Mark Rothko ( Markus Yakovlevich Rothkowitz hasta 1940 ; 25 de septiembre de 1903 - 25 de febrero de 1970) fue un pintor abstracto estadounidense . Es más conocido por sus pinturas de campos de color que representaban regiones de color irregulares y pictóricamente rectangulares , que produjo entre 1949 y 1970. Aunque Rothko no se adhirió personalmente a ninguna escuela, se lo asocia con el movimiento de expresionismo abstracto estadounidense del arte moderno.
Nacido en Daugavpils , Letonia , entonces bajo el dominio del Imperio ruso, Rothko y su familia emigraron a los Estados Unidos, llegaron a Ellis Island a fines de 1913 y se establecieron originalmente en Portland, Oregón . Se mudó a la ciudad de Nueva York en 1923, donde su período juvenil de producción artística se centró principalmente en paisajes urbanos. En respuesta a la Segunda Guerra Mundial , el arte de Rothko entró en una fase de transición durante la década de 1940, donde experimentó con temas mitológicos y surrealismo para expresar tragedia. Hacia el final de la década, Rothko pintó lienzos con regiones de color puro que luego abstrajo en formas de color rectangulares, el idioma que usaría durante el resto de su vida.
En su carrera posterior, Rothko ejecutó varios lienzos para tres proyectos murales diferentes. Los murales de Seagram debían decorar el restaurante Four Seasons en el edificio Seagram , pero Rothko finalmente se disgustó con la idea de que sus pinturas fueran objetos decorativos para comensales adinerados y reembolsó la lucrativa comisión, donando las pinturas a museos, incluida la Tate Gallery . La serie de murales de Harvard fue donada a un comedor en el Holyoke Center de Harvard (ahora Smith Campus Center ); sus colores se desvanecieron mucho con el tiempo debido al uso del pigmento rojo litol por parte de Rothko junto con la exposición regular a la luz solar. La serie de Harvard desde entonces ha sido restaurada utilizando una técnica de iluminación especial. [2] Rothko contribuyó con 14 lienzos a una instalación permanente en la Capilla Rothko , una capilla no confesional en Houston , Texas.
Aunque Rothko vivió modestamente durante gran parte de su vida, el valor de reventa de sus pinturas creció enormemente en las décadas posteriores a su suicidio en 1970. Su pintura Nº 6 (Violeta, verde y rojo) se vendió en 2014 por 186 millones de dólares. [3]
Rothko nació en 1903 en Dvinsk (actualmente Daugavpils , Letonia), un shtetl (pueblo judío) dentro de la Zona de Asentamiento del Imperio Ruso. Su padre, Jacob (Yakov) Rothkowitz, era un farmacéutico e intelectual que inicialmente proporcionó a sus hijos una educación secular y política, en lugar de religiosa. Según Rothko, su padre marxista era "violentamente antirreligioso". [4] En un entorno en el que a menudo se culpaba a los judíos de muchos de los males que azotaban a Rusia, la primera infancia de Rothko estuvo plagada de miedo. [5] [6]
A pesar de los modestos ingresos de Jacob Rothkowitz, la familia tenía un alto nivel educativo ("Éramos una familia de lectores", recordó la hermana de Rothko), [7] y Rothko hablaba yiddish lituano ( Litvish ), hebreo y ruso. [8] Tras el regreso de su padre al judaísmo ortodoxo de su propia juventud, Rothko, el más joven de cuatro hermanos, fue enviado al cheder a los cinco años, donde estudió el Talmud , aunque sus hermanos mayores habían sido educados en el sistema de escuelas públicas. [9]
Temiendo que sus hijos mayores estuvieran a punto de ser reclutados en el Ejército Imperial Ruso , Jacob Rothkowitz emigró del Imperio Ruso a los Estados Unidos. Markus permaneció en el Imperio Ruso con su madre y su hermana mayor Sonia. Llegaron como inmigrantes, a Ellis Island , a fines de 1913. Desde allí, cruzaron el país, para unirse a Jacob y los hermanos mayores, en Portland, Oregón . La muerte de Jacob, unos meses después, de cáncer de colon , [4] dejó a la familia sin apoyo económico. Sonia operaba una caja registradora, mientras que Markus trabajaba en uno de los almacenes de su tío, vendiendo periódicos a los empleados. [10] La muerte de su padre también llevó a Rothko a cortar sus vínculos con la religión. Después de haber llorado la muerte de su padre durante casi un año en una sinagoga local, juró no volver a poner un pie en una. [4]
Rothko comenzó a ir a la escuela en los Estados Unidos en 1913, y rápidamente pasó del tercer al quinto grado. En junio de 1921, completó el nivel secundario, con honores, en la Lincoln High School en Portland, Oregón , a los 17 años. [11] Aprendió su cuarto idioma, inglés, y se convirtió en un miembro activo del centro comunitario judío, donde demostró ser experto en discusiones políticas. Al igual que su padre, Rothko era un apasionado de temas como los derechos de los trabajadores y la anticoncepción. [ cita requerida ] En ese momento, Portland era un centro de actividad revolucionaria en los EE. UU. y la región donde estaba activo el sindicato sindicalista revolucionario Industrial Workers of the World (IWW). [ cita requerida ]
Habiendo crecido en un ambiente de reuniones obreras radicales, Rothko asistió a reuniones de la IWW, incluyendo oradores como el socialista radical Bill Haywood y la anarquista Emma Goldman , [12] donde desarrolló fuertes habilidades oratorias que luego utilizó en defensa del surrealismo . Con el inicio de la Revolución rusa , Rothko organizó debates sobre ella. A pesar de la atmósfera política represiva, deseaba convertirse en organizador sindical . [ cita requerida ]
Rothko recibió una beca para estudiar en Yale . Al final de su primer año en 1922, la beca no le fue renovada y trabajó como camarero y repartidor para financiar sus estudios. Rothko era más un autodidacta que un alumno aplicado:
Uno de sus compañeros recuerda que apenas parecía estudiar, pero que era un lector voraz. [13]
Rothko y un amigo, Aaron Director , comenzaron una revista satírica, The Yale Saturday Evening Pest , que satirizaba el tono burgués y estirado de la escuela. [14] Al encontrar que Yale era elitista y racista al final de su segundo año, Rothko abandonó y nunca regresó hasta que le otorgaron un título honorario 46 años después. [15]
En el otoño de 1923, Rothko encontró trabajo en el distrito de la confección de Nueva York . Mientras visitaba a un amigo en la Art Students League de Nueva York , vio a los estudiantes dibujando un modelo. Según Rothko, este fue el comienzo de su vida como artista. [16] Más tarde se inscribió en la Parsons The New School for Design , donde uno de sus instructores fue Arshile Gorky . Rothko caracterizó el liderazgo de Gorky de la clase como "sobrecargado de supervisión". [17] Ese mismo otoño, tomó cursos en la Art Students League impartidos por el artista cubista Max Weber , que había sido parte del movimiento de vanguardia francés. Para sus estudiantes ansiosos por saber sobre el modernismo , Weber era visto como "un depósito viviente de la historia del arte moderno". [18] Bajo la tutela de Weber, Rothko comenzó a ver el arte como un vehículo para la expresión emocional y religiosa. Las pinturas de Rothko de esta época revelan la influencia de su instructor. [19] [20] Años más tarde, cuando Weber asistió a una muestra del trabajo de su antiguo alumno y expresó su admiración, Rothko quedó inmensamente complacido. [21]
El traslado de Rothko a Nueva York le permitió entrar en un ambiente artístico fértil. Los pintores modernistas exponían regularmente en las galerías de Nueva York, y los museos de la ciudad eran un recurso inestimable para el conocimiento y las habilidades de un artista en ciernes. Entre las primeras influencias importantes que recibió se encuentran las obras de los expresionistas alemanes , el arte surrealista de Paul Klee y las pinturas de Georges Rouault . [22]
