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Galeries Dalmau fue una galería de arte en Barcelona , España , de 1906 a 1930 (también conocida como Sala Dalmau, Les Galeries Dalmau, Galería Dalmau y Galeries J. Dalmau). La galería fue fundada y dirigida por el pintor y restaurador simbolista Josep Dalmau i Rafel . El objetivo era promover, importar y exportar talento artístico de vanguardia . A Dalmau se le atribuye haber lanzado el arte de vanguardia en España. [1] [2]
En 1912, las Galerías Dalmau presentaron la primera exposición colectiva declarada del cubismo en todo el mundo, [1] [3] con una muestra controvertida de Jean Metzinger , Albert Gleizes , Juan Gris , Marie Laurencin y Marcel Duchamp . La galería presentó exposiciones pioneras que incluyeron el fauvismo , el orfismo , De Stijl y el arte abstracto con Henri Matisse , Francis Picabia y Pablo Picasso , tanto en exposiciones colectivas como individuales. Dalmau publicó la revista dadaísta 391 creada por Picabia, [4] [5] y dio apoyo a Troços de Josep Maria Junoy i Muns . [6] [7] [8]
Dalmau fue la primera galería en España en exponer obras de Juan Gris, la primera en acoger exposiciones individuales de obras de Albert Gleizes, Francis Picabia, Joan Miró , Salvador Dalí y Angel Planells . También fue la primera galería en exponer vibracionismo. [9]
La galería presentó artistas, tendencias y manifestaciones autóctonas de la prevanguardia que se habían introducido en el panorama artístico catalán, a la vez que exportaba el arte catalán al extranjero, a través de proyectos de intercambio de exposiciones, como la promoción de la primera exposición de Joan Miró en París (1921). Consciente de la dificultad y marginalidad de los sectores artísticos innovadores, de su difusión cultural y de un criterio de promoción más allá de cualquier fórmula estilística, Dalmau hizo de estas experiencias el centro de la programación de la galería. A Dalmau se le atribuye haber introducido el arte de vanguardia en la península Ibérica. Gracias a las actividades y exposiciones de Dalmau en la galería, Barcelona se convirtió en un importante centro internacional de ideas y métodos innovadores y experimentales. [10]
Nacido en Manresa en 1867, Josep Dalmau se dedicó muy pronto a la pintura. En 1884 se trasladó a Barcelona, donde descubrió al pintor modernista Joan Brull . La pintura de Dalmau se incluyó en varias exposiciones de salones en Cataluña. En 1899 (8-28 de julio) tuvo su primera y única exposición individual, en Els Quatre Gats , un popular lugar de encuentro para los artistas durante todo el período modernista. Continuó exponiendo sus obras durante toda su vida. [11] [12]
A los treinta años emigró a París, donde vivió durante seis años, y estudió conservación de pinturas en Brujas y Gante, Bélgica. [11]
En 1906, tras finalizar sus estudios de restauración, Dalmau regresó a Barcelona. Trabajó como restaurador técnico para el Museu de Barcelona . En 1914 restauró la compleja obra de Marià Fortuny , La batalla de Tetuán , 1862-1864. [13] En 1915 restauró los retablos para la Junta de Museus de Catalunya . [11] [14] [12]
En 1906, Dalmau abrió una galería de antigüedades en la calle del Pi, 10, que se convirtió en su primera sala de exposiciones, que duró de 1906 a 1911. El establecimiento se ocupaba básicamente de objetos antiguos, y más tarde se amplió con una sección de arte moderno. La primera exposición documentada de arte moderno fue en 1908, con la exposición de Josep Mompou i Dencausse y algunos grabados japoneses. [15] Al año siguiente, Dalmau acogió una exposición conjunta de Joan Colom i Agustí e Isidre Nonell . [11] A Dalmau se le atribuye en gran medida el haber introducido el arte de vanguardia en Barcelona y, de manera más general, en España. Sus exposiciones, al tiempo que promocionaban a artistas internacionales, conectaban a los artistas catalanes con el mundo del arte fuera de España. [12] [16]
A mediados de 1911 se anunció la ampliación de la galería, que fue posible gracias a los ingresos obtenidos en el mercado de antigüedades, especialmente a través de la importación y exportación desde Francia, y a lo recaudado en una exposición de retratos y dibujos de maestros modernos y antiguos , organizada por el Ayuntamiento de Barcelona el año anterior, en la que Dalmau participó como anticuario con algunas valiosas obras de El Greco , Feliu Elias (alias Joan Sacs) y dos obras de Francisco de Goya , Retrato de Manuel Godoy , valorada en 15.000 pesetas y Retrato de niño , 8.000 pesetas. [11]
El nuevo establecimiento, situado en el Barrio Gótico , en la calle de Portaferrissa, 18, fue bautizado con el nombre de “Galeries Dalmau” con el objetivo de combinar exposiciones de maestros antiguos, arte moderno y arte nuevo. Dalmau estaba dispuesto a importar arte de vanguardia extranjero a la ciudad de Barcelona, ampliando así los horizontes culturales de la ciudad. [11]
El espacio expositivo de la galería se ubicaba en el patio interior de una casa, con techo de cristal, propio de estudio fotográfico o nave industrial. Contaba con un mecanismo roscado que regulaba la luz que entraba por el lucernario. El espacio estaba dividido por tabiques de madera que no llegaban hasta el techo, y dividido en dos o tres espacios interconectados, y un despacho. El acceso a la galería pasaba por un largo pasillo adornado con paisajes y naturalezas muertas anónimas de antiguos maestros sin restaurar. [11]
Durante los años siguientes, esta se convirtió en la plataforma con exposiciones pioneras de fauvismo , orfismo , De Stijl y arte abstracto con Francis Picabia, Kees van Dongen , Joaquín Torres-García , Henri Matisse , Juliette Roche , Georges Braque , André Derain , Auguste Herbin. , Fernand Léger , André Lhote , Gino Severini , Louis Valtat , Félix Vallotton , Hans Arp , María Blanchard y otros en exposiciones tanto colectivas como individuales.
