American Beauty es una película estadounidense de comedia dramática psicológica negra de 1999 escrita por Alan Ball y dirigida por Sam Mendes en su debut como director de largometrajes. Kevin Spacey interpreta a Lester Burnham, un ejecutivo de publicidad que tiene una crisis de mediana edad cuando se enamora de la mejor amiga de su hija adolescente, interpretada por Mena Suvari . Annette Bening interpreta a la materialista esposa de Lester, Carolyn, y Thora Birch interpreta a su insegura hija, Jane. Wes Bentley , Chris Cooper y Allison Janney coprotagonizan la película. Los académicos han descrito la película como una sátira de cómo la clase media estadounidense percibe la belleza y la satisfacción personal ; un análisis más profundo se ha centrado en las exploraciones de la película sobre el amor romántico y paternal, la sexualidad, el materialismo, la autoliberación y el aseo sexual .
Después de filmarse en California desde diciembre de 1998 hasta febrero de 1999, American Beauty fue estrenada por DreamWorks Pictures en Norteamérica el 17 de septiembre de 1999, recibiendo una gran aclamación de la crítica y del público. Fue la segunda película estadounidense mejor reseñada del año detrás de Being John Malkovich y recaudó más de 350 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de 15 millones de dólares, convirtiéndose en la novena película más taquillera de 1999. Los críticos elogiaron la mayoría de los aspectos de la producción, con especial énfasis en Mendes, Spacey y Ball; la crítica tendió a centrarse en la familiaridad de los personajes y el entorno. DreamWorks lanzó una importante campaña para aumentar las posibilidades de éxito de American Beauty en los Óscar tras su controvertido desaire a la Mejor Película por Salvar al soldado Ryan (1998) el año anterior.
En la 72.ª edición de los Premios Óscar , la película ganó cinco premios Óscar, entre ellos el de Mejor Película, junto con el de Mejor Director para Mendes, Mejor Actor para Spacey, Mejor Guion Original para Ball y Mejor Cinematografía para Hall. La película fue nominada y ganó muchos otros premios y honores, principalmente por dirección, guión y actuación.
Lester Burnham, un ejecutivo de los medios de comunicación de mediana edad que vive en los suburbios, desprecia su trabajo y está infelizmente casado con la neurótica y ambiciosa agente inmobiliaria Carolyn. Su hija de 16 años, Jane, odia a sus padres y tiene baja autoestima. El coronel retirado de la Marina Frank Fitts, su esposa casi catatónica Barbara y su hijo adolescente Ricky se mudan a la casa de al lado. Ricky documenta el mundo que lo rodea con una videocámara, recopilando grabaciones en cinta de vídeo en su dormitorio, mientras encuentra belleza en lugares y cosas inesperadas. Para pagar los suministros, vende marihuana, utilizando sus trabajos de catering a tiempo parcial como fachada. Frank, un disciplinario estricto y abusivo, anteriormente había enviado a Ricky a un hospital psiquiátrico y a una escuela militar. La pareja gay Jim Olmeyer y Jim Berkley, también vecinos, dan la bienvenida a la familia Fitts, lo que enfurece al homofóbico Frank.
Una noche, durante una rutina de porristas en un partido de baloncesto de la escuela, Lester se enamora de la amiga de Jane, Angela Hayes, que se jacta ante sus compañeros de clase de tener experiencia sexual. Comienza a tener fantasías sexuales con ella, en las que los pétalos de rosas rojas son un motivo recurrente. Carolyn comienza una aventura con su rival inmobiliario casado, Buddy Kane. Lester deja su trabajo, chantajea a su supervisor Brad para que le dé una generosa indemnización y comienza a trabajar como cocinero en un restaurante de comida rápida. También compra el coche de sus sueños, un Pontiac Firebird de 1970 , y comienza a hacer ejercicio con el entrenamiento de los Jims después de escuchar a Angela burlándose de Jane diciéndole que tendría relaciones sexuales con Lester si mejoraba su físico. Comienza a fumar marihuana suministrada por Ricky y a devolver los coqueteos de Angela. La amistad de las chicas se desvanece cuando Jane comienza una relación con Ricky; mientras que Angela piensa que es extraño, Jane lo aprecia por centrarse en la belleza que ve dentro de ella.
Lester descubre la infidelidad de Carolyn cuando ella pide una comida con Buddy en el drive thru del restaurante de comida rápida. Buddy teme un divorcio costoso y termina la relación, mientras que Carolyn se siente humillada y frustrada al mismo tiempo por su falta de éxito profesional. Frank encuentra la grabación de Ricky de un Lester desnudo haciendo ejercicio y sospecha de su amistad, asumiendo que están involucrados sexualmente después de espiar su sesión de drogas; acusa brutalmente a Ricky de ser gay y lo expulsa de la casa, a lo que Ricky accede desafiante. Carolyn, conduciendo a casa, saca una pistola de la guantera mientras escucha una cinta de autoayuda. En casa, Jane discute con Angela sobre el interés sexual de esta última en Lester cuando Ricky la interrumpe para pedirle que se vaya con él a la ciudad de Nueva York, antes de descartar a Angela como poco interesante y poco atractiva.
Frank se acerca tentativamente a Lester en el garaje de los Burnham, luego se derrumba y lo abraza entre lágrimas. Lester consuela a Frank hasta que Frank intenta besarlo, por lo que lo rechaza suavemente. Lester encuentra a Angela sola y la consuela, luego profesa su atracción por ella durante su conversación. Cuando comienza a desvestirla en el sofá, ella admite su virginidad. Lester se da cuenta de que había fingido tener experiencia sexual y no puede continuar. Se conecta con ella mientras comparten sus frustraciones. Angela va al baño mientras Lester sonríe ante una fotografía familiar, cuando una figura invisible le dispara en la nuca a quemarropa.
Ricky y Jane, que ya habían pensado en matar a Lester ellos mismos, encuentran su cuerpo. En el armario principal, Carolyn se deshace de su arma y abraza la ropa de Lester. Frank regresa a casa empapado en sangre, ya que le falta una pistola en su colección. La narración final de Lester describe experiencias significativas durante su vida, por las que expresa gratitud. A pesar de haber sido asesinado, finalmente es feliz sabiendo que la belleza se puede encontrar en cualquier parte del mundo.
Los académicos y los estudiosos han ofrecido muchas lecturas posibles de Belleza americana ; los críticos de cine están igualmente divididos, no tanto sobre la calidad de la película, sino sobre sus interpretaciones de la misma. [3] Descrita por muchos como una película sobre "el sentido de la vida" o "la existencia vacía de los suburbios estadounidenses", [4] la película ha desafiado la categorización incluso por parte de los cineastas. Mendes es indeciso, y dice que el guión parecía tratar de algo diferente cada vez que lo leía: "una historia de misterio, un viaje caleidoscópico a través de los suburbios estadounidenses, una serie de historias de amor; ... era sobre el encarcelamiento, ... la soledad, [y] la belleza. Era divertida; era enojada, triste". [5]
El crítico literario y autor Wayne C. Booth concluye que la película se resiste a cualquier interpretación: "[ Belleza americana ] no puede resumirse adecuadamente como 'aquí hay una sátira sobre lo que está mal en la vida estadounidense'; eso resta importancia a la celebración de la belleza. Es más tentador resumirla como 'un retrato de la belleza que subyace a las miserias y fechorías estadounidenses', pero eso resta importancia a las escenas de crueldad y horror, y al disgusto de Ball por las costumbres . No puede resumirse con las declaraciones filosóficas de Lester o Ricky sobre qué es la vida o cómo se debe vivir". [3] Sostiene que el problema de interpretar la película está ligado al de encontrar su centro, una voz controladora que "[úne] todas las opciones". [nb 1] [5] Sostiene que en el caso de Belleza americana , no se trata ni de Mendes ni de Ball. [6] Mendes considera que la voz es la de Ball, pero incluso cuando el escritor fue "fuertemente influyente" en el set, [5] a menudo tuvo que aceptar desviaciones de su visión, [6] particularmente aquellas que transformaron el tono cínico de su guión en algo más optimista. [7] Con "innumerables voces que se entrometen en la del autor original", dice Booth, quienes interpretan American Beauty "se han olvidado de buscar el centro elusivo". Según Booth, el verdadero controlador de la película es la energía creativa "que cientos de personas pusieron en su producción, acordando y discrepando, insertando y cortando". [3]
Mendes calificó a American Beauty como una película de rito de iniciación sobre el encarcelamiento y la huida del encarcelamiento. La monotonía de la existencia de Lester se establece a través de su lugar de trabajo gris y anodino y su ropa sin personalidad. [8] En estas escenas, a menudo se lo enmarca como si estuviera atrapado, "repitiendo rituales que no le agradan". Se masturba en los confines de su ducha; [10] la cabina de la ducha evoca una celda de prisión y la toma es la primera de muchas en las que Lester está confinado tras rejas o dentro de marcos, [8] [9] como cuando se refleja detrás de columnas de números en un monitor de computadora, "confinado [y] casi tachado". [10]
El académico y autor Jody W. Pennington sostiene que el viaje de Lester es el centro de la historia. [11] Su despertar sexual a través del encuentro con Angela es el primero de varios puntos de inflexión a medida que comienza a "[deshacerse] de las responsabilidades de la vida cómoda que ha llegado a despreciar". [12] Después de que Lester comparte un porro con Ricky, su espíritu se libera y comienza a rebelarse contra Carolyn. [13] Cambiado por la "atractiva y profunda confianza" de Ricky, está convencido de que Angela es alcanzable y ve que debe cuestionar su "existencia suburbana banal y abrumadoramente materialista"; acepta un trabajo en un local de comida rápida, lo que le permite retroceder a un punto en el que podía "ver toda su vida por delante". [14]
