La música barroca ( en inglés : / bəˈrɒk / o en inglés : / bəˈrˈoʊk / ) se refiere al período o estilo dominante de la música clásica occidental compuesta aproximadamente entre 1600 y 1750. [1] El estilo barroco siguió al período renacentista y , a su vez, fue seguido por el período clásico después de una breve transición (el estilo galante ). El período barroco se divide en tres fases principales: temprana, media y tardía. Superpuestas en el tiempo, se datan convencionalmente de 1580 a 1650, de 1630 a 1700 y de 1680 a 1750. La música barroca forma una parte importante del canon de la " música clásica " , y se estudia, interpreta y escucha ampliamente. El término " barroco " proviene de la palabra portuguesa barroco , que significa " perla deforme ". [2] Las obras de Antonio Vivaldi , George Frideric Handel y Johann Sebastian Bach se consideran el pináculo del período barroco. Otros compositores clave de la época barroca incluyen a Claudio Monteverdi , Domenico Scarlatti , Alessandro Scarlatti , Alessandro Stradella , Tomaso Albinoni , Johann Pachelbel , Henry Purcell , Georg Philipp Telemann , Jean-Baptiste Lully , Jean-Philippe Rameau , Marc-Antoine Charpentier , Arcangelo Corelli , François Couperin , Johann Hermann Schein , Heinrich Schütz , Samuel Scheidt , Dieterich Buxtehude , Gaspar Sanz , José de Nebra , Antonio Soler , Carlos Seixas , Adam Jarzębski y otros, siendo Giovanni Battista Pergolesi el compositor barroco de música sacra más destacado.
El barroco vio la creación de la tonalidad de práctica común , un enfoque para escribir música en el que una canción o pieza se escribe en una tonalidad particular ; este tipo de armonía ha seguido utilizándose ampliamente en la música clásica y popular occidental . Durante la era barroca, se esperaba que los músicos profesionales fueran improvisadores consumados tanto de líneas melódicas solistas como de partes de acompañamiento . Los conciertos barrocos solían ir acompañados de un grupo de bajo continuo (compuesto por instrumentistas que tocaban acordes, como clavecinistas y laudistas que improvisaban acordes a partir de una parte de bajo cifrado ) mientras que un grupo de instrumentos bajos ( viola , violonchelo , contrabajo) tocaba la línea de bajo . Una forma característica del barroco era la suite de danza . Si bien las piezas de una suite de danza se inspiraban en la música de danza real, las suites de danza se diseñaban puramente para escuchar, no para acompañar a los bailarines.
Durante este período, los compositores experimentaron con la búsqueda de un sonido más completo para cada parte instrumental (creando así la orquesta), [2] realizaron cambios en la notación musical (el desarrollo del bajo cifrado como una forma rápida de notar la progresión de acordes de una canción o pieza) y desarrollaron nuevas técnicas de interpretación instrumental. La música barroca amplió el tamaño, el rango y la complejidad de la interpretación instrumental, y también estableció las formas vocales/instrumentales mixtas de la ópera , la cantata y el oratorio y las formas instrumentales del concierto solista y la sonata como géneros musicales. La música polifónica densa y compleja , en la que se interpretaban simultáneamente múltiples líneas melódicas independientes (un ejemplo popular de esto es la fuga ), fue una parte importante de muchas obras corales e instrumentales barrocas. En general, la música barroca fue una herramienta de expresión y comunicación. [1]
La etimología de barroco probablemente proviene del francés baroque (que originalmente significaba una perla de forma irregular) y del portugués barroco ("perla irregular"); también están relacionados el español barrueco y el italiano barocco . El término es de origen incierto, pero posiblemente proviene del latín verrūca ("verruga") o posiblemente de Baroco , un término técnico de la lógica escolástica. [3]
