György Sándor Ligeti ( / ˈ l ɪ ɡ ə t i / ; húngaro: [ˈliɡɛti ˈɟørɟ ˈʃaːndor] ; 28 de mayo de 1923 - 12 de junio de 2006) fue un compositor húngaro-austriaco de música clásica contemporánea . [1] Ha sido descrito como "uno de los compositores de vanguardia más importantes de la segunda mitad del siglo XX" y "una de las figuras progresistas más innovadoras e influyentes de su tiempo". [2]
Nacido en Rumania , vivió en la República Popular Húngara antes de emigrar a Austria en 1956. Se convirtió en ciudadano austriaco en 1968. En 1973 se convirtió en profesor de composición en la Hochschule für Musik und Theatre de Hamburgo , donde trabajó hasta jubilarse en 1989. Murió en Viena en 2006.
Restringido en su estilo musical por las autoridades de la Hungría comunista, sólo cuando llegó a Occidente en 1956 Ligeti pudo realizar plenamente su pasión por la música de vanguardia y desarrollar nuevas técnicas de composición. Después de experimentar con la música electrónica en Colonia , Alemania, su avance llegó con obras orquestales como Atmosphères , para la que utilizó una técnica que más tarde denominó micropolifonía . Después de escribir su "anti-anti-ópera" Le Grand Macabre , Ligeti se alejó del cromatismo y se acercó al polirritmo en sus obras posteriores.
Es mejor conocido por el público por el uso de su música en bandas sonoras de películas . Aunque no compuso directamente ninguna música cinematográfica, se tomaron y adaptaron extractos de piezas compuestas por él para su uso cinematográfico. El diseño de sonido de las películas de Stanley Kubrick , en particular la música de 2001: Una odisea en el espacio , se basó en el trabajo de Ligeti.
Ligeti nació en 1923 en Diciosânmartin ( Dicsőszentmárton ; rebautizado como Târnăveni en 1941) en Rumania , hijo del Dr. Sándor Ligeti y la Dra. Ilona Somogyi. Su familia era judía húngara . Era sobrino bisnieto del violinista Leopold Auer y primo segundo de la filósofa húngara Ágnes Heller . [3] [4] Algunas fuentes dicen que era sobrino nieto de Auer, en lugar de sobrino bisnieto. [5]
Ligeti recordó que su primer contacto con otros idiomas además del húngaro se produjo un día mientras escuchaba una conversación entre policías municipales de habla rumana. Antes de eso, no sabía que existían otros idiomas. [6] Se mudó a Cluj con su familia cuando tenía seis años. No regresó a su pueblo natal hasta los años 1990. En 1940, el norte de Transilvania pasó a formar parte de Hungría tras el Segundo Premio de Viena , por lo que Cluj también pasó a formar parte de Hungría.
En 1941 Ligeti recibió su formación musical inicial en el conservatorio de Kolozsvár (Cluj) , [7] y durante los veranos en privado con Pál Kadosa en Budapest. En 1944, la educación de Ligeti se vio interrumpida cuando el régimen de Horthy lo envió a una brigada de trabajos forzados durante los acontecimientos del Holocausto. [5] Su hermano Gábor, de 16 años, fue deportado al campo de concentración de Mauthausen-Gusen y sus padres fueron enviados a Auschwitz . Su madre fue la única persona que sobrevivió en su familia inmediata. [8]
Después de la Segunda Guerra Mundial , Ligeti regresó a sus estudios en Budapest, graduándose en 1949 en la Academia de Música Franz Liszt . [9] Estudió con Pál Kadosa, Ferenc Farkas , Zoltán Kodály y Sándor Veress . Realizó una investigación etnomusicológica sobre la música folclórica húngara de Transilvania. Sin embargo, después de un año regresó a la Academia Franz Liszt de Budapest, esta vez como profesor de armonía , contrapunto y análisis musical . Consiguió este puesto con la ayuda de Kodály y lo mantuvo de 1950 a 1956. [7] Cuando era un joven profesor, Ligeti tomó la inusual medida de asistir regularmente a las conferencias de un colega mayor, el director y musicólogo Lajos Bárdos , un conservador. Christian cuyo círculo representaba un refugio seguro para Ligeti. El compositor agradeció la ayuda y los consejos de Bárdos en los prefacios de sus dos libros de texto de armonía (1954 y 1956). [10] Debido a las restricciones del gobierno comunista , las comunicaciones entre Hungría y Occidente se habían vuelto difíciles para entonces, y Ligeti y otros artistas quedaron efectivamente aislados de los recientes acontecimientos fuera del Bloque del Este .