Cuando Carolyn descubre a Lester masturbándose, su respuesta enfadada sobre su falta de intimidad es la primera vez que dice en voz alta lo que piensa de ella. [15] Al afrontar el problema y las "inversiones superficiales de Carolyn en los demás", está intentando "recuperar una voz en un hogar que [solo respeta] las voces de madre e hija". [14] Su punto de inflexión final llega cuando él y Angela casi tienen sexo; [16] después de que ella confiesa su virginidad, él ya no piensa en ella como un objeto sexual, sino como una hija. [17] La abraza y la "envuelve". Mendes lo llamó "el final más satisfactorio para el viaje [de Lester] que podría haber habido". Con estas escenas finales, Mendes pretendía mostrarlo al final de una "búsqueda mítica". Después de que Lester saca una cerveza del refrigerador, la cámara se dirige hacia él, luego se detiene frente a un pasillo por el que camina "para encontrarse con su destino". [16] [18] Después de haber comenzado a actuar de acuerdo a su edad nuevamente, Lester logra cerrar el capítulo. [17] Mientras sonríe ante una foto familiar, la cámara se desplaza lentamente de Lester a la pared de la cocina, sobre la que salpica sangre mientras suena un disparo; la lenta panorámica refleja la paz de su muerte. [19] Su cuerpo es descubierto por Jane y Ricky. Mendes dijo que la mirada de Ricky a los ojos muertos de Lester es "la culminación del tema" de la película: que la belleza se encuentra donde menos se la espera. [20]
Al igual que otras películas estadounidenses de 1999 —como Fight Club , Bringing Out the Dead y Magnolia , American Beauty instruye a su audiencia a "[llevar] vidas más significativas". [21] La película argumenta en contra del conformismo, pero no niega que la gente lo necesite y lo desee; incluso los personajes homosexuales solo quieren encajar. [22] Jim y Jim, los otros vecinos de los Burnham, son una sátira de la "pareja burguesa gay", [23] que "[invierten] en la monotonía adormecedora" que la película critica en las parejas heterosexuales. [nb 2] [24] La académica feminista y autora Sally R. Munt sostiene que American Beauty utiliza sus atributos de "cine de arte" para dirigir su mensaje de inconformidad principalmente a las clases medias, y que este enfoque es un " cliché de la preocupación burguesa; ... la premisa subyacente es que el lujo de encontrar un 'yo' individual a través de la negación y la renuncia siempre está abierto a aquellos lo suficientemente ricos como para elegir, y lo suficientemente astutos como para presentarse con simpatía como rebeldes". [12]
El profesor Roy M. Anker sostiene que el eje temático de la película es su llamado a la audiencia para que "mire más de cerca". La introducción combina un punto de vista desconocido del vecindario de los Burnham con la admisión narrada de Lester de que este es el último año de su vida, obligando a la audiencia a considerar su propia mortalidad y la belleza que los rodea. [25] También plantea una serie de misterios; Anker pregunta: "¿Desde qué lugar exactamente y desde qué estado del ser está contando esta historia? Si ya está muerto, ¿por qué molestarse con lo que sea que desee contar sobre su último año de vida? También está la cuestión de cómo ha muerto Lester, o morirá". Anker cree que la escena anterior (la discusión de Jane con Ricky sobre la posibilidad de que él haya matado a su padre) agrega más misterio. [26]
La profesora Ann C. Hall no está de acuerdo; dice que al presentar una resolución temprana del misterio, la película permite al público dejarlo de lado "para ver la película y sus cuestiones filosóficas". [27] A través de este examen de la vida, el renacimiento y la muerte de Lester, American Beauty satiriza las nociones de significado, belleza y satisfacción de la clase media estadounidense. [28] Incluso la transformación de Lester solo se produce debido a la posibilidad de tener sexo con Angela; por lo tanto, sigue siendo un "devoto voluntario de la exaltación de la sexualidad masculina pubescente de los medios populares como una ruta sensata hacia la plenitud personal". [29] Carolyn se ve impulsada de manera similar por puntos de vista convencionales sobre la felicidad; desde su creencia en la felicidad doméstica de la " casa hermosa " hasta su automóvil y su atuendo de jardinería, el dominio de Carolyn es una "atractiva visión milenaria estadounidense de Pleasantville, o el Edén ". [30] Los Burnham no son conscientes de que son "materialistas filosóficamente y consumidores devotos éticamente" que esperan que los "rudimentos de la belleza estadounidense" les den felicidad. Anker sostiene que "están indefensos ante los estereotipos económicos y sexuales embellecidos... que ellos y su cultura han designado para su salvación". [31]
La película presenta a Ricky como su "visionario, ... centro espiritual y místico". [32] Él ve la belleza en las minucias de la vida cotidiana, filmando todo lo que puede por miedo a perderse algo. Le muestra a Jane lo que considera la cosa más hermosa que ha filmado: una bolsa de plástico, agitada por el viento frente a una pared. Dice que capturar el momento fue cuando se dio cuenta de que había "toda una vida detrás de las cosas"; siente que "a veces hay tanta belleza en el mundo que siento que no puedo soportarla... y mi corazón se va a derrumbar". Anker sostiene que Ricky, al mirar más allá de la "escoria cultural", ha "captado el esplendor radiante del mundo creado" para ver a Dios. [33] A medida que avanza la película, los Burnham se acercan más a la visión del mundo de Ricky. [34] Lester solo renuncia a la satisfacción personal al final de la película. A punto de tener relaciones sexuales con Angela, vuelve en sí después de que ella admite su virginidad. De repente, al encontrarse con una niña, comienza a tratarla como a una hija; al hacerlo, Lester se ve a sí mismo, a Angela y a su familia "como las pobres y frágiles pero maravillosas criaturas que son". Mira una fotografía de su familia en tiempos más felices, [35] y muere habiendo tenido una epifanía que lo infunde "asombro, alegría y una gratitud que conmueve el alma": finalmente ha visto el mundo como es. [28]
Según Patti Bellantoni, los colores se utilizan simbólicamente a lo largo de la película, [36] ninguno más que el rojo, que es una firma temática importante que impulsa la historia y "[define] el arco de Lester". Visto por primera vez en colores monótonos que reflejan su pasividad, Lester se rodea de rojo a medida que recupera su individualidad. [37] La rosa de American Beauty se utiliza repetidamente como símbolo; cuando Lester fantasea con Angela, ella suele estar desnuda y rodeada de pétalos de rosa. En estas escenas, la rosa simboliza el deseo de Lester por ella. Cuando se asocia con Carolyn, la rosa representa una "fachada para el éxito suburbano". [11] Las rosas están incluidas en casi todas las tomas dentro de la casa de los Burnham, donde significan "una máscara que cubre una realidad sombría y poco hermosa". [31] Carolyn siente que "mientras pueda haber rosas, todo está bien". [31] Ella corta las rosas y las pone en jarrones, [11] donde adornan su "visión meretriz de lo que hace la belleza" [31] y comienzan a morir. [11] Las rosas en el jarrón en la escena de seducción de Angela y Lester simbolizan la vida anterior de Lester y Carolyn; la cámara se acerca a medida que Lester y Angela se acercan, finalmente sacando las rosas -y por lo tanto a Carolyn- del plano. [16] La epifanía de Lester al final de la película se expresa mediante la lluvia y el uso del rojo, construyendo un crescendo que es un contraste deliberado con la liberación que siente Lester. [38] El uso constante del rojo "adormece [al público] subliminalmente" para que se acostumbre a él; en consecuencia, deja al público desprevenido cuando le disparan a Lester y su sangre salpica la pared. [37]
Pennington sostiene que American Beauty define a sus personajes a través de su sexualidad. Los intentos de Lester de revivir su juventud son un resultado directo de su lujuria por Angela, [11] y el estado de su relación con Carolyn se muestra en parte a través de su falta de contacto sexual. También sexualmente frustrada, Carolyn tiene una aventura que la lleva de ser una "perfeccionista fría" a un alma más despreocupada que "canta felizmente" con la música de su auto. [39] Jane y Angela constantemente hacen referencia al sexo, a través de las descripciones de Angela de sus supuestos encuentros sexuales y la forma en que las chicas se dirigen entre sí. [39] Sus escenas de desnudos se utilizan para comunicar su vulnerabilidad. [16] [40] Al final de la película, el control de Angela sobre Jane se ha debilitado hasta que el único poder que tiene sobre su amiga es la atracción que Lester siente por ella. [41] El coronel Fitts reacciona con disgusto al encontrarse con Jim y Jim; pregunta: "¿Cómo es que estos maricones siempre tienen que restregártelo en la cara? ¿Cómo pueden ser tan desvergonzados?" A lo que Ricky responde: "Esa es la cuestión, papá: no sienten que sea algo de lo que avergonzarse". Pennington sostiene que la reacción del coronel Fitts no es homofóbica, sino un "autointerrogatorio angustiado". [42]
Junto con otras películas de finales del milenio como Fight Club (1999), In the Company of Men (1997), American Psycho (2000) y Boys Don't Cry (1999), American Beauty "plantea la cuestión más amplia y ampliamente explorada de la masculinidad en crisis". [43] El profesor Vincent Hausmann sostiene que, en su refuerzo de la masculinidad "frente a las amenazas planteadas por la guerra, el consumismo y los desafíos feministas y queer", estas películas presentan una necesidad de "centrarse en, e incluso privilegiar" aspectos de la masculinidad "considerados 'desviados ' ". La transformación de Lester transmite "que él, y no la mujer, ha soportado el peso de [la falta de ser]" [nb 3] y no tolerará que lo emasculen. [43] Los intentos de Lester de "fortalecer la masculinidad tradicional" entran en conflicto con sus responsabilidades como padre. Aunque la película retrata positivamente la forma en que Lester vuelve a ese papel, no se convierte en "la figura hipermasculina implícitamente celebrada en películas como El club de la lucha ". Hausmann concluye que el comportamiento de Lester hacia Angela es "un paso equivocado pero casi necesario para que vuelva a ser padre". [10]
