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El arte persa o arte iraní ( persa : هنر ایرانی , romanizado : Honar -è Irâni ) tiene uno de los patrimonios artísticos más ricos de la historia mundial y ha sido fuerte en muchos medios, incluidos la arquitectura , la pintura , el tejido, la cerámica , la caligrafía , la metalurgia y la escultura . En diferentes épocas, las influencias del arte de las civilizaciones vecinas han sido muy importantes y, últimamente, el arte persa dio y recibió importantes influencias como parte de los estilos más amplios del arte islámico . Este artículo abarca el arte de Persia hasta 1925, y el fin de la dinastía Qajar ; para arte posterior, consulte arte moderno y contemporáneo iraní , y para artesanías tradicionales, consulte artes de Irán . El arte rupestre en Irán es el arte superviviente más antiguo. La arquitectura iraní se trata en ese artículo.
Desde el Imperio aqueménida de 550 a. C. a 330 a. C., durante la mayor parte del tiempo, un gran estado de habla iraní ha gobernado áreas similares a las fronteras modernas de Irán y, a menudo, áreas mucho más amplias, a veces llamadas Gran Irán , donde se desarrolló un proceso de persianización cultural. dejó resultados duraderos incluso cuando el gobierno se separó. Las cortes de las sucesivas dinastías generalmente han seguido el estilo del arte persa, y el arte patrocinado por la corte ha dejado muchas de las supervivencias más impresionantes.
En la antigüedad, los monumentos del arte persa que se conservan se destacan por una tradición que se concentra en la figura humana (principalmente masculina, y a menudo real) y los animales. El arte persa siguió poniendo mayor énfasis en las figuras que el arte islámico de otras áreas, aunque por razones religiosas ahora generalmente evita los grandes ejemplos, especialmente en la escultura. El estilo islámico general de decoración densa, dispuesta geométricamente, se desarrolló en Persia hasta convertirse en un estilo sumamente elegante y armonioso que combina motivos derivados de plantas con motivos chinos como la banda de nubes y, a menudo, animales representados en una escala mucho menor que la elementos vegetales que los rodean. Bajo la dinastía Safavid en el siglo XVI, este estilo se utilizó en una amplia variedad de medios y se difundió entre los artistas de la corte del sha, siendo la mayoría principalmente pintores.
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La evidencia de una civilización de cerámica pintada alrededor de Susa data del año 5000 a.C. [1] Susa estuvo firmemente dentro de la esfera cultural sumeria Uruk durante el período Uruk . En Susa se encuentra una imitación de todo el aparato estatal de Uruk, protoescritura , sellos cilíndricos con motivos sumerios y arquitectura monumental. Susa pudo haber sido una colonia de Uruk. Como tal, la periodización de Susa corresponde a Uruk; Los períodos Susa II temprano, medio y tardío (3800-3100 a. C.) corresponden a los períodos Uruk temprano, medio y tardío.
Poco después de la primera colonización de Susa, hace 6.000 años, sus habitantes erigieron un templo sobre una plataforma monumental que se elevaba sobre el paisaje llano circundante. La naturaleza excepcional del sitio todavía es reconocible hoy en el arte de las vasijas de cerámica que se colocaron como ofrendas en mil o más tumbas cerca de la base de la plataforma del templo. Se recuperaron cerca de dos mil vasijas del cementerio, la mayoría de ellas ahora en el Louvre . Las vasijas encontradas son testimonio elocuente de los logros artísticos y técnicos de sus creadores, y contienen pistas sobre la organización de la sociedad que las encargó. [2] Las vasijas de cerámica pintadas de Susa en el primer estilo más antiguo son una versión regional tardía de la tradición cerámica mesopotámica Ubaid que se extendió por el Cercano Oriente durante el quinto milenio a.C. [2]
El estilo Susa I fue en gran medida un producto del pasado y de influencias de las industrias cerámicas contemporáneas en las montañas del oeste de Irán. La recurrencia en estrecha asociación de recipientes de tres tipos (una copa o vaso para beber, un plato para servir y un frasco pequeño) implica el consumo de tres tipos de alimentos, aparentemente considerados tan necesarios para la vida en el más allá como en el más allá. Éste. Las cerámicas de estas formas, que fueron pintadas, constituyen una gran proporción de las vasijas del cementerio. Otros son, por supuesto, jarras y cuencos de cocina con bandas simples pintadas y probablemente fueron ajuares funerarios de los sitios de ciudadanos más humildes, así como de adolescentes y, tal vez, niños. [3] La cerámica está cuidadosamente hecha a mano. Aunque pudo haberse empleado una rueda lenta, la asimetría de las vasijas y la irregularidad del dibujo de las líneas y bandas circundantes indican que la mayor parte del trabajo se realizó a mano alzada.
