Donato di Niccolò di Betto Bardi ( c . 1386 - 13 de diciembre de 1466 ) , conocido como Donatello ( en italiano: [ donaˈtɛllo ] , en italiano: [ˌdɒnəˈtɛl oʊ] ) , fue un escultor italiano del Renacimiento . Nacido en Florencia , estudió escultura clásica y utilizó sus conocimientos para desarrollar un estilo escultórico del Renacimiento temprano . Pasó tiempo en otras ciudades, donde trabajó en encargos y enseñó a otros; sus períodos en Roma, Padua y Siena introdujeron en otras partes de Italia las técnicas que había desarrollado en el curso de una larga y productiva carrera. Su David fue la primera escultura masculina desnuda independiente desde la Antigüedad; como gran parte de su trabajo, fue encargado por la familia Medici .
Trabajó con piedra, bronce, madera, arcilla, estuco y cera, y utilizó el vidrio de manera inventiva. Tuvo varios asistentes, siendo cuatro quizás un número típico. [ cita requerida ] Aunque sus obras más conocidas son en su mayoría estatuas ejecutadas en bulto redondo, desarrolló un nuevo tipo de bajorrelieve , muy superficial, para obras pequeñas, y gran parte de su producción fueron relieves arquitectónicos para púlpitos , altares y tumbas, así como vírgenes con niños para hogares.
En su estilo se pueden ver amplias fases superpuestas, comenzando con el desarrollo de la expresividad y la monumentalidad clásica en las estatuas, para luego desarrollar la energía y el encanto, sobre todo en obras más pequeñas. Al principio se alejó del estilo gótico internacional que aprendió de Lorenzo Ghiberti , con piezas de inspiración clásica , y más adelante con una serie de piezas austeras, incluso brutales. El erotismo sensual de su obra más famosa, el David de bronce , rara vez se ve en otras piezas.
Todos los relatos describen a Donatello como una persona amable y querida, pero bastante pobre en el aspecto comercial de su carrera. [3] Al igual que (no solo) Miguel Ángel en el siglo siguiente, tendía a aceptar más encargos de los que podía manejar, [4] y muchas obras se completaban con algunos años de retraso, se entregaban a otros escultores para que las terminaran o nunca se producían. Una vez más, al igual que Miguel Ángel, disfrutó del apoyo y el patrocinio constantes de la familia Medici .
Todas las fuentes coinciden en que tallaba piedra y modelaba arcilla o cera para bronces con gran rapidez y seguridad, y los historiadores del arte se sienten capaces de distinguir su mano de la de otros, incluso dentro de la misma obra. Los escultores del Renacimiento italiano casi siempre utilizaban ayudantes, a los que el maestro solía ceder partes de una pieza, pero Donatello, que tal vez no hubiera sido bueno dirigiendo un gran taller como el de Ghiberti, [5] parece haber tenido en la mayoría de los casos un número relativamente pequeño de ayudantes experimentados, algunos de los cuales llegaron a ser maestros importantes por derecho propio. La calidad técnica de su trabajo puede variar, especialmente en las piezas de bronce, donde pueden aparecer fallos de fundición; incluso el David de bronce tiene un agujero bajo la barbilla y una mancha en el muslo. [6]
Donatello hizo dibujos, probablemente especialmente para relieves. En el caso de sus diseños de vidrieras y quizás de otras obras, estos fueron toda su contribución. Vasari afirmó tener varios en su colección, que elogió altamente: "Tengo figuras desnudas y vestidas, varios animales que asombran a cualquiera que los vea, y otras cosas hermosas...". [8] Pero muy pocos de los dibujos supervivientes, si es que hay alguno, se aceptan ahora como probablemente hechos por su propia mano, y estos son bocetos fuertes y vivos con figuras, como los tres de sus colecciones que el gobierno francés todavía atribuye al propio Donatello. [9]
Una historia contada tanto por Vasari como por el anterior Pomponio Gaurico dice que tenía un cubo con dinero colgado de una cuerda del techo de su taller, del que los que estaban a su alrededor podían sacar dinero si lo necesitaban. [10] Una declaración de impuestos de 1427, cerca del apogeo de su carrera, muestra un ingreso mucho menor que el de Ghiberti para el mismo año, [11] y parece haber muerto en circunstancias modestas, aunque esto puede no haber sido un problema para él; [12] "fue muy feliz en su vejez", según Vasari. [13]
Donatello nació en Florencia, probablemente en 1386, según su propia declaración posterior en su declaración de impuestos catastrales ; afirmó tener 41 años en julio de 1427. [14] Era hijo de Niccolò di Betto Bardi, que era un "tensador de lana" ( tiratore di lana ) y miembro del Arte della Lana florentino , el gremio de trabajadores de la lana, que probablemente le proporcionaba buenos ingresos. [15]
El apellido real de Donatello era, por tanto, Bardi , pero si estaba emparentado con la conocida familia de banqueros Bardi , parece que era bastante distante. [16] Los banqueros Bardi seguían siendo ricos y poderosos, a pesar de que la quiebra de Eduardo III de Inglaterra en 1345 había provocado la quiebra de su banco. Después de que la condesa de Bardi se casara con Cosimo de Medici alrededor de 1415, cualquier conexión que tuviera todavía podría haber sido útil para Donatello. Sin embargo, el padre de Donatello tenía una conexión con el poderoso Buonaccorso Pitti , cuyo diario registra una pelea en Pisa en 1380 en la que intervino Niccolò, asestando al oponente de Pitti un golpe fatal. [17]
La afirmación de Vasari de que Donatello fue criado y educado en la casa de la prominente familia Martelli probablemente carece de fundamento y se basa en razones literarias e incluso políticas. Sin duda, más tarde fueron mecenas entusiastas de Donatello y también encargaron obras al propio Vasari. [18]
La primera aparición de Donatello en cualquier registro documental no es prometedora; en enero de 1401, a la edad de unos 15 años, fue acusado en Pistoia , a 25 millas de Florencia y entonces controlada por ella, de golpear a un alemán con un palo, sacándole sangre. [19] Probablemente estaba allí con su padre, que tenía un trabajo oficial en Pistoia en ese momento, mientras que Buonaccorso Pitti era el capitán o gobernador. [20] Mientras estaba allí, Donatello parece haber entablado amistad, y tal vez trabajado con Filippo Brunelleschi , que era unos diez años mayor (nacido en 1377), y aunque todavía no era un maestro orfebre , trabajaba en figuras de plata para un altar en la catedral de Pistoia . No está claro qué experiencia tenía Donatello para ayudarlo, si eso era lo que estaba haciendo. [21]
Tanto Donatello como Brunelleschi regresaron a Florencia a principios de 1401, a tiempo para que Brunelleschi participara en el famoso concurso de las puertas del Baptisterio, a menudo considerado como el inicio de la escultura florentina del Renacimiento. [22] Se invitó a siete escultores a presentar paneles de prueba, por los que se les pagó; la Vida de Brunelleschi de Vasari afirma erróneamente que Donatello fue uno de ellos, pero todos eran figuras más experimentadas. Siguiendo a Vasari y al biógrafo de Brunelleschi, Antonio Manetti , el resultado inesperado declarado por los 34 jueces fue que las propuestas de dos jóvenes florentinos, Lorenzo Ghiberti y Brunelleschi, fueron las mejores. Se intentó que los dos compartieran el encargo, pero en medio de amargas recriminaciones que duraron años, esto fracasó y Ghiberti recibió todo el encargo. [23] El propio Ghiberti, por otro lado (y la única voz contemporánea) afirmó en sus Commentarii que la votación fue unánime para él, incluidos los artistas en competencia. [24]
Se desconoce el papel que desempeñó el adolescente Donatello, probablemente ayudando a Brunelleschi con su pieza de prueba. Después del resultado final, a finales de 1402 o principios de 1403, parece que partieron juntos hacia Roma, donde permanecieron al menos hasta el año siguiente, para estudiar los restos artísticos y arquitectónicos dejados por la Antigua Roma , entonces muy abundantes, aunque en su mayor parte todavía enterrados. [25] Fueron muy tempranos en esta búsqueda arqueológica, que incluía la medición de los restos y la contratación de trabajadores para excavar. La principal fuente para este período es la biografía de Brunelleschi de Antonio Manetti (1423-1497), que conocía a ambos hombres, pero fue escrita después de su muerte en la década de 1470. [26]
Vasari se limita a repetir una versión más breve del relato de Manetti, según la cual ambos hombres pudieron mantenerse trabajando para orfebres romanos , lo que probablemente representó una formación importante para Donatello. Tal vez también pudieron vender esculturas excavadas. [27] Posteriormente, Brunelleschi se convirtió en un arquitecto de gran importancia, mientras que Donatello comenzó su carrera en la escultura.
