El videoarte es una forma de arte que se basa en el uso de la tecnología de video como medio visual y de audio. El videoarte surgió a fines de la década de 1960, cuando las nuevas tecnologías de video para el consumidor, como las grabadoras de video , se hicieron disponibles fuera de la transmisión corporativa. El videoarte puede adoptar muchas formas: grabaciones que se transmiten ; instalaciones que se ven en galerías o museos; obras que se transmiten en línea o se distribuyen como cintas de video o en DVD ; y presentaciones que pueden incorporar uno o más televisores , monitores de video y proyecciones, que muestran imágenes y sonidos en vivo o grabados. [1]
El videoarte recibe su nombre de la cinta de video analógica original , que fue la tecnología de grabación más utilizada en gran parte de la historia del formato hasta la década de 1990. Con la llegada de los equipos de grabación digital , muchos artistas comenzaron a explorar la tecnología digital como una nueva forma de expresión.
Una de las diferencias clave entre el videoarte y el cine cinematográfico es que el videoarte no se basa necesariamente en muchas de las convenciones que definen al cine cinematográfico. El videoarte puede no emplear actores , no contener diálogos , no tener una narrativa o trama discernibles y no adherirse a ninguna de las otras convenciones que generalmente definen a las películas como entretenimiento. Esta distinción también distingue al videoarte de las subcategorías del cine, como el cine de vanguardia , los cortometrajes o el cine experimental .
Nam June Paik , artista coreano-estadounidense que estudió en Alemania, es ampliamente considerado como un pionero del videoarte. [2] [3] En marzo de 1963, Nam June Paik presentó en la Galerie Parnass en Wuppertal la Exposición de Música – Televisión Electrónica . [4] [5] En mayo de 1963, Wolf Vostell mostró la instalación 6 TV Dé-coll/age en la Galería Smolin de Nueva York y creó el video Sun in your head en Colonia. Originalmente, Sun in your head se hizo en película de 16 mm y se transfirió en 1967 a cinta de video. [6] [7] [8]
A menudo se dice que el videoarte comenzó cuando Paik utilizó su nuevo Sony Portapak para filmar la procesión del Papa Pablo VI por la ciudad de Nueva York en el otoño de 1965 [9]. Más tarde ese mismo día, al otro lado de la ciudad, en un café de Greenwich Village , Paik reprodujo las cintas y nació el videoarte.
Antes de la introducción de los equipos de vídeo para el consumidor, la producción de imágenes en movimiento solo estaba disponible de manera no comercial a través de películas de 8 mm y 16 mm . Después de la introducción de Portapak y su posterior actualización cada pocos años, muchos artistas comenzaron a explorar la nueva tecnología.
Muchos de los primeros videoartistas destacados fueron aquellos involucrados en movimientos concurrentes en el arte conceptual, la performance y el cine experimental. Estos incluyen a los estadounidenses Vito Acconci , Valie Export , John Baldessari , Peter Campus , Doris Totten Chase , Maureen Connor , Norman Cowie , Dimitri Devyatkin , Frank Gillette , Dan Graham , Gary Hill , Joan Jonas , Bruce Nauman , Nam June Paik , Bill Viola , Shigeko Kubota , Martha Rosler , William Wegman y muchos otros. También hubo quienes, como Steina y Woody Vasulka , estaban interesados en las cualidades formales del video y emplearon sintetizadores de video para crear obras abstractas. Kate Craig , [10] Vera Frenkel [11] y Michael Snow [12] fueron importantes para el desarrollo del videoarte en Canadá.
Gran parte del videoarte en el apogeo del medio experimentó formalmente con las limitaciones del formato de video. Por ejemplo, Double Vision , del artista estadounidense Peter Campus , combinó las señales de video de dos Sony Portapaks a través de un mezclador electrónico, lo que dio como resultado una imagen distorsionada y radicalmente disonante. Otra pieza representativa, Vertical Roll , de Joan Jonas , implicó la grabación de material previamente grabado de Jonas bailando mientras se reproducían los videos en un televisor, lo que dio como resultado una representación de mediación compleja y en capas.
Gran parte del videoarte en los Estados Unidos se produjo en la ciudad de Nueva York, con The Kitchen , fundada en 1972 por Steina y Woody Vasulka (con la ayuda del director de video Dimitri Devyatkin y Shridhar Bapat ), sirviendo como nexo de unión para muchos artistas jóvenes. Una de las primeras obras de videoarte multicanal (que utilizaba varios monitores o pantallas) fue Wipe Cycle de Ira Schneider y Frank Gillette . Wipe Cycle se exhibió por primera vez en la galería Howard Wise de Nueva York en 1969 como parte de una exposición titulada "La televisión como medio creativo". Wipe Cycle , una instalación de nueve pantallas de televisión, combinaba imágenes en vivo de visitantes de la galería, material encontrado de la televisión comercial y tomas de cintas pregrabadas. El material se alternaba de un monitor al siguiente en una elaborada coreografía.
