James Albert Rosenquist (29 de noviembre de 1933 - 31 de marzo de 2017) fue un artista estadounidense y uno de los defensores del movimiento del arte pop . Partiendo de su experiencia trabajando en la pintura de carteles, las piezas de Rosenquist a menudo exploraban el papel de la publicidad y la cultura del consumo en el arte y la sociedad, utilizando técnicas que aprendió haciendo arte comercial para representar íconos culturales populares y objetos cotidianos mundanos. [1] Si bien sus obras a menudo se han comparado con las de otras figuras clave del movimiento del arte pop, como Andy Warhol y Roy Lichtenstein , las piezas de Rosenquist fueron únicas en la forma en que a menudo empleaban elementos del surrealismo utilizando fragmentos de anuncios e imágenes culturales para enfatizar la naturaleza abrumadora de los anuncios. [2] Fue incluido en el Salón de la Fama de los Artistas de Florida en 2001. [3]
Rosenquist nació el 29 de noviembre de 1933 en Grand Forks, Dakota del Norte , [4] hijo único de Louis y Ruth Rosenquist. Sus padres eran pilotos aficionados de ascendencia sueca que se mudaban de ciudad en ciudad para buscar trabajo, estableciéndose finalmente en Minneapolis, Minnesota . Su madre, que también era pintora, animó a su hijo a tener un interés artístico. En la escuela secundaria, Rosenquist ganó una beca de corta duración para estudiar en la Escuela de Arte de Minneapolis y posteriormente estudió pintura en la Universidad de Minnesota de 1952 a 1954. En 1955, a la edad de 21 años, se mudó a la ciudad de Nueva York con una beca para estudiar en la Art Students League , estudiando con pintores como Edwin Dickinson y George Grosz . [5] Hablando de su experiencia en la Art Students League, Rosenquist dijo: "Estudié solo con los artistas abstractos. Había artistas comerciales allí que enseñaban trabajo comercial, no me molesté con eso. Solo estaba interesado en... mira, así es como empezó. Estaba interesado en aprender a pintar la Capilla Sixtina. Suena ambicioso, pero quería ir a la escuela de murales". [6] Mientras estudiaba en Nueva York, Rosenquist aceptó un trabajo como chofer, antes de decidir unirse a la Hermandad Internacional de Pintores y Oficios Afines . Como miembro del sindicato, Rosenquist pintaría vallas publicitarias alrededor de Times Square , convirtiéndose finalmente en el pintor principal de Artkraft-Strauss y pintando exhibiciones y ventanas en la Quinta Avenida. [7] En 1960, Rosenquist abandonó la pintura de carteles después de que un amigo muriera al caerse de un andamio en el trabajo. [7] En lugar de trabajar en piezas comerciales, decidió centrarse en proyectos personales en su propio estudio, desarrollando su propio estilo distintivo de pintura que conservaba el tipo de imágenes, tonos atrevidos y escala que utilizaba mientras pintaba vallas publicitarias.
La carrera de Rosenquist en el arte comercial comenzó cuando tenía 18 años, después de que su madre lo animara a buscar un trabajo de verano como pintor. Comenzó pintando carteles de Phillips 66 , yendo a gasolineras desde Dakota del Norte hasta Wisconsin. Después de dejar la escuela, Rosenquist aceptó una serie de trabajos ocasionales y luego se dedicó a pintar carteles. [4] De 1957 a 1960, Rosenquist se ganó la vida como pintor de vallas publicitarias . Rosenquist aplicó técnicas de pintura de carteles a las pinturas a gran escala que comenzó a crear en 1960. Al igual que otros artistas pop, Rosenquist adaptó el lenguaje visual de la publicidad y la cultura pop al contexto de las bellas artes. [8] "Pinté carteles publicitarios sobre todas las tiendas de golosinas de Brooklyn. Llegué a poder pintar una botella de whisky Schenley mientras dormía", escribió en su autobiografía de 2009, Painting Below Zero: Notes on a Life in Art . [9] La revista Time afirmó que "su poderoso estilo gráfico y sus montajes pintados ayudaron a definir el movimiento Pop Art de los años 60". [10]