Donatello está registrado como aprendiz, y durante los últimos meses cobrando un salario, en el taller de Lorenzo Ghiberti entre 1404 y 1407, [28] aparentemente trabajando en el proyecto principal del taller, las puertas de bronce del Baptisterio de Florencia , [29] y desde 1406 en adelante comenzó a tallar piedra en la catedral para la Porta della Mandorla en su lado norte, un gran proyecto que aún estaba a algunos años de completarse. En noviembre de 1406 recibió el pago por una figura de un profeta en la puerta, muy probablemente la del pináculo izquierdo (ahora en el Museo dell' Opera del Duomo , el museo de la catedral). [b] Giovanni d'Ambrogio , cuyo trabajo, según Kreytenberg, "proporcionó un impulso decisivo para el surgimiento de la escultura renacentista", ha sido descrito por Manfred Wundram como el "verdadero mentor de Donatello". [30]
A principios de 1408, Donatello había adquirido suficiente reputación como para que le encargaran un profeta de tamaño natural para la catedral, que se emparejaría con otro de Nanni di Banco , un brillante escultor de la edad de Donatello, que parece haber sido al mismo tiempo rival y amigo. [31] Al final no se colocaron como estaba previsto, probablemente porque parecían demasiado pequeños desde muy abajo, y el Donatello parece haberse perdido. [32]
A partir de ese momento recibió una serie de encargos de estatuas de tamaño natural para lugares públicos destacados. Estas se encuentran entre sus obras más famosas, pero después de 1425 produjo pocas esculturas de este tipo. Su David de mármol puede datar de esta época, o un poco más tarde, tal vez de 1412. [33] Se le encargó que lo rehiciera en 1416, y la catedral lo entregó a la república , que lo colocó en la sede del gobierno, el Palazzo Vecchio . [34] Fue "uno de los primeros casos en la escultura monumental en el que se lo retrata como un joven", en lugar de como el rey de Israel, y "se tambalea entre los mundos gótico y renacentista". [35]
Entre 1409 y 1411 realizó la colosal figura sedente de San Juan Evangelista , que ocupó un nicho de la antigua fachada de la catedral hasta 1588 y que ahora se encuentra en el museo de la catedral. Esta se colocó con la base a unos 3 metros del suelo, y Donatello ajustó su composición teniendo esto en cuenta; desde 2015, esta y otras esculturas de la catedral se exhiben a sus alturas originales. [36]
En 1415 las autoridades de la catedral decidieron revivir y completar los proyectos medievales y añadir ocho figuras de mármol de tamaño natural para los nichos de los niveles superiores del Campanile de Giotto , contiguo a la catedral, así como completar una fila en la fachada de la catedral (en la que Donatello no participó). Todas las figuras de la serie del campanile fueron retiradas en 1940, para ser reemplazadas por réplicas y las originales trasladadas al Museo dell'Opera del Duomo. Se colocaron muy altas, por lo que se veían desde la distancia, en un ángulo agudo, factores que debían tenerse en cuenta en las composiciones y que hicieron que "los detalles finos fueran prácticamente inútiles para el efecto visual"; [37] Desde 2015, las nuevas exhibiciones del museo muestran esta y otras estatuas para la catedral a las alturas originales previstas.
Donatello fue responsable de seis de las ocho figuras del campanario, en dos casos trabajando con el joven Nanni di Bartolo ( il Rosso ). Los encargos y los comienzos se extendieron entre 1414 y 1423, y aunque la mayoría se completaron en 1421, la última de sus estatuas no se terminó hasta 1435. [38] Esta fue la sorprendente Zuccone ("Calvo" o "Cabeza de Calabaza" probablemente pensada como Habacuc o Jeremías ), la más conocida de la serie y, según se dice, la favorita de Donatello. [39]
Otras estatuas suyas para el campanario son: el Profeta imberbe y el Profeta barbudo (ambas de 1414 a 1420); el Sacrificio de Isaac (con Nanni di Batolo, 1421); il Populano , un profeta que no fue finalmente terminado hasta 1435. [40]
La visibilidad de las estatuas en lo alto de los edificios de la catedral siguió siendo una preocupación durante el resto del siglo; el David de Miguel Ángel estaba destinado a un lugar así, pero resultó demasiado pesado para levantarlo y sostenerlo. Donatello, junto con Brunelleschi, propuso una solución grande pero liviana, e hizo un profeta Josué con un núcleo de ladrillo, luego una capa modelada de arcilla o terracota, todo pintado de blanco. Esto se colocó en la catedral algún tiempo después de 1415, y permaneció hasta el siglo XVIII; se lo conocía como el "Coloso Blanco" u homo magnus et albus ("Gran Hombre Blanco"). [41]
Otro proyecto escultórico de gran escala en la ciudad fue la finalización de las estatuas para los nichos que rodeaban el exterior del edificio rectangular de Orsanmichele , un edificio propiedad de los gremios de Florencia , que estaba en proceso de convertirse de un mercado de cereales a una iglesia en la planta baja, todavía con oficinas en la parte superior. Había 14 nichos alrededor del exterior, y cada uno de los gremios principales era responsable de uno, normalmente eligiendo a su santo patrón. La ubicación tenía la ventaja de que los nichos estaban mucho más bajos que en la catedral, con los pies de las estatuas a unos tres metros sobre el nivel del suelo. [42]
Sin embargo, según una historia de Vasari, Donatello tuvo problemas con su primera estatua para Orsanmichele, un San Marcos de mármol (1411-1413) para el gremio de tejedores de lino . Al ver la estatua terminada a nivel del suelo, a los tejedores no les gustó. Donatello les pidió que la pusieran en su nicho y la cubrieran mientras él trabajaba para mejorarla. Después de dos semanas bajo techo, la mostró en posición, sin haber hecho ningún trabajo en ella, y la aceptaron felizmente. [43] Tiene una pose de contrapposto , con la túnica en la pierna soportando el peso en "pliegues de drapeado verticales rectos que se asemejan a las estrías de una columna dórica ". [44] Como la mayoría de las estatuas de Orsanmichele, esta se ha trasladado al museo interior y se ha reemplazado por una réplica.