El historiador del arte Fèlix Fanés escribe sobre la galería:
Para superar las dificultades del mercado interior, Dalmau introdujo el arte contemporáneo catalán en los mercados exteriores. Esta estrategia, unida a la llegada de numerosos artistas de vanguardia a Barcelona durante la Primera Guerra Mundial, sirvió para consolidar la imagen moderna de las Galeries Dalmau. El marchante abrió el camino a muchos jóvenes en el duro mundo del arte avanzado, influyendo decisivamente, por ejemplo, en los inicios de la carrera de Joan Miró. [16]
En 1912 tuvieron lugar consecutivamente dos exposiciones: Joaquín Torres-García , pintor del periodo novecentista ; y Pablo Picasso , dibujos de su Periodo Azul (febrero-marzo de 1912). [17] [18] [19]
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Del 20 de abril al 10 de mayo de 1912, Josep Dalmau expuso por primera vez en España [2] en su nuevo espacio situado en la calle de Portaferrissa, 18, un repertorio de obras de arte cubista. Se trataba de la primera exposición colectiva mundial dedicada exclusivamente al cubismo. [1] Algunas de las pinturas se habían mostrado en el Salón de Otoño de París de 1911. La noticia de este salón ya se había extendido por toda Europa y se habían escrito numerosos artículos sobre el nuevo arte. En Cataluña, Eugenio d'Ors escribió sobre el salón dos meses antes de la exposición de Dalmau, el 1 de febrero de 1912, "Pel cubisme a l'estructuralisme" publicado en "Pàgines Artístiques de La Veu de Catalunya ", en el que Ors describía el cubismo como una etapa provisional, una conciencia o aprendizaje racional para construir el " estructuralismo ". Este artículo generó polémica, reflexión y discusión entre Joan Sacs, Joaquim Folch i Torres y Joaquín Torres-García. [11] (pág. 39)
En París, las obras cubistas en el Salón de Otoño de 1911 provocaron un escándalo público que llevó el cubismo a la atención del público en general por segunda vez. El primero fue la exposición grupal organizada por cubistas en la Salle 41 del Salón de los Independientes de 1911. Las pinturas cubistas ya se habían exhibido en el Salón de Otoño de 1910 (por Jean Metzinger , Robert Delaunay , Henri Le Fauconnier y Fernand Léger ), pero no bajo una bandera o nombre grupal. [1] [20] El término "cubismo" fue enunciado por primera vez con ocasión de la primera exposición que incluyó el cubismo fuera de Francia: en los Independientes de Bruselas, en junio de 1911. [21] Y ahora, la segunda exposición más allá de la frontera francesa estaba a punto de tener lugar; la primera dedicada enteramente al cubismo. [22]
En este contexto se desarrolló la exposición de arte cubista de Barcelona. Josep Dalmau había viajado a París para asistir al Salón de Otoño de 1911. [23] También visitó una exposición cubista en la Galerie d'Art Ancien et d'Art Contemporain (20 de noviembre - 16 de diciembre de 1911), 3 rue Tronchet, donde conoció a varios cubistas, entre ellos Metzinger. La exposición de Dalmau comprendía 83 obras de 26 artistas, incluidos los cubistas del Salón de la Salle 41. [ 24] Más tarde asistió a los Independientes de 1912 (marzo-mayo).