El término "barroco" es utilizado generalmente por los historiadores de la música para describir una amplia gama de estilos de una amplia región geográfica, principalmente en Europa, compuestos a lo largo de un período de aproximadamente 150 años. [1] Aunque durante mucho tiempo se creyó que la palabra como término crítico se aplicó por primera vez a la arquitectura, de hecho aparece antes en referencia a la música, en una reseña anónima y satírica del estreno en octubre de 1733 de Hippolyte et Aricie de Rameau, impresa en el Mercure de France en mayo de 1734. El crítico insinuó que la novedad en esta ópera era "du barocque", quejándose de que la música carecía de melodía coherente, estaba llena de disonancias incesantes, cambiaba constantemente de tonalidad y métrica y pasaba rápidamente por todos los recursos compositivos. [4]
Jean-Jacques Rousseau , músico y compositor además de filósofo, escribió en 1768 en la Encyclopédie : «La música barroca es aquella en la que la armonía es confusa y está cargada de modulaciones y disonancias. El canto es áspero y antinatural, la entonación difícil y el movimiento limitado. Parece que el término proviene de la palabra 'baroco' utilizada por los lógicos». [5] Rousseau se refería al término filosófico barroco , en uso desde el siglo XIII para describir un tipo de argumento académico elaborado y, para algunos, innecesariamente complicado. [6] [7]
La aplicación sistemática por parte de los historiadores del término «barroco» a la música de este período es un desarrollo relativamente reciente. En 1919, Curt Sachs fue el primero en aplicar sistemáticamente las cinco características de la teoría del barroco de Heinrich Wölfflin a la música. [8] Sin embargo, los críticos se apresuraron a cuestionar el intento de transponer las categorías de Wölfflin a la música, y en el segundo cuarto del siglo XX hubo intentos independientes por parte de Manfred Bukofzer (en Alemania y, después de su inmigración, en Estados Unidos) y Suzanne Clercx-Lejeune (en Bélgica) de utilizar análisis técnicos autónomos en lugar de abstracciones comparativas, con el fin de evitar la adaptación de teorías basadas en las artes plásticas y la literatura a la música. Todos estos esfuerzos dieron lugar a un desacuerdo apreciable sobre los límites temporales del período, especialmente en lo que respecta a cuándo comenzó. En inglés, el término adquirió vigencia solo en la década de 1940, en los escritos de Bukofzer y Paul Henry Lang . [1]
En 1960, en los círculos académicos, particularmente en Francia y Gran Bretaña, todavía había una considerable controversia sobre si tenía sentido agrupar música tan diversa como la de Jacopo Peri , Domenico Scarlatti y Johann Sebastian Bach bajo una misma rúbrica. Sin embargo, el término se ha vuelto ampliamente utilizado y aceptado para esta amplia gama de música. [1] Puede ser útil distinguir el Barroco de los períodos de la historia musical que lo precedieron ( Renacimiento ) y los que lo siguieron ( Clásico ).
Durante la época barroca, los nuevos desarrollos musicales surgieron en Italia, tras lo cual pasaron hasta 20 años antes de que fueran ampliamente adoptados en el resto de la práctica musical clásica occidental . Por ejemplo, los compositores italianos cambiaron al estilo galante alrededor de 1730, mientras que los compositores alemanes como Johann Sebastian Bach continuaron escribiendo en gran medida en el estilo barroco hasta 1750. [9] [10]
La Camerata florentina fue un grupo de humanistas, músicos, poetas e intelectuales de la Florencia del Renacimiento tardío que se reunieron bajo el patrocinio del conde Giovanni de' Bardi para discutir y guiar las tendencias en las artes, especialmente la música y el teatro . En referencia a la música, basaron sus ideales en una percepción del drama musical clásico (especialmente griego antiguo ) que valoraba el discurso y la oración. [11] En consecuencia, rechazaron el uso de la polifonía (múltiples líneas melódicas independientes) y la música instrumental de sus contemporáneos, y discutieron dispositivos musicales griegos antiguos como la monodia , que consistía en un canto solista acompañado por una cítara (un antiguo instrumento de cuerda rasgueado). [12] Las primeras realizaciones de estas ideas, incluidas Dafne y L'Euridice de Jacopo Peri , marcaron el comienzo de la ópera, [13] que fue un catalizador para la música barroca. [14]
