Musica ricercata es un conjunto de once piezas para piano de György Ligeti . La obra fue compuesta entre 1951 y 1953, [1] poco después de que el compositor comenzara a dar conferencias en la Academia de Música de Budapest . [2] La obra se estrenó el 18 de noviembre de 1969 en Sundsvall , Suecia . Aunque la ricercata (o ricercar ) es un estilo contrapuntístico establecido (y el movimiento final de la obra tiene esa forma), el título de Ligeti probablemente debería interpretarse literalmente como "música investigada" o "música buscada". Este trabajo captura la esencia de la búsqueda de Ligeti por construir su propio estilo compositivo ex nihilo , [3] y como tal presagia muchas de las direcciones más radicales que Ligeti tomaría en el futuro.
En respuesta a una solicitud del Jeney Quintet, seis de los movimientos fueron arreglados para quinteto de viento como Six Bagatelles for Wind Quintet (1953). [4] Son, en orden: III, V, VII, VIII, IX, X.
El acordeonista parisino Max Bonnay transcribió ocho movimientos (I, III, IV, VII, VIII, IX, X, XI) para bayán .
Una característica estructural global importante de Musica ricercata es que Ligeti se limita a ciertas clases de tono en cada movimiento, y cada movimiento posterior tiene exactamente una clase de tono más que el anterior. Las clases de tono que se encuentran en cada movimiento son las siguientes:
A continuación se presentan breves descripciones (con algunos análisis) de cada movimiento de Musica ricercata . [5] [6]
Este movimiento utiliza casi exclusivamente la clase tonal La (se introduce D como nota final, dando así impulso al resto de movimientos). También se podría pensar en utilizar un temperamento igual de un tono. Ligeti desarrolla esta clase de tono único explotando las dimensiones del ritmo y el timbre (un ejemplo de contrapunto tímbrico ). Un comienzo atronador conduce a un crescendo y un acelerando graduales que consisten en polirritmos en capas en varios registros. La coda, un accelerando medido, golpea varias octavas más de A antes de que finalmente escuchemos D. La relación entre D y A se ve reforzada por la retención de subarmónicos y armónicos de D, que contienen A (un resultado de la serie armónica ). .
Tanto el material como el tono de este movimiento difieren notablemente del primero. El tema principal es una lastimera alternancia entre E ♯ y F ♯ (un mero semitono). Este tema se escucha tanto en solitario (es decir, en una sola octava) como en octavas tranquilas ( una corda ) en ambos extremos del piano. La entrada de Sol cerca de la mitad de la pieza es particularmente marcada, siendo atacada vigorosamente en un accelerando similar al del primer movimiento. La sol continúa sonando en un trémolo sin medida mientras el tema principal regresa en un contexto más "amenazante". El movimiento se disuelve gradualmente, y tanto el tema principal como los G repetidos se desvanecen en el silencio.
Partes de este movimiento aparecieron en la banda sonora de Eyes Wide Shut de Stanley Kubrick . [7]
La calidad alegre, casi bluesera, de este movimiento representa otro contraste con lo anterior. La divertida yuxtaposición de una tonalidad de do mayor (CEG) y do menor (CE ♭ -G) forma la base para el desarrollo del tema principal. La dinámica y el registro también saltan libre y abruptamente, contribuyendo aún más a la naturaleza asustadiza de este movimiento. La pieza termina en un Do bajo después de varios sonidos simultáneos de Mi y Mi ♭ , haciendo así la dicotomía aún más evidente sin llegar a resolverla.
Este movimiento es en realidad una reelaboración de ideas del primer movimiento de la Sonatina para piano a cuatro manos del compositor.
Otro movimiento ligero, esta vez ambientado en un vals fuera de lugar en el que el triple pulso se interrumpe ocasionalmente en un compás de 2/4. Para complicar aún más las cosas rítmicamente está la indicación de Ligeti en la partitura de que "El valor del metrónomo se refiere al tempo máximo. La pieza puede interpretarse libremente, además de ser más lenta, con rubati, ritenuti, accelerandi, tal como el organillero tocaría su barril". órgano ["l'orgue de Barbarie"]." De acuerdo con este estilo, ocasionalmente hay pausas abruptas o cambios en la dinámica e indicaciones de ritardandi y accelerandi.