Mercè Vidal, autora de L'Exposició d'Art Cubista de les Galeries Dalmau 1912, escribe que la iniciativa de Dalmau no fue casual ni fruto de la casualidad: 'La presentación de los cubistas en Barcelona vino precedida por el interés de los artistas y críticos catalanes por ese movimiento, desde el mismo momento en que tuvieron noticias de él'. [23]
La inauguración de la Exposició d'Art Cubista en Les Galeries Dalmau comenzó a las 18 h del 20 de abril de 1912. [25] La entrada se hacía únicamente por invitación personal. La asociación de Jacques Nayral con Gleizes le llevó a escribir el prefacio de la exposición cubista, [1] que fue traducido íntegramente y reproducido en el periódico La Veu de Catalunya . [26] [27] Previamente, Jacques Nayral (seudónimo de Jacques Huot), unió fuerzas con Alexandre Mercereau , Gleizes, Metzinger y Le Fauconnier en la planificación de la publicación de una revista dedicada a las artes plásticas. [28] Como editor en jefe de las publicaciones de Eugène Figuière , lanzó una serie bajo el nombre general Tous les arts , que publicó los dos primeros libros fundamentales sobre el cubismo: Du "Cubisme" (1912) de Metzinger y Gleizes, y Les Peintres Cubistes, Méditations Esthétiques (1913) de Guillaume Apollinaire . [1] En el Prefacio del catálogo de Dalmau, Nayral escribe:
El artista ya no debe aferrarse a imitaciones serviles, que el goce artístico no se produce por la observación de una reproducción exacta de la apariencia, sino que nace de la interacción de nuestra sensibilidad y nuestra inteligencia, que cuanto más nos conduce el artista hacia lo desconocido, más talento tiene. Un enigma múltiple, que no se revela en su integridad y de un solo trazo, sino gradualmente y paso a paso, como leemos un libro página por página. [1] [25]
Nayral cita luego el concepto de Metzinger de 1910 de que su intento es realizar una "imagen total" (que representa al sujeto desde una multitud de puntos de vista para representarlo en un contexto más amplio), [29] dando "una conciencia plástica a nuestro instinto", y conduciendo a una verdad más profunda, una "verdad que sólo la inteligencia capta". [1] [25] [29]
Es poesía lírica... la que habría que expresar para expresar esos sentimientos profundos. No, ni siquiera eso: a cambio de un supremo y maravilloso gozo egoísta, sería mejor no intentar analizar esa divina sensación de misterio, esa comunión con lo desconocido, que la contemplación de la pura belleza suscita en lo más profundo de nuestras almas. [1] [25]
La amplia cobertura mediática (en periódicos y revistas) antes, durante y después de la exposición lanzó a las Galeries Dalmau como una fuerza en el desarrollo y la propagación del modernismo en Europa. [12]
Los artistas cubistas fueron Jean Metzinger, Albert Gleizes, Marcel Duchamp, Juan Gris, Marie Laurencin, August Agero, con obras de Henri Le Fauconnier y Fernand Léger enumeradas en el suplemento del catálogo. [25]
Jean Metzinger fue considerado el más representativo de los cubistas. Expuso un Estudio para " Le Goûter" (1911), [30] que fue impreso en un cartel publicitario para la muestra cubista en Dalmau, y dos pinturas, Nature morte (Compotier et cruche décorée de cerfs) (1910-11) y Deux Nus (Dos desnudos, dos mujeres) (1910-11). Albert Gleizes expuso Paysage (Paisaje, Les Maisons) (1910-11), Le Chemin, Paysage à Meudon, Paysage avec personnage (1911), Estudio para el retrato de Jacques Nayral , un dibujo titulado El año , y tres obras más sin título. Marcel Duchamp mostró La sonate (Sonata) (1911) y Desnudo bajando una escalera, n.º 2 (1912) se exhibió por primera vez. [12] Juan Gris estuvo representado por Nu , cuatro óleos sin título y cinco dibujos. Marie Laurencin mostró dos acuarelas, dos óleos, dos dibujos y seis aguafuertes. August Agero, presentó una Estatua de hombre , Estatua de mujer , Busto de hombre , Jeune fille à la rose , una serie de platos, incluido uno titulado Adán y Eva (placa de cobre) y cinco dibujos. Le Fauconnier exhibió Retrato de un poeta y dos paisajes de Bretaña. Fernand Léger tenía tres dibujos en la muestra.