En 1928, con un grupo de otros jóvenes artistas, Rothko expuso sus obras en la Opportunity Gallery. [23] Sus pinturas, que incluían interiores y escenas urbanas oscuras y melancólicas, fueron generalmente bien aceptadas entre los críticos y sus colegas. Para complementar sus ingresos, en 1929 Rothko comenzó a dar clases de dibujo, pintura y escultura en arcilla a escolares en la Center Academy del Brooklyn Jewish Center, donde permaneció activo durante más de veinte años. [24]
A principios de la década de 1930, Rothko conoció a Adolph Gottlieb , quien, junto con Barnett Newman , Joseph Solman , Louis Schanker y John Graham , formaba parte de un grupo de jóvenes artistas que rodeaban al pintor Milton Avery . Según Elaine de Kooning , fue Avery quien "le dio a Rothko la idea de que [la vida de un artista profesional] era una posibilidad". [25] Las pinturas abstractas de naturaleza de Avery, que utilizaban un rico conocimiento de la forma y el color, tuvieron una tremenda influencia en él. [23] Pronto, las pinturas de Rothko adquirieron una temática y un color similares a los de Avery, como se ve en Bañistas o Escena de playa de 1933-1934. [26]
Rothko, Gottlieb, Newman, Solman, Graham y su mentor, Avery, pasaron mucho tiempo juntos, vacacionando en Lake George, Nueva York , y Gloucester, Massachusetts . Durante el día, pintaban y luego discutían sobre arte por las noches. Durante una visita a Lake George en 1932, Rothko conoció a Edith Sachar, una diseñadora de joyas, con quien se casó más tarde ese año. [27] El verano siguiente, su primera exposición individual se realizó en el Museo de Arte de Portland , [28] compuesta principalmente por dibujos y acuarelas . [29] Para esta exposición, Rothko tomó la medida muy inusual de exhibir obras realizadas por sus estudiantes preadolescentes de la Academia Central, junto con las suyas. [30] Su familia no pudo comprender la decisión de Rothko de ser artista, especialmente considerando la terrible situación económica de la Depresión . [31] Habiendo sufrido serios reveses financieros, los Rothkowitz estaban desconcertados por la aparente indiferencia de Rothko ante la necesidad financiera. Consideraban que le estaba haciendo un flaco favor a su madre al no encontrar una carrera más lucrativa y realista. [32]
Al regresar a Nueva York, Rothko realizó su primera exposición individual en la Costa Este en la Contemporary Arts Gallery. [33] Exhibió quince pinturas al óleo, en su mayoría retratos, junto con algunas acuarelas y dibujos. Entre estas obras, las pinturas al óleo capturaron especialmente la atención de los críticos de arte. El uso de ricos campos de colores por parte de Rothko fue más allá de la influencia de Avery. A fines de 1935, Rothko se unió a Ilya Bolotowsky , Ben-Zion , Adolph Gottlieb , Louis Harris , Ralph Rosenborg , Louis Schanker y Joseph Solman para formar " The Ten ". Según un catálogo de la muestra de la galería, la misión del grupo era "protestar contra la supuesta equivalencia de la pintura estadounidense y la pintura literal". [34]
Rothko se estaba ganando una reputación cada vez mayor entre sus pares, en particular entre el grupo que formó la Unión de Artistas. [35] La Unión de Artistas, que incluía a Gottlieb y Solman, esperaba crear una galería de arte municipal, para mostrar exposiciones grupales autoorganizadas. En 1936, el grupo expuso en la Galerie Bonaparte en Francia, lo que resultó en cierta atención crítica positiva. Un crítico comentó que las pinturas de Rothko "muestran valores coloristas auténticos". [36] Más tarde, en 1938, se realizó una muestra en la Mercury Gallery de Nueva York, concebida como una protesta contra el Museo Whitney de Arte Americano, al que el grupo consideraba que tenía una agenda provincial y regionalista. También durante este período, Rothko, como Avery, Gorky, Pollock, de Kooning y muchos otros, encontró empleo en la Works Progress Administration . [37]
La obra de Rothko ha sido descrita en eras. [38] En su período inicial (1924-1939) se vio un arte figurativo influenciado por el impresionismo, que generalmente representaba escenas urbanas. En 1936, Rothko comenzó a escribir un libro, nunca terminado, sobre las similitudes entre el arte de los niños y el trabajo de los pintores modernos. [39] Según Rothko, el trabajo de los modernistas, influenciado por el arte primitivo, podría compararse con el de los niños en que "el arte infantil se transforma en primitivismo, que es solo el niño produciendo una imitación de sí mismo". [40] En este manuscrito, observó: "Tradición de comenzar con el dibujo en la noción académica. Podemos comenzar con el color". [41] Rothko estaba usando campos de color en sus acuarelas y escenas urbanas. Su estilo ya estaba evolucionando en la dirección de sus famosas obras posteriores. En la década de 1930, Rothko y Gottlieb trabajaron juntos a través de las percepciones y opiniones intelectuales que tenían sobre el arte contemporáneo. En la década de 1940, ambos artistas se adentraron en la mitología en busca de temas y formas, aprovechando lo que podría considerarse conciencia universal. [42]
Este período se extendió hasta sus años intermedios, los de "transición" (1940-1950), en los que siguió incorporando abstracciones míticas y "biomórficas", y "multiformes", estas últimas siendo lienzos con grandes regiones de color. La década de transición de Rothko estuvo influenciada por la Segunda Guerra Mundial, que lo impulsó a buscar una expresión novedosa de la tragedia en el arte. Durante este tiempo, Rothko estuvo influenciado por los trágicos griegos antiguos como Esquilo y su lectura de El nacimiento de la tragedia de Nietzsche . [43]
En el período maduro o "clásico" de Rothko (1951-1970), pintó consistentemente regiones rectangulares de color, concebidas como "dramas" [44] para provocar una respuesta emocional en el espectador. [45]
Rothko se separó temporalmente de su esposa Edith a mediados de 1937. Se reconciliaron varios meses después, pero su relación siguió siendo tensa [46] y se divorciaron en 1944. [47] El 21 de febrero de 1938, Rothko finalmente se convirtió en ciudadano de los Estados Unidos, impulsado por los temores de que la creciente influencia nazi en Europa pudiera provocar la deportación repentina de judíos estadounidenses. Preocupado por el antisemitismo en Estados Unidos y Europa, Rothko abrevió su nombre de "Markus Rothkowitz" a "Mark Rothko". El nombre "Roth", una abreviatura común, todavía era identificable como judío, por lo que se decidió por "Rothko". [48] [49]
Temiendo que la pintura americana moderna hubiera llegado a un callejón sin salida conceptual, Rothko se propuso explorar temas distintos de las escenas urbanas y naturales. Buscó temas que complementaran su creciente interés por la forma, el espacio y el color. La crisis mundial de la guerra dio a esta búsqueda una sensación de inmediatez. [50] Insistió en que los nuevos temas tuvieran un impacto social, pero que fueran capaces de trascender los confines de los símbolos y valores políticos actuales. En su ensayo "The Romantics Were Prompted", publicado en 1948, Rothko argumentó que el "artista arcaico... encontró necesario crear un grupo de intermediarios, monstruos, híbridos, dioses y semidioses", [51] de la misma manera que el hombre moderno encontró intermediarios en el fascismo y el Partido Comunista . [ cita requerida ] Para Rothko, "sin monstruos y dioses, el arte no puede representar un drama". [52]
El uso que Rothko hizo de la mitología como comentario sobre la historia actual no era novedoso. Rothko, Gottlieb y Newman leyeron y discutieron las obras de Sigmund Freud y Carl Jung . [53] En particular, se interesaron por las teorías psicoanalíticas sobre los sueños y los arquetipos de un inconsciente colectivo. Entendieron los símbolos mitológicos como imágenes que operan en un espacio de la conciencia humana que trasciende la historia y la cultura específicas. [54] Rothko dijo más tarde que su enfoque artístico fue "reformado" por su estudio de los "temas dramáticos del mito". Supuestamente dejó de pintar por completo en 1940, para sumergirse en la lectura del estudio de la mitología de Sir James Frazer La rama dorada y La interpretación de los sueños de Freud . [55]