Hausmann dice que la película "afirma explícitamente la importancia de mantener la prohibición del incesto"; [44] un tema recurrente en la obra de Ball es su comparación de los tabúes contra el incesto y la homosexualidad. [45] En lugar de hacer una distinción abierta, American Beauty analiza cómo su represión puede conducir a la violencia. [46] El coronel Fitts está tan avergonzado de su homosexualidad que eso lo lleva a asesinar a Lester. [42] Ball dijo: "La película trata en parte sobre cómo la homofobia se basa en el miedo y la represión y sobre lo que [ellos] pueden hacer". [47] La película implica dos deseos incestuosos insatisfechos: [22] la búsqueda de Angela por parte de Lester es una manifestación de su lujuria por su propia hija, [48] mientras que la represión del coronel Fitts se exhibe a través de la disciplina casi sexualizada con la que controla a Ricky. [22] En consecuencia, Ricky se da cuenta de que sólo puede herir a su padre diciéndole falsamente que es homosexual, mientras que la vulnerabilidad y sumisión de Angela a Lester le recuerdan sus responsabilidades y los límites de su fantasía. [41] El coronel Fitts representa al padre de Ball, [49] cuyos deseos homosexuales reprimidos llevaron a su propia infelicidad. [50] Ball reescribió al coronel Fitts para retrasar la revelación de su homosexualidad. [46]
American Beauty sigue una estructura narrativa tradicional, desviándose únicamente con la escena inicial desplazada de Jane y Ricky de la mitad de la historia. Aunque la trama abarca un año, la película es narrada por Lester en el momento de su muerte. Jacqueline Furby dice que la trama "no ocupa ... tiempo [o] todo el tiempo", citando la afirmación de Lester de que la vida no pasó ante sus ojos, sino que "se extiende eternamente como un océano de tiempo". [51] Furby sostiene que un "ritmo de repetición" forma el núcleo de la estructura de la película. [52] Por ejemplo, dos escenas tienen a los Burnham sentados a cenar, filmadas desde el mismo ángulo. Cada imagen es en general similar, con pequeñas diferencias en la ubicación de los objetos y el lenguaje corporal que reflejan la dinámica cambiada provocada por la nueva asertividad de Lester. [53] [54] Otro ejemplo es el par de escenas en las que Jane y Ricky se filman mutuamente. Ricky filma a Jane desde la ventana de su dormitorio mientras ella se quita el sujetador, y la imagen se invierte más tarde para una escena igualmente "voyeurista y exhibicionista" en la que Jane filma a Ricky en un momento vulnerable. [51]
Las fantasías de Lester se enfatizan con tomas en cámara lenta y repetitivas; [56] Mendes utiliza cortes dobles y triples en varias secuencias, [15] [57] y la partitura se altera para hacer que el público sea consciente de que está entrando en una fantasía. [58] Un ejemplo es la escena del gimnasio: el primer encuentro de Lester con Angela. Mientras las animadoras realizan su rutina de medio tiempo con " On Broadway ", Lester se obsesiona cada vez más con Angela. El tiempo se ralentiza para representar su "hipnosis voyeurista" y Lester comienza a fantasear con que la actuación de Angela es solo para él. [59] "On Broadway", que proporciona una música de fondo convencional a la acción en pantalla, es reemplazada por una música discordante y percusiva que carece de melodía o progresión. Esta partitura no diegética es importante para crear la estasis narrativa en la secuencia; [60] transmite un momento para Lester que se extiende a una duración indeterminada. El efecto es uno que Stan Link compara con el "tiempo vertical", descrito por el compositor y teórico musical Jonathan Kramer como música que imparte "un presente único extendido en una duración enorme, un 'ahora' potencialmente infinito que, no obstante, se siente como un instante". [nb 4] La música se utiliza como una señal visual, de modo que Lester y la partitura miran fijamente a Angela. La secuencia termina con la repentina reintroducción de "On Broadway" y el tiempo teleológico . [55]
Según Drew Miller de Stylus , la banda sonora "da voz inconsciente" a la psique de los personajes y complementa el subtexto. El uso más obvio de la música pop "acompaña y da contexto" a los intentos de Lester de recuperar su juventud; recordando cómo la contracultura de los años 60 combatió la represión estadounidense a través de la música y las drogas, Lester comienza a fumar cannabis y escuchar música rock. [nb 5] Las elecciones de canciones de Mendes "progresan a través de la historia de la música popular estadounidense". Miller sostiene que, aunque algunas pueden resultar demasiado familiares, hay un elemento paródico en juego, "haciendo realidad el estímulo [de la película] de que los espectadores miren más de cerca". Hacia el final de la película, la banda sonora de Thomas Newman ocupa un lugar más destacado, creando "un ritmo perturbador" que coincide con la tensión de las imágenes. La excepción es " Don't Let It Bring You Down ", que suena durante la seducción de Lester por parte de Angela. En un principio, el tono de la canción resulta apropiado, pero la seducción cesa. La letra, que habla de "castillos en llamas", puede verse como una metáfora de la visión que Lester tiene de Angela -"el exterior rosado y lleno de fantasía de 'American Beauty ' "- que se desvanece para revelar "la chica tímida y de pechos pequeños que, como su esposa, ha desarrollado voluntariamente un falso yo público". [61]
Alan Ball comenzó a escribir American Beauty como obra de teatro a principios de los años 1990, en parte inspirado por el circo mediático que acompañó el juicio de Amy Fisher en 1992. [62] Dejó de lado la obra después de decidir que la historia no funcionaría en el escenario. Después de pasar los siguientes años escribiendo para televisión, Ball revivió la idea en 1997 cuando intentó entrar en la industria cinematográfica después de varios años frustrantes escribiendo para las comedias de televisión Grace Under Fire y Cybill . Se unió a United Talent Agency , donde su representante, Andrew Cannava, le sugirió que escribiera un guion especulativo para "reintroducirse [a sí mismo] en la ciudad como guionista". Ball presentó tres ideas a Cannava: dos comedias románticas convencionales y American Beauty. [nb 6] [64] A pesar de la falta de un concepto fácilmente comercializable en la historia, Cannava seleccionó American Beauty porque sintió que era por la que Ball tenía más pasión. [65] Mientras desarrollaba el guion, Ball creó otra comedia de televisión, Oh, Grow Up . Canalizó su ira y frustración por tener que acceder a las demandas de la cadena en ese programa (y durante sus períodos en Grace Under Fire y Cybill ) en la escritura de American Beauty . [64]
Ball no esperaba vender el guion, creyendo que actuaría más como una tarjeta de presentación, pero American Beauty atrajo el interés de varios organismos de producción. [66] Cannava pasó el guion a varios productores, incluidos Dan Jinks y Bruce Cohen , quienes lo llevaron a DreamWorks . [67] Con la ayuda de los ejecutivos Glenn Williamson y Bob Cooper, y Steven Spielberg en su calidad de socio del estudio, Ball se convenció de desarrollar el proyecto en DreamWorks; [68] recibió garantías del estudio, conocido en ese momento por su material más convencional, de que no "resolvería los problemas". [nb 7] [66] En un movimiento inusual, DreamWorks decidió no optar por el guion; [69] en cambio, en abril de 1998, el estudio lo compró directamente [70] por $ 250,000, [71] superando las ofertas de Fox Searchlight Pictures , October Films , The Samuel Goldwyn Company y Lakeshore Entertainment . [72] DreamWorks planeó hacer la película por entre 6 y 8 millones de dólares. [73]
Jinks y Cohen involucraron a Ball durante todo el desarrollo de la película, incluyendo el casting y la selección del director. Los productores se reunieron con unos veinte directores interesados, [74] varios de los cuales eran considerados de primera línea en ese momento. Ball no estaba entusiasmado con los directores más conocidos porque creía que su participación aumentaría el presupuesto y llevaría a DreamWorks a ponerse "nervioso por el contenido". [75] Sin embargo, DreamWorks ofreció la película a Mike Nichols y Robert Zemeckis ; ninguno aceptó. [73] En el mismo año, Sam Mendes (entonces director de teatro) revivió el musical Cabaret en Nueva York con su compañero director Rob Marshall . Beth Swofford de la Creative Artists Agency organizó reuniones para Mendes con figuras del estudio en Los Ángeles para ver si la dirección cinematográfica era una posibilidad. [nb 8] Mendes se encontró con American Beauty en una pila de ocho guiones en la casa de Swofford, [77] y supo de inmediato que era la que quería hacer; Al principio de su carrera, se había inspirado en cómo la película París, Texas (1984) presentaba a los Estados Unidos contemporáneos como un paisaje mítico y vio el mismo tema en Belleza americana , así como paralelismos con su propia infancia. [78] Mendes más tarde se reunió con Spielberg; impresionado por las producciones de Mendes de Oliver! y Cabaret , [63] Spielberg lo alentó a considerar Belleza americana . [73]
Mendes descubrió que todavía tenía que convencer a los ejecutivos de producción de DreamWorks para que le permitieran dirigir. [73] Ya había discutido la película con Jinks y Cohen, y sintió que lo apoyaban. [79] Ball también estaba entusiasmado; habiendo visto Cabaret , quedó impresionado con el "agudo sentido visual" de Mendes y pensó que no tomó decisiones obvias. Ball sintió que a Mendes le gustaba mirar debajo de la superficie de la historia, un talento que sintió que encajaría bien con los temas de American Beauty . [75] Los antecedentes de Mendes también lo tranquilizaron, debido al papel destacado que suele tener el dramaturgo en una producción teatral. [74] En dos reuniones, la primera con Cooper, Walter Parkes y Laurie MacDonald , [79] la segunda solo con Cooper [80], Mendes se presentó al estudio. [79] El estudio pronto se acercó a Mendes con un trato para dirigir por el salario mínimo permitido por las reglas del Directors Guild of America : $ 150,000. Mendes aceptó, y más tarde recordó que después de los impuestos y la comisión de su agente, sólo ganó 38.000 dólares. [80] En junio de 1998, DreamWorks confirmó que había contratado a Mendes para dirigir la película. [81]
"Creo que estaba escribiendo sobre... cómo se está volviendo cada vez más difícil vivir una vida auténtica cuando vivimos en un mundo que parece centrarse en la apariencia... A pesar de todas las diferencias entre ahora y los [años 50], en muchos sentidos esta es una época igualmente opresivamente conformista... Ves a tanta gente que se esfuerza por vivir una vida no auténtica y luego, cuando llegan a ese punto, se preguntan por qué no son felices... No me di cuenta cuando me senté a escribir [ Belleza americana ], pero estas ideas son importantes para mí".
