Hans Hofmann (21 de marzo de 1880 - 17 de febrero de 1966) fue un pintor estadounidense de origen alemán, reconocido como artista y profesor. Su carrera abarcó dos generaciones y dos continentes, y se considera que precedió e influyó en el expresionismo abstracto . [1] Nacido y educado cerca de Munich, participó activamente en la vanguardia europea de principios del siglo XX y aportó una profunda comprensión y síntesis del simbolismo , el neoimpresionismo , el fauvismo y el cubismo cuando emigró a los Estados Unidos en 1932. [2] La pintura de Hofmann se caracteriza por su rigurosa preocupación por la estructura y unidad pictórica, el ilusionismo espacial y el uso de colores atrevidos como medios expresivos. [3] [4] El influyente crítico Clement Greenberg consideró la primera exposición individual de Hofmann en Nueva York en Art of This Century de Peggy Guggenheim en 1944 (junto con la de Jackson Pollock a finales de 1943) como un avance en la abstracción pictórica versus la abstracción geométrica que presagió expresionismo abstracto. [5] En la década siguiente, el reconocimiento de Hofmann creció a través de numerosas exposiciones, especialmente en la Galería Kootz , que culminaron en importantes retrospectivas en el Museo Whitney de Arte Americano (1957) y el Museo de Arte Moderno (1963), que viajaron a lugares de todo el mundo. Estados Unidos, Sudamérica y Europa. [6] Sus obras se encuentran en las colecciones permanentes de los principales museos de todo el mundo, incluido el Museo Metropolitano de Arte , la Tate Modern , el Germanisches Nationalmuseum , la Galería Nacional de Arte y el Instituto de Arte de Chicago . [6]
Hofmann también es considerado uno de los profesores de arte más influyentes del siglo XX. Estableció una escuela de arte en Munich en 1915 que se basó en las ideas y el trabajo de Cézanne , los cubistas y Kandinsky ; Algunos historiadores del arte sugieren que fue la primera escuela de arte moderna del mundo. [2] Después de mudarse a los Estados Unidos, reabrió la escuela tanto en la ciudad de Nueva York como en Provincetown, Massachusetts, hasta que se retiró de la enseñanza en 1958 para pintar a tiempo completo. [6] Su presencia en la enseñanza de Nueva York tuvo una influencia significativa en los artistas de vanguardia estadounidenses de la posguerra, incluidos Joseph Glasco , [7] Helen Frankenthaler , Nell Blaine , Lee Krasner , Joan Mitchell , Louise Nevelson y Larry Rivers , entre otros. muchos, así como en las teorías de Greenberg, en su énfasis en el medio, el plano pictórico y la unidad de la obra. [4] Algunos de los otros principios clave de Hofmann incluyen sus teorías espaciales de empujar/tirar, su insistencia en que el arte abstracto tiene su origen en la naturaleza y su creencia en el valor espiritual del arte. [2] [8] Hofmann murió de un ataque cardíaco en la ciudad de Nueva York el 17 de febrero de 1966.
Hans Hofmann nació en Weißenburg , Baviera , el 21 de marzo de 1880, hijo de Theodor Friedrich Hofmann (1855-1903) y Franziska Manger Hofmann (1849-1921). En 1886, su familia se mudó a Munich, donde su padre aceptó un trabajo en el gobierno. Desde muy joven, Hofmann se inclinó por las ciencias y las matemáticas. A los dieciséis años, siguió a su padre en el servicio público, trabajando para el gobierno bávaro como asistente del director de Obras Públicas. Allí aumentó sus conocimientos de matemáticas y finalmente desarrolló y patentó dispositivos que incluían un comptómetro electromagnético, un dispositivo de radar para barcos en el mar, una bombilla sensibilizada y una unidad congeladora portátil para uso militar. Durante este tiempo, Hofmann también se interesó por los estudios creativos, comenzando lecciones de arte entre 1898 y 1899 con el artista alemán Moritz Heymann. [6]
Entre 1900 y 1904, Hofmann conoció a su futura esposa, Maria “Miz” Wolfegg (1885-1963) en Munich, y también conoció a Philipp Freudenberg, propietario de los grandes almacenes de lujo de Berlín, Kaufhaus Gerson, y un ávido coleccionista de arte. Freudenberg se convirtió en el patrocinador de Hofmann durante la siguiente década, lo que le permitió mudarse y vivir en París con Miz. [6] En París, Hofmann estudió en la Académie de la Grande Chaumière y en la Académie Colarossi . [9] [10] También se sumergió en la escena artística de vanguardia de París, trabajando con Matisse y trabando amistad con Picasso , Georges Braque y Robert y Sonia Delaunay . [2] Hofmann trabajó y expuso en París hasta el inicio de la Primera Guerra Mundial, produciendo pinturas muy influenciadas por los cubistas y Cézanne. Obligado a regresar a Alemania y excluido del servicio militar debido a una enfermedad respiratoria, Hofmann abrió una escuela de arte en Munich en 1915, ganando reputación como instructor con visión de futuro. En 1930, fue invitado a enseñar en la costa oeste de los Estados Unidos, lo que finalmente le allanó el camino para establecerse permanentemente en los Estados Unidos en 1932, donde residió hasta el final de su vida. Hofmann y Miz vivieron separados durante seis años, hasta que ella obtuvo una visa de inmigración para los Estados Unidos en 1939. [6]