En diciembre de 1956, dos meses después de que el ejército soviético reprimiera violentamente el levantamiento húngaro , Ligeti huyó a Viena con su ex esposa Vera Spitz. [11] Se volvieron a casar en 1957 y tuvieron un hijo juntos. [12] [13] No volvería a ver Hungría durante catorce años, cuando fue invitado allí para juzgar un concurso en Budapest. [14] En su apresurada huida a Viena, dejó la mayoría de sus composiciones húngaras en Budapest, algunas de las cuales ahora se han perdido. Sólo tomó las que consideraba sus piezas más importantes. Más tarde dijo: "Consideraba que mi antigua música no tenía ningún interés. ¡Creía en la música dodecafónica !". [15] Finalmente obtuvo la ciudadanía austriaca en 1968. [12]
Pocas semanas después de llegar a Viena, Ligeti partió hacia Colonia. [16] Allí conoció a varias figuras clave de la vanguardia y aprendió estilos y métodos musicales más contemporáneos. [17] Entre estas personas se encontraban los compositores Karlheinz Stockhausen y Gottfried Michael Koenig , quienes entonces trabajaban en música electrónica innovadora . Durante el verano asistió al Darmstädter Ferienkurse . Ligeti trabajó en el Estudio de Música Electrónica de Colonia con Stockhausen y Koenig y se inspiró en los sonidos que escuchó allí. Sin embargo, produjo poca música electrónica propia, concentrándose en cambio en obras instrumentales que a menudo contienen texturas que suenan electrónicas .
Después de unos tres años de trabajar con ellos, se peleó con la Escuela de Música Electrónica de Colonia , porque había muchas luchas internas entre facciones: "hubo [ sic ] muchas luchas políticas porque diferentes personas, como Stockhausen, como Kagel querían "Ser el primero. Y yo, personalmente, no tengo ninguna ambición de ser el primero o ser importante". [6]
Entre 1961 y 1971 fue profesor invitado de composición en Estocolmo. En 1972 se convirtió en compositor residente en la Universidad de Stanford en Estados Unidos. [7]
En 1973, Ligeti se convirtió en profesor de composición en la Hochschule für Musik und Theatre de Hamburgo , y finalmente se jubiló en 1989. [18] Mientras vivía en Hamburgo, su esposa Vera permaneció en Viena con su hijo, Lukas , quien más tarde también se convirtió en compositor. [19]
Invitado por Walter Fink , Ligeti fue el primer compositor presentado en el Komponistenporträt anual del Festival de Música de Rheingau en 1990. [20]
Además de su amplio interés por diferentes estilos musicales, desde el Renacimiento hasta la música africana, Ligeti también se interesó por la literatura (incluidos los escritores Lewis Carroll , Jorge Luis Borges y Franz Kafka ), la pintura, la arquitectura, la ciencia y las matemáticas. Estaba especialmente fascinado por la geometría fractal de Benoit Mandelbrot y los escritos de Douglas Hofstadter . [21]
La salud de Ligeti se deterioró después del cambio de milenio; Murió en Viena el 12 de junio de 2006, a la edad de 83 años. [19] [22] Aunque se sabía que había estado enfermo durante varios años y había utilizado una silla de ruedas durante los últimos tres años de su vida, su familia se negó. para revelar detalles de la causa de su muerte. [23]
El canciller austriaco Wolfgang Schüssel y el secretario de Arte Franz Morak rindieron homenaje a Ligeti. [24] Su funeral se celebró en el Feuerhalle Simmering . [25] El concierto conmemorativo fue realizado por Pierre-Laurent Aimard y el coro Arnold Schoenberg . [25] Sus cenizas fueron enterradas en el Cementerio Central de Viena en una tumba de honor (en alemán: Ehrengrab ). [26]
Le sobrevivieron su esposa Vera y su hijo Lukas . [19] Este último es un compositor y percusionista afincado en Estados Unidos. [27]