En cuanto a la teoría musical, el uso más extendido del bajo cifrado (también conocido como bajo completo ) representa la creciente importancia de la armonía como base lineal de la polifonía. [15] La armonía es el resultado del contrapunto , y el bajo cifrado es una representación visual de aquellas armonías comúnmente empleadas en la interpretación musical. Con el bajo cifrado, se colocaban números, alteraciones o símbolos sobre la línea de bajo que leían los intérpretes de instrumentos de teclado, como los clavecinistas u organistas de tubos (o laudistas ). Los números, alteraciones o símbolos indicaban al teclista qué intervalos se debían tocar sobre cada nota de bajo. El teclista improvisaba una sonorización de acordes para cada nota de bajo. [16] Los compositores comenzaron a preocuparse por las progresiones armónicas , [17] y también emplearon el tritono , percibido como un intervalo inestable, [18] para crear disonancia (se usaba en el acorde de séptima dominante y el acorde disminuido ). También existía un interés por la armonía entre ciertos compositores en el Renacimiento, en particular Carlo Gesualdo ; [19] Sin embargo, el uso de la armonía dirigida hacia la tonalidad (un enfoque en una clave musical que se convierte en la "nota de inicio" de una pieza), en lugar de la modalidad , marca el cambio del Renacimiento al período barroco. [20] Esto llevó a la idea de que ciertas secuencias de acordes, en lugar de solo notas, podrían proporcionar una sensación de cierre al final de una pieza , una de las ideas fundamentales que se conocieron como tonalidad . [ cita requerida ]
Al incorporar estos nuevos aspectos de la composición, Claudio Monteverdi impulsó la transición del estilo musical renacentista al del período barroco. Desarrolló dos estilos individuales de composición: la herencia de la polifonía renacentista ( prima pratica ) y la nueva técnica del bajo continuo del Barroco ( seconda pratica ). Con el bajo continuo, un pequeño grupo de músicos tocaba la línea de bajo y los acordes que formaban el acompañamiento de una melodía . El grupo de bajo continuo normalmente utilizaba uno o más teclistas y un laudista que tocaba la línea de bajo e improvisaba los acordes y varios instrumentos bajos (por ejemplo, viola baja, violonchelo , contrabajo ) que tocaban la línea de bajo. Con la escritura de las óperas L'Orfeo y L'incoronazione di Poppea, entre otras, Monteverdi atrajo considerable atención a este nuevo género. [21] Este estilo veneciano fue llevado fácilmente a Alemania por Heinrich Schütz , cuyo estilo diverso también evolucionó en el período posterior.
Las texturas instrumentales idiomáticas se hicieron cada vez más prominentes. En particular, el estilo luthé —la ruptura irregular e impredecible de las progresiones de acordes, en contraste con el patrón regular de acordes rotos— conocido desde principios del siglo XX como estilo brisé , fue establecido como una textura consistente en la música francesa por Robert Ballard , [22] [23] en sus libros para laúd de 1611 y 1614, y por Ennemond Gaultier . [24] Esta figuración idiomática del laúd fue posteriormente transferida al clavicémbalo, por ejemplo en la música para teclado de Louis Couperin y Jean-Henri D'Anglebert , y continuó siendo una influencia importante en la música para teclado a lo largo de los siglos XVIII y principios del XIX (en, por ejemplo, la música de Johann Sebastian Bach y Frédéric Chopin ). [23]
El ascenso de la corte centralizada es una de las características económicas y políticas de lo que a menudo se denomina la Era del Absolutismo , personificada por Luis XIV de Francia. El estilo de palacio y el sistema de costumbres y artes de la corte que él promovió se convirtieron en el modelo para el resto de Europa. Las realidades del creciente mecenazgo de la Iglesia y el Estado crearon la demanda de música pública organizada, a medida que la creciente disponibilidad de instrumentos creó la demanda de música de cámara , que es música para un pequeño conjunto de instrumentistas. [25]
Un ejemplo destacado de compositor de estilo cortesano es Jean-Baptiste Lully . Compró patentes de la monarquía para ser el único compositor de óperas para el rey francés y evitar que otros pusieran en escena óperas. Completó 15 tragedias líricas y dejó inacabada Achille et Polyxène . [26] Lully fue un ejemplo temprano de director de orquesta ; marcaba el tiempo con un gran pentagrama para mantener unidos a sus conjuntos.