La pieza está formalmente estructurada como una melodía de vals estándar, más o menos similar a AABA. El tema A consiste en una escala continua con un breve giro al final de la frase. La sección B es generalmente más ruidosa, con una mayor dinámica y rango de tono, con acordes en la melodía (no se escuchan en la sección A). El fondo del vals de triple sensación continúa en la mano izquierda casi en todo momento. Como en movimientos anteriores, Ligeti elige introducir una nueva clase de tono, G ♯ , cerca de la mitad de la pieza en un fortissimo en tres octavas, siendo especialmente notoria, aunque G ♯ /A ♭ desaparece después de solo unos pocos compases, ya que queda subsumido por el tema principal del vals.
Para complementar los dos movimientos más ligeros anteriores, el quinto vuelve a la seriedad del segundo movimiento. Nuevamente, al igual que el segundo movimiento, el tema principal se basa en gran medida en el intervalo de semitono. Sin embargo, los recursos tonales adicionales de este movimiento permiten la construcción de dos tricordios relacionados por un tritono . El tritono se convierte en un intervalo extremadamente importante en este movimiento, ya que se introduce como parte del tema secundario en la mano izquierda y forma la base para las armonías paralelas que se escuchan tanto como acompañamiento del tema secundario como en el regreso del tema principal en MM 22. Después de esto, Ligeti introduce un repique de campana en las clases tonales de sol y la ♭ que continúa interrumpiendo los fragmentos de los temas primario y secundario a medida que se desvanecen hacia el final del movimiento. El movimiento concluye cuando la "campana" continúa sonando en sol de octava baja, creciendo hasta alcanzar un triple fuerte.
Otro cambio abrupto de humor nos lleva al sexto movimiento, caracterizado a su vez por cambios rápidos e inesperados de dinámica, registro, articulación y material musical. Un descenso de Mi a La (estableciendo así tentativamente una tonalidad de La mayor) define el material melódico inicial, mientras que en el acompañamiento de la mano izquierda se escucha un ascenso en escala de La a Mi. Con el tiempo, los motivos ascendentes y descendentes se mezclan y recombinan, empujándose en una caja de juguetes melódica. La pieza termina en un Mi apropiadamente incómodo e inesperado (de un policordio de fa ♯ menor/si menor ), dejando al oyente con una falta de resolución.
El movimiento comienza con un ostinato de siete notas en la mano izquierda que, según Ligeti, debe ser rítmica y dinámicamente independiente de la mano derecha. La mano derecha lleva una melodía folklórica que primero se escucha sola en notas individuales antes de yuxtaponerse en un canon flexible con varias versiones transformadas de sí misma, produciendo un contrapunto animado con ricas armonías y una sensación de libertad rítmica. Finalmente, ambas manos suben una octava, aligerando significativamente la textura. La pieza concluye con la mano derecha asumiendo el ostinato en una octava aún más alta; el ostinato pierde notas progresivamente hasta que es sólo un trino en fa y sol que procede a desvanecerse hasta el silencio.
Este movimiento se basa claramente en el segundo movimiento, "Andante", de la Sonatina para piano a cuatro manos del compositor. Se utiliza nuevamente en el segundo movimiento de su Concierto para violín (1992).
El silencio del movimiento anterior se rompe por una fuerte disonancia en las octavas D y E. Así introducido, el tema principal se escucha en octavas, una danza vivaz y vigorosa en 7/8. Este tema principal se caracteriza por una melodía inferior escalar en la que cada nota está acompañada por un Mi superior. Después de varias transformaciones de esta melodía en la mano izquierda, esa mano toca el tema como figura de acompañamiento mientras que la mano derecha toca una melodía ligera. Versión divertida y rítmicamente mutada de la melodía escalar del tema principal. Este tema principal completo regresa en ambas manos en todo su esplendor, desvaneciéndose brevemente en una reformulación de la idea de la melodía secundaria antes de que el tema principal concluya decisivamente el movimiento.
Aunque el patrón de acento rítmico impulsa el movimiento, Ligeti elimina tiempos de ciertos compases para "reiniciar" el patrón en secciones en las que la repetición del tema por parte de la mano izquierda está desplazada de la derecha. Ligeti refuerza aún más los orígenes del movimiento en la danza folclórica al utilizar una gran cantidad de quintas abiertas en el acompañamiento que corresponden a las cuerdas abiertas de un violín o un violonchelo. De hecho, los numerosos "saltos" métricos y desplazamientos rítmicos pueden referirse a músicos folclóricos que accidentalmente entran en el momento equivocado.