Muchas de las primeras obras de Ligeti fueron escritas para coro e incluían composiciones de canciones populares. Su obra más importante en este período fue una composición de graduación de la Academia de Budapest , titulada Cantata para el Festival de la Juventud , para cuatro solistas vocales, coro y orquesta. Una de sus primeras piezas ahora en el repertorio es su Sonata para violonchelo , una obra en dos movimientos contrastantes que fueron escritas en 1948 y 1953. Inicialmente fue prohibida por la Unión de Compositores dirigida por los soviéticos y no se interpretó públicamente durante un cuarto de siglo. . [28]
Las primeras obras de Ligeti son a menudo una extensión del lenguaje musical de Béla Bartók . Incluso su ciclo de piano Musica ricercata (1953), aunque escrito según Ligeti con un enfoque "cartesiano", en el que "consideraba toda la música que conocía y amaba como... irrelevante", [29] la pieza ha sido descrita por un biógrafo como de un mundo muy cercano al conjunto de obras para piano de Bartók, Mikrokosmos . [30] El conjunto de Ligeti consta de once piezas en total. La obra se basa en una restricción simple: la primera pieza utiliza exclusivamente un tono La, escuchado en varias octavas , y solo al final de la pieza se escucha una segunda nota, Re. La segunda pieza utiliza tres notas (E ♯ , F ♯ y G), la tercera pieza utiliza cuatro, y así sucesivamente, de modo que en la pieza final están presentes las doce notas de la escala cromática .
Poco después de su composición, Ligeti arregló seis de los movimientos de Musica ricercata para quinteto de viento bajo el título 'Seis bagatelas para quinteto de viento'. Las Bagatelas se representaron por primera vez en 1956, pero no en su totalidad: el último movimiento fue censurado por los soviéticos por ser demasiado "peligroso". [31]
Debido a la censura soviética, sus obras más atrevidas de este período, incluida Musica ricercata y su Cuarteto de Cuerda No. 1 Métamorphoses nocturnes (1953-1954), fueron escritas para el "cajón de abajo". Compuesto por un solo movimiento dividido en diecisiete secciones contrastantes vinculadas motivadamente , [32] el Primer Cuarteto de Cuerda es la primera obra de Ligeti que sugiere un estilo personal de composición. El cuarteto de cuerda no se interpretó hasta 1958, después de haber huido de Hungría a Viena. [33]
Al llegar a Colonia, Ligeti comenzó a escribir música electrónica junto a Karlheinz Stockhausen y Gottfried Michael Koenig en el estudio de electrónica de la Radio de Alemania Occidental (WDR) . Sin embargo, sólo completó dos obras en este medio: las piezas Glissandi (1957) y Artikulation (1958), antes de regresar a la música instrumental. Una tercera obra, originalmente titulada Atmosphères pero más tarde conocida como Pièce électronique Nr. 3 , estaba previsto, pero las limitaciones técnicas de la época impidieron a Ligeti realizarlo por completo. Finalmente fue realizado en 1996 por los compositores holandeses Kees Tazelaar y Johan van Kreij del Instituto de Sonología . [34]
La música de Ligeti parece haber sido influenciada posteriormente por sus experimentos electrónicos, y muchos de los sonidos que creó parecían texturas electrónicas . Ligeti acuñó el término " micropolifonía " para describir la textura del segundo movimiento de Apariciones (1958-59) y Atmosphères (1961). Esta textura es similar a la de la polifonía , excepto que la polifonía está oscurecida por una densa y rica pila de tonos. [35] La micropolifonía se puede utilizar para crear obras casi estáticas pero que evolucionan lentamente, como Atmosphères, en las que los instrumentos individuales quedan ocultos en una compleja red de sonido. Según Ligeti, después de Apariciones y Atmósferas , "se hizo famoso". [36]
Con Volumina (1961-62, revisada en 1966) para órgano solista, Ligeti continuó con grupos de notas , traducidas en bloques de sonido. En esta pieza, Ligeti abandonó la notación musical convencional y en su lugar utilizó diagramas para representar áreas generales de tono, duración y ráfagas de notas. [37]
Poème symphonique (1962) es una obra para cien metrónomos mecánicos durante su breve conocimiento del movimiento Fluxus .