La nueva visión de Rothko intentó abordar las necesidades espirituales y creativas mitológicas del hombre moderno. [56] La influencia filosófica más crucial en Rothko en este período fue El nacimiento de la tragedia de Friedrich Nietzsche . [57] Nietzsche afirmó que la tragedia griega sirvió para redimir al hombre de los terrores de la vida mortal. La exploración de temas novedosos en el arte moderno dejó de ser el objetivo de Rothko. A partir de este momento, su arte tuvo el objetivo de aliviar el vacío espiritual del hombre moderno. Creía que este vacío era resultado en parte de la falta de mitología, [ cita requerida ] que, según Nietzsche, "Las imágenes del mito tienen que ser los guardianes demoníacos omnipresentes inadvertidos, bajo cuyo cuidado el alma joven crece hasta la madurez y cuyos signos ayudan al hombre a interpretar su vida y sus luchas". [58] Rothko creía que su arte podía liberar energías inconscientes, previamente limitadas por imágenes, símbolos y rituales mitológicos. [59] Se consideraba un «creador de mitos» y proclamaba que «la experiencia trágica exultante es para mí la única fuente de arte». [60]
Muchas de sus pinturas de este período contrastan escenas bárbaras de violencia con pasividad civilizada, utilizando imágenes extraídas principalmente de la trilogía Orestíada de Esquilo . Una lista de las pinturas de Rothko de este período ilustra su uso del mito: Antígona , Edipo , El sacrificio de Ifigenia , Leda , Las furias , Altar de Orfeo . Rothko evoca imágenes judeocristianas en Getsemaní , La última cena y Ritos de Lilith . También invoca mitos egipcios ( La habitación de Karnak ) y sirios ( El toro sirio ). Poco después de la Segunda Guerra Mundial, Rothko creyó que sus títulos limitaban los objetivos más amplios y trascendentes de sus pinturas. Para permitir la máxima interpretación por parte del espectador, dejó de nombrar y enmarcar sus pinturas, refiriéndose a ellas solo por números. [61]
En la base de la presentación de formas y símbolos arcaicos que Rothko y Gottlieb hicieron para iluminar la existencia moderna se encontraba la influencia del surrealismo , el cubismo y el arte abstracto . En 1936, Rothko asistió a dos exposiciones en el Museo de Arte Moderno , «Cubismo y arte abstracto» y «Arte fantástico, dadaísmo y surrealismo». [62]
En 1942, tras el éxito de las exposiciones de Ernst , Miró , Wolfgang Paalen , Tanguy y Salvador Dalí , artistas que habían emigrado a los Estados Unidos debido a la guerra, el surrealismo tomó Nueva York por asalto. [63] Rothko y sus pares, Gottlieb y Newman , se conocieron y discutieron el arte y las ideas de estos pioneros europeos, así como las de Mondrian . [ cita requerida ]
En 1942, en los grandes almacenes Macy's de Nueva York, se presentaron nuevas pinturas . En respuesta a una crítica negativa del New York Times , Rothko y Gottlieb publicaron un manifiesto, escrito principalmente por Rothko. En respuesta a la autoproclamada "perplejidad" del crítico del Times ante la nueva obra, declararon: "Estamos a favor de la expresión simple del pensamiento complejo. Estamos a favor de la forma grande porque tiene el impacto de lo inequívoco. Deseamos reafirmar el plano de la imagen. Estamos a favor de las formas planas porque destruyen la ilusión y revelan la verdad". En un tono más estridente, criticaron a quienes querían vivir rodeados de arte menos desafiante, señalando que su trabajo necesariamente "debe insultar a cualquiera que esté espiritualmente en sintonía con la decoración de interiores". [64]
Rothko consideraba que el mito era un recurso que reponía fuerzas en una era de vacío espiritual. Esta creencia había comenzado décadas antes, a través de su lectura de Carl Jung , TS Eliot , James Joyce y Thomas Mann , entre otros autores. [65]
El 13 de junio de 1943, Rothko y Sachar se separaron nuevamente. [66] Rothko sufrió depresión después de su divorcio. [67] Pensando que un cambio de escenario podría ayudar, Rothko regresó a Portland. Desde allí, viajó a Berkeley, donde conoció al artista Clyfford Still , y los dos comenzaron una estrecha amistad. [68] [69] Las pinturas profundamente abstractas de Still tendrían una influencia considerable en las obras posteriores de Rothko. En el otoño de 1943, Rothko regresó a Nueva York. Se reunió con la reconocida coleccionista y comerciante de arte Peggy Guggenheim , pero inicialmente ella se mostró reacia a aceptar sus obras de arte. [70] La exposición individual de Rothko en la galería Art of This Century de Guggenheim , a fines de 1945, resultó en pocas ventas, con precios que oscilaron entre $ 150 y $ 750. La exhibición también atrajo críticas poco favorables de los críticos. Durante este período, Rothko se había sentido estimulado por los paisajes abstractos de color de Still y su estilo se alejó del surrealismo. Los experimentos de Rothko en la interpretación del simbolismo inconsciente de las formas cotidianas habían llegado a su fin. Su futuro estaba en la abstracción:
Insisto en la existencia igual del mundo engendrado en la mente y del mundo engendrado por Dios fuera de ella. Si he vacilado en el uso de objetos familiares, es porque me niego a mutilar su apariencia en aras de una acción para la que son demasiado viejos para servir, o para la que tal vez nunca hayan sido destinados. Me peleo con los surrealistas y el arte abstracto sólo como uno se pelea con su padre y su madre: reconociendo la inevitabilidad y la función de mis raíces, pero insistiendo en mi disenso; yo, siendo a la vez ellos y un integrante completamente independiente de ellos. [71]
La obra maestra de Rothko, Remolino lento al borde del mar (1945), ilustra su nueva propensión hacia la abstracción. Se ha interpretado como una meditación sobre el cortejo de Rothko a su segunda esposa, Mary Alice "Mell" Beistle, a quien conoció en 1944 y con quien se casó a principios de 1945. Otras lecturas han notado ecos de El nacimiento de Venus de Botticelli , que Rothko vio en una exposición de préstamos de "Maestros italianos", en el Museo de Arte Moderno, en 1940. La pintura presenta, en grises y marrones sutiles, dos formas similares a las humanas abrazadas en una atmósfera flotante y arremolinada de formas y colores. El fondo rectangular rígido presagia los experimentos posteriores de Rothko con el color puro. La pintura se completó, no por coincidencia, en el año en que terminó la Segunda Guerra Mundial. [72]
Aunque inicialmente dudó en comprar sus obras, Guggenheim adquirió varias obras después de la exposición de Rothko en la galería Art of This Century, incluida Sacrifice (1946), que compró inmediatamente después de su finalización. [73] Al igual que otras obras de este período, mostraba formas biomórficas e imágenes abstractas en tonos sutiles. [74] Guggenheim luego mostró esta obra en sus galerías europeas, lo que la convirtió en una de las primeras pinturas de Rothko en exhibirse fuera de los Estados Unidos. [73]
A pesar del abandono de su "abstraccionismo mitomórfico", Rothko seguiría siendo reconocido por el público principalmente por sus obras surrealistas, durante el resto de la década de 1940. El Museo Whitney las incluyó en su exposición anual de arte contemporáneo de 1943 a 1950. [75] Escena bautismal (1945), incluida en las exposiciones del Whitney, fue adquirida por el museo en 1946; esta fue la primera obra de Rothko en ingresar a una colección de museo, lo que marcó un hito clave en su carrera. Escena bautismal representa un bautismo abstracto en acuarelas sobre un fondo marrón grisáceo oscuro, con una fuente bautismal identificable en la parte superior de la pintura. [76]