Entre 1933 y 1958, Hofmann equilibró su trabajo de estudio con la enseñanza y, como lo hizo en París, se sumergió (e influyó) en la creciente escena artística de vanguardia de Nueva York. Reabrió su escuela de arte en 1934, impartiendo clases en Nueva York y en Provincetown durante el verano. [9] En 1941, se convirtió en ciudadano estadounidense. Durante este tiempo, su obra atrajo cada vez más la atención y el aplauso de críticos, marchantes y museos. En 1958, se retiró de la docencia para centrarse en la pintura, lo que provocó un florecimiento tardío de su carrera (a los setenta y ocho años). [2] En 1963, Miz Hofmann, su compañera y esposa durante más de sesenta años, murió después de una cirugía. Dos años más tarde, Hofmann se casó con Renate Schmitz, quien permaneció con él hasta su muerte por un ataque cardíaco en la ciudad de Nueva York el 17 de febrero de 1966, justo antes de cumplir 86 años. [6]
El arte de Hofmann se distingue generalmente por su rigurosa preocupación por la estructura y unidad pictórica, el desarrollo de la ilusión espacial a través del "empujar y tirar" del color, la forma y la ubicación, y el uso de colores atrevidos, a menudo primarios, como medios expresivos. [4] En las primeras décadas del siglo, pintó en un estilo modernista, aunque todavía claramente representativo, creando paisajes, naturalezas muertas y retratos en gran medida influenciados por el cubismo y Cézanne en términos de forma, y por Kandinsky, Matisse y Van Gogh en términos de de color. [3] [2] Comenzó un largo período centrado únicamente en el dibujo en algún momento de la década de 1920, volviendo a la pintura en 1935. [9] Hacia 1940, sin embargo, comenzó a pintar obras completamente abstractas como Primavera , un pequeño óleo sobre tabla. pintura “goteo”. Los historiadores del arte han descrito esa obra, y otras como El viento (1942), Fantasía (1943) y Efervescencia (1944), en términos de sus “ataques pictóricos”, contrastes impactantes, color rico y espontaneidad gestual como “registros del "La intensa experiencia del artista" de pintura, color y procesos que fueron arbitrarios, accidentales y directos, además de intencionales. [1] Demuestran la experimentación estilística temprana de Hofmann con las técnicas que se denominarían “pintura de acción”, que Pollock y otros hicieron famosos a finales de la década. [11] [6] Hofmann creía que el arte abstracto era una forma de llegar a la realidad importante, y una vez afirmó que “la capacidad de simplificar significa eliminar lo innecesario, para que lo necesario pueda hablar”. [12]
El trabajo de Hofmann en la década de 1940 fue defendido por varias figuras clave que iniciaron una nueva era de creciente influencia para los marchantes y galerías de arte, entre ellas Peggy Guggenheim, Betty Parsons y Samuel M. Kootz . Su primera exposición individual en Nueva York en la galería Art of This Century del Guggenheim en 1944 recibió críticas positivas en el New York Times , ARTnews y Arts Digest . [6] El crítico Clement Greenberg consideró esa exposición, y la de Jackson Pollock unos meses antes, como una "ruptura" del "control del cubismo sintético" en la pintura estadounidense, que abrió el camino hacia el estilo más pictórico del expresionismo abstracto. . [5] Ese mismo año, Hofmann también participó en una exposición individual en The Arts Club de Chicago y en dos exposiciones colectivas clave de arte abstracto y surrealista en Estados Unidos, comisariadas por Sidney Janis y Parsons. Al revisar una exposición de Hofmann de 1945, Greenberg escribió: "Hofmann se ha convertido en una fuerza a tener en cuenta tanto en la práctica como en la interpretación del arte moderno". [6] No todos los críticos fueron uniformes en elogios; por ejemplo, Robert Coates , uno de los primeros en llamar a la nueva obra “expresionismo abstracto”, expresó escepticismo sobre el estilo de pintura de “salpicaduras y embadurnamiento” en una reseña de 1946 de la obra de Hofmann. [13] [5] En 1947, Hofmann comenzó a exponer anualmente en la Galería Kootz de Nueva York (y lo haría todos los años hasta 1966, excepto 1948, cuando la galería cerró temporalmente), y durante la siguiente década continuó ganando reconocimiento. [14]
En su último período, Hofmann a menudo trabajó de manera menos gestual, creando obras como The Gate (1959-60), Pompeya (1959) o To Miz - Pax Vobiscum (un monumento conmemorativo de 1964 después de su muerte), que estaban vagamente dedicadas a volúmenes arquitectónicos y a veces denominado sus “pinturas en losa”. [16] [17] En estas obras, utilizó rectángulos de color sensual que reforzaban la forma de su consistente formato de pintura de caballete y a veces sugerían una lógica modular, pero escapaban a lecturas definitivas a través de áreas de pintura modulada y formas irregulares. [18]