Aunque la cobertura de prensa fue extensa, no siempre fue positiva. Se publicaron artículos en los periódicos Esquella de La Torratxa [31] y El Noticiero Universal [32] atacando a los cubistas con una serie de caricaturas intercaladas con texto, mostrando personas con forma de conos de pie frente a las obras. Otra representaba a Adán y Eva en una forma cúbica cruda (Agero presentó una escultura del sujeto). Otros aún interpretaron las pinturas como garabatos cúbicos, o un artista en su caballete con una cabeza de animal con forma de cubo; todo con títulos despectivos. [32] Otros se burlaron de las obras, refiriéndose a ellas como "jeroglíficos". Entre los artistas, las reacciones fueron variadas, lo que provocó un debate entre los novecentistas . Eugenio d'Ors vio el Desnudo bajando una escalera de Duchamp como un "caso triste, un caso de inconsciencia y desorientación". [11] [33] En otro artículo se refirió al Desnudo de Duchamp como "monstruoso", porque el artista renunció a la forma y a una apariencia sensual de la realidad, contradiciendo los esfuerzos de otros cubistas. [34] [35] Al año siguiente, Desnudo bajando una escalera, n.º 2 se exhibió en el Armory Show, donde se convirtió en objeto de un escándalo sin fin. [36] [37] [38]
El historiador de arte Jaime Brihuega escribe sobre la muestra cubista de Dalmau: "Sin duda, la exposición produjo una fuerte conmoción en el público, que la recibió con mucha desconfianza. [39] [40] Posteriormente, el cubismo se convirtió en uno de los movimientos artísticos más influyentes del siglo XX; [41] [42] impactando los desarrollos del futurismo , el suprematismo , el dadaísmo , el constructivismo , el De Stijl y el art déco . [43] mientras que el constructivismo estuvo influenciado por la técnica de Picasso de construir esculturas a partir de elementos separados. [44]
Obras seleccionadas expuestas y/o reproducidas en la prensa
Esta gran exposición de artistas polacos residentes en Francia tuvo lugar en Dalmau durante los meses de mayo y junio de 1912. [45] [46]
Entre 1913 y 1915 la galería acogió una serie de exposiciones de artistas locales, como Darío de Regoyos (1913–14), Josep Aragay i Blanchart (1913), Pere Torné i Esquius (1913–14), Laura Albéniz Jordana (1914), Gustavo de Maeztu (1914), Celso Lagar (1915). [9]
Kees van Dongen expuso en las Galeries Dalmau del 26 de diciembre de 1915 a mediados de enero de 1916. [47] Cuando esta exposición individual llegó a las paredes de la Sala Dalmau, van Dongen ya era conocido en Cataluña. Eugenio d'Ors había escrito sobre su obra en el periódico El Poble Català (19 de agosto de 1905), y Joan Sacs (Feliu Elias) ya le había dedicado un artículo en Magazine Nova (4/7/1914). Se mostraron siete obras de van Dongen: Tanger, Vacances, Cousine, Le chrysanthème, Intérieur, Portrait of the Princesse Salomé Andreeif y Danseuse orientale . [48]
En Vell i Nou del 15 de diciembre de 1915 se escribía que el artista «ha sabido interpretar con una dulce sonrisa el infierno del vicio y la perversidad de la vida en los bajos fondos de París», y La Veu de Catalunya del 11 de diciembre recordaba de su obra «el lugar especialmente preeminente que ocupa entre las escuelas pictóricas más avanzadas». La exposición tuvo una buena acogida en L'Esquella de la Torratxa , del 14 de enero de 1916, y en la revista Themis , de Vilanova i la Geltrú, del 5 de enero, en la que J. F. Ràfols hizo un detallado recuento de la obra de Van Dongen, aunque no sin ciertas reticencias, pues la describía como una «creyente superada por la artificialidad del tipo de mujer, maquillada y frívola, retratada por el artista». En Vell i Nou, Romà Jori escribía: «de la unión entre poetas simbolistas y pintores impresionistas nace esta pintura, que tiene a Van Dongen como uno de sus más sólidos representantes». [49]
La exposición de Serge Charchoune y Helene Grunhoff tuvo lugar del 29 de abril al 14 de mayo de 1916. [50] Charchoune asistió a academias en Moscú antes de su llegada a París en 1912, donde estudió cubismo con Jean Metzinger y Le Fauconnier en la Académie de La Palette . [51] [52] [53] [54] Mientras estaba en París conoció a la escultora Hélène Grunhoff (o Helena Grünhoff) (1880-?), con quien viviría durante diez años. En 1915, con el inicio de la Primera Guerra Mundial, Charchoune y Grunhoff se refugiaron en Mallorca y Barcelona. [55] [56] Los dos expusieron nuevamente en las Galeries Dalmau en 1917. [57]
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En 1916, las Galerías Dalmau se habían convertido en un punto focal para el arte abstracto y las actividades cubistas. Albert y Juliette Gleizes, Robert y Sonia Delaunay, Francis Picabia, Marie Laurencin y su esposo Otto von Wätjen , Olga Sacharoff , Serge Charchoune y Rafael Barradas se encontraban entre los artistas que adoptaron Barcelona como su nuevo hogar; otros incluyeron al teórico de cine y editor de la revista de vanguardia Montjoie!, Ricciotto Canudo ; el artista y boxeador Arthur Cravan , su hermano Otho Lloyd ; el poeta, pintor, dramaturgo, coreógrafo Valentine de Saint-Point y el crítico de arte Max Goth (Maximilien Gauthier). [58]
