El minimalismo describe movimientos en diversas formas de arte y diseño, especialmente arte visual y música , donde el trabajo se propone exponer la esencia, lo esencial o la identidad de un tema mediante la eliminación de todas las formas, características o conceptos no esenciales. Como movimiento específico en las artes, se identifica con los desarrollos del arte occidental posterior a la Segunda Guerra Mundial, más fuertemente con las artes visuales estadounidenses de los años sesenta y principios de los setenta. El minimalismo a menudo se interpreta como una reacción al expresionismo abstracto y un puente hacia las prácticas artísticas posminimalistas . Entre los artistas destacados asociados con este movimiento se incluyen Ad Reinhardt , Nassos Daphnis , Tony Smith , Donald Judd , John McCracken , Agnes Martin , Dan Flavin , Robert Morris , Larry Bell , Anne Truitt , Yves Klein y Frank Stella . Los propios artistas han reaccionado en ocasiones contra la etiqueta debido a la implicación negativa de que el trabajo sea simplista. [1]
El minimalismo en el arte visual, generalmente denominado "arte minimalista", el arte literalista , [2] y el ABC Art [3] surgieron en Nueva York a principios de los años 1960. [4] Inicialmente, el arte minimalista apareció en Nueva York en los años 60 a medida que artistas nuevos y antiguos avanzaban hacia la abstracción geométrica ; explorar a través de la pintura en los casos de Frank Stella, Kenneth Noland , Al Held , Ellsworth Kelly , Robert Ryman y otros; y escultura en las obras de varios artistas, incluidos David Smith , Anthony Caro , Tony Smith, Sol LeWitt , Carl Andre , Dan Flavin, Donald Judd y otros. La escultura de Judd se exhibió en 1964 en la Green Gallery de Manhattan, al igual que las primeras obras con luces fluorescentes de Flavin, mientras que otras galerías importantes de Manhattan, como la Leo Castelli Gallery y la Pace Gallery, también comenzaron a exhibir artistas centrados en la abstracción geométrica. Además, hubo dos exposiciones influyentes y fundamentales en el museo: Estructuras primarias : escultura estadounidense y británica más joven mostrada del 27 de abril al 12 de junio de 1966 en el Museo Judío de Nueva York , organizada por el curador de pintura y escultura del museo, Kynaston McShine [5 ] [6] y Pintura sistémica , en el Museo Solomon R. Guggenheim, comisariada por Lawrence Alloway también en 1966, que mostró la abstracción geométrica en el mundo del arte estadounidense a través de lienzos con formas , campos de color y pintura de bordes duros . [7] [8] [9] A raíz de esas exposiciones y algunas otras, surgió el movimiento artístico llamado arte minimalista .
Las raíces europeas del minimalismo se encuentran en las abstracciones geométricas de los pintores asociados con la Bauhaus , en las obras de Kazimir Malevich , Piet Mondrian y otros artistas asociados con el movimiento De Stijl , y el movimiento constructivista ruso , y en la obra del rumano escultor Constantin Brâncuși . [10] [11] El arte minimalista también se inspira en parte en las pinturas de Barnett Newman , Ad Reinhardt , Josef Albers y las obras de artistas tan diversos como Pablo Picasso , Marcel Duchamp , Giorgio Morandi y otros. El minimalismo fue también una reacción contra la subjetividad pictórica del expresionismo abstracto que había sido dominante en la Escuela de Nueva York durante las décadas de 1940 y 1950. [12]
En contraste con los expresionistas abstractos más subjetivos de la década anterior, algunos minimalistas declararon explícitamente que su arte no se trataba de autoexpresión, sino que el suyo era "objetivo". En general, las características del minimalismo incluían formas geométricas , a menudo cúbicas , despojadas de muchas metáforas , igualdad de partes, repetición, superficies neutras y materiales industriales.
Uno de los primeros artistas específicamente asociado con el minimalismo fue el pintor Frank Stella, cuyas primeras pinturas a rayas (cuyo primer grupo también se conoce como Pinturas Negras ) se incluyeron en la exposición de 1959, 16 americanos , organizada por Dorothy Miller. en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. El ancho de las rayas en las pinturas a rayas de Stellas estaba determinado por las dimensiones de la madera utilizada para los bastidores, visible como la profundidad de la pintura cuando se ve desde un lado, utilizada para construir el chasis de soporte sobre el que se estiraba el lienzo. Por lo tanto, las decisiones sobre las estructuras en la superficie frontal del lienzo no fueron enteramente subjetivas, sino que estaban precondicionadas por una característica "dada" de la construcción física del soporte. En el catálogo de la exposición, Carl Andre señaló: "El arte excluye lo innecesario. Frank Stella ha considerado necesario pintar rayas. No hay nada más en su pintura". Estas obras reduccionistas contrastaban marcadamente con las pinturas llenas de energía y aparentemente altamente subjetivas y cargadas de emoción de Willem de Kooning o Franz Kline y, en términos de precedentes entre la generación anterior de expresionistas abstractos, se inclinaban más hacia lo menos gestual, a menudo sombrío. , pinturas de campo en color de Barnett Newman y Mark Rothko . Aunque Stella recibió atención inmediata de la exposición del MoMA, artistas como Kenneth Noland y Gene Davis también habían comenzado a explorar formatos rayados, monocromáticos y de borde duro desde finales de los años 50 hasta los años 60. [13]
La pintura monocromática se inició en la primera exposición de Artes incoherentes en 1882 en París, con una pintura negra del poeta Paul Bilhaud titulada Combat de Nègres dans un Tunnel ( Los negros luchan en un túnel ). En las exposiciones posteriores de las Artes incoherentes (también en la década de 1880) el escritor Alphonse Allais propuso otras siete pinturas monocromáticas, como Première communion de jeunes filles chlorotiques par un temps de neige ( Primera comunión de jóvenes anémicas en la nieve , blanca) , o Récolte de la tomate par des cardinaux apoplectiques au bord de la Mer Rouge ( Cosecha de tomate por cardenales apopléjicos a orillas del Mar Rojo , rojo). Sin embargo, este tipo de actividad tiene más similitud con el dadaísmo o neodadá del siglo XX , y particularmente con las obras del grupo Fluxus de la década de 1960, que con la pintura monocromática del siglo XX desde Malevich.