Aventures (1962), al igual que su pieza complementaria Nouvelles Aventures (1962-65), es una composición para tres cantantes y un septeto instrumental, sobre un texto (ideado por el propio Ligeti) que carece de significado semántico. En estas piezas, cada cantante tiene cinco roles que desempeñar, explorando cinco áreas de emoción, y cambian de una a otra tan rápida y abruptamente que las cinco áreas están presentes a lo largo de la pieza. [38]
Réquiem (1963-1965) es una obra para soprano y mezzosoprano solistas, coro de veinte voces (cuatro de soprano, mezzosoprano, contralto, tenor y bajo) y orquesta. Aunque, aproximadamente media hora, es la pieza más larga que había compuesto hasta ese momento, [39] Ligeti establece sólo alrededor de la mitad deltexto tradicional del Réquiem : el " Introitus ", el " Kyrie " (una obra completamente cromática cuasifuga , donde las partes son un montaje de micropolifonía melismática , saltándose), y el " Dies irae ", dividiendo esta última secuencia en dos partes, "De die judicii" y " Lacrimosa ".
Lux Aeterna (1966) es una pieza a capella de 16 vocescuyo texto también está asociado al Réquiem latino.
El Concierto para violonchelo de Ligeti (1966), dedicado a Siegfried Palm , se compone de dos movimientos: el primero comienza con un violonchelo casi imperceptible que cambia lentamente hacia grupos de tonos estáticos con la orquesta antes de alcanzar un crescendo y decaer lentamente, mientras que el segundo es una pieza virtuosa de melodía atonal dinámica por parte del violonchelo. [40]
Lontano (1967), para orquesta completa, es otro ejemplo de micropolifonía, pero el efecto general se acerca más a la armonía, con texturas complejas entretejidas y opacidad del sonido que dan lugar a un efecto armonioso. Se ha convertido en una pieza estándar del repertorio. [41]
El Cuarteto de Cuerda No. 2 (1968) consta de cinco movimientos. Se diferencian mucho entre sí en sus tipos de movimiento. En el primero, la estructura está en gran medida fragmentada, como en Aventures . En el segundo, todo se reduce a cámara muy lenta, y la música parece venir de lejos, con gran lirismo. El tercer movimiento pizzicato es un estudio parecido a una máquina, duro y mecánico, en el que las partes que tocan notas repetidas crean un continuo "granulado". En el cuarto, rápido y amenazador, se amontona todo lo ocurrido antes. Por último, en fuerte contraste, se extiende el quinto movimiento. En cada movimiento, regresan las mismas configuraciones básicas, pero cada vez su colorido o punto de vista es diferente, de modo que la forma general solo emerge realmente cuando uno escucha los cinco movimientos en contexto. [42]
Ramifications (1968-69), completado un año antes que el Concierto de cámara, está compuesto para un conjunto de cuerdas en doce partes (siete violines, dos violas, dos violonchelos y un contrabajo), cada una de las cuales puede ser interpretada por uno o varios intérpretes. . Los doce se dividen en dos grupos numéricamente iguales pero con los instrumentos del primer grupo afinados aproximadamente un cuarto de tono más alto (cuatro violines, una viola y un violonchelo). A medida que el grupo toca, el que está afinado más alto inevitablemente tiende a deslizarse hacia el otro, y ambos se acercan en tono. [42]
En el Concierto de Cámara (1969-1970), varias capas, procesos y tipos de movimiento pueden tener lugar simultáneamente en diferentes planos. A pesar de las frecuentes marcas de "senza tempo", los instrumentistas no tienen libertad lineal; Ligeti insiste en mantener su textura bajo estricto control en todo momento. La forma es como un "mecanismo de precisión". A Ligeti siempre le fascinaron las máquinas que no funcionan correctamente y el mundo de la tecnología y la automatización. En muchas de sus obras se utiliza ruidos mecánicos periódicos, que sugieren maquinaria no del todo fiable. La partitura es para flauta (doblando piccolo), oboe (doblando oboe d'amore y cor anglais), clarinete, clarinete bajo (doblando segundo clarinete), trompa, trombón, clavecín (doblando órgano Hammond), piano (doblando celesta) y Quinteto de cuerda solista. [43] También escribió un Concierto doble para flauta, oboe y orquesta (1972).