En 1946, Rothko creó lo que los críticos de arte han denominado desde entonces sus pinturas "multiformes" de transición, aunque Rothko nunca utilizó el término. Varias de ellas, entre ellas No. 18 [77] y Sin título (ambas de 1948), son más bien obras de transición que obras realizadas. El propio Rothko describió estas pinturas como poseedoras de una estructura más orgánica y como unidades autónomas de expresión humana. Para él, estos bloques borrosos de varios colores, desprovistos de paisaje o figura humana, por no hablar de mitos y símbolos, poseían su propia fuerza vital. Contenían un "aliento de vida" que le pareció que faltaba en la pintura más figurativa de la época. Estaban llenas de posibilidades, mientras que su experimentación con el simbolismo mitológico se había convertido en una fórmula cansada. Las "multiformes" llevaron a Rothko a la realización de su estilo característico de regiones rectangulares de color, que continuó produciendo durante el resto de su vida. [ cita requerida ]
En medio de este período crucial de transición, Rothko había quedado impresionado por los campos de color abstractos de Clyfford Still , que estaban influenciados en parte por los paisajes de Dakota del Norte, su natal Dakota. [78] En 1947, durante un semestre de verano enseñando en la Escuela de Bellas Artes de California, Rothko y Still coquetearon con la idea de fundar su propio plan de estudios. En 1948, Rothko, Robert Motherwell , William Baziotes , Barnett Newman y David Hare fundaron la Subjects of the Artist School en 35 East 8th Street . Allí se celebraban conferencias muy concurridas y abiertas al público, con oradores como Jean Arp , John Cage y Ad Reinhardt , pero la escuela fracasó financieramente y cerró en la primavera de 1949. [79] [80] [81]
Aunque el grupo se separó más tarde ese mismo año, la escuela fue el centro de una oleada de actividad en el arte contemporáneo. Además de su experiencia como docente, Rothko comenzó a contribuir con artículos a dos nuevas publicaciones de arte, Tiger's Eye y Possibilities . Utilizando los foros como una oportunidad para evaluar la escena artística actual, Rothko también discutió en detalle su propio trabajo y filosofía del arte . Estos artículos reflejan la eliminación de elementos figurativos de su pintura y un interés específico en el nuevo debate de contingencia iniciado por la publicación de Wolfgang Paalen Forma y sentido de 1945. [82]
Rothko describió su nuevo método como “aventuras desconocidas en un espacio desconocido”, libres de “asociación directa con cualquier particular y la pasión del organismo”. Breslin describió este cambio de actitud como “tanto el yo como la pintura son ahora campos de posibilidades –un efecto transmitido… por la creación de formas proteicas e indeterminadas cuya multiplicidad se deja ser”. [83]
En 1947, realizó una primera exposición individual en la galería Betty Parsons (del 3 al 22 de marzo). [84] En 1949, Rothko quedó fascinado por el Estudio rojo de Henri Matisse , adquirido por el Museo de Arte Moderno ese año. Más tarde lo atribuyó como otra fuente clave de inspiración para sus pinturas abstractas posteriores. [85] [86]
El descubrimiento de su forma definitiva llegó en un período de gran angustia para el artista, ya que su madre Kate había muerto en octubre de 1948. A medida que las "multiformas" se convertían en lo que se convertiría en su estilo característico, a principios de 1949 Rothko expuso estas nuevas obras en la galería Betty Parsons . Para el crítico Harold Rosenberg , las pinturas fueron nada menos que una revelación. Después de pintar su primera "multiforma", Rothko se había recluido en su casa de East Hampton en Long Island. Invitó solo a unos pocos seleccionados, incluido Rosenberg, a ver las nuevas pinturas.
Rothko se topó con el uso de bloques rectangulares simétricos de dos o tres colores opuestos o contrastantes, pero complementarios, en los que, por ejemplo, "los rectángulos a veces parecen apenas fusionarse a partir del fondo, concentraciones de su sustancia. La barra verde en Magenta, Negro, Verde sobre Naranja , por otro lado, parece vibrar contra el naranja que la rodea, creando un parpadeo óptico". [87]
Durante los siete años siguientes, Rothko pintó al óleo únicamente para grandes lienzos de formato vertical. Utilizaba diseños de gran tamaño para abrumar al espectador o, en palabras de Rothko, para que el espectador se sintiera "envuelto" dentro de la pintura. Para algunos críticos, el gran tamaño era un intento de compensar la falta de sustancia. En represalia, Rothko declaró:
Me doy cuenta de que, históricamente, la función de pintar cuadros grandes es pintar algo muy grandioso y pomposo. Sin embargo, la razón por la que los pinto... es precisamente porque quiero ser muy íntimo y humano. Pintar un cuadro pequeño es situarse fuera de la propia experiencia, contemplar una experiencia como una visión estereoscópica o con un cristal reductor. Independientemente de cómo pintes el cuadro más grande, estás dentro de él. ¡No es algo que tú mandes! [88]
Rothko llegó incluso a recomendar que los espectadores se situaran a tan sólo cuarenta y cinco centímetros del lienzo [89] para que pudieran experimentar una sensación de intimidad, así como asombro, una trascendencia del individuo y una sensación de lo desconocido. [ cita requerida ] A medida que Rothko alcanzaba el éxito, se volvió cada vez más protector de sus obras, rechazando varias oportunidades de venta y exhibición potencialmente importantes:
Un cuadro vive de la compañía, se expande y se acelera a los ojos del observador sensible. Muere por la misma razón. Por lo tanto, es un acto arriesgado e insensible enviarlo al mundo. ¡Con cuánta frecuencia debe verse permanentemente dañado por los ojos del vulgo y la crueldad de los impotentes que quieren extender la aflicción universalmente! [90]
Para algunos críticos y espectadores, los objetivos de Rothko excedían sus métodos. [91] Muchos de los expresionistas abstractos describieron su arte como una experiencia espiritual, o al menos una experiencia que excedía los límites de lo puramente estético. En años posteriores, Rothko enfatizó más enfáticamente el aspecto espiritual de su obra de arte, un sentimiento que culminaría en la construcción de la Capilla Rothko . [92]
Muchas de sus primeras pinturas emblemáticas están compuestas de colores brillantes y vibrantes, en particular rojos y amarillos, que expresan energía y éxtasis. Sin embargo, a mediados de la década de 1950, Rothko comenzó a utilizar azules y verdes oscuros, que muchos críticos sugirieron que representaban la creciente oscuridad dentro de la vida personal de Rothko. [93]
En ausencia de representación figurativa, el dramatismo que se puede encontrar en un Rothko tardío reside en el contraste de colores que irradian unos contra otros. Sus pinturas pueden compararse entonces con una especie de disposición similar a una fuga, en la que cada variación se contrapone a otra, pero todas existen dentro de una misma estructura arquitectónica. [ cita requerida ]
Para lograr este efecto, Rothko aplicó una fina capa de un aglutinante mezclado con pigmento directamente sobre un lienzo sin recubrir ni tratar y pintó óleos significativamente diluidos directamente sobre esta capa, creando una densa mezcla de colores y formas superpuestos. Uno de sus objetivos era hacer que las distintas capas de la pintura se secasen rápidamente, sin mezclar los colores, de modo que pronto pudiera crear nuevas capas sobre las anteriores. Sus pinceladas eran rápidas y ligeras, un método que seguiría utilizando hasta su muerte. [94] Su creciente destreza en este método es evidente en las pinturas terminadas para la capilla.