Entre 1415 y 1417, terminó el San Jorge de mármol para la Cofradía de los Armeros ; el importante relieve de la base se analiza más adelante y es un poco posterior. [45] Debido a una escalera en el otro lado de la pared, el nicho es más bajo que los demás, pero Donatello aprovecha esto para sacar ventaja, empujando la figura hacia adelante en el espacio, y con la "mirada ansiosa" en el rostro que sugiere alerta o prontezza , "la cualidad por encima de todas las demás que se destacó para elogios en los sucesivos elogios renacentistas de la obra". Los agujeros y la forma de una mano sugieren que la figura originalmente llevaba una corona o casco en la cabeza y llevaba una espada o lanza; el cliente habría podido proporcionar estas piezas en bronce. [46]
El San Luis de Toulouse, de bronce dorado, data de algunos años más tarde, entre 1423 y 1425. Actualmente se encuentra en el museo de la Basílica de Santa Croce , tras haber sido sustituido en 1460 por la Incredulidad de Santo Tomás de Verrocchio , de bronce. Es técnicamente muy inusual, ya que se construyó a partir de varias secciones fundidas y doradas por separado, algo que era necesario debido a la dificultad de dorar al fuego una figura entera de tamaño superior al natural. La colaboración con Michelozzo puede haber comenzado con esta pieza [47] , y 1423 marca el comienzo del trabajo documentado de Donatello en bronce, con tres encargos registrados ese año: el San Luis , un busto relicario de San Rossore y el relieve para el Baptisterio de Siena que se analiza a continuación [48] . Michelozzo tenía una gran experiencia con el bronce y, sin duda, ayudó con los aspectos técnicos, y Donatello se acostumbró al medio muy rápidamente [49] .
En 1418 la Signoria encargó una gran e imponente figura del león heráldico de Florencia, el Marzocco, para la entrada de un nuevo apartamento en Santa Maria Novella construido para una rara visita del Papa; en caso de que no lo terminara a tiempo. [50] Más tarde se colocó en la Piazza della Signoria , donde ahora hay una réplica, con el original en el Museo Bargello .
Antes de 1410, realizó el crucifijo de madera pintada que hoy se conserva en Santa Croce , [51] que aparece en una famosa historia de Vasari. Retrata a un Cristo muy realista en un momento de agonía, con los ojos y la boca parcialmente abiertos y el cuerpo contraído en una postura poco elegante. Según la historia, Donatello se lo mostró con orgullo a Brunelleschi, quien se quejó de que hacía que Cristo pareciera un campesino, [52] ante lo cual Donatello lo desafió a hacer algo mejor; entonces produjo el Crucifijo de Brunelleschi . En ese momento, probablemente se consideró que la figura más clásica de Brunelleschi había ganado el concurso, pero los gustos modernos pueden cuestionarlo. [53]
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Donatello se hizo famoso por sus relieves , especialmente por su desarrollo de un estilo de relieve muy "bajo" o superficial, llamado stiacciato (literalmente "aplanado"), donde todas las partes del relieve son bajas. Esto contrastaba con la técnica en desarrollo de otros escultores que incluían relieves muy altos y bajos en la misma composición, siendo las "Puertas del Paraíso" de Ghiberti (1424-1451) para el Baptisterio de Florencia un ejemplo destacado. [54]
El "primer hito" de Donatello en esta técnica es su San Jorge liberando a la princesa en mármol sobre la base de su San Jorge para Orsanmichele. Las figuras se proyectan ligeramente hacia adelante, pero "mediante hábiles superposiciones se vuelven a colocar en un plano de piel unificado y tenso que apenas se rompe en el relieve de la superficie para sugerir un espacio profundo, aunque no ilimitado". [55] El relieve no proporciona un "sistema de perspectiva completamente coherente" (ni tampoco lo hizo ninguna obra italiana durante unos cinco o seis años después), pero la sala con arcadas de la derecha representa un esquema parcial de perspectiva. [56]
Su siguiente gran proyecto en esta dirección fue el bronce, un material relativamente nuevo para él. Ghiberti había participado desde 1417 en un proyecto para la pila bautismal del Baptisterio de Siena ; parece haber sido idea suya tener seis relieves de bronce, en lugar de mármol, y estos le fueron asignados a él, a Jacopo della Quercia y a un equipo local de padre e hijo. En 1423 Ghiberti ni siquiera había comenzado a trabajar, y un relieve, La fiesta de Herodes , fue entregado a Donatello en su lugar (el tema general era la vida de Juan el Bautista ). [57]
Esta se encuentra en una posición baja, la parte inferior aproximadamente a la altura de la rodilla del espectador, y el relieve lo permite. La composición tiene figuras en tres planos que se alejan definidos por la arquitectura. A la izquierda, Herodes retrocede horrorizado cuando le presentan la cabeza de Juan el Bautista en una bandeja; a la derecha del centro, Salomé sigue bailando. En un espacio detrás, los músicos tocan y, más allá de ellos, la cabeza de Juan se presenta a dos figuras, una de las cuales presumiblemente es Herodías. No representa un esquema de perspectiva de un solo punto completo, ya que hay dos puntos de fuga , tal vez destinados a crear impresiones subliminales de tensión y falta de armonía en el espectador, reflejando el tema espeluznante. [58]
Otros relieves stiacciato incluyen La Asunción de la Virgen en la tumba de pared en Sant'Angelo a Nilo , Nápoles, (1426-1428, ver abajo), la Virgen de las Nubes y la Virgen Pazzi , ambas c. 1425-1430 y piezas domésticas respectivamente con y sin fondo tallado, La Ascensión con Cristo entregando las llaves a San Pedro (1428-1430), para una ubicación desconocida pero en la colección de los Medici a finales de siglo, y una pequeña Virgen con el Niño (quizás 1426, probablemente de su taller). [60]
En todo momento Donatello y su taller realizaron relieves más convencionales, de distintas profundidades y tamaños, y en diferentes materiales. [61]
En torno a 1425, Donatello se asoció formalmente con Michelozzo , a quien se recuerda principalmente como arquitecto, pero también como escultor, especialmente de obras de menor escala en metal. Se había formado en la Casa de la Moneda fabricando troqueles para monedas, donde todavía tenía un puesto asalariado. Michelozzo era diez años más joven y probablemente se conocían desde hacía años. Michelozzo quería librarse de un acuerdo con Ghiberti, y Donatello tenía demasiado trabajo y era malo a la hora de organizar un taller, en lo que Michelozzo parece haber sobresalido. Ambos tenían muy buenas relaciones con la familia Medici y, por tanto, con sus poderosos partidarios. La asociación tuvo mucho éxito y se renovó hasta que duró nueve años, cuando una disputa que fue principalmente culpa de Donatello la puso fin. [62]