La mayoría de estas composiciones establecen el timbre, en lugar de las dimensiones tradicionalmente favorecidas de tono y ritmo, como su principal parámetro formal, una práctica que se conoce como sonorismo . [44] A partir de la década de 1970, Ligeti se alejó del sonorismo y comenzó a concentrarse en el ritmo. Piezas como Continuum (1968) y Clocks and Clouds (1972-73) fueron escritas antes de que escuchara la música de Steve Reich y Terry Riley en 1972. Pero la segunda de sus Tres piezas para dos pianos (1976), titulada "Self- retrato con Reich y Riley (y Chopin al fondo)", conmemora esta afirmación e influencia. Durante la década de 1970, también se interesó por la música polifónica de gaita de la tribu Banda -Linda de la República Centroafricana , que escuchó a través de las grabaciones de uno de sus alumnos. [45]
En 1977, Ligeti completó su única ópera, Le Grand Macabre , trece años después de su encargo inicial. Basada libremente en la obra de Michel de Ghelderode de 1934, La balade du grand macabre , es una obra de teatro absurdo —Ligeti la llamó "anti-anti-ópera"— en la que la Muerte (Nekrotzar) llega a la ciudad ficticia de Breughelland. y anuncia que el fin del mundo ocurrirá a medianoche. Musicalmente, Le Grand Macabre se basa en técnicas no asociadas con el trabajo anterior de Ligeti, incluidas citas y pseudocitas de otras obras [46] y el uso de terceras y sextas consonantes . Después de Le Grand Macabre , Ligeti abandonaría el uso del pastiche , [47] pero incorporaría cada vez más armonías consonánticas (incluso tríadas mayores y menores ) en su obra, aunque no en un contexto diatónico .
Después de Le Grand Macabre , Ligeti luchó durante algún tiempo por encontrar un nuevo estilo. Además de dos piezas breves para clavecín , no completó otra obra importante hasta el Trío para violín, trompa y piano en 1982, más de cuatro años después de la ópera. Su música de las décadas de 1980 y 1990 continuó enfatizando ritmos mecánicos complejos, a menudo en un lenguaje menos densamente cromático, tendiendo a favorecer tríadas mayores y menores desplazadas y estructuras polimodales . Durante este tiempo, Ligeti también comenzó a explorar sistemas de afinación alternativos mediante el uso de armónicos naturales para trompas (como en el Trío para trompa y el Concierto para piano ) y scordatura para cuerdas (como en el Concierto para violín ). Además, la mayoría de sus obras de este período son obras de múltiples movimientos, en lugar de los movimientos únicos extendidos de Atmosphères y San Francisco Polyphony .