En 1957, el Museo Whitney organizó una gran retrospectiva sobre Hofmann, que viajó a siete museos más en los Estados Unidos durante el año siguiente. En su reseña de la retrospectiva, el crítico Harold Rosenberg escribió: “Ningún artista estadounidense podría montar una muestra de mayor variedad y coherencia que Hans Hofmann”. [6] En 1960, Hofmann fue seleccionado para representar a los Estados Unidos en la Bienal de Venecia, junto a Philip Guston , Franz Kline y Theodore Roszak . [19] En 1963, el Museo de Arte Moderno ofreció una retrospectiva a gran escala, organizada por William Seitz, con un catálogo que incluía extractos de los escritos de Hofmann. [3] La exposición viajó en los siguientes dos años a otros cinco lugares en los EE. UU., museos en Buenos Aires y Caracas, y finalmente a cinco lugares en los Países Bajos, Italia y Alemania.
Las retrospectivas póstumas de la obra de Hofmann incluyen exposiciones en el Museo Hirshhorn (1976), el Museo Whitney (1990) y la Tate Gallery de Londres ("Hans Hofmann: Late Paintings", 1988), que fue comisariada por el pintor británico John Hoyland . Hoyland conoció la obra de Hofmann durante su primera visita a Nueva York en 1964, en compañía de Clement Greenberg, y quedó inmediatamente impresionado. [20]
Hofmann fue reconocido no sólo como artista sino también como profesor de arte, tanto en su Alemania natal como más tarde en los EE.UU. Su valor como profesor residía en la coherencia y el rigor intransigente de sus estándares artísticos y su capacidad para enseñar los principios fundamentales. de la abstracción de posguerra a un cuerpo diverso de estudiantes. [16] Fundó su primera escuela, Schule für Bildende Kunst (Escuela de Bellas Artes) en Munich en 1915, basándose en las ideas y el trabajo de Cézanne, los cubistas y Kandinsky. Sus métodos de enseñanza prácticos incluían debates continuos sobre teoría del arte, sesiones de dibujo natural y críticas periódicas del propio Hofmann, una práctica que era una rareza en la Academia. [6] A mediados de la década de 1920, adquirió una reputación como profesor con visión de futuro y atraía a una variedad internacional de estudiantes que buscaban una instrucción más vanguardista, incluidos Alf Bayrle , Alfred Jensen , Louise Nevelson , Wolfgang Paalen , Worth Ryder , [21] y Bistra Vinarova . [22] El historiador de arte Herschel Chipp afirmó que la escuela fue probablemente la primera escuela de arte moderno que existió. [2] Hofmann dirigió la escuela, incluidas sesiones de verano celebradas en toda Alemania y en Austria, Croacia, Italia y Francia hasta que emigró a los Estados Unidos en 1932.
En Estados Unidos, inicialmente enseñó una sesión de verano en la Universidad de California, Berkeley en 1930, por invitación de un ex alumno Worth Ryder, entonces miembro de la facultad de arte. Volvió a enseñar en Berkeley y en el Chouinard Art Institute de Los Ángeles al año siguiente antes de regresar a Alemania. [23] [24] Después de mudarse a la ciudad de Nueva York, comenzó a enseñar en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York en 1933. En 1934, Hofmann abrió sus propias escuelas en Nueva York y en Provincetown, Massachusetts. Muchos artistas notables estudiaron con él, incluidos Lee Krasner , Helen Frankenthaler , Ray Eames , Larry Rivers , Allan Kaprow , Red Grooms , Nell Blaine , Irene Rice Pereira , Gerome Kamrowski , Ward Jackson , Fritz Bultman , Israel Levitan , Robert De Niro, Sr. , Jane Freilicher , Wolf Kahn , Marisol Escobar , Burgoyne Diller , James Gahagan , Richard Stankiewicz , Linda Lindeberg , Lillian Orlowsky , Louisa Matthíasdóttir y Nína Tryggvadóttir . [25] [26] [27] Beulah Stevenson , curadora durante mucho tiempo del Museo de Brooklyn , también estuvo entre sus alumnos. [28] [29] En 1958, Hofmann cerró sus escuelas para dedicarse exclusivamente a su propio trabajo creativo. En 1963, el Museo de Arte Moderno fue curador de la exposición itinerante "Hans Hofmann y sus estudiantes", que incluía 58 obras que representaban a 51 artistas. [30]
A pesar de que se le atribuye haber enseñado a varias de las artistas más talentosas de la época, en una época en la que todavía eran algo raras, a veces se ha descrito a Hofmann como exhibiendo una “postura machista directa”. [31] Lee Krasner, que siguió siendo un devoto, comparó algunas de sus críticas con los elogios ambiguos que solían experimentar las artistas anteriores (por ejemplo, "¡tan bueno que nunca sabrías que fue hecho por una mujer!"). [31] La escultora Lila Katzen ha relatado que le dijo que "sólo los hombres tenían alas para el arte".