La combinación de habilidades de la asociación en escultura monumental y arquitectura la hizo muy calificada para encargarse de tumbas de pared elaboradas. De 1425 a 1428, colaboraron en la Tumba del Antipapa Juan XXIII en el Baptisterio de Florencia ; los albaceas fueron Giovanni de' Medici y partidarios de los Medici. Donatello hizo la figura de bronce yacente del difunto, y Michelozzo, con ayudantes, las diversas figuras en piedra. La tumba, que integraba elegantemente una variedad de elementos en un espacio vertical estrecho, en un estilo clasicista, causó un gran impacto y "se convirtió en el modelo para la tumba de pared del Quattrocento siempre que se deseaba una expresión elaborada o particularmente impresionante", con variaciones que se encontraron hasta bien entrado el siglo siguiente. [63]
Tras su muerte en 1427, la sociedad se hizo cargo del monumento funerario del cardenal Rainaldo Brancacci , aliado de los Medici, en la iglesia de Sant'Angelo a Nilo en Nápoles . El trabajo se realizó en Pisa , en la costa, y las piezas se enviaron al sur. Se compró un burro para ayudar con el transporte y, en 1426, Donatello había comprado un barco para enviar mármol desde Carrara a Pisa. La contribución personal de Donatello probablemente se limitó al relieve de la Asunción mencionado anteriormente. [64] Terminando en 1429, para la pila bautismal del Baptisterio de San Giovanni, Siena , aparte del relieve de La fiesta de Herodes (discutido anteriormente), hizo pequeñas estatuas de bronce de Fe y Esperanza , y tres pequeños spiritelli de bronce , figuras desnudas parecidas a putti aladas, de inspiración clásica y muy influyentes en el arte posterior. [65]
Las imágenes de la Virgen con el Niño , sobre todo para uso doméstico, habían sido durante mucho tiempo un elemento básico para los pintores italianos y se volvían asequibles a medida que bajaba la escala de ingresos. Ahora los escultores las producían como relieves, en una variedad de materiales, y a menudo se pintaban las más baratas, de terracota o yeso. La atribución de la gran cantidad de tales imágenes es a menudo difícil, especialmente porque el estilo de Donatello y contemporáneos como Ghiberti continuó utilizándose para ellas durante mucho tiempo. [66]
Otro tipo de trabajos para los escultores fueron los escudos de armas y otras piezas heráldicas para los exteriores de los palacios de las grandes familias de la ciudad, de los que Donatello hizo varios. Donatello también restauró esculturas antiguas para el Palacio Medici . [67]
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La ruptura de la asociación con Michelozzo parece haber sido precipitada en parte por los retrasos de Donatello en hacer su parte en el encargo de un púlpito exterior para la catedral de Prato ; los momentos más destacados del año en Prato , cerca de Florencia y controlada por ella, fueron cuando la famosa reliquia de la ciudad, el Cinturón de Tomás ( Sacra Cintola ), que se cree que es el cinturón que la Virgen María dejó caer al apóstol Tomás cuando se elevó en el aire durante su Asunción , se mostró a la población desde un alto púlpito. Esto tuvo lugar cinco veces al año, una coincidiendo con una feria comercial que era importante para la economía de la ciudad. El encargo comenzó en 1428, pero Donatello no comenzó a trabajar en las áreas asignadas durante años, a pesar de la incesante persecución de las autoridades de Prato y, finalmente, de Cosimo de' Medici . [68]
Los relieves de niños danzantes de Donatello para el púlpito, "una verdadera danza bacanal de putti semidesnudos, pagana en espíritu, apasionada en su maravilloso movimiento rítmico", [69] fueron finalmente entregados en 1438, y parece que aunque fueron diseñados por Donatello, tal vez usando su primera idea para el friso de la cantoria de Florencia (ver más abajo), no se cree que hayan sido tallados por él. Las autoridades de Prato no estaban contentas, y los diez años que habían tardado en terminarlos parecen haber tensado las relaciones con Michelozzo, y la asociación no se renovó en 1434. Los dos mantuvieron una relación amistosa y colaboraron más tarde. Los relieves del púlpito ahora están reemplazados por réplicas, y los originales, bastante desgastados, se exhiben dentro de la catedral. [70]
Un factor en el retraso fue probablemente el hecho de que Donatello viajara más a menudo a partir de 1430, después de un largo período de trabajo constante y de residencia en Florencia tras su regreso de Roma en 1404. En 1430 trabajó con Brunelleschi en Lucca en la construcción de un dique y una muralla defensiva, y más tarde ese mismo año visitó Pisa, Lucca de nuevo y terminó el año en Roma, donde pasó gran parte de su tiempo hasta 1433. Algunos de estos viajes fueron para ver antigüedades, y las dificultades políticas habían reducido en gran medida el flujo de encargos en Florencia. [71]
Michelozzo también estuvo con Donatello en Roma durante algún tiempo, pero los pocos resultados de las visitas allí llevan a los historiadores del arte a describir las visitas como principalmente resultado del estudio de obras clásicas. No está claro si realmente se hizo algo allí, o se ejecutó en Florencia y se envió allí. Probablemente había un gran encargo papal en mente, pero si fue así, no se obtuvo nada. [72] La pieza principal superviviente es un tabernáculo para San Pedro en relieve de mármol, de 228 cm (89,7 pulgadas) de alto, y ahora en el museo allí. Las principales secciones figurativas son un panel stiacciato con el Entierro de Cristo , y un total de dieciséis ángeles niños en varios puntos del marco arquitectónico clasicista. Esto "define claramente por primera vez el tipo de tabernáculo de pared del Renacimiento temprano" y fue muy influyente. [73]
También estaba la antigua losa funeraria del clérigo Giovanni Crivelli en Santa Maria in Aracoeli , que bien podría no atribuirse a Donatello si no la hubiera firmado. No está claro si se abrió un taller en Roma o si se tallaron en Florencia y se enviaron por barco. [74]
Se ha especulado que las visitas llevaron a reuniones entre Donatello y Leon Battista Alberti , que entonces se encontraba en Roma y tal vez estaba escribiendo su De Statua . Es posible que haya existido una influencia mutua y Donatello parece haber regresado de Roma con un interés en un sistema modular de proporciones humanas. El David de bronce utiliza proporciones muy cercanas a las que recomienda Alberti. [75]
En las décadas de 1430 y 1440, Donatello realizó muchas esculturas de niños bailando, así como putti (querubines) y una variante de estos tradicionalmente llamados spiritelli (" diablillos " o "duendes"). Los putti no eran nuevos en la escultura italiana, pero Donatello les dio una prominencia bastante inusual. [76]