De 1985 a 2001, Ligeti completó tres libros de Estudios para piano (Libro I, 1985; Libro II, 1988–94; Libro III, 1995–2001). Los Estudios, que comprenden dieciocho composiciones en total, se basan en una amplia gama de fuentes, incluido el gamelán , [48] [49] [50] polirritmos africanos , Béla Bartók, Conlon Nancarrow , Thelonious Monk , [50] [51] y Bill Evans . El libro I fue escrito como preparación para el Concierto para piano, que contiene una serie de elementos motívicos y melódicos similares. La música de Ligeti de las dos últimas décadas de su vida es inconfundible por su complejidad rítmica. Al escribir sobre su primer libro de Piano Études, el compositor afirma que esta complejidad rítmica proviene de dos fuentes de inspiración muy diferentes: la música para piano de la era romántica de Chopin y Schumann y la música indígena del África subsahariana . [52]
La diferencia entre las piezas anteriores y posteriores radica en una nueva concepción del pulso . En las obras anteriores, el pulso es algo que se divide en dos, tres, etc. El efecto de estas diferentes subdivisiones, especialmente cuando ocurren simultáneamente, es desdibujar el paisaje auditivo, creando el efecto micropolifónico de la música de Ligeti. [53]
Por otro lado, la música posterior (y algunas piezas anteriores como Continuum ) tratan el pulso como un átomo musical, un denominador común, una unidad básica, que no puede dividirse más. Los diferentes ritmos aparecen a través de multiplicaciones del pulso básico, en lugar de divisiones: este es el principio de la música africana que aprovechó Ligeti. También aparece en la música de Philip Glass , Steve Reich y otros; y significativamente tiene mucho en común con los ritmos aditivos de la música folclórica de los Balcanes , la música de la juventud de Ligeti. [54] Describió la música de Conlon Nancarrow, con sus exploraciones extremadamente complejas de la complejidad polirrítmica, como "el mayor descubrimiento desde Webern e Ives ... ¡algo grandioso e importante para toda la historia de la música! Su música es absolutamente original, agradable, Perfectamente construido, pero al mismo tiempo emotivo... para mí es la mejor música de cualquier compositor que viva hoy." [55]
En 1988, Ligeti completó su Concierto para piano y escribió que "presento mi credo artístico en el Concierto para piano : demuestro mi independencia de los criterios de la vanguardia tradicional , así como del posmodernismo de moda ". [56] Los bocetos iniciales del Concierto comenzaron en 1980, pero no fue hasta 1985 que encontró un camino a seguir y el trabajo avanzó más rápidamente. [57] El Concierto explora muchas de las ideas elaboradas en los Estudios pero en un contexto orquestal.
En 1993, Ligeti completó su Concierto para violín después de cuatro años de trabajo. Al igual que el Concierto para piano, el Concierto para violín utiliza la amplia gama de técnicas que había desarrollado hasta ese momento, así como las nuevas ideas que estaba trabajando en ese momento. Entre otras técnicas, utiliza una pasacalles, [58] " microtonalidad , texturas que cambian rápidamente , yuxtaposiciones cómicas... melodías populares húngaras , ritmos de danza búlgaros , referencias a la música medieval y renacentista y escrituras para violín solo que van desde el ritmo lento y De tonos dulces a lo anguloso y ardiente". [59]
Otras obras notables de este período son la Sonata para viola (1994) y los Madrigals sin sentido (1988-1993), un conjunto de seis composiciones a capella que contienen textos en inglés de William Brighty Rands , Lewis Carroll y Heinrich Hoffman . El tercer Madrigal es una ambientación del alfabeto inglés .