—Alan Ball, 2000 [82]
Ball se inspiró en parte en dos encuentros que tuvo a principios de los años 1990. En 1991-92, Ball vio una bolsa de plástico ondeando al viento fuera del World Trade Center . Observó la bolsa durante diez minutos y dijo más tarde que provocó una "respuesta emocional inesperada". [83] En 1992, Ball se preocupó por el circo mediático que acompañó al juicio de Amy Fisher . [65] Al descubrir un cómic que contaba el escándalo, le sorprendió lo rápido que se había comercializado. [62] Dijo que "sentía que había una historia real debajo [que era] más fascinante y mucho más trágica" que la historia presentada al público, [65] e intentó convertir la idea en una obra de teatro. Ball produjo alrededor de 40 páginas, [62] pero se detuvo cuando se dio cuenta de que funcionaría mejor como película. [65] Sintió que debido a los temas visuales, y porque la historia de cada personaje era "intensamente personal", no podía hacerse en un escenario. Todos los personajes principales aparecieron en esta versión, pero Carolyn no tuvo una presencia destacada; Jim y Jim en cambio tuvieron papeles mucho más importantes. [84]
Ball basó la historia de Lester en aspectos de su propia vida. [85] La reexaminación de Lester de su vida es paralela a los sentimientos que Ball tuvo a mediados de sus 30 años; [86] como Lester, Ball dejó de lado sus pasiones para trabajar en empleos que odiaba para personas a las que no respetaba. [85] Las escenas en la casa de Ricky reflejan las propias experiencias de la infancia de Ball. [66] Ball sospechó que su padre era homosexual y utilizó la idea para crear al coronel Fitts, un hombre que "renunció a su oportunidad de ser él mismo". [87] Ball dijo que la mezcla de comedia y drama del guion no fue intencional, sino que surgió inconscientemente de su propia perspectiva de la vida. Dijo que la yuxtaposición produjo un contraste más marcado, lo que le dio a cada rasgo más impacto que si aparecieran solos. [88]
En el guion que se envió a los posibles actores y directores, Lester y Angela tenían relaciones sexuales; [89] en el momento del rodaje, Ball había reescrito la escena a la versión final. [90] Ball inicialmente rechazó el consejo de otros de que cambiara el guion, sintiendo que estaban siendo puritanos; el impulso final para alterar la escena vino del entonces presidente de DreamWorks, Walter Parkes. Convenció a Ball indicando que en la mitología griega , el héroe "tiene un momento de epifanía antes de que ... ocurra la tragedia". [91] Ball dijo más tarde que su enojo al escribir el primer borrador lo había cegado a la idea de que Lester necesitaba negarse a tener relaciones sexuales con Angela para completar su viaje emocional, para lograr la redención. [90] Jinks y Cohen le pidieron a Ball que no alterara la escena de inmediato, ya que sentían que sería inapropiado hacer cambios en el guion antes de que se contratara a un director. [92] Los primeros borradores también incluyeron un flashback al servicio del coronel Fitts en los Marines, una secuencia que estableció inequívocamente sus inclinaciones homosexuales. Enamorado de otro marine, el coronel Fitts ve morir al hombre y llega a creer que está siendo castigado por el "pecado" de ser homosexual. Ball eliminó la secuencia porque no encajaba con la estructura del resto de la película (el coronel Fitts era el único personaje que tenía un flashback [93] ) y porque eliminaba el elemento sorpresa del intento posterior del coronel Fitts de atacar a Lester. [92] Ball dijo que tuvo que escribirla para su propio beneficio, para saber qué le había pasado al coronel Fitts, aunque todo lo que quedó en los borradores posteriores fue un subtexto. [93]
Ball se mantuvo involucrado durante toda la producción; [74] había firmado un contrato de desarrollo de programa de televisión, por lo que tuvo que obtener permiso de sus productores para tomarse un año libre para estar cerca de American Beauty . [89] Ball estuvo en el set para reescribir y ayudar a interpretar su guion durante todos los días de filmación, excepto dos. [94] Sus escenas originales de cierre, en las que Ricky y Jane son procesados por el asesinato de Lester después de ser incriminados por el coronel Fitts [95], fueron eliminadas en la posproducción ; [65] el escritor luego sintió que las escenas eran innecesarias, diciendo que eran un reflejo de su "ira y cinismo" en el momento de escribir . [88] Ball y Mendes revisaron el guion dos veces antes de enviarlo a los actores, y dos veces más antes de la primera lectura. [75] El guion fue escrito entre junio de 1997 y febrero de 1998. [96]
El guión de rodaje incluye una escena en el coche de Angela en la que Ricky y Jane hablan sobre la muerte y la belleza; la escena se diferenciaba de las versiones anteriores, que la presentaban como una "gran escena en una autopista" [97] en la que los tres presencian un accidente de coche y ven un cadáver. [98] El cambio fue una decisión práctica, ya que la producción iba retrasada y necesitaban recortar costes. [97] El cronograma exigía que se dedicaran dos días a filmar el accidente, pero solo había medio día disponible. [98] Ball estuvo de acuerdo, pero solo si la escena podía retener una línea de Ricky en la que reflexiona sobre haber visto una vez a una mujer sin hogar muerta: "Cuando ves algo así, es como si Dios te estuviera mirando directamente, solo por un segundo. Y si tienes cuidado, puedes mirar de vuelta". Jane pregunta: "¿Y qué ves?" Ricky: "Belleza". Ball dijo: "Querían cortar esa escena. Dijeron que no era importante. Yo dije: 'Estás loco. ¡Es una de las escenas más importantes de la película!'... Si hay una línea que es el corazón y el alma de esta película, esa es". [97] Otra escena fue reescrita para acomodarse a la pérdida de la secuencia de la autopista; ambientada en el patio de un colegio, presenta un "punto de inflexión" para Jane en el que elige caminar a casa con Ricky en lugar de ir con Angela. [98] Al final del rodaje, el guion había pasado por diez borradores. [75]
Mendes tenía a Kevin Spacey y Bening en mente para los papeles principales desde el principio, pero los ejecutivos de DreamWorks no estaban entusiasmados. DreamWorks sugirió varias alternativas, incluyendo a Bruce Willis , Kevin Costner y John Travolta para interpretar a Lester (el papel también se le ofreció a Chevy Chase , pero lo rechazó), [99] [100] mientras que se propuso a Helen Hunt o Holly Hunter para interpretar a Carolyn. Mendes no quería una gran estrella que "aplastara la película"; sintió que Spacey era la elección correcta en base a sus actuaciones en las películas de 1995 The Usual Suspects y Seven , y Glengarry Glen Ross de 1992. [101] Spacey se sorprendió; dijo: "Normalmente interpreto personajes que son muy rápidos, muy manipuladores e inteligentes... Normalmente me meto en aguas oscuras, algo traicioneras. Este es un hombre que vive paso a paso, jugando según sus instintos. En realidad, esto está mucho más cerca de mí, de lo que soy, que esos otros papeles". [71] Mendes le ofreció a Annette Bening el papel de Carolyn sin el consentimiento de DreamWorks; aunque los ejecutivos estaban molestos con Mendes, [101] en septiembre de 1998, DreamWorks había iniciado negociaciones con Spacey y Bening. [102] [103]
Spacey basó libremente el comportamiento "desaliñado" inicial de Lester en Walter Matthau . [104] Durante la película, el físico de Lester mejora de flácido a tonificado; [105] Spacey hizo ejercicio durante el rodaje para mejorar su cuerpo, [106] pero debido a que Mendes filmó las escenas fuera de orden cronológico, Spacey varió las posturas para retratar los escenarios. [105] Antes de filmar, Mendes y Spacey analizaron la actuación de Jack Lemmon en The Apartment (1960), porque Mendes quería que Spacey emulara "la forma en que [Lemmon] se movía, la forma en que se veía, la forma en que estaba en esa oficina y la forma en que era un hombre común y, sin embargo, un hombre especial". [71] La voz en off de Spacey es un retroceso a Sunset Boulevard (1950), que también es narrada en retrospectiva por un personaje muerto. Mendes sintió que evocaba la soledad de Lester y de la película. [8] Bening recordó a mujeres de su juventud para inspirar su actuación: "Solía cuidar niños constantemente. Ibas a la iglesia y veías cómo se presentaba la gente por fuera, y luego estabas dentro de su casa y veías la diferencia". Bening y un peluquero colaboraron para crear un peinado de "presidenta de la PTA ", y Mendes y la diseñadora de producción Naomi Shohan investigaron catálogos de pedidos por correo para establecer mejor el entorno de Carolyn de una "mansión suburbana impecable". [107] Para ayudar a Bening a entrar en la mentalidad de Carolyn, Mendes le dio música que creía que le gustaría a Carolyn. [108] Le prestó a Bening la versión de Bobby Darin de la canción " Don't Rain on My Parade ", que disfrutó y convenció al director para que la incluyera para una escena en la que Carolyn canta en su auto. [107]
A Kirsten Dunst le ofrecieron el papel de Angela Hayes, pero lo rechazó debido al personaje y las conductas sexuales de Lester. [109] [110] Sarah Michelle Gellar también rechazó el mismo papel, debido a conflictos de programación con Buffy The Vampire Slayer . [111]
Para los papeles de Jane, Ricky y Angela, DreamWorks le dio a Mendes carta blanca . [112] Para noviembre de 1998, Thora Birch , Wes Bentley y Mena Suvari habían sido elegidos para los papeles [113] —en el caso de Birch, a pesar de que tenía 16 años y fue considerada menor de edad para una breve escena de desnudo, que sus padres tuvieron que aprobar. Representantes de trabajo infantil acompañaron a los padres de Birch en el set durante la filmación de la escena de desnudo. [114] [115] Bentley superó la competencia de los mejores actores menores de 25 años para ser elegido. [113] El documental de 2009 My Big Break siguió a Bentley, y a varios otros actores jóvenes, antes y después de conseguir el papel. [116] Para prepararse, Mendes le proporcionó a Bentley una cámara de video, diciéndole al actor que filmara lo que haría Ricky. [108] Peter Gallagher y Allison Janney fueron elegidos (como Buddy Kane y Barbara Fitts) después de que comenzara la filmación en diciembre de 1998. [117] [118] Mendes le dio a Janney un libro de pinturas de Edvard Munch . Le dijo: "Tu personaje está ahí en alguna parte". [108] Mendes cortó gran parte del diálogo de Barbara, [119] incluidas las conversaciones entre el coronel Frank Fitts y ella, ya que sintió que lo que necesitaba decirse sobre la pareja (su humanidad y vulnerabilidad) se transmitía con éxito a través de sus momentos compartidos de silencio. [120] Chris Cooper interpreta al coronel Frank Fitts, Scott Bakula interpreta a Jim Olmeyer y Sam Robards interpreta a Jim Berkley. [121] Jim y Jim fueron representados deliberadamente como la pareja más normal, feliz y aburrida de la película. [47] La inspiración de Ball para los personajes surgió de un pensamiento que tuvo después de ver a una "pareja heterosexual aburrida y sosa" que vestía ropa a juego: "No puedo esperar a que llegue el momento en que una pareja gay pueda ser igual de aburrida". Ball también incluyó aspectos de una pareja gay que conocía y que tenían el mismo nombre de pila. [87]