En 1970, en los estudios de televisión de la Universidad Estatal de San José, en la costa oeste, Willoughby Sharp inició la serie "Videoviews" de diálogos grabados en vídeo con artistas. La serie "Videoviews" consta de diálogos de Sharp con Bruce Nauman (1970), Joseph Beuys (1972), Vito Acconci (1973), Chris Burden (1973), Lowell Darling (1974) y Dennis Oppenheim (1974). También en 1970, Sharp comisarió "Body Works", una exposición de obras en vídeo de Vito Acconci , Terry Fox , Richard Serra , Keith Sonnier , Dennis Oppenheim y William Wegman que se presentó en el Museo de Arte Conceptual de Tom Marioni , San Francisco, California. [ cita requerida ] [13]
En Europa, la innovadora pieza de video de Valie Export , "Facing a Family" (1971), fue uno de los primeros ejemplos de intervención televisiva y transmisión de videoarte. El video, emitido originalmente en el programa de televisión austríaco "Kontakte" el 2 de febrero de 1971,[11] muestra a una familia burguesa austríaca mirando televisión mientras cena, creando un efecto espejo para muchos miembros de la audiencia que estaban haciendo lo mismo. Export creía que la televisión podía complicar la relación entre el sujeto, el espectador y la televisión. [14] [15] En el Reino Unido, "TV Interruptions" (1971) de David Hall se transmitió intencionalmente sin anunciarse y sin acreditarse en la televisión escocesa, las primeras intervenciones de un artista en la televisión británica.
A medida que los precios de los programas de edición bajaron, el acceso del público en general a estas tecnologías aumentó. El software de edición de vídeo se hizo tan accesible que cambió la forma en que los artistas trabajaban con el medio. Al mismo tiempo, con la llegada de las televisiones independientes a Europa y la aparición de los videoclips, los artistas también utilizaron el potencial de los efectos especiales, las imágenes de alta calidad y el montaje sofisticado ( Gary Hill , Bill Viola ). Los festivales dedicados al videoarte, como el festival World Wide Video de La Haya, la Biennale de l'Image de Ginebra o Ars Electronica de Linz, desarrollaron y subrayaron la importancia de la creación en este campo.
Desde principios de los años 90, las exposiciones de arte contemporáneo integran vídeos de artistas entre otras obras e instalaciones. Es el caso de la Bienal de Venecia (Aperto 93) y de NowHere en el Museo Louisiana , pero también de galerías de arte donde se encuentra una nueva generación de artistas para quienes la llegada de equipos más ligeros como las Handycams favoreció una expresión más directa. Artistas como Pipilotti Rist , Tony Oursler , Carsten Höller , Cheryl Donegan, Nelson Sullivan pudieron, como otros en los años 60, salir fácilmente de sus estudios para filmar a mano sin sofisticación, a veces mezclando imágenes encontradas con las suyas ( Douglas Gordon , Pierre Bismuth , Sylvie Fleury , Johan Grimonprez, Claude Closky ) y utilizando una posproducción presente pero sencilla. La presentación de las obras también se simplificó con la llegada de los monitores a las salas de exposición y la distribución en VHS . La llegada de esta generación más joven anunció las cuestiones feministas y de género que vendrían, pero también el uso cada vez más híbrido de diferentes medios (películas transferidas en super 8, 16 mm, edición digital, extractos de programas de televisión, sonidos de diferentes fuentes, etc.).
Al mismo tiempo, museos e instituciones más especializados en videoarte integraban la tecnología digital, como el ZKM de Karlsruhe, dirigido por Peter Weibel , con numerosas exposiciones temáticas, o el Centre pour l'Image Contemporaine con su bienal Version (1994-2004) dirigida por Simon Lamunière .
Con la llegada de la tecnología digital e Internet, algunos museos han federado sus bases de datos, como http://www.newmedia-art.org/ producida por el Centro Georges Pompidou de París, el Museo Ludwig de Colonia y el Centre pour l'Image Contemporaine (centro de imágenes contemporáneas) de Ginebra.
A finales de siglo, las instituciones y los artistas trabajaron en el espectro cada vez más amplio de los medios, las imágenes en 3D, la interactividad, los CD-ROM, Internet, la posproducción digital, etc. Surgieron diferentes temas, como la interactividad y la no linealidad. Algunos artistas combinaron técnicas físicas y digitales, como "Legible City" de Jeffrey Shaw (1988-91). Otros utilizaron la interactividad de baja tecnología, como "+1" en línea de Claude Closky o "Do you want Love or Lust" en 1996, coproducido por la Dia Art Foundation . Pero estos pasos comienzan a alejarse del llamado videoarte hacia el arte de los nuevos medios y el arte de Internet .
A medida que la cantidad de material disponible y las técnicas de edición evolucionaron, algunos artistas también han producido videos narrativos complejos sin usar nada de su propio material: Civilization (2008) de Marco Brambilla es un collage o un "mural de video" [16] que retrata el cielo y el infierno. [17] Dial HISTORY de Johan Grimonprez es una interpretación de 68 minutos de duración de la guerra fría y el papel de los terroristas, realizada casi exclusivamente con extractos originales de televisión y películas sobre secuestros.
