En música , una sonata ( / səˈnɑːtə / ; pl. sonate ) [a] significa literalmente una pieza tocada en oposición a una cantata ( latín e italiano cantare , "cantar"), una pieza cantada . [ 1] : 17 El término evolucionó a lo largo de la historia de la música , designando una variedad de formas hasta la era clásica , cuando adquirió una importancia creciente. Sonata es un término vago, con significados variables según el contexto y el período de tiempo. A principios del siglo XIX, llegó a representar un principio de composición de obras a gran escala. Se aplicó a la mayoría de los géneros instrumentales y se consideró, junto con la fuga , como uno de los dos métodos fundamentales de organización, interpretación y análisis de la música de concierto. Aunque el estilo musical de las sonatas ha cambiado desde la era clásica, la mayoría de las sonatas de los siglos XX y XXI aún mantienen la misma estructura.
El término sonatina , pl. sonatine , la forma diminutiva de sonata, se utiliza a menudo para una sonata corta o técnicamente fácil.
En el período barroco , una sonata era para uno o más instrumentos, casi siempre con continuo . Después del período barroco, la mayoría de las obras designadas específicamente como sonatas son interpretadas por un instrumento solista, generalmente un instrumento de teclado, o por un instrumento solista acompañado por un instrumento de teclado.
Se han compuesto sonatas para un instrumento solista distinto del teclado, así como sonatas para otras combinaciones de instrumentos.
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En las obras de Arcangelo Corelli y sus contemporáneos, se establecieron dos grandes clases de sonata, y fueron descritas por primera vez por Sébastien de Brossard en su Dictionaire de musique (tercera edición, Amsterdam, ca. 1710): la sonata da chiesa (es decir, adecuada para su uso en la iglesia), que era el tipo "correctamente conocido como Sonatas ", y la sonata da camera (adecuada para su uso en la corte), que consiste en un preludio seguido de una sucesión de danzas, todas en la misma tonalidad. [1] : 21, 40 Aunque los cuatro, cinco o seis movimientos de la sonata da chiesa también suelen estar en una tonalidad, uno o dos de los movimientos internos a veces están en una tonalidad contrastante. [3]
La sonata da chiesa, generalmente para uno o dos violines y bajo continuo , constaba normalmente de una introducción lenta, un allegro con fugas sueltas , un movimiento lento cantabile y un final animado en alguna forma binaria que sugería afinidad con las melodías bailables de la suite . Este esquema, sin embargo, no estaba muy claramente definido hasta las obras de Arcangelo Corelli, cuando se convirtió en la sonata esencial y persistió como una tradición de la música para violín italiana.
La sonata da camera estaba compuesta casi en su totalidad por melodías idealizadas para bailar. Por otra parte, las características de la sonata da chiesa y la sonata da camera tendían a mezclarse libremente. Aunque casi la mitad de las 1.100 composiciones, arreglos y transcripciones de Johann Sebastian Bach que se conservan son obras instrumentales, solo alrededor del 4% son sonatas. [4]
El término sonata también se aplica a la serie de más de 500 obras para clavecín solo, o a veces para otros instrumentos de teclado, de Domenico Scarlatti , publicada originalmente bajo el nombre de Essercizi per il gravicembalo (Ejercicios para clavecín). La mayoría de estas piezas están en un solo movimiento de forma binaria, con dos partes que tienen el mismo tempo y utilizan el mismo material temático, aunque ocasionalmente habrá cambios de tempo dentro de las secciones. Con frecuencia son virtuosas y utilizan transiciones armónicas y modulaciones más distantes de lo que eran comunes en otras obras de la época. Fueron admiradas por su gran variedad e invención.
Tanto las sonatas para solista como las sonatas para trío de Vivaldi muestran paralelismos con los conciertos que escribía en la misma época. Compuso más de 70 sonatas, la gran mayoría de las cuales son de tipo solista; la mayor parte del resto son sonatas para trío y un número muy reducido son de tipo polifónico. [5]
Las sonatas de Domenico Paradies son obras suaves y alargadas con un segundo movimiento pequeño, elegante y melodioso incluido.