Mendes insistió en dos semanas de ensayos con el elenco, aunque las sesiones no eran tan formales como las que él estaba acostumbrado a hacer en el teatro, y los actores no podían estar presentes en todas. [108] Varias improvisaciones y sugerencias de los actores se incorporaron al guion. [75] Una escena temprana que mostraba a los Burnham saliendo de casa para ir a trabajar se insertó más tarde para mostrar el punto más bajo al que había llegado la relación de Carolyn y Lester. [8] Spacey y Bening trabajaron para crear una sensación del amor que Lester y Carolyn alguna vez tuvieron el uno por el otro; por ejemplo, la escena en la que Lester casi seduce a Carolyn después de que la pareja discutiera sobre la compra de un automóvil por parte de Lester fue originalmente "estrictamente polémica". [122]
La fotografía principal duró unos 50 días, [123] desde el 14 de diciembre de 1998 [124] hasta febrero de 1999. [125] American Beauty se filmó en estudios de sonido en el backlot de Warner Bros. en Burbank, California, y en Hancock Park y Brentwood en Los Ángeles. [38] Las tomas aéreas al principio y al final de la película se capturaron en Sacramento, California , [126] y muchas de las escenas escolares se filmaron en South High School en Torrance, California ; varios extras en la multitud del gimnasio eran estudiantes de South High. [127] La película está ambientada en un barrio de clase media alta en una ciudad estadounidense no identificada. La diseñadora de producción Naomi Shohan comparó el lugar con Evanston, Illinois , pero dijo: "No se trata de un lugar, se trata de un arquetipo... El entorno era más o menos Anywhere, USA—suburbios de movilidad ascendente". La intención era que el entorno reflejara a los personajes, que también son arquetipos. Shohan dijo: "Todos ellos están muy tensos y sus vidas son construcciones". La casa de los Burnham fue diseñada como el reverso de la de los Fitt: la primera era un ideal prístino, pero sin gracia y carente de "equilibrio interior", lo que llevó al deseo de Carolyn de darle al menos la apariencia de una "casa americana perfecta"; la casa de los Fitt está representada en "oscuridad exagerada [y] simetría". [38]
La producción seleccionó dos propiedades adyacentes en la "Blondie Street" del backlot de Warner para las casas de Burnham y Fitts. [nb 9] [38] El equipo reconstruyó las casas para incorporar habitaciones falsas que establecieran líneas de visión, entre las ventanas de los dormitorios de Ricky y Jane, y entre el dormitorio de Ricky y el garaje de Lester. [128] Las ventanas del garaje fueron diseñadas específicamente para obtener la toma crucial hacia el final de la película en la que el coronel Fitts, mirando desde el dormitorio de Ricky, asume erróneamente que Lester le está pagando a Ricky por sexo. [106] Mendes se aseguró de establecer la línea de visión al principio de la película para que la audiencia sintiera una sensación de familiaridad con la toma. [129] Los interiores de las casas se filmaron en el backlot, en el lugar y en los estudios de sonido cuando se necesitaban tomas aéreas. [38] El interior de la casa de los Burnham se filmó en una casa cerca de la Interestatal 405 y Sunset Boulevard en Los Ángeles; El interior de la casa de los Fitts se filmó en el barrio Hancock Park de la ciudad. [128] El dormitorio de Ricky fue diseñado para que pareciera una celda y sugiriera su personalidad "monacal", al mismo tiempo que se combinaba con el equipo de alta tecnología para reflejar su lado voyerista. La producción minimizó deliberadamente el uso del rojo, ya que era una firma temática importante en otros lugares. La casa de los Burnham usa azules fríos, mientras que la de los Fitts se mantiene en una "paleta militar deprimida". [38]
El estilo visual dominante de Mendes era deliberado y compuesto, con un diseño minimalista que proporcionaba "una sensación escasa, casi surrealista, una visión brillante, nítida, de bordes duros, cercana a la de Magritte , de los suburbios estadounidenses"; Mendes constantemente dirigía a sus decoradores para que vaciaran el marco. Hizo que las escenas de fantasía de Lester fueran "más fluidas y elegantes", [18] y Mendes hizo un uso mínimo de steadicams , sintiendo que las tomas estables generaban más tensión. Por ejemplo, cuando Mendes utilizó un empujón lento en la mesa de la cena de los Burnham, mantuvo la toma porque su formación como director de teatro le enseñó la importancia de poner distancia entre los personajes. Quería mantener la tensión en la escena, por lo que solo cortó cuando Jane dejó la mesa. [nb 10] [104] Mendes utilizó una cámara de mano para la escena en la que el coronel Fitts golpea a Ricky. Mendes dijo que la cámara proporcionó a la escena una "energía cinética ... desequilibrada". También utilizó cámara en mano para los extractos de las imágenes de la videocámara de Ricky. [40] Mendes tardó mucho en conseguir que la calidad de las imágenes de Ricky alcanzara el nivel que deseaba. [104] Para las imágenes de la bolsa de plástico, Mendes utilizó máquinas de viento para mover la bolsa en el aire. La escena se realizó en cuatro tomas; dos de la segunda unidad no satisfizo a Mendes, por lo que filmó la escena él mismo. Sintió que a su primera toma le faltaba gracia, pero para el último intento, cambió la ubicación al frente de una pared de ladrillos y agregó hojas en el suelo. Mendes quedó satisfecho con la forma en que la pared le dio definición al contorno de la bolsa. [131]
Mendes evitó usar primeros planos , creyendo que la técnica era abusiva. También mencionó el consejo de Spielberg de imaginar una silueta de la audiencia en la parte inferior del monitor de la cámara, para tener en cuenta que se estaba filmando para mostrarlo en una pantalla de 40 pies (10 m). [16] Spielberg, que visitó el set varias veces, también le aconsejó a Mendes que no se preocupara por los costos si tenía una "gran idea" hacia el final de un largo día de trabajo. Mendes dijo: "Eso sucedió tres o cuatro veces, y todas están en la película". [132] A pesar del apoyo de Spielberg, DreamWorks y Mendes pelearon constantemente por el cronograma y el presupuesto, aunque el estudio interfirió poco con el contenido de la película. [18] Spacey, Bening y Hall trabajaron por significativamente menos de sus tarifas habituales. American Beauty le costó a DreamWorks $ 15 millones para producir, un poco más de la suma proyectada. [133] Mendes estaba tan insatisfecho con sus primeros tres días de filmación que obtuvo permiso de DreamWorks para volver a filmar las escenas. Mendes dijo: "Empecé con una escena equivocada, en realidad, una escena de comedia. [nb 11] Y los actores la interpretaron demasiado: ... estaba mal filmada, culpa mía, mal compuesta, culpa mía, mal vestuario, culpa mía...; y todo el mundo estaba haciendo lo que yo les pedía. Todo era culpa mía". Consciente de que era un novato, Mendes se basó en la experiencia de Hall: "Tomé una decisión muy consciente desde el principio: si no entendía algo técnicamente, debía decir, sin vergüenza, 'No entiendo de qué estás hablando, por favor explícamelo ' " . [71]
Mendes alentó a que se improvisara un poco; por ejemplo, cuando Lester se masturba en la cama junto a Carolyn, el director le pidió a Spacey que improvisara varios eufemismos para el acto en cada toma. Mendes dijo: "Quería eso no solo porque era divertido... sino porque no quería que pareciera ensayado. Quería que pareciera que lo estaba soltando de su boca sin pensar. [Spacey] tiene tanto control que quería que se abriera paso". Spacey accedió y finalmente se le ocurrieron 35 frases, pero Bening no siempre podía mantener la cara seria, lo que significó que la escena tuvo que ser filmada diez veces. [132] La producción utilizó pequeñas cantidades de imágenes generadas por computadora . La mayoría de los pétalos de rosa en las fantasías de Lester se agregaron en posproducción, [57] aunque algunos eran reales y se les quitaron digitalmente los cables que los sujetaban. [134] Cuando Lester fantasea con Angela en un baño de pétalos de rosa, el vapor era real, salvo en la toma cenital. Para colocar la cámara fue necesario hacer un agujero en el techo por donde salía el vapor, que se añadió digitalmente. [15]
American Beauty fue editada por Christopher Greenbury y Tariq Anwar ; Greenbury comenzó en el puesto, pero tuvo que dejarlo a mitad de la posproducción debido a un conflicto de agenda con Me, Myself & Irene (2000). Mendes y un asistente editaron la película durante diez días entre las citas. [135] Mendes se dio cuenta durante la edición de que la película era diferente de la que había imaginado. Creía que había estado haciendo una película "mucho más caprichosa, ... caleidoscópica" de lo que se unió en la sala de edición. En cambio, Mendes se sintió atraído por la emoción y la oscuridad; comenzó a usar la banda sonora y las tomas que tenía la intención de descartar para elaborar la película en esa línea. [136] En total, cortó unos 30 minutos de su edición original. [123]
La apertura incluía un sueño en el que Lester se imagina volando sobre la ciudad. Mendes pasó dos días filmando Spacey contra una pantalla azul , pero eliminó la secuencia porque creía que era demasiado caprichosa ("como una película de los hermanos Coen ") y, por lo tanto, inapropiada para el tono que estaba tratando de establecer. [104] La apertura en el corte final reutilizó una escena de la mitad de la película donde Jane le dice a Ricky que mate a su padre. [8] Esta escena debía ser la revelación a la audiencia de que la pareja no era responsable de la muerte de Lester, ya que la forma en que fue musicalizada y actuada dejó en claro que la solicitud de Jane no era seria. Sin embargo, en la parte que usó en la apertura, y cuando la escena completa se desarrolla más tarde, Mendes usó la banda sonora y una toma de reacción de Ricky para dejar una ambigüedad persistente en cuanto a su culpabilidad. [137] La toma posterior, una vista aérea del vecindario, originalmente estaba pensada como la toma de placa para los efectos de pantalla azul en la secuencia del sueño. [104]
Mendes pasó más tiempo reeditando los primeros diez minutos que el resto de la película en su conjunto. Probó varias versiones de la apertura; [8] la primera edición incluía escenas de cierre en las que Jane y Ricky son condenados por el asesinato de Lester, [138] pero Mendes las eliminó en la última semana de edición [8] porque sintió que hacían que la película perdiera su misterio, [139] y porque no encajaban con el tema de redención que había surgido durante la producción. Mendes creía que el juicio desvió la atención de los personajes y convirtió la película "en un episodio de NYPD Blue ". En cambio, quería que el final fuera "una mezcla poética de sueño, memoria y resolución narrativa". [18] Cuando Ball vio por primera vez una edición completa, era una versión con versiones truncadas de estas escenas. Sintió que eran tan cortas que "realmente no se registraban". Mendes y él discutieron, [94] pero Ball fue más tolerante después de que Mendes cortara las secuencias por completo; Ball sintió que sin las escenas, la película era más optimista y había evolucionado hacia algo que "a pesar de toda su oscuridad tenía un corazón realmente romántico". [95]