En términos más generales, durante la primera década, uno de los pasos más significativos en el campo del videoarte se logró con su fuerte presencia en exposiciones de arte contemporáneo a nivel internacional. Durante este período, era común ver videos de artistas en muestras colectivas, en monitores o como proyecciones. Más de un tercio de las obras presentadas en Art Unlimited (la sección de Art Basel dedicada a obras de gran formato) fueron instalaciones de video entre 2000 y 2015. Lo mismo ocurre con la mayoría de las bienales. Una nueva generación de artistas como Pipilotti Rist , Francis Alys , Kim Sooja , Apichatpong Weerasethakul , Omer Fast , David Claerbout , Sarah Morris , Matthew Barney , se presentaron junto a las generaciones anteriores ( Roman Signer , Bruce Nauman , Bill Viola , Joan Jonas , John Baldessari ).
Algunos artistas también han ampliado su audiencia haciendo películas ( Apichatpong Weerasethakul, que ganó la "Palma de Oro" en el Festival de Cine de Cannes de 2010 ) o organizando grandes eventos públicos ( la Expo Nacional Suiza de Pipilotti Rist02 ).
En 2003, Kalup Linzy creó Conversations Wit De Churen II: All My Churen , una sátira de telenovela a la que se le atribuye la creación del subgénero del video y la performance [18]. Aunque el trabajo de Linzy desafía el género, su trabajo ha sido una importante contribución al medio. Ryan Trecartin , un joven videoartista experimental, utiliza el color, las técnicas de edición y la actuación extraña para retratar lo que The New Yorker llama "un punto de inflexión cultural". [19] [20]
El videoarte como medio también puede combinarse con otras formas de expresión artística como el arte de performance . Esta combinación también puede denominarse "medios y arte de performance" [21] cuando los artistas "rompen el molde del video y el cine y amplían los límites del arte". [21] Con la mayor capacidad de los artistas para obtener cámaras de video, el arte de performance comenzó a documentarse y compartirse entre grandes cantidades de audiencias. [22] Artistas como Marina Abramovic y Ulay experimentaron con la grabación en video de sus actuaciones en los años 1970 y 1980. En una pieza titulada "Rest energy" (1980), tanto Ulay como Marina suspendieron su peso de modo que tiraron hacia atrás de un arco y una flecha apuntados al corazón de ella, Ulay sostuvo la flecha y Marina el arco. La pieza era 4:10 que Marina describió como "una actuación sobre la confianza total y completa". [23]
Otros artistas que combinaron el videoarte con el arte de performance utilizaron la cámara como público. Kate Gilmore experimentó con la posición de la cámara. En su video “Anything” (2006) filma su pieza de performance mientras intenta constantemente alcanzar la cámara que la mira fijamente. A lo largo del video de 13 minutos, continúa atando piezas de mobiliario mientras intenta constantemente alcanzar la cámara. Gilmore agregó un elemento de lucha a su arte que a veces es autoimpuesto, [24] en su video “My love is an anchor” (2004) [25] deja que su pie se seque en cemento antes de intentar liberarse frente a la cámara. [26] Gilmore ha dicho que ha imitado estilos de expresión de los años 1960 y 1970 con inspiraciones como Marina Abramovic, ya que agrega extremismo y lucha a su trabajo. [27]
Algunos artistas experimentaron con el espacio al combinar el videoarte y el arte escénico. Ragnar Kjartannson , un artista islandés, filmó un video musical completo con 9 artistas diferentes, incluido él mismo, filmados en diferentes habitaciones. Todos los artistas podían escucharse entre sí a través de un par de auriculares para poder tocar la canción juntos, la pieza se tituló "The visitors" (2012). [28]
Algunos artistas, como Jaki Irvine y Victoria Fu, han experimentado con la combinación de películas de 16 mm , películas de 8 mm y vídeo para aprovechar la posible discontinuidad entre la imagen en movimiento, la partitura musical y el narrador para socavar cualquier sensación de narrativa lineal. [29]
Desde el año 2000, los programas de artes en video han comenzado a surgir en las universidades como una disciplina independiente, generalmente relacionada con los programas de estudios de cine y radiodifusión más antiguos. Los modelos actuales que se encuentran en universidades como Northeastern y Syracuse muestran que las artes en video ofrecen competencias básicas en iluminación, edición y manejo de cámara. Si bien estos fundamentos pueden alimentar y respaldar las áreas de producción de cine o televisión existentes, el crecimiento reciente de los medios de entretenimiento a través de CGI y otros efectos especiales sitúan habilidades como la animación, los gráficos en movimiento y el diseño asistido por computadora como cursos de nivel superior en esta área emergente.
{{cite web}}: CS1 maint: copia archivada como título ( enlace )