En 2003, el crítico de arte Peter Schjeldahl se preguntaba así sobre la aplicación de las técnicas de pintura de carteles por parte de Rosenquist a las bellas artes: "¿Fue la importación de este método al arte un truco barato? También lo fueron la serigrafía fotográfica de Warhol y el revestimiento de paneles de tiras cómicas de Lichtenstein. El objetivo en todos los casos era fusionar la estética de la pintura con la semiótica de la realidad contemporánea empapada de medios. La eficiencia desnuda de la creación artística antipersonal define al pop clásico. Es como si alguien te estuviera invitando a inspeccionar el puño con el que te golpea simultáneamente". [4]
Rosenquist realizó sus dos primeras exposiciones individuales en la Galería Green en 1962 y 1963. [4] Expuso su pintura F-111 , una pintura a escala de habitación, en la Galería Leo Castelli en 1965, [4] con la que alcanzó reconocimiento internacional. [11]
Pero Rosenquist dijo lo siguiente sobre su participación en el movimiento Pop Art: "Ellos [los críticos de arte] me llamaban artista pop porque usaba imágenes reconocibles. A los críticos les gusta agrupar a las personas. No conocí a Andy Warhol hasta 1964. En realidad no conocía muy bien a Andy ni a Roy Lichtenstein . Todos surgimos por separado". [12]
En 1971, Rosenquist llegó al sur de Florida después de recibir una oferta de Donald Saff , decano de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad del Sur de Florida , para participar en el Graphicstudio de la escuela , una iniciativa de arte colaborativo. [13] En los años siguientes, Rosenquist siguió siendo un colaborador clave del estudio, cooperando con estudiantes y otros artistas y produciendo numerosas obras propias, creando finalmente su estudio Aripeka en 1976. [13] Rosenquist continuaría viajando a Florida a lo largo de su carrera con el artista desarrollando varias obras encargadas para la comunidad, incluidos dos murales para el edificio del capitolio estatal de Florida y una escultura para el Johns Hopkins All Children's Hospital , además de servir en la Junta de Síndicos del Museo de Arte de Tampa . [14]
Las pinturas de Rosenquist han estado expuestas en el vestíbulo de la Torre Key en Cleveland, Ohio . Su F-111 estuvo expuesto allí durante muchos años. [15]
Tras su éxito, Rosenquist realizó encargos a gran escala, entre los que se incluyen la suite de tres pinturas El nadador en la niebla económica (1997-1998) para el Deutsche Guggenheim de Berlín, Alemania, y una pintura que estaba prevista para el techo del Palacio de Chaillot en París, Francia. [16]
Zona : Una obra clave en el desarrollo de su estilo característico, Rosenquist cita su obra Zona de 1961 como un punto de inflexión en el desarrollo de su propia estética personal, siendo la pieza la primera en emplear una escala monumental, un aspecto recurrente del arte de Rosenquist que se ejemplifica en sus numerosos murales. [2] [17] Zona también sirvió como un trampolín en el cuerpo de trabajo de Rosenquist, ya que sirvió como un alejamiento de sus obras anteriores, que lo vieron alejarse de los experimentos previos en el expresionismo abstracto , y Rosenquist describió la imagen como su primera pieza pop. [2] Realizada en óleo sobre dos lienzos separados, la obra ejemplifica los inicios del movimiento del arte pop en la forma en que Rosenquist toma imágenes de los medios de comunicación, utilizando una imagen de un tomate y un recorte de un anuncio de crema de manos. [11] Las dos imágenes están divididas en zonas separadas, que sirven para destacar paralelos visuales como el arco del tallo del tomate y las pestañas de la mujer, además de ilustrar la composición fragmentada, a menudo surrealista, característica de Rosenquist.