España permaneció neutral durante la Primera Guerra Mundial, entre julio de 1914 y noviembre de 1918. A pesar de las dificultades económicas internas, muchos artistas decidieron residir en España (y en Barcelona en particular). [59]
La exposición individual de Gleizes en Dalmau tuvo lugar del 29 de noviembre al 12 de diciembre de 1916, [60] [61] generando una considerable cobertura de prensa, por ejemplo en Vell i Nou , [62] y por Joan Sacs (Feliu Elias) , quien bajo otro seudónimo, Apa, dibujó una caricatura de Gleizes, en La Publicidad . [63]
El historiador del arte Daniel Robbins escribe sobre las obras barcelonesas de Gleizes:
Su obra siempre estuvo directamente relacionada con el entorno, especialmente con uno desconocido. Así, su viaje a España en 1916 dio como resultado una serie de pinturas claramente españolas ( Bailarina española ), cálida y exuberante (así como una pintura perdida de un velero, más en consonancia con el curso general de su desarrollo en la abstracción sintética) y pocas de sus pinturas son tan sensuales e inmediatas como las de Bermudas, en las que una preocupación cezanniana por las formas modificadas por la luz y su pincelada diagonal consistente superan cualquier esfuerzo conceptual. [21]
En esta exposición, en la que participaron Joaquim Torres i García, Rafael Barradas y Serge Charchoune, se expuso por primera vez en público el vibracionismo. [9] [64] [65] En una conferencia celebrada en las Galerías Dalmau, el 22 de febrero de 1917, Torres-García pronunció una conferencia en la que cita:
Este espíritu nos llega sin entusiasmo, y ésta es otra característica. Estamos envueltos en llamas, vibramos; nuestro espíritu es vibratorio, ágil; recorre espacios inmensos en segundos; sentimos en nosotros la convicción de que podemos lograr cosas extraordinarias. Nos caen cosas buenas; nos volvemos altruistas, sinceros, indulgentes, cordiales. El mundo es bello, exuberante de vida, de calor, de luz. La serenidad, como un soberano, reina sobre todo. El mundo goza de una paz perpetua. [9]
En 1917, el joven Joan Miró, apreciablemente afectado por las obras cubistas expuestas en las Galerías Dalmau, se involucró en los esfuerzos de la galería y pronto aplicó su propia interpretación personal al enfoque cubista. Del 16 de febrero al 3 de marzo de 1918, Dalmau presentó la primera exposición individual de Miró y más tarde organizaría su primera exposición individual parisina, en la Galerie la Licorne en 1921. [66] [67] [68]
La exposición de Joan Miró en las Galeries Dalmau estuvo acompañada de un catálogo con un poema caligrama de Josep Maria Junoy. En total, se enumeran 64 obras: 2 de 1914; 7 de 1915; 25 de 1916; y 30 de 1917. [69] Según informes, la muestra no fue un éxito, [70] su obra fue ridiculizada y desfigurada. [71]
Las propuestas de Miró reflejaban la influencia de los movimientos franceses, el impresionismo, el fauvismo y el cubismo, con colores afines a los de van Gogh y Cézanne (como en Retrato de Vincent Nubiola ), [72] así como la influencia de van Dongen y Gleizes. [67] [73] [72] La reacción entre los críticos fue mixta, y Miró sólo logró vender una obra, un bodegón de un molinillo de café, que fue adquirido por el artista catalán Josep Mompou (que expuso en las Galeries Dalmau en 1908) por 250 pesetas. [67] [74]
Posteriormente, Miró se sintió atraído por la comunidad artística que estaba cobrando impulso en Montparnasse y en 1920 se mudó a París, pero continuó pasando sus veranos en Cataluña. [75]
La Exposición de Arte francés de Vanguardia se celebró en las Galerías Dalmau del 26 de octubre al 15 de noviembre de 1920. [76] La exposición de arte francés de vanguardia fue una de las más importantes organizadas por Dalmau, en la que la intención del marchante era ofrecer una muestra representativa de los artistas que trabajaron en Francia, tanto franceses como de otras nacionalidades. [70] El número de artistas era enorme, y también lo era el abanico de periodos abarcados: desde el postimpresionismo hasta el arte abstracto, pasando por el fauvismo, el cubismo y De Stijl. [70]
Fue en esta exposición, con toda probabilidad, donde el marchante Léonce Rosenberg y Miró se conocieron por primera vez. Dalmau había organizado la muestra con la ayuda de Rosenberg y de Georges Bernheim, el galerista y experto internacional en arte durante el período parisino de entreguerras . Había expuesto obras de Francis Picabia, Raoul Dufy y muchos otros en la Galerie Georges Bernheim. [77] Prácticamente todos los cubistas de la muestra ya habían expuesto en la Galerie de L'Effort Moderne de Rosenberg , o lo harían en breve. En 1930 y 1932, Rosenberg presentó dos grandes exposiciones de obras de Picabia. [78]