Otro movimiento "serio", que comienza con la octava baja C ♯ , que el compositor calificó como "como campanas de sonido grave". De estas profundidades surge una melodía que consiste en una serie de pares de terceras menores en un ritmo constante de decimosexta/octava con puntillo (que guarda cierta similitud con los " Verbunkos " de la suite de danza Contrasts de Bartók ). Ambos motivos melódicos y rítmicos se utilizan a lo largo del movimiento. Después de la presentación inicial y lúgubre del tema, viene una repetición repentina y ruidosa de terceras menores en la mano derecha, junto con una reformulación del tema principal en la mano izquierda marcada "como si entrara en pánico". Después de estas exploraciones más agitadas del tema, prevalece una textura mucho más ligera con trémolos que acompañan a otra melodía menor centrada en la tercera. La pieza concluye cuando las "campanas" bajas de C ♯ continúan con su ineludible tañido.
El movimiento más abiertamente virtuoso de Musica ricercata . El uso aparentemente libre de la disonancia se remonta a la bitonalidad entre D y C ♯ , de la que se derivan muchos de los motivos conflictivos. Comenzando con una melodía cromática baja que conduce rítmicamente (alternando entre compases de 2/4 y 3/8), se introduce rápidamente una melodía arpegiada más alta como tema secundario . Después de una fuerte reformulación del tema de apertura, Ligeti pasa a un conjunto de material denominado " capriccioso e burlesco", que utiliza una melodía arpegiada con acompañamiento cromático , efectivamente una combinación de las dos ideas principales hasta el momento. A medida que Ligeti utiliza cada vez más la segunda disonancia menor entre los dos centros tonales de D y C ♯ mediante nuevas reformulaciones del primer, segundo y tercer tema, comienzan a desarrollarse grupos de tonos . Estos grupos agregan tonos a través de una sección marcada como "insistente, rencorosa" antes de culminar en un grupo único y grande que utiliza todas las clases de tonos cromáticos excepto C y D. Esto está marcado para repetirse "a menudo" y tocarse "como si estuviera loco". Después de alcanzar el máximo, un descanso proporciona un respiro antes de una reformulación del tema del arpegio que culmina en la primera clase de tono del movimiento, D.
En la primera interpretación de Seis bagatelas para quinteto de viento, el último movimiento (un arreglo de Musica ricercata X) se omitió por ser demasiado "peligroso" debido a su disonancia y cromatismo. [8]
El compositor barroco Girolamo Frescobaldi es considerado un importante innovador en el campo del ricercare , un precursor de la posterior forma de fuga de contrapunto imitativo . De hecho, este movimiento final de Musica ricercata está estructurado como un ricercare o fuga libre, y luego fue publicado en una versión para órgano titulada Ricercare per organo – Omaggio a Girolamo Frescobaldi en 1953.
El tema es una fila de tonos que emplea los doce tonos cromáticos. Las entradas sucesivas del tema ocurren en la quinta, como en una fuga propiamente dicha, pero siempre siguen inmediatamente a la declaración completa anterior del tema. El contrasujeto , una simple escala cromática descendente, siempre se escucha en una voz inmediatamente después de la enunciación del sujeto. Sin embargo, Ligeti no se adhiere a muchas limitaciones de la fuga, ya que las entradas sucesivas a menudo resultan en una gran cantidad de movimiento paralelo entre las voces. Los valores rítmicos disminuyen gradualmente con las sucesivas entradas del tema, estableciendo una dicotomía entre valores rítmicos más largos y más cortos en la mitad de la pieza. Después de una serie de stretti que extienden las voces exteriores hasta los límites del rango del piano, el tema se vuelve rítmicamente fragmentado e irregular, hasta llegar finalmente a la nota final de clase A, con la que comenzó toda la obra.
La obra completa ha sido grabada por Pierre-Laurent Aimard (1996), Fredrik Ullén (1998), Noelia Rodiles (2014) y Bruno Vlahek (2020). Selección de movimientos (IV, III, X, IX, V, VII) registrados por Kit Armstrong (2014). [9]