Presidente electo : Lanzada el mismo año que Zone , Presidente electo de James Rosenquist es una de sus piezas más conocidas, en la que el artista traslada un retrato de John F. Kennedy de un cartel de campaña a una imponente exhibición. [18] [11] La pintura también incluye una imagen superpuesta de una mano sosteniendo un pastel en escala de grises, así como la parte trasera de un Chevrolet. Rosenquist utiliza íconos de la cultura pop para examinar la fama y la relación entre la publicidad y el consumidor, explorando el tipo de fama e iconografía que acompaña a la política estadounidense. Con Presidente electo , Rosenquist busca hacer una declaración sobre el nuevo papel que la publicidad y los medios de comunicación tenían durante la campaña de Kennedy. "Estaba muy interesado en ese momento en la gente que se anunciaba a sí misma", dijo Rosenquist. "¿Por qué pusieron un anuncio de sí mismos? Así que esa era su cara. Y su promesa era medio Chevrolet y un trozo de pastel rancio". En la pintura, Rosenquist contrasta el retrato de Kennedy con el pastel y el Chevrolet para mostrar cómo se comercializa cada elemento a los consumidores estadounidenses. [2]
F-111 : En 1965, James Rosenquist completó F-111 , una de las obras más grandes y ambiciosas de su colección. [19] Con una extensión de más de 83 pies y 23 lienzos, la escala de la pintura evoca el trabajo de Rosenquist en vallas publicitarias, ilustrando una representación a tamaño real del avión F-111 Aardvark . [2] La pintura inicialmente estaba destinada a cubrir las cuatro paredes de la sala principal dentro de la galería Castelli en Manhattan, ocupando la totalidad de cada pared sin ningún tipo de relieve visual, para proyectar una vista imponente y continua de la guerra. Pintada durante la guerra de Vietnam , F-111 contrasta imágenes de la guerra con imágenes comerciales de anuncios, mostrando neumáticos, un pastel, bombillas, una niña en un secador de pelo de salón, burbujas y espaguetis. Rosenquist yuxtapone las imágenes de los anuncios con el avión como una forma de sugerir escenas gráficas de la guerra, con bombillas rotas cerca de la cabina que reflejan las bombas que caen desde el avión y el capó del secador de pelo que evoca el aspecto de un misil. Rosenquist utiliza la pintura para cuestionar el papel del marketing y la cobertura de la guerra, describiendo el avión como "volando a través de la artillería antiaérea de la sociedad de consumo para cuestionar la colusión entre la máquina de muerte de Vietnam, el consumismo, los medios de comunicación y la publicidad". [20]
Ser creativo implica aceptar las cosas, pero también ser duro con uno mismo. No se pintan colores sólo por la tontería que implica.
– James Rosenquist [21]
Rosenquist recibió numerosos honores, incluyendo la selección como "Art In America Young Talent USA" en 1963, el nombramiento para un período de seis años en la Junta del Consejo Nacional de las Artes en 1978, [4] y la recepción del Premio Golden Plate de la Academia Estadounidense de Logros en 1988. [22] En 2002, la Fundación Cristóbal Gabarrón le otorgó su premio internacional anual de arte, en reconocimiento a sus contribuciones a la cultura universal. [23]
A partir de sus primeras retrospectivas de carrera temprana en 1972 organizadas por el Museo Whitney de Arte Americano de la ciudad de Nueva York y el Museo Wallraf-Richartz de Colonia , la obra de Rosenquist fue objeto de varias exposiciones en galerías y museos, tanto en los Estados Unidos como en el extranjero. El Museo Solomon R. Guggenheim organizó una retrospectiva de toda su carrera en 2003, que viajó internacionalmente y fue organizada por los curadores Walter Hopps y Sarah Bancroft. [24]
Su F-111 , exhibida en el Museo Judío en 1965, [25] fue mencionada en un capítulo de Polaroids from the Dead de Douglas Coupland . [16]
Rosenquist se casó dos veces y tuvo dos hijos. [4] Con su primera esposa, Mary Lou Adams, con quien se casó el 5 de junio de 1960, [26] tuvo un hijo: John. [4] Su primer matrimonio terminó en divorcio. [4] En 1976, un año después de su divorcio, se mudó a Aripeka, Florida . Su segunda esposa fue Mimi Thompson, con quien se casó el 18 de abril de 1987, con quien tuvo una hija: Lily. [27] [4]
El 25 de abril de 2009, un incendio arrasó el condado de Hernando, Florida , donde Rosenquist había vivido durante 30 años, quemando su casa, estudios y almacén. Todas sus pinturas almacenadas en su propiedad fueron destruidas, incluidas las obras de arte para una próxima exposición. [28] [29] [30]
Rosenquist murió en su casa de la ciudad de Nueva York el 31 de marzo de 2017, después de una larga enfermedad; tenía 83 años. [4] [9] Entre sus sobrevivientes se encuentran su esposa, Thompson; una hija, Lily; un hijo, John; y un nieto, Oscar. [4]
{{cite news}}: Mantenimiento de CS1: ubicación ( enlace )