Algunos ejemplos tempranos son tres de un grupo de seis spiritelli de bronce independientes en la cubierta de la pila bautismal del Baptisterio de Siena (1429), de pie sobre su relieve anterior de la Fiesta de Herodes, mencionado anteriormente. Uno baila y dos tocan instrumentos musicales. Se ha dicho que son "las primeras figuras verdaderamente independientes del Renacimiento" y fueron enormemente influyentes, expresando "lo que estaba en el corazón del Renacimiento: el renacimiento clásico en el cristianismo". [77]
Su obra más famosa en este género es su friso en relieve para la cantoria o galería de canto de la catedral de Florencia. Hay dos de estas galerías bastante altas en las paredes de la nave. Luca della Robbia había recibido el encargo de la primera en 1431, y Donatello, de la segunda, en 1433, con un contrato que prometía un pago un 20% más alto si la suya era más bella que la de Della Robbia. [78]
Desarrollan el estilo de los relieves del púlpito de Prato, [79] las figuras "son principalmente símbolos del abandono dionisíaco , y el carácter infantil de sus cuerpos se olvida en nuestra sensación de su vida animal liberada. Si en una fotografía cubrimos sus cabezas, nuestra primera mirada revela un sarcófago báquico más intrincado y vigoroso que cualquier cosa en el arte antiguo; y solo al mirar con más atención nos damos cuenta de sus barrigas gordas y sus piernas regordetas". [80]
Seis spiritelli en animada conversación se agolpan en la parte superior del gran marco clásico de su Anunciación de Cavalcanti en Santa Croce, Florencia , hecha para un cuñado de los Medici, c. 1436-1438. [81]
La notable estatua de bronce llamada Amore-Attis , tal vez de principios de la década de 1440, tiene un pie en el mundo de los spiritelli y el otro en el erotismo sensual del David de bronce . La figura tiene alas y cola, está de pie sobre una serpiente y tiene una variedad de atributos clásicos, demasiados para una identificación sencilla. Lleva polainas que enfatizan en lugar de ocultar sus partes privadas. [82] En el siglo XVII se consideró una obra de la antigüedad, a pesar de una clara descripción de ella por parte de Vasari. [83]
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El David de bronce de Donatello , que hoy se encuentra en el museo Bargello , es su obra más famosa y la primera estatua desnuda independiente conocida producida desde la Antigüedad. Está concebida completamente en bulto redondo, independiente de cualquier entorno arquitectónico, y casi a tamaño natural. [84]
Aunque el encargo no está documentado, la estatua aparece por primera vez colocada en una columna en el patio del recién construido Palacio Medici en una boda en 1469, [85] pero probablemente es anterior al inicio de esa construcción en 1444. Lo más probable es que fuera encargada por Cosimo de' Medici para el antiguo palacio Medici en la misma calle, probablemente entre 1434 y 1440, después de que Donatello regresara de Roma y Cosimo del exilio. [86]
David era un símbolo consolidado de la República de Florencia , victoriosa en la defensa contra las potencias circundantes más grandes, siendo el Ducado de Milán el más amenazador en este período. Aunque la estatua ciertamente tenía la intención de transmitir este significado, también tiene un poder sensual y erótico que era original. [87] Las muchas imágenes florentinas anteriores de David, como el David de piedra de Donatello de alrededor de 1408-09, lo mostraban vestido; [88] aquí solo usa un sombrero y botas que, como en el Amore-Attys , solo sirven para acentuar su desnudez. [89]
La "innovación... de Donatello es la transformación del Rey de Israel en un joven dios griego", en "una obra de innovación casi increíble, que nada más en el arte de la época nos lleva a anticipar... durante el resto del siglo continúa estando mucho más allá de la corriente del gusto contemporáneo". [90] La figura muestra "un niño real cuyo pecho era más estrecho y flancos menos redondeados que el ideal griego", y la "cintura es el centro de interés plástico, desde el que irradian todos los demás planos del cuerpo", que se convirtió en la norma en la escultura de desnudos del Renacimiento. [91]
Un pie descansa casualmente sobre la cabeza cortada de Goliat , lo que le da a la figura una pose de contrapposto . Las plumas de la cresta del casco de Goliat rozan la parte interior del muslo de David, en un toque más sensual. El David y el Amore-Attis complementan varias piezas de chismes contemporáneos para sugerir los intereses sexuales de Donatello. [92]
Parece probable que la homosexualidad de Donatello fuera bien conocida, tolerada y protegida por los Medici y otros. [93] La evidencia principal proviene de anécdotas en los Detti piacevoli , una gran colección de chismes de celebridades probablemente compilados alrededor de 1480 (pero no publicados hasta 1548), tal vez por el humanista y poeta Angelo Poliziano (1454-1494), un conocedor de los Medici como tutor de los hijos de Lorenzo. [94] Estas cuentan que Donatello se rodeó de "apuestos asistentes" y persiguió en busca de uno que había huido de su taller. [95]
Se decía que contrataba a muchachos especialmente guapos y los "manchaba" (probablemente refiriéndose al maquillaje) para que nadie más los encontrara agradables; cuando un asistente se iba después de una pelea, se reconciliaban "riéndose" el uno del otro, un término del argot para el sexo. [96] Sin embargo, no se conoce ningún detalle con certeza sobre su vida privada y, a diferencia de muchos artistas (por ejemplo, Sandro Botticelli ), no hay denuncias registradas por sodomía en los archivos florentinos, aunque estas están incompletas. [97] [98]
La madera se seguía utilizando para los crucifijos por su ligereza, además de ser barata y cómoda para transportarla en las procesiones litúrgicas. El primer crucifijo de Donatello para la Santa Croce tiene brazos abatibles para este fin. Las esculturas de madera casi siempre estaban pintadas y parcialmente doradas (como solían estarlo las de terracota e incluso las de mármol y bronce).
Cuando una cofradía florentina de Venecia encargó una estatua de San Juan Bautista , patrón de Florencia, que todavía se encuentra en la iglesia de Frari , se eligió la madera. La estatua es probablemente la única obra de Donatello en la ciudad. Normalmente no firmaba sus obras, excepto en algunos encargos destinados a fuera de Florencia. [99] El bautista estaba firmado y fechado en 1438. Antes de que esto se revelara en los trabajos de conservación, se había datado más tarde, después de su estancia en Padua, según la idea de que las obras de Donatello se volvían cada vez más expresivas.