Conrad Hall no fue la primera opción para director de fotografía; Mendes creía que era "demasiado viejo y demasiado experimentado" para querer el trabajo, y le habían dicho que era difícil trabajar con Hall. En cambio, Mendes le preguntó a Frederick Elmes , quien rechazó el trabajo porque no le gustaba el guion. [140] Hall fue recomendado a Mendes por Tom Cruise , debido al trabajo de Hall en Without Limits (1998), de la que Cruise había sido productor ejecutivo. Mendes estaba dirigiendo a la entonces esposa de Cruise, Nicole Kidman, en la obra The Blue Room durante la preproducción de American Beauty , [128] y ya había hecho el guion gráfico de toda la película. [63] Hall estuvo involucrado durante un mes durante la preproducción; [128] sus ideas para la iluminación de la película comenzaron con su primera lectura del guion, y los pases posteriores le permitieron refinar su enfoque antes de conocer a Mendes. [141] Al principio, a Hall le preocupaba que al público no le gustaran los personajes; solo se sintió capaz de identificarse con ellos durante los ensayos del elenco, lo que le dio nuevas ideas sobre su enfoque de las imágenes. [128]
El enfoque de Hall fue crear composiciones pacíficas que evocaran el clasicismo , para contrastar con los turbulentos eventos en pantalla y permitir que el público absorbiera la acción. Hall y Mendes primero discutieron el estado de ánimo deseado de una escena, pero se le permitió iluminar la toma de la manera que creyera necesaria. [141] En la mayoría de los casos, Hall primero iluminó el sujeto de la escena "pintando" los negros y blancos, antes de agregar luz de relleno , que reflejó desde un tablero de cuentas o una tarjeta blanca en el techo. Este enfoque le dio a Hall más control sobre las sombras mientras mantenía la luz de relleno discreta y las áreas oscuras libres de derrames. [142] Hall filmó American Beauty en una relación de aspecto de 2.39:1 en el formato Super 35 , principalmente usando película Kodak Vision 500T 5279 de 35 mm . [143] Usó Super 35 en parte porque su alcance más grande le permitió capturar elementos como las esquinas de la piscina llena de pétalos en su toma cenital, creando un marco alrededor de Angela en su interior. [134] Filmó toda la película con el mismo T-stop (T1.9); [143] dada su preferencia por filmar con ese ancho, Hall favoreció los materiales de alta velocidad para permitir efectos de iluminación más sutiles. [142]
Hall utilizó cámaras Panavision Platinum con la serie Primo de lentes de focal fija y zoom de la compañía . Hall utilizó el material Kodak Vision 200T 5274 y EXR 100T 5248 para escenas con efectos de luz diurna. Tuvo dificultades para adaptarse al material de impresión Vision recientemente introducido por Kodak, que, combinado con su estilo de iluminación con mucho contraste, creó un aspecto con demasiado contraste. Hall se puso en contacto con Kodak, que le envió un lote de 5279 que tenía un contraste cinco por ciento menor. Hall utilizó un filtro Tiffen Black ProMist de 1/8 de fuerza para casi todas las escenas, lo que dijo en retrospectiva puede no haber sido la mejor opción, ya que los pasos ópticos necesarios para ampliar el Super 35 para su impresión de liberación anamórfica llevaron a una ligera cantidad de degradación; por lo tanto, no se requirió la difusión del filtro. Cuando vio la película en el cine, Hall sintió que la imagen era un poco borrosa y que si no hubiera usado el filtro, la difusión de la conversión Super 35-anamórfica habría generado una imagen más cercana a lo que originalmente pretendía. [143]
Una toma en la que Lester y Ricky comparten un porro de cannabis detrás de un edificio surgió de un malentendido entre Hall y Mendes. Mendes le pidió a Hall que preparara la toma en su ausencia; Hall asumió que los personajes buscarían privacidad, por lo que los colocó en un pasaje estrecho entre un camión y el edificio, con la intención de iluminar desde la parte superior del camión. Cuando Mendes regresó, explicó que a los personajes no les importaba si los veían. Quitó el camión y Hall tuvo que repensar la iluminación; lo iluminó desde la izquierda, con una luz grande cruzando a los actores, y con una luz suave detrás de la cámara. Hall sintió que el plano general consecuente "funcionó perfectamente para el tono de la escena". [143] Hall se aseguró de mantener la lluvia, o la sugerencia de ella, en cada toma cerca del final de la película. En una toma durante el encuentro de Lester con Angela en la casa de los Burnham, Hall creó efectos de lluvia en las luces cruzadas del primer plano; En otra, iluminó parcialmente a la pareja a través de ventanas francesas a las que había añadido material para hacer que la lluvia corriera más lentamente, intensificando la luz (aunque la fuerza de la luz exterior no era realista para una escena nocturna, Hall sintió que estaba justificada debido a los fuertes contrastes que producía). Para los primeros planos cuando Lester y Angela se mueven hacia el sofá, Hall intentó mantener la lluvia en el marco, iluminando a través de la ventana hacia el techo detrás de Lester. [142] También usó cajas de lluvia para producir patrones de lluvia donde quería sin iluminar toda la habitación. [144]
La partitura de Thomas Newman se grabó en Santa Mónica, California . [71] Utilizó principalmente instrumentos de percusión para crear el estado de ánimo y el ritmo, cuya inspiración fue proporcionada por Mendes. [145] Newman "prefirió el pulso, el ritmo y el color sobre la melodía", lo que dio como resultado una partitura más minimalista que la que había creado anteriormente. Construyó cada pista alrededor de "frases pequeñas que se repiten sin cesar"; a menudo, la única variedad a través de un "adelgazamiento de la textura durante ocho compases ". [146] Los instrumentos de percusión incluyeron tablas , bongos , platillos, piano, xilófonos y marimbas ; también se presentaron guitarras, flauta e instrumentos de música del mundo . [145] Newman también usó música electrónica y en pistas "más peculiares" empleó métodos más heterodoxos, como golpear cuencos de metal para mezclar con un dedo y usar una mandolina desafinada . [146] Newman creía que la banda sonora ayudó a que la película avanzara sin perturbar la "ambigüedad moral" del guión: "Fue un acto de equilibrio realmente delicado en términos de qué música trabajaba para preservar [eso]". [145]
La banda sonora incluye canciones de Newman, Bobby Darin, The Who (" The Seeker "), Free , Eels , The Guess Who , Bill Withers , Betty Carter , Peggy Lee , The Folk Implosion , Gomez y Bob Dylan , así como dos versiones : " Because " de The Beatles , interpretada por Elliott Smith , y " Don't Let It Bring You Down " de Neil Young , interpretada por Annie Lennox . [121] Producido por el supervisor musical de la película Chris Douridas , [147] un álbum de banda sonora abreviado fue lanzado el 5 de octubre de 1999 y fue nominado para un Premio Grammy al Mejor Álbum de Banda Sonora . Un álbum con 19 pistas de la banda sonora de Newman fue lanzado el 11 de enero de 2000 y ganó el Premio Grammy al Mejor Álbum de Banda Sonora . [148] Filmmaker consideró que la banda sonora era una de las mejores de Newman, diciendo que "[posibilitaba] las aspiraciones trascendentalistas de la película". En 2006, Filmmaker eligió la banda sonora como una de las veinte bandas sonoras esenciales que creía que hablaban de las "relaciones complejas e innovadoras entre la música y la narración cinematográfica". [149]
DreamWorks contrató a Amazon.com para crear el sitio web oficial, lo que marcó la primera vez que Amazon había creado una sección especial dedicada a un largometraje. El sitio web incluía una descripción general, una galería de fotos, filmografías del elenco y el equipo, y entrevistas exclusivas con Spacey y Bening. [150] El lema de la película, "mira más de cerca", originalmente provenía de un recorte pegado en el cubículo de trabajo de Lester por el decorador. [104] DreamWorks realizó campañas de marketing y avances paralelos, uno dirigido a adultos, el otro a adolescentes. Ambos avances terminaban con la imagen del póster de una niña sosteniendo una rosa. [nb 12] [nb 13] [153]
Al revisar los carteles de varias películas del año, David Hochman de Entertainment Weekly calificó muy bien a American Beauty , diciendo que evocaba el eslogan; dijo: "Vuelves al cartel una y otra vez, pensando, esta vez vas a encontrar algo". [151] DreamWorks no quería hacer una proyección de prueba de la película; según Mendes, el estudio estaba contento con ella, pero él insistió en una en la que pudiera preguntar a la audiencia después. El estudio aceptó de mala gana y mostró la película a una audiencia joven en San José, California . Mendes afirmó que la proyección fue muy bien. [nb 14] [133]
La película tuvo su estreno mundial el 8 de septiembre de 1999 en el Grauman's Egyptian Theatre de Los Ángeles . [154] Tres días después, la película apareció en el Festival Internacional de Cine de Toronto . [155] Con la presencia de los realizadores y el elenco, se proyectó en varias universidades estadounidenses, incluidas la Universidad de California en Berkeley , la Universidad de Nueva York , la Universidad de California en Los Ángeles , la Universidad de Texas en Austin , la Universidad de Carolina del Norte en Chapel Hill y la Universidad Northwestern . [156]
El 15 de septiembre de 1999, American Beauty se estrenó al público en un estreno limitado en tres cines de Los Ángeles y tres de Nueva York. [nb 15] [159] Se añadieron más cines durante la exhibición limitada, [158] y el 1 de octubre, la película entró oficialmente en estreno general [nb 16] al proyectarse en 706 cines de Norteamérica. [160] La película recaudó 8.188.587 dólares durante el fin de semana, ocupando el tercer lugar en taquilla detrás de Double Jeopardy y Three Kings . [161] Las audiencias encuestadas por la firma de investigación de mercado CinemaScore dieron a American Beauty una calificación de "B+" en promedio. [nb 17] [163] El recuento de salas alcanzó un máximo de 1.528 a finales de mes, antes de una disminución gradual. [158] Después de las victorias de American Beauty en la 57.ª edición de los Globos de Oro , DreamWorks volvió a expandir la presencia en los cines desde un mínimo de 7 a mediados de febrero, [157] a un máximo de 1.990 en marzo. [158] La película finalizó su presentación en cines de América del Norte el 4 de junio de 2000, habiendo recaudado 130,1 millones de dólares. [161]
American Beauty tuvo su estreno europeo en el Festival de Cine de Londres el 18 de noviembre de 1999; [164] en enero de 2000, comenzó a proyectarse en varios territorios fuera de América del Norte. [165] Debutó en Israel con retornos "potentes", [166] y lanzamientos limitados en Alemania, Italia, Austria, Suiza, los Países Bajos y Finlandia siguieron el 21 de enero . [167] Después de los fines de semana de estreno del 28 de enero en Australia, el Reino Unido, España y Noruega, American Beauty había ganado $ 7 millones en 12 países para un total de $ 12,1 millones fuera de América del Norte. [168] El 4 de febrero, American Beauty debutó en Francia y Bélgica. Expandiéndose a 303 cines en el Reino Unido, la película ocupó el primer lugar en la taquilla con $ 1,7 millones. [169] Allí, superó a Alien Resurrection por anotar el fin de semana de estreno más alto para una película con certificado 18. [170] Este récord sería superado por Snatch más tarde ese año. [171] Durante el fin de semana del 18 de febrero, tras las ocho nominaciones de American Beauty a la 72.ª edición de los Premios de la Academia , la película recaudó 11,7 millones de dólares en 21 territorios, lo que supone un total de 65,4 millones de dólares fuera de Norteamérica. La película tuvo un debut "deslumbrante" en Hungría, Dinamarca, la República Checa, Eslovaquia y Nueva Zelanda. [172]