Rothko utilizó varias técnicas originales que intentó mantener en secreto incluso para sus asistentes. La microscopía electrónica y el análisis ultravioleta realizados por el MOLAB mostraron que empleó sustancias naturales como huevo y pegamento, así como materiales artificiales que incluían resinas acrílicas , fenol formaldehído , alquídico modificado y otros. [95]
En 1968, Rothko, con su salud en declive, comenzó a pintar la mayoría de sus obras de gran tamaño con pintura acrílica en lugar de óleo. [96]
Rothko y su esposa visitaron Europa durante cinco meses a principios de 1950. [85] La última vez que había estado en Europa fue durante su infancia en Letonia, en ese momento parte de Rusia. Sin embargo, no regresó a su tierra natal, prefiriendo visitar las importantes colecciones de pintura en los principales museos de Inglaterra, Francia e Italia. Los frescos de Fra Angelico en el monasterio de San Marco, Florencia , fueron los que más le impresionaron. La espiritualidad de Fra Angelico y su concentración en la luz apelaron a la sensibilidad de Rothko, al igual que las adversidades económicas que enfrentó el artista, que Rothko vio como similares a las suyas. [97]
Rothko realizó exposiciones individuales en la Betty Parsons Gallery en 1950 y 1951 y en otras galerías de todo el mundo, incluidas las de Japón, São Paulo y Ámsterdam. La muestra "Fifteen Americans" de 1952, comisariada por Dorothy Canning Miller en el Museo de Arte Moderno, anunció formalmente a los artistas abstractos e incluyó obras de Jackson Pollock y William Baziotes . [98] [99] También creó una disputa entre Rothko y Barnett Newman, después de que Newman acusara a Rothko de haber intentado excluirlo de la muestra. El creciente éxito como grupo estaba dando lugar a luchas internas y reclamos de supremacía y liderazgo. [100] Cuando la revista Fortune nombró una pintura de Rothko en 1955 como una buena inversión, [101] Newman y Clyfford Still lo tildaron de vendido con aspiraciones burguesas. Still le escribió a Rothko para pedirle que le devolviera las pinturas que le había regalado a lo largo de los años. Rothko estaba profundamente deprimido por los celos de sus antiguos amigos. [ cita requerida ]
Durante el viaje a Europa de 1950, la esposa de Rothko, Mell, quedó embarazada. El 30 de diciembre, cuando estaban de regreso en Nueva York, dio a luz a una hija, Kathy Lynn, llamada "Kate" en honor a la madre de Rothko, Kate Goldin. [102]
Poco después, debido a la publicidad de la revista Fortune y a otras compras por parte de los clientes, la situación financiera de Rothko comenzó a mejorar. Además de las ventas de pinturas, también tenía dinero de su puesto de profesor en el Brooklyn College . En 1954, expuso en una muestra individual en el Art Institute of Chicago , donde conoció al marchante de arte Sidney Janis , que representaba a Pollock y Franz Kline . Su relación resultó mutuamente beneficiosa. [103]
A pesar de su fama, Rothko sentía un creciente aislamiento personal y una sensación de ser incomprendido como artista. Temía que la gente comprara sus cuadros simplemente porque estaban de moda y que los coleccionistas, los críticos y el público no comprendieran el verdadero propósito de su obra. Quería que sus cuadros fueran más allá de la abstracción, así como del arte clásico. Para Rothko, los cuadros eran objetos que poseían su propia forma y potencial y que había que afrontar como tales. Al percibir la futilidad de las palabras para describir este aspecto decididamente no verbal de su obra, Rothko abandonó todos los intentos de responder a quienes preguntaban por su significado y propósito, y finalmente dijo que el silencio es "tan preciso":
Las superficies de mis cuadros son expansivas y se expanden en todas direcciones, o se contraen y se precipitan hacia el interior en todas direcciones. Entre estos dos polos, se encuentra todo lo que quiero decir. [ cita requerida ]
Rothko empezó a insistir en que no era un abstraccionista y que tal descripción era tan inexacta como etiquetarlo como un gran colorista. Su interés era:
Sólo puedo expresar emociones humanas básicas: tragedia, éxtasis, fatalidad, etc. Y el hecho de que mucha gente se derrumbe y llore ante mis cuadros demuestra que puedo comunicar esas emociones humanas básicas... Las personas que lloran ante mis cuadros están teniendo la misma experiencia religiosa que yo tuve cuando los pinté. Y si a usted, como dice, sólo le conmueve la relación entre los colores, entonces no ha entendido nada. [104]
Para Rothko, el color era "simplemente un instrumento", [105] y las pinturas emblemáticas eran simplemente una forma más simple y pura de expresar las mismas emociones humanas básicas que sus pinturas mitológicas surrealistas. El comentario de Rothko sobre los espectadores que rompían a llorar ante sus pinturas puede haber convencido a los De Menil para construir la Capilla Rothko. A medida que envejecía, alrededor de finales de la década de 1950, la expresión espiritual que pretendía retratar en el lienzo se volvió cada vez más oscura, y sus rojos, amarillos y naranjas brillantes se transformaron sutilmente en azules, verdes, grises y negros oscuros. [106]
El amigo de Rothko, el crítico de arte Dore Ashton , señala la relación del artista con el poeta Stanley Kunitz como un vínculo significativo en este período ("las conversaciones entre el pintor y el poeta alimentaron la iniciativa de Rothko"). Kunitz veía a Rothko como "un primitivo, un chamán que encuentra la fórmula mágica y conduce a la gente hacia ella". Kunitz creía que tanto la gran poesía como la pintura tenían "raíces en la magia, los encantamientos y los hechizos" y eran, en esencia, éticas y espirituales. Kunitz comprendió instintivamente el propósito de la búsqueda de Rothko. [107]
En noviembre de 1958, Rothko pronunció un discurso en el Pratt Institute . En un tono poco habitual en él, habló del arte como oficio y ofreció la
receta de una obra de arte—sus ingredientes—cómo hacerla—la fórmula
- Debe haber una clara preocupación por la muerte: indicios de mortalidad... El arte trágico, el arte romántico, etc., tratan del conocimiento de la muerte.
- Sensualidad. Nuestra base para ser concretos en relación con el mundo. Es una relación lujuriosa con las cosas que existen.