La redatación del San Juan tuvo consecuencias en cadena para una figura de madera mucho más famosa, la Magdalena penitente, que se encuentra desde hace mucho tiempo en el Baptisterio de Florencia (hoy Museo dell'Opera del Duomo), donde el estilo de la talla es comparable. Esta es "formidablemente expresiva" en un estilo austero que se encuentra en los últimos años de Donatello, y se había datado alrededor de 1456, [100] hasta que se encontró la fecha en la otra figura; ahora se la fecha generalmente a fines de la década de 1430, o en cualquier caso antes de que Donatello fuera a Padua. [101]
Según Kenneth Clark , muestra a "una faquir femenina cuyos pequeños ojos hundidos, mirando a través del desierto, han contemplado la visión de Dios. Su cuerpo ya no tiene la menor importancia para ella". [102]
En 2020, la diócesis atribuyó a Donatello el crucifijo de madera pintado de la iglesia de Sant'Angelo en Legnaia , un suburbio de Florencia, y lo fechó en la década de 1460. Este tiene un estilo más simple. [103] [104] [105] [106]
La Sagrestia Vecchia , como se la llama ahora, [107] de San Lorenzo, Florencia, fue el último gran proyecto de Donatello antes de sus años en Padua, y constituye el único espacio grande casi completamente decorado por él. Las opiniones han variado en cuanto al éxito de su plan desde entonces. Las diversas partes combinan experimentación en algunos lugares y conservadurismo en otros, y el conjunto no ha logrado alcanzar el estatus icónico de la Capilla Pazzi , bastante similar , de unos años más tarde, que tal vez aprendió las lecciones de la sacristía; Luca della Robbia fue el escultor allí. [108]
La sacristía fue construida recientemente, diseñada por Brunelleschi, [109] y la primera parte completada de una importante reconstrucción de la iglesia por los Medici. Combinaba las funciones de una capilla funeraria de los Medici, conteniendo la tumba de Giovanni y su esposa bajo la mesa de vestimentas para que se dispusieran las vestimentas ; ambas están todavía en su lugar. [110] Las fechas exactas de la participación de Donatello no están claras, pero generalmente se la ubica después del regreso del exilio de los Medici en 1434, y la partida de Donatello a Pisa en 1443/44, probablemente a fines de la década de 1430. [111]
Donatello añadió dos pares de puertas de bronce con paneles en relieve y elaborados marcos arquitectónicos para ellas, y dos juegos de grandes medallones en relieve debajo de la cúpula principal. En las pechinas hay cuatro escenas de la vida de Juan el Bautista, y en la parte superior de los arcos puramente decorativos en pietra serena hay cuatro de los Cuatro Evangelistas , sentados en grandes escritorios sobre los que se posan sus atributos. Todos ellos están en estuco pintado , los evangelistas en su mayoría blancos sobre un fondo azul grisáceo ahora bastante fangoso, con reflejos dorados para los halos. Tres de las escenas de la vida de Juan tienen muchas figuras pequeñas y escenarios y fondos arquitectónicos complicados, mientras que la cuarta, ambientada en Patmos , tiene un fondo de paisaje. Todas utilizan un esquema de color de blanco para las figuras, diferentes tonos de marrón terracota para los escenarios y el azul grisáceo fangoso para el cielo. También hay dos grandes relieves de pares de santos patronos de los Medici de pie sobre las puertas, en la misma técnica y colores. En diferentes lugares, el estuco fue pintado tanto húmedo, en una especie de técnica de fresco , como seco. [112]
Las puertas de bronce eran relativamente pequeñas y tenían una pila de cinco paneles en cada puerta, cada uno conteniendo un par de figuras de pie sobre un fondo liso, un diseño conservador, posiblemente influenciado por el arte cristiano primitivo , como las puertas de Santa Sabina en Roma, o los dípticos consulares . Un par tiene a los Doce Apóstoles con otros santos completando el número, y el otro tiene mártires, que en la mayoría de los casos no pueden ser identificados con seguridad. La ejecución es nuevamente desigual, y es probable que gran parte de la ejecución haya sido realizada por asistentes. [113]
El proyecto recibió críticas, ya bastante inusuales para Donatello, desde muy temprano. El modelado y la ejecución de algunos de los relieves eran rudimentarios, especialmente las escenas de la vida de Juan, y a menudo se piensa que los diversos elementos añadidos distraen de la simplicidad y armonía de la arquitectura. El nivel de detalle en los relieves superiores hace que sean simplemente difíciles de leer para el espectador desde abajo. Según Antonio Manetti , biógrafo de Brunelleschi, Donatello no consultó al arquitecto sobre los añadidos a las puertas en absoluto, tal era su "orgullo y arrogancia". [114]
Filarete , tal vez haciéndose eco de un comentario de Alberti, escribió que las figuras pareadas en las puertas parecían esgrimistas; se refería a las puertas de los apóstoles, aunque la observación se aplica más justamente a los mártires, la mayoría de los cuales sostienen delgadas hojas de palma. [115] No sabemos qué pensó Donatello sobre su esquema terminado, pero nunca volvió a utilizar estuco pintado; ni tampoco lo hizo mucho más nadie más, ya que en pocos años el taller de Della Robbia había perfeccionado la terracota pintada y esmaltada en piezas grandes, como en la Capilla Pazzi, que era claramente la mejor técnica. [116] Se ha sugerido que la recepción del esquema fue un factor en la disposición de Donatello a abandonar Florencia durante un largo período. [117]
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En 1443, Donatello fue llamado a Padua por los herederos del famoso condotiero Erasmo da Narni (más conocido como el Gattamelata , o 'Gato de miel'), que había muerto ese año. El diseño y la planificación de su Monumento ecuestre de Gattamelata probablemente comenzaron ese año o el siguiente, con la fundición realizada en su mayor parte en 1447 o 1448, y el trabajo de bronce terminado en 1450, aunque no fue instalado en su alto pedestal de piedra hasta 1453. [118]
Padua era una ciudad próspera con una universidad, que durante mucho tiempo estuvo bajo el control de Venecia y que, en general, era amiga de los Medici y sus artistas; Cosimo casi con toda seguridad había dado su bendición a la estancia de Donatello. [119] El encargo es un poco misterioso; el testamento de Gattamelata especificaba una tumba relativamente modesta dentro de la iglesia, donde de hecho fue enterrado. Fue inesperado que el gobierno veneciano encargara entonces un gran monumento público para un general que había servido a su servicio durante menos de una década, con un éxito bastante desigual. [120] El coste, que debe haber sido enorme, fue compartido por el gobierno veneciano y los ejecutores de la familia, que se encargaron de las obras, pero no está claro en qué proporciones. [121]
Un factor puede haber sido un encargo en la cercana Ferrara para una estatua ecuestre de Niccolò III d'Este, marqués de Ferrara , otro condotiero, obra de dos escultores florentinos, uno de ellos alumno de Donatello. Esta estatua era ligeramente más pequeña que el tamaño natural, y el marqués vestía ropa civil en lugar de armadura. Había muerto a finales de 1441, y el monumento estaba en su lugar en 1451, antes de ser destruido por los franceses en 1796 (ahora hay una réplica en su lugar). [122]
La Gattamelata fue colocada en la plaza fuera de la Basílica de San Antonio , una famosa iglesia de peregrinación (localmente llamada il Santo ), en un terreno que entonces se usaba como cementerio. [123] Al igual que con otras obras fuera de Florencia, fue firmada. [124] Es la primera estatua ecuestre de tamaño natural desde la antigüedad. Donatello puede haber visto el Regisole en Rávena , un ejemplo romano tardío que fue otra víctima de los franceses, y ciertamente conocía la Estatua Ecuestre de Marco Aurelio (c. 175) en Roma. La obra de Donatello es fuertemente clasicista, con motivos romanos en la armadura y la silla de montar (casi imposibles de ver in situ ), y el caballo quizás derivado de los antiguos Caballos de San Marcos en Venecia. Andrea del Caldiere, un metalista de Padua, dirigió el equipo que hizo la fundición real para este y sus otros bronces de Padua. [125] Otras estatuas ecuestres, del siglo XIV, no habían sido ejecutadas en bronce y habían sido colocadas sobre tumbas en lugar de erigidas de forma independiente, en un lugar público. Esta obra se convirtió en el prototipo de otros monumentos ecuestres ejecutados en Italia y Europa en los siglos siguientes.