Los relieves rocosos del reino montañoso de Lullubi , especialmente el relieve rocoso de Anubanini , son relieves rocosos de alrededor del 2300 a. C. o principios del segundo milenio a. C., los relieves rocosos más antiguos de Irán. Están ubicados en la provincia de Kermanshah . [4] [5] Se cree que estos relieves influyeron en los relieves aqueménidas posteriores de Behistun , aproximadamente un milenio y medio después. [4] [6]
El arte elamita , del sur y oeste del Irán moderno, compartía muchas características con el arte vecino de Mesopotamia , aunque a menudo era menos sofisticado. Se encuentran sellos cilíndricos , pequeñas figuras de adoradores, dioses y animales, relieves poco profundos y algunas grandes estatuas de gobernantes. Hay un pequeño número de vasijas de oro muy fino con figuras en relieve. [7]
Los bronces de Luristan (rara vez "Lorestān", "Lorestāni", etc. en fuentes en inglés) son pequeños objetos fundidos decorados con esculturas de bronce de la Edad del Hierro Temprana que se han encontrado en grandes cantidades en la provincia de Lorestān y Kermanshah en el centro-oeste de Irán . [8] Incluyen una gran cantidad de adornos, herramientas, armas, herrajes para caballos y un número menor de vasijas que incluyen sítulas , [9] y las encontradas en excavaciones registradas se encuentran generalmente en entierros. [10] El origen étnico del pueblo que los creó sigue sin estar claro, [11] aunque es posible que fueran persas , posiblemente relacionados con el pueblo lur moderno que ha dado su nombre a la zona. Probablemente datan de entre 1000 y 650 a.C. [12]
Los bronces tienden a ser planos y utilizar calados , como la orfebrería relacionada del arte escita . Representan el arte de un pueblo nómada o trashumante , para quien todas las posesiones debían ser ligeras y portátiles, y los objetos necesarios como armas, remates (quizás para los postes de las tiendas), herrajes para arneses de caballos, alfileres, copas y pequeños accesorios eran muy decorados en su pequeña superficie. [13] Las representaciones de animales son comunes, especialmente cabras u ovejas con cuernos grandes, y las formas y estilos son distintivos e inventivos. El motivo " Maestro de los animales ", que muestra a un ser humano colocado entre dos animales enfrentados y agarrandolos, es común [14] pero típicamente muy estilizado. [15] Se ven algunas mujeres "dueñas de los animales". [dieciséis]
El tesoro de Ziwiye de alrededor del 700 a. C. es una colección de objetos, en su mayoría de metal, quizás no todos encontrados juntos, de aproximadamente la misma fecha, que probablemente muestran el arte de las ciudades persas de la época. En Hasanlu y aún antes en Marlik se han encontrado trabajos en metal delicados de la Edad del Hierro II . [7]
El arte aqueménida incluye frisos , relieves, orfebrería, decoración de palacios, mampostería de ladrillo vidriado, artesanía fina (albañilería, carpintería, etc.) y jardinería. La mayoría de los restos del arte de la corte son esculturas monumentales, sobre todo los relieves , los capiteles de columnas persas con cabezas de animales dobles y otras esculturas de Persépolis (véanse a continuación los pocos pero impresionantes relieves rupestres aqueménidas). [17]
Aunque los persas tomaron artistas, con sus estilos y técnicas, de todos los rincones de su imperio, produjeron no simplemente una combinación de estilos, sino una síntesis de un nuevo estilo persa único. [18] De hecho, Ciro el Grande tenía una extensa herencia iraní antigua detrás de él; el rico trabajo en oro aqueménida, que las inscripciones sugieren que pudo haber sido una especialidad de los medos, seguía, por ejemplo, la tradición de sitios anteriores.