Musicalmente, no estableció la norma de las orquestas dominadas por las cuerdas, heredada de la ópera italiana, y la disposición característicamente francesa de cinco partes (violines, violas —en tamaños hautes-contre, tailles y quintes— y violines bajos ) se había utilizado en el ballet desde la época de Luis XIII. Sin embargo, introdujo este conjunto en el teatro lírico, con las partes superiores a menudo dobladas por flautas dulces, flautas y oboes, y el bajo por fagotes. Con frecuencia se añadían trompetas y timbales para las escenas heroicas. [26]
El período barroco medio en Italia se define por el surgimiento de los estilos vocales de cantata , oratorio y ópera durante la década de 1630, y un nuevo concepto de melodía y armonía que elevó el estatus de la música a uno de igualdad con las palabras, que anteriormente habían sido consideradas como preeminentes. La monodia florida y coloratura del barroco temprano dio paso a un estilo melódico más simple y pulido. Estas melodías se construyeron a partir de ideas cortas, delimitadas cadenciosamente, a menudo basadas en patrones de danza estilizados extraídos de la zarabanda o la courante . Las armonías también podían ser más simples que en la monodia barroca temprana, para mostrar la expresión de una manera más ligera en la cuerda y crescendos y diminuendos en notas más largas. Las líneas de bajo que acompañaban estaban más integradas con la melodía, produciendo una equivalencia contrapuntística de las partes que más tarde condujo al dispositivo de una anticipación inicial del bajo de la melodía del aria. Esta simplificación armónica también condujo a un nuevo mecanismo formal de diferenciación del recitativo (una parte más hablada de la ópera) y el aria (una parte de la ópera que utiliza melodías cantadas). Los innovadores más importantes de este estilo fueron los romanos Luigi Rossi y Giacomo Carissimi , que fueron principalmente compositores de cantatas y oratorios, respectivamente, y el veneciano Francesco Cavalli , que fue principalmente un compositor de ópera. Entre los practicantes importantes posteriores de este estilo se incluyen Antonio Cesti , Giovanni Legrenzi y Alessandro Stradella , quien además originó el estilo concerto grosso en su Sonate di viole. [27]
Arcangelo Corelli es recordado como influyente por sus logros en el otro lado de la técnica musical (como violinista que organizó la técnica y la pedagogía del violín) y en la música puramente instrumental, particularmente su defensa y desarrollo del concerto grosso . [28] Mientras que Lully estaba instalado en la corte, Corelli fue uno de los primeros compositores en publicar ampliamente y hacer que su música fuera interpretada en toda Europa. Al igual que con la estilización y organización de la ópera de Lully, el concerto grosso se basa en fuertes contrastes: las secciones se alternan entre las interpretadas por la orquesta completa y las interpretadas por un grupo más pequeño. Las secciones rápidas y las lentas se yuxtaponían entre sí. Entre sus estudiantes se encuentra Antonio Vivaldi , quien más tarde compuso cientos de obras basadas en los principios de las sonatas en trío y los conciertos de Corelli. [28]
En contraste con estos compositores, Dieterich Buxtehude no era una criatura de la corte, sino que era un músico de iglesia, ocupando los puestos de organista y Werkmeister en la Marienkirche de Lübeck. Sus deberes como Werkmeister implicaban actuar como secretario, tesorero y administrador comercial de la iglesia, mientras que su posición como organista incluía tocar en todos los servicios principales, a veces en colaboración con otros instrumentistas o vocalistas, que también eran pagados por la iglesia. Totalmente fuera de sus deberes oficiales en la iglesia, organizó y dirigió una serie de conciertos conocida como Abendmusiken , que incluía interpretaciones de obras dramáticas sacras consideradas por sus contemporáneos como el equivalente de las óperas. [29]
Francia:
El trabajo de George Frideric Handel, Johann Sebastian Bach y sus contemporáneos, incluidos Domenico Scarlatti, Antonio Vivaldi , Tomaso Albinoni , Jean-Philippe Rameau, Georg Philipp Telemann y otros, llevaron la era del Barroco a su clímax, [34] el Alto Barroco.
Italia:
Francia:
Italia:
Proliferación:
Francia:
Alemania:
Bohemia :
Polonia :
Los hijos mayores y alumnos de Bach :
.jpg/1280px-Archive-ugent-be-F10D9E4E-7E68-11E5-B44A-58F8D43445F2_DS-4_(cropped).jpg)
Una característica de la forma barroca fue la suite de danza . Algunas suites de danza de Bach se denominan partitas , aunque este término también se utiliza para otras colecciones de piezas. Si bien las piezas de una suite de danza se inspiraron en música de danza real, las suites de danza estaban destinadas a ser escuchadas, no para acompañar a los bailarines. Los compositores utilizaron una variedad de movimientos diferentes en sus suites de danza. Una suite de danza generalmente tiene estos movimientos :
Los cuatro tipos de danza (allemanda, courante, zarabanda y giga) constituyen la mayoría de las suites del siglo XVII. Las suites posteriores intercalan una o más danzas adicionales entre la zarabanda y la giga:
Hay muchas otras formas de danza, así como otras piezas que podrían incluirse en una suite, como la Polonesa , el Loure , el Scherzo , el Aire , etc.