- Tensión. O bien conflicto o deseo reprimido.
- Ironía. Éste es un ingrediente moderno: la auto-anulación y el examen mediante los cuales un hombre puede, por un instante, pasar a otra cosa.
- Ingenio y juego...para el elemento humano.
- Lo efímero y el azar… para el elemento humano.
- Esperanza. 10% para hacer más soportable el concepto trágico.
Mido estos ingredientes con mucho cuidado cuando pinto un cuadro. Siempre es la forma la que sigue a estos elementos y el cuadro resulta de las proporciones de estos elementos. [108]
En 1958, Rothko recibió el primero de dos encargos importantes de murales, que resultaron gratificantes y frustrantes a la vez. [109] La empresa de bebidas Joseph Seagram and Sons había terminado recientemente el nuevo rascacielos Seagram Building en Park Avenue , diseñado por los arquitectos Mies van der Rohe y Philip Johnson . Rothko aceptó proporcionar pinturas para el nuevo restaurante de lujo del edificio, el Four Seasons . Esto supuso, como dijo el historiador de arte Simon Schama , "llevar sus dramas monumentales directamente al vientre de la bestia". [110]
Para Rothko, este encargo de murales para Seagram representó un nuevo desafío, ya que era la primera vez que se le pedía no solo que diseñara una serie coordinada de pinturas, sino que también produjera un concepto de espacio artístico para un interior grande y específico. Durante los siguientes tres meses, Rothko completó cuarenta pinturas, que comprendían tres series completas en rojo oscuro y marrón. Cambió su formato horizontal a vertical, para complementar los elementos verticales del restaurante: columnas, paredes, puertas y ventanas. [ cita requerida ]
En junio del año siguiente, Rothko y su familia viajaron nuevamente a Europa. Mientras estaba a bordo del SS Independence , le reveló al periodista John Fischer, editor de la revista Harper's Magazine , que su verdadera intención con los murales de Seagram era pintar "algo que arruinaría el apetito de todos los hijos de puta que comieran en esa habitación". Esperaba, le dijo a Fischer, que su pintura hiciera que los clientes del restaurante "sintieran que están atrapados en una habitación donde todas las puertas y ventanas están tapiadas, de modo que lo único que pueden hacer es darse cabezazos contra la pared para siempre". [111]
Durante su estancia en Europa, los Rothko viajaron a Roma, Florencia, Venecia y Pompeya. En Florencia, visitó la Biblioteca Laurenciana de Miguel Ángel para ver de primera mano el vestíbulo de la biblioteca, de donde extrajo más inspiración para los murales. [112] Comentó que "la habitación tenía exactamente la sensación que quería... da al visitante la sensación de estar atrapado en una habitación con las puertas y ventanas cerradas". También se vio influenciado por los colores sombríos de los murales de la Villa de los Misterios de Pompeya . [113] Después del viaje a Italia, los Rothko viajaron a París, Bruselas, Amberes y Ámsterdam, antes de ir a Londres, donde Rothko pasó un tiempo en el Museo Británico estudiando las acuarelas de Turner. Luego viajaron a Somerset y se quedaron con el artista William Scott , que estaba empezando un gran proyecto mural, y discutieron los respectivos problemas de patrocinio público y privado. [114] Después de la visita, los Rothko continuaron hasta St. Ives, en el oeste de Inglaterra, y se reunieron con Patrick Heron y otros pintores de Cornualles antes de regresar a Londres y luego a los Estados Unidos. [ cita requerida ]
De regreso a Nueva York, Rothko y su esposa Mell visitaron el restaurante Four Seasons, que estaba casi terminado. Molesto por el ambiente del restaurante, que consideraba pretencioso e inapropiado para la exposición de sus obras, Rothko se negó a continuar con el proyecto y devolvió el anticipo en efectivo a la Seagram and Sons Company. Seagram tenía la intención de honrar la aparición de Rothko en la fama con su selección, y su incumplimiento del contrato y su expresión pública de indignación fueron inesperados. [ cita requerida ]
Rothko conservó las pinturas encargadas en un almacén hasta 1968. Dado que Rothko conocía de antemano la lujosa decoración del restaurante y la clase social de sus futuros clientes, los motivos de su abrupto repudio siguen siendo un misterio, aunque escribió a su amigo William Scott en Inglaterra: "Como habíamos hablado de nuestros respectivos murales, pensé que podría interesarte saber que los míos todavía están conmigo. Cuando regresé, miré de nuevo mis pinturas y luego visité el local para el que estaban destinadas; me pareció claro de inmediato que los dos no eran el uno para el otro". [115] Rothko, una personalidad temperamental, nunca explicó por completo sus emociones conflictivas sobre el incidente. [116] Su biógrafo, James EB Breslin, ofrece una lectura: el proyecto Seagram podría verse como una representación de un drama familiar, en este caso creado por él mismo, "de confianza y traición, de avanzar en el mundo y luego retirarse, enojado, de él ... Era un Isaac que en el último momento se negó a ceder ante Abraham". [117] La serie final de murales de Seagram se dispersó y ahora cuelga en tres lugares: la Tate Britain de Londres , el Museo Memorial Kawamura de Japón y la Galería Nacional de Arte en Washington, DC. [118] Este episodio fue la base principal para la obra Red de John Logan de 2009. [ cita requerida ]
En octubre de 2012, Black on Maroon , una de las pinturas de la serie Seagram, fue desfigurada con escritura en tinta negra mientras se exhibía en la Tate Modern. La restauración de la pintura llevó 18 meses. El editor de arte de la BBC , Will Gompertz, explicó que la tinta del rotulador del vándalo había traspasado todo el lienzo, causando "una herida profunda, no un rasguño superficial", y que el vándalo había causado "daños significativos". [119] [120]
El primer espacio terminado de Rothko fue creado en la Colección Phillips en Washington, DC, luego de la compra de cuatro pinturas por parte del coleccionista Duncan Phillips . La fama y la riqueza de Rothko habían aumentado sustancialmente; sus pinturas comenzaron a venderse a coleccionistas notables, incluida la familia Rockefeller . En enero de 1961, Rothko se sentó junto a Joseph Kennedy en el baile inaugural de John F. Kennedy . Más tarde ese año, se realizó una retrospectiva de su trabajo en el Museo de Arte Moderno, con un considerable éxito comercial y de crítica. A pesar de esta nueva fama, el mundo del arte ya había desviado su atención de los expresionistas abstractos, ahora pasados de moda, hacia la "próxima gran cosa", el arte pop , en particular la obra de Warhol , Lichtenstein y Rosenquist . [ cita requerida ]
Rothko llamó a los artistas pop "charlatanes y jóvenes oportunistas", y se preguntó en voz alta durante una exposición de arte pop en 1962: "¿Están los jóvenes artistas conspirando para matarnos a todos?" Al ver las banderas de Jasper Johns , Rothko dijo: "Trabajamos durante años para deshacernos de todo eso". [121]
El 31 de agosto de 1963, Mell dio a luz a su segundo hijo, Christopher. [122] Ese otoño, Rothko firmó un contrato con la Galería Marlborough para vender sus obras fuera de los Estados Unidos. En Nueva York, continuó vendiendo las obras de arte directamente desde su estudio. [123]
Rothko recibió un segundo encargo para un mural, esta vez para una sala de pinturas para el ático del Holyoke Center de la Universidad de Harvard . Hizo 22 bocetos, de los cuales se pintaron diez pinturas de tamaño mural sobre lienzo, seis se llevaron a Cambridge, Massachusetts, y solo se colgaron cinco: un tríptico en una pared y dos paneles individuales opuestos. Su objetivo era crear un ambiente para un lugar público. El presidente de Harvard, Nathan Pusey , después de una explicación de la simbología religiosa del tríptico , hizo colgar las pinturas en enero de 1963, y luego se exhibieron en el Guggenheim . Durante la instalación, Rothko encontró que las pinturas estaban comprometidas por la iluminación de la sala. A pesar de la instalación de pantallas de fibra de vidrio, las pinturas fueron retiradas todas en 1979 y, debido a la naturaleza fugitiva de algunos de los pigmentos rojos, en particular el rojo litol , se colocaron en un almacenamiento oscuro y se exhibieron solo periódicamente. [124] Los murales estuvieron en exhibición desde el 16 de noviembre de 2014 hasta el 26 de julio de 2015 en los recientemente renovados Museos de Arte de Harvard, por lo que se compensó el desvanecimiento de los pigmentos mediante un innovador sistema de proyección de color para iluminar las pinturas. [125] [126] [127] [128]
La Capilla Rothko se encuentra junto a la Colección Menil y la Universidad de St. Thomas en Houston , Texas. El edificio es pequeño y no tiene ventanas, salvo un tragaluz, y presenta una estructura geométrica y posmoderna. La capilla, la Colección Menil y la cercana galería Cy Twombly fueron financiadas por los millonarios petroleros de Texas John y Dominique de Menil .