Al 18 de febrero, los territorios más exitosos fueron el Reino Unido (15,2 millones de dólares), Italia (10,8 millones de dólares), Alemania (10,5 millones de dólares), Australia (6 millones de dólares) y Francia (5,3 millones de dólares). [172] Las nominaciones al Oscar significaron que las buenas actuaciones continuaron en todos los ámbitos; [173] el fin de semana siguiente, American Beauty recaudó 10,9 millones de dólares en 27 países, con fuertes debuts en Brasil, México y Corea del Sur. [174] Otros puntos destacados incluyeron retornos robustos en Argentina, Grecia y Turquía. [173] El fin de semana del 3 de marzo de 2000, American Beauty debutó con fuerza en Hong Kong, Taiwán y Singapur, mercados tradicionalmente "no receptivos a este tipo de tarifas de lujo". El impresionante desempeño de Corea del Sur continuó, con un retorno de 1,2 millones de dólares después de nueve días. [175] En total, American Beauty recaudó 130,1 millones de dólares en América del Norte y 226,2 millones de dólares a nivel internacional, por 356,3 millones de dólares en todo el mundo. [161]
American Beauty se lanzó en VHS el 9 de mayo de 2000, [176] y en DVD con el formato DTS el 24 de octubre de 2000. [177] Antes del lanzamiento de alquiler en América del Norte el 9 de mayo, [178] Blockbuster Video quería comprar cientos de miles de copias adicionales para su gama de "título garantizado", por el cual cualquiera que quisiera alquilar la película tendría garantizada una copia. Blockbuster y DreamWorks no pudieron llegar a un acuerdo sobre un reparto de beneficios, por lo que Blockbuster ordenó dos tercios del número de copias que originalmente pretendía. [179] DreamWorks puso a disposición alrededor de un millón de copias para alquiler; la parte de Blockbuster normalmente habría sido de alrededor de 400.000 de estas. Algunas tiendas Blockbuster solo exhibieron 60 copias, [180] y otras no exhibieron la película en absoluto, lo que obligó a los clientes a solicitarla. [179] [180] La estrategia requería que el personal leyera una declaración a los clientes explicando la situación; Blockbuster afirmó que sólo estaba "monitoreando la demanda de los clientes" debido a la disponibilidad reducida. [179] La estrategia de Blockbuster se filtró antes del 9 de mayo, lo que llevó a un aumento del 30 por ciento en los pedidos de otros minoristas. [178] [179]
En su primera semana de estreno, American Beauty recaudó 6,8 millones de dólares, una cifra inferior a la que se habría esperado si DreamWorks y Blockbuster hubieran llegado a un acuerdo. Ese mismo año, The Sixth Sense recaudó 22 millones de dólares, mientras que Fight Club recaudó 8,1 millones, aunque el rendimiento de esta última en las salas de cine de Norteamérica fue solo el 29 por ciento del de American Beauty . La estrategia de Blockbuster también afectó a las tarifas de alquiler; American Beauty tuvo un promedio de 3,12 dólares, en comparación con los 3,40 dólares de las películas que Blockbuster promocionó por completo. Solo el 53 por ciento de los alquileres de la película se realizaron en grandes tiendas en la primera semana, en comparación con el 65 por ciento habitual. [179]
El lanzamiento del DVD incluyó un featurette detrás de escena, comentarios de audio de la película de Mendes y Ball, y una presentación del guión gráfico con discusión de Mendes y Hall. [177] En el comentario de la película, Mendes hace referencia a escenas eliminadas que tenía la intención de incluir en el lanzamiento. [181] Sin embargo, estas escenas no están en el DVD, ya que cambió de opinión después de grabar el comentario; [182] Mendes sintió que mostrar escenas que previamente decidió no usar restaría valor a la integridad de la película. [183]
El 21 de septiembre de 2010, Paramount Home Entertainment lanzó American Beauty en formato Blu-ray , como parte de la serie Sapphire de Paramount. Todos los extras del lanzamiento en DVD estaban presentes, con los avances cinematográficos actualizados a HD . [184]
American Beauty recibió elogios abrumadores tras su estreno, principalmente para Spacey, Mendes y Ball. [185] Variety informó que "ninguna otra película de 1999 se ha beneficiado de tantos elogios universales". [186] Fue el título mejor recibido en el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF), [155] donde ganó el premio People's Choice después de una votación de la audiencia del festival. [187] El director del TIFF, Piers Handling, dijo: " American Beauty fue el tema del festival, la película de la que más se habló". [188]
El agregador de reseñas Rotten Tomatoes informa que el 87% de 190 críticos le dieron a la película una reseña positiva, con una calificación promedio de 8.2/10. El consenso de los críticos del sitio web dice: "Con un reparto impecable y rebosante de ingenio oscuro y ácido, American Beauty es un punto culminante inteligente y provocador del cine convencional de Hollywood de finales de los 90". [189] Según Metacritic , que le asignó una puntuación promedio ponderada de 84 sobre 100 en base a 34 críticos, la película recibió "aclamación universal". [190]
En un artículo publicado en Variety , Todd McCarthy dijo que el reparto "no podía ser mejor"; elogió "el manejo de las insinuaciones, el sarcasmo sutil y la forma de hablar contundente" de Spacey y la forma en que imbuyó a Lester de "sentimiento genuino". [191] Janet Maslin en The New York Times dijo que Spacey estaba en su momento "más ingenioso y ágil" hasta la fecha. [192] Roger Ebert del Chicago Sun-Times , que le otorgó a la película cuatro de cuatro estrellas, destacó a Spacey por retratar con éxito a un hombre que "hace cosas imprudentes y tontas [pero que] no se engaña a sí mismo". [193] Kevin Jackson de Sight & Sound dijo que Spacey impresionó de maneras distintas a sus actuaciones anteriores, siendo el aspecto más satisfactorio su interpretación de "tanto tonto como héroe". [121]
En un artículo publicado en Film Quarterly , Gary Hentzi elogió a los actores, [194] pero dijo que personajes como Carolyn y Col. Fitts eran estereotipos. [195] Hentzi acusó a Mendes y Ball de identificarse demasiado fácilmente con Jane y Ricky, diciendo que este último era su "figura de fantasía": un adolescente que es un artista absurdamente rico capaz de "financiar [sus] propios proyectos". [196] Hentzi dijo que Angela era la adolescente más creíble, en particular con sus intentos "dolorosamente familiares" de "estar a la altura de una imagen indigna de sí misma". [185] Maslin estuvo de acuerdo en que algunos personajes no eran originales, pero dijo que sus caracterizaciones detalladas los hacían memorables. [192]
Kenneth Turan, del diario Los Angeles Times, dijo que los actores se las arreglaron "sin problemas" con papeles difíciles; calificó la actuación de Spacey como "la energía que impulsa la película", y dijo que el actor logró que el público se involucrara a pesar de que Lester no siempre se mostraba comprensivo. "Contra todo pronóstico, nos gustan [estos personajes]", concluyó Turan. Afirmó que la película tenía muchas capas, era subversiva, compleja y sorprendente, y concluyó que era "una película increíble". [197]
Maslin consideró que Mendes dirigió con "un estilo visual fantástico", y dijo que su estilo minimalista equilibraba "lo mordaz y brillante" y que evocaba las "delicadas y eróticas viñetas de juego de poder" de su trabajo teatral. [192] Jackson dijo que las raíces teatrales de Mendes rara vez se mostraban, y que el aspecto "más notable" era que la actuación de Spacey no eclipsaba la película. Dijo que Mendes trabajó las complejidades del guion con fluidez, con los puntos fuertes del conjunto, y escenificó los cambios tonales con habilidad. [121] McCarthy creía que American Beauty era una "impresionante carta de presentación" para los debutantes cinematográficos Mendes y Ball. Dijo que la "mano segura" de Mendes era "tan precisa y controlada" como su trabajo teatral. McCarthy describió la participación de Hall como afortunada para Mendes, ya que el director de fotografía era "insuperable" a la hora de transmitir los temas de una obra. [191] Turan estuvo de acuerdo en que la elección de colaboradores de Mendes fue "astuta", nombrando a Hall y Newman en particular. Turan sugirió que American Beauty puede haberse beneficiado de la inexperiencia de Mendes, ya que su "atrevimiento de todo es posible" lo hizo intentar ritmos que directores más experimentados podrían haber evitado. Turan sintió que el logro de Mendes fue "capturar y realzar [la] dualidad" del guion de Ball: los personajes simultáneamente "caricaturizados ... y dolorosamente reales". [197] Hentzi, aunque criticó muchas de las elecciones de Mendes y Ball, admitió que la película mostró sus "considerables talentos". [194]
Turan sintió que la falta de restricciones de Ball al escribir la película era la razón de su singularidad, en particular los cambios sutiles en el tono del guion. [197] McCarthy dijo que el guion era "tan fresco y distintivo" como cualquiera de sus contemporáneos del cine estadounidense, y elogió cómo analizaba a los personajes sin comprometer el ritmo narrativo. Llamó al diálogo de Ball "ácido" y dijo que los personajes, excepto Carolyn, estaban "profundamente dibujados". Otro defecto, dijo McCarthy, fue la revelación de la homosexualidad del coronel Fitts, que dijo evocaba " freudianismo antiguo ". [191] Jackson dijo que la película trascendió su configuración cliché para convertirse en una "comedia maravillosamente ingeniosa y sombría". Dijo que incluso cuando la película buscaba risas de comedia de situación, lo hacía con "matices inesperados". [121] Hentzi criticó cómo la película convirtió en un misterio el asesinato de Lester, creyendo que era manipulador y simplemente una forma de generar suspenso. [194]
McCarthy elogió la producción y el diseño de vestuario, y dijo que la banda sonora era buena para crear "contrapuntos irónicos" con la historia. [191] Hentzi concluyó que American Beauty era "vital pero desigual"; sintió que el examen de la película de "las formas en que los adolescentes y los adultos imaginan la vida de los demás" era su mejor punto, y que aunque la dinámica de Lester y Angela era familiar, su ironía romántica estaba al lado de "los tratamientos literarios más duraderos" del tema, como Lolita . Sin embargo, Hentzi creía que los temas de la película sobre el materialismo y la conformidad en los suburbios estadounidenses eran "trillados". [185] McCarthy admitió que el entorno era familiar, pero dijo que simplemente proporcionó a la película un "punto de partida" desde el cual contar su "historia sutil y agudamente juzgada". [191] Maslin estuvo de acuerdo; Ella dijo que si bien "apunta a objetivos que no son demasiado nuevos", y que el tema de la inconformidad no sorprende, la película tiene su propia "novedad corrosiva".