La práctica del período clásico sería decisiva para la sonata; el término pasó de ser uno de los muchos términos que indicaban géneros o formas, a designar la forma fundamental de organización de obras a gran escala. Esta evolución se extendió por más de cincuenta años. El término pasó a aplicarse tanto a la estructura de movimientos individuales (véase Forma sonata e Historia de la forma sonata ) como a la disposición de los movimientos en una obra de varios movimientos. En la transición al período clásico se dieron varios nombres a las obras de varios movimientos, incluidos divertimento , serenata y partita , muchas de las cuales ahora se consideran efectivamente sonatas. El uso de sonata como el término estándar para tales obras comenzó en algún momento de la década de 1770. Haydn etiqueta su primera sonata para piano como tal en 1771, después de lo cual el término divertimento se usa con moderación en su producción. El término sonata se aplicó cada vez más a una obra para teclado solo (véase sonata para piano ), o para teclado y otro instrumento, a menudo el violín o el violonchelo. Se aplicaba cada vez con menos frecuencia a obras con más de dos instrumentistas; por ejemplo, los tríos para piano no solían etiquetarse como sonatas para piano, violín y violonchelo.
Inicialmente la disposición de movimientos más común era:
Sin embargo, también se dan composiciones en dos movimientos, una práctica que Haydn utiliza hasta la década de 1790. También existía en el período clásico temprano la posibilidad de utilizar cuatro movimientos, con un movimiento de danza insertado antes del movimiento lento, como en las sonatas para piano n.º 6 y n.º 8 de Haydn. Las sonatas de Mozart también estaban principalmente en tres movimientos. De las obras que Haydn etiquetó como sonata para piano , divertimento o partita en Hob XIV , siete están en dos movimientos, treinta y cinco en tres y tres en cuatro; y hay varias en tres o cuatro movimientos cuya autenticidad está catalogada como "dudosa". Compositores como Boccherini publicarían sonatas para piano e instrumento obbligato con un tercer movimiento opcional; en el caso de Boccherini, 28 sonatas para violonchelo.
Sin embargo, cada vez más las obras instrumentales se presentaban en cuatro, en lugar de tres movimientos, una práctica que se vio primero en los cuartetos de cuerda y las sinfonías , y que llegó hasta la sonata propiamente dicha en las primeras sonatas de Beethoven . Sin embargo, las sonatas de dos y tres movimientos continuaron escribiéndose durante todo el período clásico: el par opus 102 de Beethoven tiene una sonata en do mayor de dos movimientos y una sonata en re mayor de tres movimientos. Sin embargo, las obras con menos o más de cuatro movimientos se percibieron cada vez más como excepciones; se las etiquetaba como que tenían movimientos "omitidos" o como que tenían movimientos "adicionales".
Así, en ese momento, el diseño en cuatro movimientos era el estándar para el cuarteto de cuerdas y, con diferencia, el más común para la sinfonía . El orden habitual de los cuatro movimientos era:
Cuando aparecían movimientos fuera de este orden, se los describía como "invertidos", como el scherzo que precede al movimiento lento de la Novena Sinfonía de Beethoven. Este uso sería observado por los críticos a principios del siglo XIX y se codificó en la enseñanza poco después.
Es difícil exagerar la importancia de la producción de sonatas de Beethoven: 32 sonatas para piano, además de sonatas para violonchelo y piano o violín y piano, que forman un gran cuerpo de música que con el tiempo se consideraría cada vez más esencial para que cualquier instrumentista serio dominara.
A principios del siglo XIX se estableció el uso actual del término sonata , tanto en lo que respecta a la forma en sí como en el sentido de que una sonata completamente elaborada sirve como norma para la música de concierto en general, con la que se relacionan otras formas. A partir de este momento, la palabra sonata en la teoría musical designa tanto la forma musical abstracta como obras particulares. De ahí que haya referencias a una sinfonía como sonata para orquesta . William Newman se refiere a esto como la idea de sonata .