En 1964, Rothko se mudó a su último estudio en Nueva York, en el 157 de la calle 69 Este. Para simular la iluminación que quería para la capilla, equipó el estudio con poleas que transportaban grandes paredes de tela para regular la luz desde una cúpula central. Se dice que Rothko pretendía que la capilla fuera su declaración artística más importante. Se involucró mucho en el diseño del edificio e insistió en que tuviera una cúpula central como la de su estudio. El arquitecto Philip Johnson , incapaz de llegar a un acuerdo con la visión de Rothko sobre el tipo de luz que quería en el espacio, abandonó el proyecto en 1967 y fue reemplazado por Howard Barnstone y Eugene Aubry. [129] Los arquitectos volaban con frecuencia a Nueva York para realizar consultas. En una ocasión, trajeron una miniatura del edificio para que Rothko la aprobara. [ cita requerida ]
Para Rothko, la capilla era un lugar de peregrinación lejos del centro del arte (en este caso, Nueva York) al que podían acudir los buscadores de su nueva obra de arte "religiosa". La capilla ahora no es confesional, pero originalmente estaba destinada a ser católica romana . Durante los primeros tres años del proyecto (1964-67), Rothko creyó que seguiría siendo así. El diseño del edificio y las implicaciones religiosas de las pinturas se inspiraron en el arte y la arquitectura católicos romanos. Su forma octogonal se basa en una iglesia bizantina de Santa María Assunta, y el formato de los trípticos se basa en pinturas de la Crucifixión . Los De Menil creían que el aspecto "espiritual" universal de la obra de Rothko complementaría los elementos del catolicismo romano. [ cita requerida ]
La técnica pictórica de Rothko exigía una fuerza física y una resistencia que el artista enfermo ya no podía reunir. Contrató a dos asistentes para aplicar las múltiples capas de pintura. En la mitad de las obras, Rothko no aplicó nada de pintura él mismo y se contentó con supervisar el lento y arduo proceso. Sentía que la finalización de las pinturas era un "tormento" y el resultado inevitable era crear "algo que no quieres mirar". [ cita requerida ]
La capilla representa seis años de la vida de Rothko y su creciente preocupación por lo trascendente . Para algunos, contemplar estas pinturas de la capilla es como someterse a una experiencia espiritual. Las pinturas han sido comparadas con la autoconciencia, el hermetismo y la contemplación. [ cita requerida ]
Las pinturas de la capilla consisten en un tríptico monocromo en marrón suave, en la pared central, que comprende tres paneles de 1,50 x 4,50 metros y un par de trípticos a la izquierda y a la derecha hechos de rectángulos negros opacos. Entre los trípticos hay cuatro pinturas individuales, de 3,30 x 4,50 metros cada una. Una pintura individual adicional se encuentra frente al tríptico central, desde la pared opuesta. El efecto es rodear al espectador con visiones masivas e imponentes de oscuridad. A pesar de su base en el simbolismo y la imaginería religiosa, las pinturas pueden considerarse distintas de los motivos cristianos tradicionales y pueden actuar sobre los espectadores de manera subliminal. La eliminación de símbolos por parte de Rothko elimina y crea barreras para la obra. [ cita requerida ]
Las pinturas fueron descubiertas en la inauguración de la capilla en 1971. Rothko nunca vio la capilla terminada y nunca instaló las pinturas. El 28 de febrero de 1971, en la dedicación, Dominique de Menil dijo: "Estamos abarrotados de imágenes y sólo el arte abstracto puede llevarnos al umbral de lo divino", destacando el coraje de Rothko al pintar "fortalezas impenetrables" de color. [ cita requerida ]
A principios de 1968, a Rothko le diagnosticaron un leve aneurisma aórtico . Ignorando las órdenes del médico, continuó bebiendo y fumando mucho, evitó el ejercicio y mantuvo una dieta poco saludable. "Muy nervioso, delgado, inquieto", fue la descripción que hizo su amiga Dore Ashton de Rothko en ese momento. [130] Pero Rothko siguió el consejo médico de no pintar cuadros de más de un metro de altura y centró su atención en formatos más pequeños y menos extenuantes físicamente, incluidos los acrílicos sobre papel. Mientras tanto, su matrimonio se volvió cada vez más problemático y su mala salud e impotencia resultantes del aneurisma agravaron su sentimiento de alejamiento en la relación. [131] Rothko y Mell, que habían estado casados desde 1944 hasta 1970, se separaron el día de Año Nuevo de 1969; él se mudó a su estudio. [132]
El 25 de febrero de 1970, Oliver Steindecker, asistente de Rothko, encontró al artista muerto en el suelo de la cocina frente al fregadero, cubierto de sangre. Había tomado una sobredosis de barbitúricos y se había cortado una arteria del brazo derecho con una cuchilla de afeitar. [1] No había ninguna nota de suicidio. Tenía 66 años. Los murales de Seagram llegaron a Londres para su exhibición en la Tate Gallery el día de su suicidio. [133]
Cerca del final de su vida, Rothko pintó una serie conocida como "Negro sobre grises", que presenta uniformemente un rectángulo negro sobre un rectángulo gris. Estos lienzos y el trabajo posterior de Rothko en general se han asociado con su depresión y suicidio, aunque la asociación ha sido criticada. [134] El suicidio de Rothko ha sido estudiado en la literatura médica, [135] donde sus pinturas posteriores han sido interpretadas como "notas de suicidio pictóricas" debido a sus paletas sombrías y especialmente en contraste con los colores más brillantes que Rothko empleó con más frecuencia durante la década de 1950. [136] Aunque el crítico de arte David Anfam reconoció que los Negros y los Grises se interpretan como premoniciones de suicidio o como "paisajes lunares" (los primeros alunizajes del Apolo fueron contemporáneos a su ejecución), rechazó las interpretaciones como "ingenuas", argumentando en cambio que las pinturas eran una continuación de sus temas artísticos de toda la vida y no síntomas de depresión. [137] Susan Grange observó que, después de su aneurisma, Rothko ejecutó varias obras más pequeñas en papel utilizando tonos más claros, que son menos conocidos. [138] A lo largo de su vida, Rothko siempre intentó que sus obras evocaran un contenido dramático serio, independientemente de los colores utilizados en una pintura en particular. Cuando una mujer visitó su estudio y le pidió que le comprara un cuadro "alegre" con colores cálidos , Rothko replicó: "Rojo, amarillo, naranja, ¿no son esos los colores de un infierno?". [139]