Las últimas obras de Ligeti fueron el Concierto de Hamburgo para trompa solista, cuatro trompas naturales y orquesta de cámara (1998-99, revisado en 2003, dedicado a Marie-Luise Neunecker ), el ciclo de canciones Síppal, dobbal, nádihegedűvel ("Con flautas, tambores, violines" , 2000), y el decimoctavo estudio de piano "Canon" (2001). La partitura impresa y el manuscrito del Concierto de Hamburgo contienen numerosos errores e inconsistencias. [60] La revisión de la pieza, realizada por el compositor italiano Alessio Elia y publicada en el libro The Hamburgisches Konzert de György Ligeti, publicado por Edition Impronta, se utilizó para la primera interpretación revisada de esta obra, realizada por el Concerto Budapest Ligeti. Conjunto con Szabolcs Zempléni como trompa solista. La orquesta debería haber sido dirigida por Peter Eötvös , sustituido por indisposición por Gergely Vajda. [61] Además, después de Le Grand Macabre , Ligeti planeó escribir una segunda ópera, primero basada en La tempestad de Shakespeare y más tarde en Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas de Carroll , pero ninguna de las dos llegó a buen término. [62] [63]
Ligeti ha sido descrito como "junto con Boulez , Berio , Stockhausen y Cage como una de las figuras progresistas más innovadoras e influyentes de su tiempo". [2] Aproximadamente a partir de 1960, el trabajo de Ligeti se hizo más conocido y respetado. [ se necesita aclaración ] Su obra más conocida fue escrita durante el período que va desde las Apariciones hasta Lontano , que incluye Atmosphères , Volumina , Aventures y Nouvelles Aventures , Requiem , Lux Aeterna y su Concierto para violonchelo; así como su ópera Le Grand Macabre . En los últimos años, sus tres libros de estudios de piano también se han hecho muy conocidos y son el tema del proyecto Inside the Score del pianista Pierre-Laurent Aimard . [64]
La música de Ligeti es más conocida por el público que no está familiarizado con la música clásica del siglo XX por su uso en tres películas de Stanley Kubrick , que le valieron una audiencia mundial. [19] La banda sonora de 2001: Una odisea en el espacio incluye extractos de cuatro de sus piezas: Atmosphères , Lux Aeterna , Requiem y Aventures . [65] Atmosphères se escucha durante la secuencia de "Star Gate", y también se escuchan partes en la Obertura y el Intermedio. Lux Aeterna se escucha en la escena del autobús lunar de camino al monolito Tycho. La secuencia de Kyrie de su Réquiem se escucha durante los primeros tres encuentros con monolitos. En las crípticas escenas finales se escucha una versión alterada electrónicamente de Aventures , que no figura en los créditos de la película. La música fue utilizada, y en algunos casos modificada, sin el conocimiento de Ligeti y sin la autorización total de derechos de autor . Cuando se enteró del uso de su música en la película, "demandó con éxito por haber distorsionado su música" [66] y llegaron a un acuerdo extrajudicial . Kubrick pidió permiso y compensó a Ligeti por el uso de su música en películas posteriores. [67]
Lux Aeterna se utilizó nuevamente en la secuela de 2001 , 2010 de Peter Hyams de 1984 . [68]
Una película posterior de Kubrick, El resplandor , utiliza pequeñas porciones de Lontano para orquesta. [69]
Un motivo del segundo movimiento de Musica ricercata de Ligeti se utiliza en momentos cruciales de Eyes Wide Shut de Kubrick . [70] En el estreno alemán de esa película, cuando Kubrick ya había muerto, su viuda fue acompañada por el propio Ligeti. [71]
La obra de Ligeti también ha sido utilizada en numerosas películas de otros directores. Lontano también apareció en la película de suspenso psicológico Shutter Island de 2010 de Martin Scorsese . [72] El primer movimiento del Concierto para violonchelo se utilizó en la película policial Heat de Michael Mann de 1995 . [68] El Réquiem se utilizó en la película Godzilla de 2014 . [73] El Concierto para violonchelo y el Concierto para piano se utilizaron en la película de Yorgos Lanthimos de 2017, The Killing of a Sacred Deer . [74] [75]
Su música también se ha utilizado en televisión y radio. Lontano , Atmosphères y el primer movimiento del Concierto para violonchelo se utilizaron en el documental de Sophie Fiennes Over Your Cities Grass Will Grow , sobre el artista alemán de posguerra Anselm Kiefer . [76] Lontano , Melodien y Volumina se utilizaron en Fit the First , Fit the Fifth y Fit the Sixth de la serie de radio de La Guía del autoestopista galáctico como música de fondo para secciones narrativas de la Guía. [77]
Gyorgy Ligeti, el compositor centroeuropeo cuya música estuvo entre las más innovadoras de la segunda mitad del siglo XX (a veces espeluznante, a veces humorística, generalmente fantástica y siempre pulida) murió ayer en Viena. Tenía 83 años. Su familia confirmó su muerte pero se negó a divulgar la causa y se limitó a decir que llevaba varios años enfermo.
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