Yves Klein había pintado monocromos ya en 1949 y realizó la primera exposición privada de esta obra en 1950; su primera exposición pública fue la publicación del libro de artista Yves: Peintures en noviembre de 1954. [14] [15]
Ad Reinhardt , cuyas pinturas reductivas , casi totalmente negras, parecían anticipar el minimalismo, escribió sobre el valor de un enfoque reduccionista del arte: "Cuanto más cosas hay en ella, más ocupada es la obra de arte, peor es. Más es menos. Menos Es más: el ojo es una amenaza para la vista clara. El desnudamiento de uno mismo es obsceno. El arte comienza con la liberación de la naturaleza. [dieciséis]
La observación de Reinhardt contradice directamente la consideración de Hans Hofmann por la naturaleza como fuente de sus propias pinturas expresionistas abstractas. Lee Krasner registró un famoso intercambio en 1942 entre Hofmann y Jackson Pollock en una entrevista con Dorothy Strickler (el 2 de noviembre de 1964) para los Archivos de Arte Americano de la Institución Smithsonian . [17] En palabras de Krasner:
Cuando llevé a Hofmann a conocer a Pollock y ver su trabajo anterior a que nos mudáramos aquí, la reacción de Hofmann fue: una de las preguntas que le hizo a Jackson fue: "¿Trabajas a partir de la naturaleza?" No había naturalezas muertas ni modelos y la respuesta de Jackson fue: "Soy la naturaleza". Y la respuesta de Hofmann fue: "Ah, pero si trabajas de memoria, te repetirás". A lo que Jackson no respondió en absoluto.
La tendencia del arte minimalista a excluir lo pictórico, lo ilusionista y lo ficticio en favor de lo literal condujo a un movimiento que se alejó de las preocupaciones pictóricas y se acercó a las escultóricas. Donald Judd había comenzado como pintor y terminado como creador de objetos. Su ensayo fundamental, "Objetos específicos" (publicado en Arts Yearbook 8 , 1965), fue una piedra de toque de la teoría para la formación de la estética minimalista. En este ensayo, Judd encontró un punto de partida para un nuevo territorio para el arte estadounidense y un rechazo simultáneo de los valores artísticos europeos heredados residuales. Señaló evidencia de este desarrollo en las obras de una variedad de artistas activos en Nueva York en ese momento, incluidos Jasper Johns , Dan Flavin y Lee Bontecou . De importancia "preliminar" para Judd fue el trabajo de George Earl Ortman , [18] quien había concretado y destilado las formas de la pintura en geometrías contundentes, duras y cargadas de filosofía. Estos objetos específicos habitaban un espacio que no podía clasificarse cómodamente como pintura o escultura. El hecho de que la identidad categórica de tales objetos estuviera en cuestión y que evitaran una fácil asociación con convenciones gastadas y demasiado familiares era parte de su valor para Judd. [ cita necesaria ]
Este movimiento fue duramente criticado por críticos e historiadores de arte formalistas modernistas. Algunos críticos pensaron que el arte minimalista representaba una mala comprensión de la dialéctica moderna de la pintura y la escultura tal como la define el crítico Clement Greenberg , posiblemente el crítico de pintura estadounidense dominante en el período previo a la década de 1960.
La crítica más notable al minimalismo fue realizada por Michael Fried , un crítico formalista, que objetó la obra por su "teatralidad". En "Art and Objecthood", publicado en Artforum en junio de 1967, declaró que la obra de arte mínima, particularmente la escultura mínima, se basaba en un compromiso con la fisicalidad del espectador. Sostuvo que obras como la de Robert Morris transformaban el acto de mirar en un tipo de espectáculo , en el que se develaba el artificio de la observación del acto y la participación del espectador en la obra. Fried vio este desplazamiento de la experiencia del espectador desde un compromiso estético interno a un evento externo a la obra de arte como un fracaso del arte minimalista.
El ensayo de Fried fue inmediatamente cuestionado por el artista posminimalista y terrestre Robert Smithson en una carta al editor en la edición de octubre de Artforum . Smithson afirmó: "lo que Fried más teme es la conciencia de lo que está haciendo, es decir, ser él mismo teatral".
Otra crítica al arte minimalista se refiere al hecho de que muchos artistas fueron sólo diseñadores de los proyectos, mientras que las obras de arte reales fueron ejecutadas por artesanos desconocidos. [19]