Poco antes de su muerte, Rothko y su asesor financiero, Bernard Reis, crearon una fundación destinada a financiar "investigación y educación" que recibió la mayor parte de la obra de Rothko después de su muerte. Reis vendió más tarde las pinturas a la Galería Marlborough, a valores sustancialmente reducidos, y luego dividió las ganancias de las ventas con los representantes de la Galería. En 1971, la hija de Rothko, Kate, que tenía 19 años en el momento de su muerte, demandó a Reis, Morton Levine y Theodore Stamos , los ejecutores de su patrimonio, por las ventas simuladas. [140] La demanda continuó durante más de 10 años y se conoció como el Caso Rothko . En 1975, los acusados fueron declarados responsables de negligencia y conflicto de intereses, fueron destituidos como ejecutores del patrimonio de Rothko por orden judicial y, junto con la Galería Marlborough, se les exigió que pagaran 9,2 millones de dólares en daños al patrimonio. Esta cantidad representa solo una pequeña fracción del valor final de numerosas obras de Rothko. [141] También se exigió a la Galería Marlborough que devolviera las 658 [142] pinturas restantes que no se habían vendido a dos partes. [140] La mitad de las pinturas restantes se donó al patrimonio de Rothko, que ahora estaba controlado por Kate además de, eventualmente, su hermano Christopher, que tenía 6 años en el momento de la muerte de Rothko. [140] [142] La otra mitad se entregó a la Fundación Mark Rothko, que el tribunal había restablecido como parte de los procedimientos judiciales, nombrando al banquero de inversiones y coleccionista de arte Donald M. Blinken como presidente de la fundación. [140]
La ex esposa de Rothko, Mell, también una gran bebedora, murió seis meses después que él a la edad de 48 años. La causa de la muerte fue registrada como "hipertensión debido a enfermedad cardiovascular". [1]
Después de ser restablecida por el tribunal durante los procedimientos judiciales tras la muerte de Rothko, la Fundación Mark Rothko donó la totalidad de sus posesiones de arte de Rothko a 35 museos e instituciones de arte en los Estados Unidos y Europa. [140] Independientemente de la fundación, Kate y Christopher, como ejecutores del patrimonio de Rothko después de la demanda, han donado varias de sus posesiones de arte de Rothko a museos y, a partir de 2021, continuaron vendiendo pinturas de la colección del patrimonio a través de Pace Gallery . [142]
Las obras completas sobre lienzo de Rothko, 836 pinturas, han sido catalogadas por el historiador de arte David Anfam, en su Mark Rothko: The Works on Canvas: Catalogue Raisonné (1998), publicado por Yale University Press . [143]
Un manuscrito inédito de Rothko, The Artist's Reality (2004), sobre sus filosofías sobre el arte, editado por su hijo Christopher, fue publicado por Yale University Press. [144]
Red , una obra de John Logan basada en la vida de Rothko, se estrenó en el Donmar Warehouse de Londres el 3 de diciembre de 2009. La obra, protagonizada por Alfred Molina y Eddie Redmayne , se centró en el período de los murales de Seagram. Este drama recibió excelentes críticas y generalmente se representó en salas llenas. En 2010, Red se estrenó en Broadway , donde ganó seis premios Tony , incluido el de Mejor obra . Molina interpretó a Rothko tanto en Londres como en Nueva York. En 2018 se produjo una grabación de Red para Great Performances con Molina interpretando a Rothko y Alfred Enoch interpretando a su asistente. [145]
En la ciudad natal de Rothko, la ciudad letona de Daugavpils , se inauguró en 2003 un monumento a su memoria, diseñado por el escultor Romualds Gibovskis, en la orilla del río Daugava . [146] En 2013 se inauguró el Centro de Arte Mark Rothko en Daugavpils después de que la familia Rothko donara una pequeña colección de sus obras originales. [147]
Varias obras de Rothko se conservan en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía [148] y en el Museo Thyssen-Bornemisza , ambos en Madrid. [149] La Governor Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza Art Collection en Albany, Nueva York, incluye tanto la pintura de Rothko Untitled (1967) como un gran mural de Al Held , Rothko's Canvas (1969-70). [150]
El diseñador de moda Hubert de Givenchy mostró telas inspiradas en Rothko en 1971. [151] Varias composiciones musicales se han inspirado en la obra de Rothko, entre ellas Finding Rothko (2006) de Adam Schoenberg [152] y Color Field (2020) de Anna Clyne . [153]
Los precios de las obras de Rothko en el mercado secundario y en subastas aumentaron significativamente hacia el final de su carrera y después de su muerte, y se han mantenido consistentemente entre los más altos para obras de arte de un artista moderno o contemporáneo. [154] Tres años antes de su muerte, una obra de Rothko se vendió en el mercado secundario por $22,000; [155] en 2003, una pintura de Rothko se vendió por $7,175,000. [156] Las pinturas de Rothko se vendieron a precios sucesivamente más altos en subastas hasta mediados de la década de 2010, [157] [158] [159] alcanzando los $86.8 millones en 2012, un récord para Rothko y, en ese momento, un nuevo récord de valor nominal para cualquier pintura de posguerra vendida en una subasta pública. [160] [161] [162] [163]
Las obras de Rothko han seguido alcanzando regularmente precios en subastas que alcanzaron hasta 80 millones de dólares durante la década de 2020. [164] [165] [166] [167] [168] [169] [170] [171]
Peggy Guggenheim, una influyente comerciante de arte y coleccionista, adquirió esta obra poco después de que Rothko la completara. Guggenheim había organizado una exposición de las pinturas del artista sobre papel y lienzo en su galería Art of This Century en la ciudad de Nueva York a principios de 1945. Sacrificio se mostró más tarde en varias exposiciones europeas de la colección de Guggenheim durante la vida de Rothko, lo que la convirtió en una de las primeras obras de Rothko en exhibirse fuera de los Estados Unidos.
A principios de 1946, el Museo Whitney de Arte Estadounidense adquirió
Escena bautismal
, lo que la convirtió en la primera obra de Rothko en ingresar a una colección de museo. Esto parece apropiado ya que el bautismo es un rito de iniciación en la fe cristiana. Como ritual de purificación realizado por inmersión total o parcial en agua, su tratamiento en acuarela también parece apropiado. Observe la fuente azul en la parte superior de la composición de Rothko.
_WLM_025.JPG/1280px-Villa_dei_Misteri_(Pompei)_WLM_025.JPG)
{{cite book}}: |work=ignorado ( ayuda )Monumento a Mark Rothko
, 18 Novembra, 2, (en la orilla del río Daugava). Este monumento, diseñado por Romualds Gibovskis para conmemorar el centenario del destacado artista expresionista abstracto nacido en Dvinsk, Mark Rothko (1903-1970), fue inaugurado en septiembre de 2003.
Una de sus audaces aventuras fue hacer que Sache, un estimado diseñador de telas francés, adaptara las pinturas muy abstractas de Rothko a finas sedas de noche.
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Nueva York: Harry N. Abrams, 1978.
Exposición de la Tate Modern
Exposición en la galería Whitechapel
Archivos Smithsonian de Arte Americano