Entre las obras expresamente etiquetadas como sonatas para piano se encuentran las tres de Frédéric Chopin , las de Felix Mendelssohn , las tres de Robert Schumann , la Sonata en si menor de Franz Liszt y, posteriormente, las sonatas de Johannes Brahms y Sergei Rachmaninoff .
A principios del siglo XIX se definió la forma sonata , a partir de una combinación de prácticas previas y de las obras de importantes compositores clásicos, en particular Haydn, Mozart, Beethoven, pero también compositores como Clementi. Fue durante este período cuando las diferencias entre los diseños de tres y cuatro movimientos se convirtieron en tema de comentario, con énfasis en el concierto, que se presentaba en tres movimientos y la sinfonía en cuatro.
Ernest Newman escribió en el ensayo "Brahms y la serpiente":
El papel de la sonata como una forma extremadamente importante de argumento musical extendido inspiraría a compositores como Hindemith , Prokofiev , Shostakovich , Tailleferre , Ustvolskaya y Williams a componer en forma de sonata, y se siguen componiendo e interpretando obras con estructuras de sonata tradicionales.
La investigación sobre la práctica y el significado de la forma, el estilo y la estructura de la sonata ha sido la motivación para importantes trabajos teóricos de Heinrich Schenker , Arnold Schoenberg y Charles Rosen , entre otros; y la pedagogía de la música continuó basándose en la comprensión y aplicación de las reglas de la forma de la sonata tal como casi dos siglos de desarrollo en la práctica y la teoría la habían codificado.
El desarrollo del estilo clásico y sus normas de composición formaron la base de gran parte de la teoría musical de los siglos XIX y XX. Como principio formal general, a la sonata se le concedió el mismo estatus central que a la fuga barroca ; generaciones de compositores, instrumentistas y audiencias se guiaron por esta comprensión de la sonata como un principio duradero y dominante en la música occidental. La idea de la sonata comienza antes de que el término adquiriera su importancia actual, junto con la evolución de las normas cambiantes del período clásico. Las razones de estos cambios, y cómo se relacionan con el sentido evolutivo de un nuevo orden formal en la música, es un tema al que se dedica la investigación. Algunos factores comunes que se señalaron incluyen: el cambio de enfoque de la música vocal a la música instrumental; cambios en la práctica de la interpretación, incluida la pérdida del continuo . [9]
Crucial para la mayoría de las interpretaciones de la forma sonata es la idea de un centro tonal; y, como lo expresa el Grove Concise Dictionary of Music : "La forma principal del grupo que encarna el 'principio sonata', el principio más importante de la estructura musical desde el período clásico hasta el siglo XX: que el material que primero se enuncia en una tonalidad complementaria se repita en la tonalidad de origen". ( [10]
La idea de la sonata ha sido explorada en profundidad por William Newman en su monumental obra de tres volúmenes Sonata in the Classic Era (A History of the Sonata Idea) , iniciada en la década de 1950 y publicada en lo que se ha convertido en la edición estándar de los tres volúmenes en 1972.
Heinrich Schenker sostuvo que existía una Urlinie o melodía tonal básica y una figuración básica del bajo. Sostenía que cuando estas dos estaban presentes, había una estructura básica y que la sonata representaba esta estructura básica en una obra completa con un proceso conocido como interrupción . [11]
En la práctica, Schenker aplicó sus ideas a la edición de las sonatas para piano de Beethoven, utilizando manuscritos originales y sus propias teorías para "corregir" las fuentes disponibles. El procedimiento básico fue el uso de la teoría tonal para inferir el significado de las fuentes disponibles como parte del proceso crítico, incluso hasta el punto de completar obras que sus compositores dejaron inacabadas. Si bien muchos de estos cambios fueron y son controvertidos, ese procedimiento tiene un papel central hoy en día en la teoría musical y es una parte esencial de la teoría de la estructura de la sonata tal como se enseña en la mayoría de las escuelas de música.
Fuentes