Unos meses después del estreno de American Beauty , aparecieron en la prensa estadounidense informes sobre una reacción negativa. En los años transcurridos desde el estreno de la película, su reconocimiento por parte de la crítica ha disminuido. Un factor importante fue que sus temas se consideraron triviales después de los ataques del 11 de septiembre y la Gran Recesión de finales de 2007 a 2009. [ 198] [199] [200]
En 2005, Premiere nombró a American Beauty como una de las 20 "películas más sobrevaloradas de todos los tiempos". [201] Mendes aceptó la inevitabilidad de la reevaluación crítica, diciendo en 2008: "Pensé que parte de ella estaba completamente justificada; fue un poco sobrevalorada en ese momento". [200]
En 2017, surgieron acusaciones de agresión sexual contra el actor Kevin Spacey en el apogeo del movimiento MeToo , incluso por parte de hombres que eran menores de edad en el momento de las acusaciones. [202] Esto llevó a muchos críticos y a uno de los acusadores de Spacey, el actor Anthony Rapp , a encontrar paralelismos incómodos entre Spacey y Lester Burnham, su personaje en American Beauty . [203]
En 2019, en el vigésimo aniversario del estreno de la película, Matthew Jacobs, del Huffington Post, escribió que "la reputación de la película se ha desplomado precipitadamente" y agregó: "Muchos clásicos experimentan reevaluaciones culturales [...] pero pocos se han convertido en un chiste tan extendido". [204]
En The Guardian , el crítico Guy Lodge escribió: "La reacción contra American Beauty en las dos décadas siguientes ha sido rápida y despiadada, y se ha arraigado mucho antes de la caída personal y profesional de Spacey, aunque eso ciertamente no ha ayudado. Pregúntele a los críticos de cine de varias edades sobre ella ahora y tenderá a encontrarse con una mueca de desprecio uniforme, junto con un rechazo generalizado de su sátira barata y de cercas, su caracterización amplia, su visión supuestamente misógina de las mujeres profesionales o su dominio sobrecogido de la metáfora como algo endeble y flotante como, bueno, una bolsa de plástico bailando en la brisa". Lodge también afirmó: "Puede que escuche un reconocimiento a regañadientes de su arte formal, incluida la tactilidad satinada de la cinematografía del difunto Conrad L Hall, o la percusión inquietante, con ecos e infinitamente imitada de la partitura de Thomas Newman, que alguna vez fue omnipresente. Pero eso también está atenuado por el desdén hacia sus creadores". [205]
En una opinión similar a la de Matthew Jacobs, Stephanie Zacharek escribió para Time : "En 2019, criticar a American Beauty , la película de Sam Mendes ganadora de varios premios Oscar [...] es tan dolorosamente fácil que parece injusto. La película ganadora del premio a la mejor película ha pasado de moda en gran medida; rara vez aparece en las listas de películas favoritas de los críticos, y su recuerdo también parece haberse desvanecido para la mayoría de los espectadores". [206] Zacharek concluyó: " American Beauty es una película sobre un tipo blanco privilegiado que se siente mal consigo mismo y trata de rectificar eso haciendo explotar su vida, solo para perderlo todo al final. Se trata de un hombre que pensó que tenía el control, pero no lo tenía, ¿y quién no puede, al menos, identificarse con eso? En el contexto de su propia crisis de ensimismamiento, Lester Burnham no podía ver el verdadero curso de colisión que se avecinaba, un futuro de empleos perdidos y ejecuciones hipotecarias , de doble discurso de manicomio saliendo de las bocas de personas cuyo trabajo es liderarnos, de guerras que no se pueden ganar y, por lo tanto, se siguen peleando. Tal vez sea necesario mirar atrás a una película ridícula para mostrarnos cuánto hemos perdido realmente. Sea lo que sea realmente la "vida auténtica" de Ball, puedes apostar a que no se vive en Instagram ". [206]
Sin embargo, otros críticos siguen defendiendo el valor artístico de la película. En 2014, con motivo del decimoquinto aniversario de la película, Ashley Fetters de Entertainment Weekly afirmó que American Beauty se mantiene como "un clásico, si no una obra maestra". [207] Guy Lodge reconoció los defectos de la película, pero admitió que aún así "resulta ser una cápsula del tiempo exquisitamente presentada, una instantánea de la sociedad blanca de clase media, supuestamente liberal, que entra en un espasmo de pánico a finales del siglo XX y en la era Clinton . Su sátira no es sofisticada, pero es aguda, identificable y, a menudo, todavía mordazmente divertida, emblemática de un tono de sarcasmo fulminante pre- milenial que desde entonces ha quedado seriamente pasado de moda, y no es para los más ingeniosos. Nunca fue concebida como un drama sencillo, sino como un burlesque suburbano estridente: un reflejo distorsionado de un espejo de la casa de la risa de Estados Unidos ya en su peor momento, con sus actuaciones y sus visuales llenos de pétalos realzados expertamente para que coincidan". [205] Lodge concluyó: "Veinte años después, Belleza americana no es tan inteligente como pensábamos, aunque sin darse cuenta ha envejecido hasta convertirse en una especie de sabiduría herida y en conflicto. Tal vez valga la pena mirarla más de cerca". [205]
La película fue parodiada por la comedia animada Padre de Familia , [204] la película Storytelling de Todd Solondz de 2001 , la parodia de la película para adolescentes Not Another Teen Movie , la serie animada de dibujos animados de 2011 El asombroso mundo de Gumball y en la película animada de DreamWorks de 2005 Madagascar . [208]
American Beauty no fue considerada una favorita inmediata para dominar la temporada de premios estadounidense. Varias otras contendientes se estrenaron a fines de 1999, y los críticos estadounidenses repartieron sus honores entre ellas al compilar sus listas de fin de año. [209] La Asociación de Críticos de Cine de Chicago y la Asociación de Críticos de Cine de Radiodifusión nombraron a la película como la mejor de 1999, pero mientras que el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York , la Sociedad Nacional de Críticos de Cine y la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles reconocieron a American Beauty , [210] dieron sus principales premios a otras películas. [209] Para fines de año, los informes de una reacción crítica sugirieron que American Beauty era la perdedora en la carrera por la Mejor Película; [198] sin embargo, en los Premios Globo de Oro en enero de 2000, American Beauty ganó Mejor Película , Mejor Director y Mejor Guion . [210]
A medida que se acercaban las nominaciones para la 72.ª edición de los Premios Óscar , no había surgido un favorito. [209] DreamWorks había lanzado una importante campaña para American Beauty cinco semanas antes de que se enviaran las papeletas a los 5600 votantes de los Premios Óscar. Su campaña combinó publicidad y publicidad tradicionales con estrategias más centradas. [211] Aunque la campaña de correo directo estaba prohibida, DreamWorks llegó a los votantes promocionando la película en "entornos casuales y cómodos" en las comunidades de votantes. La candidata del estudio a Mejor Película el año anterior, Salvar al soldado Ryan , perdió ante Shakespeare enamorado , por lo que el estudio adoptó un nuevo enfoque contratando a personas externas para que aportaran información para la campaña. Contrató a tres consultores veteranos, que le dijeron al estudio que "pensara en pequeño".
Nancy Willen animó a DreamWorks a producir un especial sobre la realización de American Beauty , a montar exhibiciones de la película en las librerías de las comunidades y a organizar una sesión de preguntas y respuestas con Mendes para la Academia Británica de Cine y Televisión . Dale Olson aconsejó al estudio que anunciara en publicaciones gratuitas que circulaban en Beverly Hills —hogar de muchos votantes— además de en los principales periódicos. Olson organizó la proyección de American Beauty para unos 1000 miembros del Actors Fund of America, ya que muchos actores participantes también eran votantes. Bruce Feldman llevó al escritor Alan Ball al Festival Internacional de Cine de Santa Bárbara , donde Ball asistió a una cena privada en honor a Anthony Hopkins , donde conoció a varios votantes que estaban presentes. [212]
En febrero de 2000, American Beauty fue nominada a ocho premios de la Academia; sus rivales más cercanos, The Cider House Rules y The Insider , recibieron siete nominaciones cada uno. En marzo de 2000, las principales organizaciones laborales de la industria [nb 18] otorgaron sus máximos honores a American Beauty ; las percepciones habían cambiado: la película ahora era la favorita para dominar los premios de la Academia. [209] El rival más cercano de American Beauty para Mejor Película seguía siendo The Cider House Rules , de Miramax . Ambos estudios montaron campañas agresivas; DreamWorks compró un 38 por ciento más de espacio publicitario en Variety que Miramax. [213] El 26 de marzo de 2000, American Beauty ganó cinco premios de la Academia: Mejor Película, Mejor Director , Mejor Actor (Spacey), Mejor Guion Original y Mejor Cinematografía . [214] [nb 19]
En la 53.ª edición de los Premios de Cine de la Academia Británica , American Beauty ganó seis de los 14 premios a los que fue nominada: Mejor Película , Mejor Actor , Mejor Actriz (Bening), Mejor Fotografía , Mejor Música de Película y Mejor Montaje . [210]
En marzo de 2000, el Publicists Guild of America reconoció a DreamWorks por la mejor campaña publicitaria cinematográfica. [216]
En abril de 2000, surgió una controversia cuando los premios MTV Movie Awards de 2000 nominaron inicialmente a American Beauty para su premio anual al Mejor Beso entre Kevin Spacey como Lester Burnham y Mena Suvari como Angela Hayes. DreamWorks rechazó la solicitud de MTV de un clip, afirmando que no querían glorificar el beso "inapropiado" entre los personajes, un hombre de 42 años y una niña de 16 años. MTV rescindió la nominación de la película después. [217]
En 2006, el Writers Guild of America clasificó el guión en el puesto número 38 de su lista de los 101 mejores guiones. [218]
Notas al pie
No es ilegal tener a personas menores de 18 años desnudas o parcialmente desnudas en una película. La Junta de Trabajo Infantil de California aprobó la escena, y su representante estaba en el set cuando se filmó, al igual que los padres de Thora.
{{cite web}}: CS1 maint: bot: estado de URL original desconocido ( enlace ). CinemaScore . Archivado desde el original el 8 de abril de 2000. Consultado el 17 de enero de 2010.Fuentes
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