Entre los artistas se encontraban María Blanchard, Georges Braque, Henri-Edmond Cross , Jean Dufy , Raoul Dufy , André Derain, André Dunoyer de Segonzac , Emile-Othon Friesz , Albert Gleizes, Juan Gris, Henri Hayden , Auguste Herbin, Marie Laurencin, Fernand Léger, André Lhote, Jacques Lipchitz , Henri Manguin , Jean Marchand , Albert Marquet , Henri Matisse, Jean Metzinger, Joan Miró, Pablo Picasso, Diego Rivera , Gino Severini, Paul Signac , Joaquim Sunyer , Léopold Survage , Louis Valtat , Félix Vallotton , Kees van Dongen, Maurice de Vlaminck y Manuel Ortiz de Zárate . [76] En total, participaron 45 artistas con 87 obras de arte expuestas. [40]
El prefacio del catálogo fue escrito por el crítico de arte francés y ardiente propagandista del cubismo Maurice Raynal . Se reprodujeron 28 obras de arte en el catálogo. [76]
Maurice Raynal presentó un prefacio surrealista mezclado con filosofía y teología, aparentemente orientado a la sensibilidad interior de los coleccionistas:
Afición ciega razón , dice un proverbio español. ¡Pues sí! Es necesario que el afecto ciegue la razón. Así que no intentes aquí discriminar los esfuerzos divergentes de la sensibilidad y la sensualidad. Mira y elige, o más bien déjate llevar, detente frente a lo que te captura, porque nunca elegimos. [...] el amor no elige, toma lo que encuentra. Así que no intentes comparar y por tanto no etiquetes. Sólo el amor verdadero tiene que hacer comparaciones, y el carácter electivo que quisiéramos otorgarle es sólo una fantasía agradable en torno a su poder. [...] Respira la naturaleza sólo con todos los poros de tu sensibilidad, contempla el universo a través de tu ventana o en tu propio espejo si lo prefieres. Éste te dirá: "Esto es lo que la naturaleza me ha mostrado". Aquél afirmará: "Eso es lo que le mostré a la naturaleza". Sólo recuerda que sólo tenemos en casa el cuadro que merecemos. (Maurice Raynal, 1920) [76]
Francis Picabia presentó su primera y única exposición individual en Barcelona en las Galerías Dalmau, del 18 de noviembre al 8 de diciembre de 1922. Picabia, en ese momento, ya había transitado por una fase cubista (en París) y una fase proto-Dada (Nueva York). Picabia expuso cuarenta y siete obras en las Galerías Dalmau, todas recientes (producidas a los pocos meses de la muestra) e inéditas. Las obras eran una mezcla ecléctica de arte figurativo, abstracto y representaciones mecánicas ("maquinista tardío"). [79] Este fue un período de transición entre el Dadaísmo y el Surrealismo. Los temas de las obras incluidas se reflejaron en los títulos: Aviación, Astrolab, Termómetro para ciegos , Mujer española y Optófono . [11] [80] [81] Antes de la inauguración, André Breton pronunció una conferencia sobre arte moderno en el Ateneu Barcelonès , quien una vez escribió que "París es más grande que Picabia, pero Picabia es la capital de París". [82] También escribió el prefacio publicado en el catálogo para la ocasión: [83] [84]
"[...] En efecto, la obra ya no reside en la combinación más o menos lograda de colores, en el juego de líneas que se acerca más o menos a la realidad. No hay semejanza, ni siquiera lejana. La broma de la representación ha durado demasiado tiempo [...] dando paso a composiciones donde los valores plásticos, exentos de toda intención representativa o simbólica, pueden no jugar un papel tan significativo como la firma o el título. [...] "
Las críticas negativas de las instituciones culturales y artísticas catalanas tras las primeras publicaciones de 391 parecieron interferir en la exposición de Picabia en Dalmau, a pesar de que las tendencias iban fluyendo inexorablemente hacia la vanguardia, incluida la dadaísmo. Ni la conferencia de André Breton ni el catálogo de la exposición tuvieron un éxito especial. Sin embargo, se publicó un extenso artículo sobre Picabia y la conferencia de Breton en La publicitat , escrito por el crítico de arte Magí Albert Cassanyes i Mestre . [11] [85] [80]
En su haber, escribe Elisenda Andrés Pàmies, Josep Dalmau había sido desde 1912 el primer y único marchante catalán que había establecido relaciones con los creadores de la diáspora y los había acogido en Les Galleries Dalmau. La exposición de Picabia consolidó esa continuidad. [11]
Dalmau publicó los cuatro primeros números de la revista dadaísta 391 (1917-1924) y Cinquante-deux miroirs (1914-1917) creada por Picabia. [4] [5] [82] [86]
En 1923 la galería se trasladó a una de las principales avenidas de Barcelona, Passeig de Gràcia , 62, donde permaneció hasta 1930, año en que la galería cerraría definitivamente. [87]
La exposición de Salvador Dalí , del 14 al 27 de noviembre de 1925, fue la primera exposición individual del artista. [16] [88] En esa época, Dalí aún no estaba inmerso en el estilo surrealista por el que más tarde se haría famoso. La exposición tuvo una buena acogida entre el público y la crítica. Al año siguiente volvió a exponer en Dalmau, del 31 de diciembre de 1926 al 14 de enero de 1927, con el apoyo del crítico de arte Sebastià Gasch . [11] [89] [90]