Donatello se estableció en Padua durante diez años, aunque regresó a Florencia poco después de que la Gattamelata estuviera finalmente en su lugar en 1453. [126] Tenía un estudio cerca del Santo y varios asistentes. [127] Décadas más tarde, Padua fue durante algún tiempo el principal centro italiano de pequeños "bronces de mesa", lo que probablemente fue en parte un legado del estímulo dado por la visita de Donatello. [128] No permaneció en la ciudad todo el tiempo, y está documentado en Florencia en algunos puntos, y en 1450 se registra que visitó Mantua y Módena para encargos que nunca se concretaron; en 1451 el obispo de Ferrara le pagó por una obra que nunca terminó. [129]
En Padua, completó varias obras para el Santo , incluido el primer crucifijo de bronce de tamaño natural (con una cruz de madera, 1444-1449), que originalmente colgaba bastante abajo de la nave. [130] En 1895 se trasladó para colgarlo sobre el altar mayor, para el que Donatello había hecho una Virgen con el Niño entronizados en bronce y seis santos flanqueando, que constituyen una Santa Conversación , y un total de veintiún relieves de bronce y uno en mármol, un Entierro . Todos estos se comenzaron en 1446 y casi se completaron en junio de 1450, aunque algunas de las estatuas parecen no estar del todo terminadas, y otros escultores parecen haber hecho parte del trabajo. Los cuatro relieves de escenas de la Vida de San Antonio , con reflejos en oro, son de un alto estándar uniforme. [131] [132]
Después de más de una reorganización, la primera en 1582, la disposición original de las estatuas es incierta, pero probablemente estaban más juntas, en una fila, que ahora, con dos de ellas colocadas en una barandilla debajo y delante de las otras. [133]
La Virgen con el Niño en el trono , entre San Francisco y San Antonio, en bronce ( c. 1448 ), representa al Niño Jesús siendo mostrado a los fieles por la Virgen, que lleva una corona. La Virgen no está ni de pie ni sentada en el trono, sino que está retratada en el acto de levantarse. Está flanqueada por dos santos, Antonio de Padua y Francisco de Asís . En la base de su trono, a cada lado de la Virgen, se muestran esfinges , figuras alegóricas del conocimiento. En el respaldo del trono hay un relieve de la Caída del Hombre , que representa a Adán y Eva . [134]
Entre 1457 y 1461 Donatello trabajó en Siena y para ella , aunque ya estaba envejeciendo y quizás contribuyó principalmente con diseños y modelos en lugar de tallar mucho él mismo, al menos en piedra. [135] En 1457 había recibido tres grandes encargos para la ciudad, de los cuales solo uno llegó a Siena. En primer lugar, estaban las puertas de bronce para la catedral, de las que solo sobrevive un posible molde de prueba de un panel (en el Victoria and Albert Museum ); los sieneses pueden haber sido incapaces de financiar lo que habría sido un proyecto muy costoso. [136]
Su bronce Judith y Holofernes es una obra tardía importante, que terminó en un patio de los Medici en Florencia, mientras que su bronce Juan Bautista fue entregado sin un antebrazo y ahora está en la Catedral de Siena . [137] Otro encargo fue un gran relieve de la Virgen con el Niño ( Madonna delle Grazie ) con incrustaciones de vidrio azul en el entorno, completado en 1459, con gran parte del trabajo realizado por otro, tal vez el local Urbano da Cortona, que había sido apartado para permitir que Donatello tuviera el encargo. [138]
La Judith y Holofernes, firmada, es de su estilo tardío y austero, y muestra la matanza en curso, con Judith a punto de dar un segundo golpe. Las escenas en relieve sobre la base triangular parecen mostrar la fiesta de borrachos y los festejos que precedieron a la matanza, en una última salida para el estilo sensual de Donatello. Sin embargo, la mayoría de los juerguistas más jóvenes tienen alas. Donatello utilizó tela real para dar textura a algunos de los modelos, y tal vez las piernas de Holofernes se moldearon a partir de un modelo vivo. Es posible que se haya planeado como una fuente, ya que hay caños en las esquinas de la base, aunque ahora parece que no hay tuberías internas. Cuando los Medici fueron expulsados en 1494, la fuente y el David de bronce fueron trasladados al Palazzo della Signoria; ahora se pretendía que los Medici fueran vistos como las víctimas tiránicas en lugar de los desvalidos liberadores. [139]
Tras regresar de Siena, permaneció en Florencia hasta su muerte en 1466. Evidentemente, no pudo trabajar durante un período, de duración incierta, antes de su muerte; Vasari registra esto, pero sin ninguna cronología. [140] Pero, con la ayuda de asistentes, se embarcó en un proyecto importante en estos años, los relieves que ahora forman dos púlpitos para San Lorenzo, Florencia , el lugar de enterramiento de los Médici, aunque es posible que esta no fuera la función prevista originalmente. Solo se ensamblaron de esta manera en el siglo siguiente, y los tamaños de los paneles varían. [141]
Se cree que al menos los diseños de la mayoría de estas obras son obra del propio Donatello, y el modelado de muchas de sus partes; la atribución precisa de los relieves sigue siendo muy discutida. Algunos parecen haber sido moldeados a partir de modelli inacabados , y hay una considerable disparidad estilística entre los paneles y, a veces, entre las secciones del mismo panel. El tratamiento de los espacios en los que se desarrollan las escenas es especialmente variado y experimental, parte del "uso absolutamente inflexible de todos los medios posibles para expresar emoción y sufrimiento" que caracteriza a estas obras. [142]
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La inventiva de Donatello y su búsqueda de nuevos efectos se demuestra en sus diversos usos, en su mayoría novedosos, del vidrio, un material que apenas se había utilizado en la escultura europea anteriormente. Se le encargó que diseñara vidrieras para la catedral de Florencia alrededor de 1434, una tarea convencional, pero que normalmente se le encomendaba a un pintor más que a un escultor. [143] Utilizó vidrio en forma de teselas en los fondos de los relieves, incluidos el púlpito de Prato y los relieves de la cantoria , [144] que era un estilo antiguo, pero su fondo de una red de medallones con cera cubierta de vidrio e incrustaciones de oro para la Madonna de Piot de terracota (Louvre, c. 1440 o posterior) es original. [145]
Su Madonna de Chellini (c. 1450, Victoria and Albert Museum ) es un relieve de bronce redondo, de 28,5 cm de ancho, que está fundido con un grosor uniforme, lo que significa que el reverso tiene una imagen cóncava (en hueco) que coincide con el relieve convexo del frente. Parece que esta imagen estaba destinada a ser utilizada como molde para vidrio fundido y quizás otros materiales. Donatello se la dio a su médico y amigo Giovanni Chellini en 1456, aunque probablemente no era nueva en ese momento. [146]