Los influyentes escritos de Hofmann sobre arte moderno se han recopilado en el libro Search for the Real and Other Essays (1948), que incluye sus análisis de sus teorías espaciales de empuje/tracción, su reverencia por la naturaleza como fuente de arte, su convicción de que el arte tiene valor espiritual, y su filosofía del arte en general. En términos formales, es especialmente digno de mención como teórico del medio, quien argumentó que "cada medio de expresión tiene su propio orden de existencia", que "el color es un medio plástico para crear intervalos", y su conciencia del marco de una pintura, representado por su cita, "cualquier línea colocada en el lienzo ya es la quinta". [33] Hofmann creía en permanecer fiel a la planitud del soporte del lienzo, y que para sugerir profundidad y movimiento en una pintura, un artista debe crear lo que él llamó "empujar y tirar" en la imagen: contrastes de color, forma y textura. .
Hofmann tenía una fuerte convicción sobre el valor espiritual y social del arte. En 1932, escribió: “Proporcionar liderazgo por parte de los maestros y apoyo a los artistas en desarrollo es un deber nacional, un seguro de solidaridad espiritual. Lo que hacemos por el arte, lo hacemos por nosotros mismos, por nuestros hijos y por el futuro”. [34]
Las obras de Hofmann se encuentran en las colecciones permanentes de muchos museos importantes de los Estados Unidos y de todo el mundo, incluidos: Museo de Arte de UC Berkeley , Museo Metropolitano de Arte, Museo Solomon R. Guggenheim , Museo Whitney, Museo de Arte Moderno, Museo de San Francisco. de Arte Moderno , Museo de Bellas Artes de Boston , Instituto de Arte de Chicago, Museo de Arte de Seattle , Museo de Arte de Baltimore , Museo de Bellas Artes de Houston , Museo de Arte de Cleveland , Museo de Arte de Filadelfia , Asociación y Museo de Arte de Provincetown , Städtische Galerie im Lenbachhaus ( Munich ), Museu d'Art Contemporani, (Barcelona), Tate Gallery, Art Museum of West Virginia University y Art Gallery of Ontario (Toronto). Hofmann también diseñó una obra pública, un colorido mural ubicado afuera de la entrada de la High School of Graphic Communication Arts ubicada en el barrio Hell's Kitchen de Manhattan . [35]
En 2015, en una subasta de Christie's en Nueva York, Auxerre (1960) de Hofmann, inspirada en las amplias vidrieras de la Cathédrale Saint Etienne en Francia, alcanzó un récord mundial de subasta para el artista con 6.325.000 dólares. [36]
Cuando Hofmann murió el 17 de febrero de 1966, su viuda, Renate Hofmann, administró su patrimonio. Después de la muerte de Renate en 1992, el New York Daily News publicó un artículo titulado "Del caviar a la comida para gatos", que detallaba la "triste y tortuosa historia" de la viuda de Hofmann. El artículo sostenía que el tribunal de Renate nombró tutores "ordeñaron el patrimonio durante más de una década" y permitió que Renate, mentalmente inestable, viviera "con sus gatos y licor en una casa llena de basura frente al mar". [37] Bajo amenaza de procesamiento, el albacea original del Patrimonio Hofmann, Robert Warshaw, logró que los tutores negligentes pagaran 8,7 millones de dólares al Patrimonio por "dolor y sufrimiento conscientes extraordinarios". [37]
Bajo el testamento de Renate Hofmann, se creó formalmente el Renate, Hans and Maria Hofmann Trust con Warshaw a la cabeza. La misión del Trust es "promover el estudio y la comprensión de la extraordinaria vida y obra de Hans Hofmann" y lograr estos objetivos "a través de exposiciones, publicaciones y actividades y programas educativos centrados en Hans Hofmann" [38], así como un catálogo razonado. de las pinturas de Hofmann. [39] El representante de derechos de autor en Estados Unidos para Renate, Hans and Maria Hofmann Trust es la Artists Rights Society . [40]