A mediados de la década de 1920, la escena de las galerías en Barcelona era muy sofisticada, organizada y compleja. Dalmau se enfrentó a la competencia en 1925 cuando los hermanos Maragall —Joan-Antoni Maragall , hijo menor del poeta Joan Maragall , y Raimon Maragall— compraron la galería Sala Parés , uniéndose al mundo de las galerías y dinamizando el mercado. La Sala Parés se convirtió en un rival de las Galeries Dalmau, ya que atrajo a una importante rama de artistas ( Modernismo y Novecentismo ), anteriormente promovida por Dalmau y las Galeries Laietanes (fundadas en 1915). [11]
Esta exposición incluyó un grupo de artistas catalanes y un grupo de artistas europeos. Josep Dalmau expuso tres obras propias, junto a Miró, Dalí, Torres-García, Sunyer, Junyer, Mompou, Cassanyes y otros. También estuvieron presentes las obras de Gleizes, Laurencin, Picabia, Weber, Vlaminck, Dufy, Delaunay y Grunoff. [91]
Josep Dalmau, Salvador Dalí, JV Foix, Josep Carbonell, MA Cassanyes, Lluís Góneora, R. Saínz de la Maza Lluís Montanyà, Rafael Barradas y J. Gutiérrez Gílí-Sebastià Gasch invitaron a Federico García Lorca a exponer dibujo en las Galerías Dalmau, del 25 de junio al 2 de julio de 1927. [92]
Las obras de Lorca fueron una mezcla de estilos populares y vanguardistas, que complementaban la colección de poesía del artista, "Canción" , que se imprimió un mes antes de la exposición. Tanto su poesía como sus dibujos reflejaban la influencia de los motivos tradicionales andaluces , el cubismo y una preocupación por la identidad sexual. Varios dibujos consistían en rostros oníricos superpuestos (o sombras). Más tarde describió los rostros dobles como autorretratos, que mostraban "la capacidad del hombre para llorar y para vencer", en línea con su convicción de que el dolor y la alegría eran inseparables, al igual que la vida y la muerte. [93]
En un boceto titulado El beso , dibujó un rostro muy parecido al suyo, unido en los labios a otro rostro, cuyo perfil se parecía al de Dalí. Dalí también había dibujado el rostro de Lorca junto al suyo. Dalí escribió más tarde sobre este período de su vida como artista: «Durante un eclipse», la sombra de Lorca «vino a oscurecer la originalidad virginal de mi espíritu y de mi carne». [93] Lorca también fue consumido por Dalí, algo visible tanto en su lenguaje cubista como en su sintaxis surrealista. La exposición incluyó un retrato reconocible de Dalí (cat. n.º 14), [92] parte de una serie que Lorca había dibujado en ese momento. [93]
La exposición de Lorca atrajo menos atención que la de Dalí, aunque tuvo cierta cobertura de prensa favorable, principalmente por parte de sus amigos, Dalí incluido. Para sorpresa de Lorca, vendió cuatro dibujos. Una vez terminada la exposición, regaló el resto de los dibujos a sus amigos. [93]
La Exposición de Arte Moderno Nacional y Extranjero tuvo lugar en las Galerías Dalmau, Passeig de Gràcia, del 31 de octubre al 15 de noviembre de 1929. Entre los artistas se encontraban Hans Arp , Sophie Taeuber-Arp , André Lhote , Piet Mondrian , Otto van Rees , Otto Weber , Theo van Doesburg , Otto Freundlich , Georges Vantongerloo , Jean Hélion , Gustavo Cochet , junto a un nutrido contingente de artistas catalanes. [94]
Las reseñas incluyeron una extensa exposición en La Gaceta Literaria de Sebastià Gasch, particularmente sobre el aspecto cubista de la exposición, [95] y de Rafael Benet , bajo el seudónimo de Baiarola, en La Veu de Catalunya . [96]
Angel Planells fue un pintor surrealista. Esta fue su primera exposición individual. [97] [98] [99]
El cierre de las Galeries Dalmau se debió posiblemente a varios factores: la utilización de procedimientos operativos obsoletos en el mercado del arte de los años veinte, los gastos, la creciente competencia y la escasa rentabilidad obtenida con las ventas. Sebastià Gasch, atribuyó la desaparición de las Galeries Dalmau a la actitud de Josep Dalmau, "la desaparición casi absoluta de aquel afán de selección que presidía sus antiguas galerías". También señaló que "las Galeries Dalmau perdieron todo su ingenio al trasladarse de la intensidad del Barrio Gótico de Barcelona —Portaferrissa— al destartalado Passeig de Gràcia". [11] [100] [101]
En 1936, Dalmau se convirtió en presidente de la Asociación de Artistas Independientes y redactó su manifiesto. [102] [103] [104] [105] Murió al año siguiente.
Acín Aquilué, Ramón
Ageró, agosto
Amat Pagès, Josep
Aragay, Josep
Aymat, Tomás
Badrinas Escudé, Antoni
Ballesté, Jacint
Bardas, Nicolás Isidro
Barradas, Rafael
Basiana Arbiell, Evarist
Bechini, Gabriel
Begué, Hortensia
Beltrán Sanfeliu, Josep
Benet Vancells, Rafael
Bergnes, Guillem
Blanchard, María
Blanes, Camilo
Canales de Bosch, Andreu
Boussingault, Jean-Louis
Braque, Georges
Bretón, André
Burty, Frank
Camarasa, F.