Aparte de las efigies de las tumbas, no hay ninguna escultura de Donatello que esté destinada a ser un retrato. Se dice que algunas de sus primeras estatuas de profetas para la catedral utilizaban los rasgos de individuos específicos. [147] Donatello probablemente nunca vio a Gattamelata con vida, y puede que no tuviera ninguna buena imagen con la que trabajar; su figura parece tener una "cabeza parecida a la de César" generalizada y "no es un retrato en el sentido habitual", [148] sino un "retrato idealizado de la fuerza bruta". [149]
Durante la carrera de Donatello, el característico retrato florentino de busto plano se convirtió en algo establecido y popular entre la élite de la ciudad, liderada por los Medici. [150] Donatello solo está asociado con un ejemplo, pero este puede ser el más antiguo. Niccolò da Uzzano fue un importante socio político de los Medici, así como banquero y humanista , que murió en 1431. [151] El retrato de busto de terracota pintado de él puede haber sido hecho usando una máscara de vida o muerte , presumiblemente no mucho después de su muerte, a más tardar. Se lo muestra vistiendo una antigua toga romana , con "realismo inflexible", pero con una expresión que "exuda fuerza sagaz y nobleza". Sin embargo, la atribución a Donatello, la datación y, sobre todo, la calidad del busto en sí son objeto de disputa. [152]
La vida de Donatello que Giorgio Vasari escribió en sus Vidas de los artistas fue investigada principalmente en la década de 1540, alrededor de un siglo después de los hechos que relata, y contiene algunos errores de hecho claros y significativos. Reconoce plenamente la estatura de Donatello como artista y enumera muchas obras. Su conocimiento de las de Padua y Siena parece inestable y puede basarse en los relatos de otros. [153] En su vida de Rafael elogia la "bella fantasía" ( bel capriccio ) de algunas figuras, de las que se basó el propio Vasari más tarde; pero evidentemente no sabe que Rafael las tomó de un relieve de la iglesia de Donatello en Padua. [154] También sitúa el nacimiento de Donatello en 1403, [155] unos diecisiete años después de los eruditos modernos mejor informados, conscientes del registro del asalto en 1401, [156] y de los pagos por el trabajo que se remontan a 1406. [157]
Vasari, un feroz patriota florentino, vio a Donatello como el inicio del dominio florentino en la escultura renacentista y trazó una línea de sucesión entre él y su héroe Miguel Ángel , a través del vínculo algo dudoso de Bertoldo di Giovanni (fallecido en 1491), un alumno de Donatello y en teoría el mentor de Miguel Ángel cuando dirigió la "academia del jardín" informal de Lorenzo de' Medici al final de su vida. Vasari destacó los estrechos vínculos entre Donatello y los Medici, que sin duda fueron importantes en su vida, pero también reflejaron los que disfrutaron Miguel Ángel y el propio Vasari. [158]
La producción de Donatello fue tan variada e individual que su influencia se puede ver en toda la escultura florentina del siglo XV, y mucho más allá de Florencia. Pero compartió elementos importantes de su estilo, en particular su resurgimiento de las formas y estilos clásicos, con los otros escultores destacados de su generación, Ghiberti, Jacopo della Quercia , Luca della Robbia y otros. Muchos escultores más jóvenes lo ayudaron, aunque sus relaciones con el taller no están muy bien documentadas, y estudios recientes han puesto en duda muchas afirmaciones del siglo XIX (algunas de Vasari) de otros escultores como "alumnos" de Donatello. [159] Entre los asistentes habituales de Donatello en los últimos años se encontraban Bartolomeo Bellano (de Padua) y Bertoldo di Giovanni . [160]
Cuando murió, el "dulce estilo" que había ayudado a producir décadas antes dominaba la obra de los escultores florentinos; su "estilo tardío, con su audacia de imaginación y ejecución, probablemente los intimidó y les pareció incomprensible e inaccesible". [161] Sólo muchos años después Verrocchio y Antonio del Pollaiuolo exploraron efectos expresivos similares. [162] Sus períodos en Padua y Siena dejaron tras de sí a fundidores de bronce y escultores entrenados que hicieron de estas ciudades, especialmente Padua, centros significativos por derecho propio; [163] de hecho, en Padua su presencia tuvo un gran efecto también en la pintura local. [164] Bartolomeo Bellano regresó a Padua en 1469 y siguió siendo el escultor principal allí, cediendo el papel a su alumno Andrea Riccio (c. 1470 - 1532) a su debido tiempo. [165]
Desiderio da Settignano puede haber actuado como un colega más joven, y fue el otro escultor principal que pudo ejecutar relieves superficiales de una manera comparable a Donatello. Murió en 1464 con tan solo 34 años, truncando una carrera muy prometedora. [166] El estilo de relieve superficial no fue muy utilizado por otros escultores, aunque la temprana Virgen de las escaleras de Miguel Ángel (c. 1490) es un ensayo sobre él. [167] El David de Miguel Ángel (1501) es a la vez "una oda y un desafío a Donatello". [168]
La mayor parte de las obras más importantes de Donatello para iglesias permanecen in situ o se han trasladado al interior del museo de la iglesia. El Bargello de Florencia alberga la principal colección del museo, incluidas sus piezas portátiles más famosas. Casi ninguna pieza de gran tamaño se encuentra fuera de Italia, pero hay muchas vírgenes y otras piezas más pequeñas, a menudo con atribuciones inciertas. El Victoria and Albert Museum tiene importantes relieves superficiales, y los museos del Louvre y de Berlín otras piezas; en general, los museos estadounidenses llegaron demasiado tarde a la escena para hacer muchas adquisiciones importantes, aunque tienen muchas piezas con atribuciones de taller.
Donatello es interpretado por Ben Starr en la serie de televisión de 2016 Medici: Masters of Florence . [171]
El luchador contra el crimen ficticio Donatello , una de las Tortugas Ninja Adolescentes Mutantes , lleva su nombre. Donatello es interpretado por Rhett McLaughlin en el video de 2014 de Epic Rap Battles of History Artists versus Teenage Mutant Ninja Turtles , en el que aparece trabajando en Gattamelata y es objeto de burlas por ser menos famoso que otros artistas del Renacimiento. [172]
El planeta menor "6056 Donatello" lleva su nombre. Con unos 13 kilómetros de diámetro, es más grande que la mayoría. [173] El Módulo Logístico Multipropósito Donatello (MPLM) construido por la Agencia Espacial Italiana , fue uno de los tres MPLM operados por la NASA para transferir suministros y equipos hacia y desde la Estación Espacial Internacional . Los otros se llamaron Leonardo y Raffaello .
{{cite book}}: CS1 maint: falta la ubicación del editor ( enlace ) CS1 maint: varios nombres: lista de autores ( enlace ){{cite book}}: CS1 maint: falta la ubicación del editor ( enlace ) CS1 maint: varios nombres: lista de autores ( enlace )Este artículo incorpora texto de una publicación que ahora es de dominio público : Chisholm, Hugh , ed. (1911). "Donatello". Encyclopædia Britannica . Vol. 8 (11.ª ed.). Cambridge University Press. págs. 406–408.
