico de la Academia en 2005, y 14 de sus películas fueron nominadas a varios premios Óscar, como Network , que fue nominada a 10, ganando 4. En 2005, Lumet recibió un premio Óscar a la trayectoria por sus "brillantes servicios a los guionistas, los artistas y el arte del cine". [61]
Unos meses después de la muerte de Lumet en abril de 2011, el comentarista de televisión Lawrence O'Donnell emitió un homenaje a Lumet, [62] y se celebró una celebración retrospectiva de su trabajo en el Lincoln Center de Nueva York, con la aparición de numerosos oradores y estrellas de cine. [50] En octubre de 2011, la organización Human Rights First inauguró su "Premio Sidney Lumet a la integridad en el entretenimiento" por el programa de televisión The Good Wife , junto con la entrega de premios a dos activistas de Oriente Medio que habían trabajado por la libertad y la democracia. Lumet había trabajado con Human Rights First en un proyecto de medios relacionado con la representación de la tortura y el interrogatorio en la televisión. [63]
Lumet ha sido reconocido por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas por las siguientes películas:
Lumet también recibió el Oso de Oro del Festival Internacional de Cine de Berlín por 12 hombres sin piedad . Recibió cuatro nominaciones a la Palma de Oro del Festival de Cine de Cannes por las películas Long Day's Journey into Night (1962), The Hill (1965), The Appointment (1969) y A Strange Among Us (1992). También recibió una nominación al León de Oro del Festival de Cine de Venecia por Prince of the City (1981).
clase de Lewis incluía a Herbert Berghof, Marlon Brando, Montgomery Clift, Mildred Dunnock, Tom Ewell, John Forsythe, Anne Jackson, Sidney Lumet, Kevin McCarthy, Karl Malden, EG Marshall, Patricia Neal, William Redfield, Jerome Robbins, Maureen Stapleton, Beatrice Straight, Eli Wallach y David Wayne.