Campamentos, Francesc
Canales, Ricard
Cano, Manolo
Carles Rosich, Domingo
Cassanyes, Magí
Castanys, Valentín
Cenac Bercciartu, Enrique
Charchoune, Serge
Cid, Remigio
Clapés Puig, Aleix
Climente, Enrique
Cochet, Gustavo
Colom, Joan
Coscolla Plana, Feliu
Costa, Miquel
Costa, Pedro
Cruz, Henri-Edmond
Cueto, Germán
Dalí Domènech, Salvador
Dalmau Rafael, Josep
Presa, Bertil
De Regoyos, Darío
De Togores Llach, Josep
Delaunay, Sonia
Derain, André
Donskaia, Tatiana
Duchamp, Marcel
Dufy, Raúl
Dufy, Jean
Dunoyer de Segonzac, André
Dunyach Sala, Josep
Elías Bracons, Feliu
Enguiu Malaret, Ernest
Espinal Armengol, Marià
Estivill, Ricard
Fabrés, Julia
Fernández Peña, Manuel
Ferrer, Agustí
Figueras, Llátzer
Flores García, Pedro
Friesz, Émile-Othon
Garay, Luis
García Lorca, Federico
García Maroto, Gabriel
Gausachs Armengol, Josep
Genover, Ignacio
Gerardin, Marthe-Antoine
Gernez, Paul-Élie
Gilberto, Lluís
Gimeno Arasa, Francesc
Gimeno, Martí
Gleizes, Alberto
Gol, Josep María
Goller, José
Gómez de la Serna, Ramón
Gómez, Helios
González Sevilla
Gosé Rovira, Xavier
Gottlieb, Leopoldo
Gris, Juan
Grunhoff, Helene
Guardia Esturí, Jaume
Guarro, Joan
Güell, Xavier
Gusef, Kallinic
Guyás, Un
Hayden, Henri
Herbin, Auguste
Hermann-Paul, René Georges
Hoffmann, Roberto
Homs Ferrés, Elvira
Humbert Esteve, Manel
Jack, Georges (?)
Jernás, Elsa
Jönzen, Hadar
Tú, Lluís
Jujol, Josep María
Junyer, Joan
Cámara, Ernst
Labarta, Francesc
Lagar, Celso
Lagut, Irene
Laprade, Pierre
Laurencin, María
Le Corbusier
El fauconnier, Henri
Leger, Fernand
Leyde, Kurt
Lhote, André
Lipchitz, Jacques
López Morella, Ramón
Losada, Manuel
Lotirón, Roberto
Maeztu, Gustavo de
Malagarriga Ormat, Elvira
Manguin, Henri
Marchand, Jean
Marès, Frédéric
Maristany de Trias, Luis
Marqués Puig, Josep Maria
Marquet, Alberto
Matilla Marina, Segunda
Matisse, Henri
Mercadé, Lluís
Metzinger, Jean
Mimó, Claudi
Miret, Ramón
Miró, Joan
Mompou, Josep
Moreau, Luc Albert
Moreno, Arturo
Moya Ketterer, José
Mutermilch, mela
Natali, Renato
Nonell, Isidre
Obiols Palau, Josep
Oliva, Jacint
Ortiz de Zárate, Manuel
Öström, Folklore
Palacio Oller, Josep
Pascual Rodés, Ivo
Pascual Vicent, J.
Pérez Moro, Julio
Picabia, Francisco
Picasso, Pablo
Pichot Gironés, Ramón
Planas, Pau
Planells Cruañas, Ángel
Portusach de Mascareñas, Josefina
Prat Ubach, Pere
Pretzfelder, Max
Pujó, Josep
Pujol Montané, Josep
Pujol Ripoll, Josep
Pujol, AP
Pujols, Francesc
R. de Pujulà, Germaine
Ràfols Fontanals, Josep Francesc
Ricart Nin, Enric Cristoforo
Rincón, Vicente
Rivera, Diego
Roqueta, Ramón
Roussel, Ker-Xavier
Ruiz, Diego
Rusiñol, Santiago
Ruth Cahn, señorita
Sermaise Périllard, Louis
Severini, Gino
Soucek, Slavi
Tienda, Emili
Sucre, Josep María del
Sunyer, Joaquín
Sobrevivir, Léopold
Timm, Ernest
Torné Esquius, Padre
Torné, Trinidad
Torres García, Joaquín
Traz, Georges de
Valtat, Luis
Vallotton, Félix
Vaño
De Dongen, Kees
Van Rees, Otto
Velásquez Cueto, Lola
Vérgez, Eduard
Vila Pujol, Joan
Villa, Salvador
Villa Bassols, Miquel
Violeta, Gustave
Vives, Mario
Vlaminck, Mauricio
Weber, Otto
Xarraga, Ángel
Ysern Alié, Padre
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![Paul-Élie Gernez [fr], Saint-Claude, Exposició d'Art francès d'Avantguarda, Galeries Dalmau, Barcelona, 1920 (catálogo)](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e7/Paul-%C3%89lie_Gernez,_Saint-Claude.jpg/1280px-Paul-%C3%89lie_Gernez,_Saint-Claude.jpg)
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