El vaso para beber de ritón , con forma de cuerno y normalmente terminado en forma de animal, es el tipo de obra de metal de gran tamaño más común que ha sobrevivido, como en un buen ejemplo de Nueva York . Hay una serie de pequeñas piezas de joyería muy finas o incrustaciones de metales preciosos, en su mayoría con animales, y el Tesoro de Oxus tiene una amplia selección de tipos. La élite cosía pequeñas piezas, normalmente de oro, a la ropa, y han sobrevivido varios torques de oro. [17]
El gran relieve en roca tallada , típicamente colocado en lo alto de un camino y cerca de una fuente de agua, es un medio común en el arte persa, utilizado principalmente para glorificar al rey y proclamar el control persa sobre el territorio. [19] Comienza con relieves rocosos de Lullubi y Elamita , como los de Sarpol-e Zahab (alrededor del año 2000 a. C.), Kul-e Farah y Eshkaft-e Salman en el suroeste de Irán, y continúa bajo los asirios. El relieve y la inscripción de Behistun , realizados alrededor del año 500 a. C. para Darío el Grande , tienen una escala mucho mayor y reflejan y proclaman el poder del imperio aqueménida . [20] Los gobernantes persas comúnmente se jactaban de su poder y logros, hasta que la conquista musulmana eliminó las imágenes de tales monumentos; mucho más tarde hubo un pequeño resurgimiento bajo la dinastía Qajar . [21]
Behistun es inusual por tener una inscripción grande e importante, que al igual que la Piedra Rosetta egipcia repite su texto en tres idiomas diferentes, todos usando escritura cuneiforme : persa antiguo, elamita y babilónico (una forma posterior del acadio ). [22] Esto fue importante en la comprensión moderna de estos idiomas. Otros relieves persas generalmente carecen de inscripciones y los reyes implicados a menudo sólo pueden identificarse de forma provisional. En el caso de los sasánidas, el problema se ve facilitado por su costumbre de mostrar un estilo diferente de corona para cada rey, que puede identificarse por sus monedas. [21]
Naqsh-e Rustam es la necrópolis de la dinastía aqueménida (500-330 a. C.), con cuatro grandes tumbas excavadas en lo alto del acantilado. Tienen una decoración principalmente arquitectónica, pero las fachadas incluyen grandes paneles sobre las puertas, cada uno de ellos muy similar en contenido, con figuras del rey investido por un dios, sobre una zona con filas de figuras más pequeñas que llevan tributo, con soldados y funcionarios. Las tres clases de figuras están marcadamente diferenciadas en tamaño. La entrada a cada tumba está en el centro de cada cruz, que se abre a una pequeña cámara, donde yacía el rey en un sarcófago . [23] Se cree que la viga horizontal de cada una de las fachadas de la tumba es una réplica de la entrada del palacio de Persépolis .
Sólo uno tiene inscripciones y la correspondencia de los otros reyes con las tumbas es algo especulativa; Las figuras en relieve no pretenden ser retratos individualizados. La tercera desde la izquierda, identificada por una inscripción, es la tumba de Darío I el Grande ( c. 522–486 a. C.). Se cree que los otros tres son los de Jerjes I ( c. 486-465 a. C.), Artajerjes I ( c. 465-424 a. C.) y Darío II ( c. 423-404 a. C.) respectivamente. Un quinto inacabado podría ser el de Artajerjes III, que reinó durante dos años como máximo, pero es más probable que sea el de Darío III ( c. 336-330 a. C.), último de las dinastías aqueménidas. Las tumbas fueron saqueadas tras la conquista del Imperio aqueménida por Alejandro Magno .[23]
Muy por debajo de las tumbas aqueménidas, cerca del nivel del suelo, hay relieves en roca con grandes figuras de reyes sasánidas , algunos enfrentándose a dioses, otros en combate. El más famoso muestra al rey sasánida Shapur I a caballo, con el emperador romano Valeriano inclinándose ante él en señal de sumisión, y Felipe el Árabe (un emperador anterior que pagó tributo a Shapur) sosteniendo el caballo de Shapur, mientras que el emperador Gordiano III , muerto en batalla. , se encuentra debajo (se han sugerido otras identificaciones). Esto conmemora la batalla de Edesa en el año 260 d.C., cuando Valeriano se convirtió en el único emperador romano capturado como prisionero de guerra, una humillación duradera para los romanos. La ubicación de estos relieves sugiere claramente la intención sasánida de vincularse con las glorias del anterior Imperio aqueménida . [24] Hay otras tres tumbas reales aqueménidas con relieves similares en Persépolis , una de ellas inacabada. [25]
Los siete relieves sasánidas, cuyas fechas aproximadas oscilan entre el 225 y el 310 d.C., muestran temas que incluyen escenas de investiduras y batallas. El relieve más antiguo del sitio es elamita , de aproximadamente el año 1000 a.C. Aproximadamente a un kilómetro de distancia se encuentra Naqsh-e Rajab , con otros cuatro relieves rupestres sasánidas, tres que celebran a los reyes y uno a un sumo sacerdote. Otro sitio sasánida importante es Taq Bostan con varios relieves que incluyen dos investiduras reales y una famosa figura de un catafracto o soldado de caballería pesada persa, aproximadamente el doble de su tamaño natural, que probablemente representa al rey Khosrow Parviz montado en su caballo favorito Shabdiz ; la pareja continuó siendo celebrada en la literatura persa posterior. [26] Firuzabad, Fars y Bishapur tienen grupos de relieves sasánidas; el primero incluye el más antiguo, una gran escena de batalla, ahora muy desgastada. [27] En Barm-e Delak un rey ofrece una flor a su reina.
Los relieves sasánidas se concentran en los primeros 80 años de la dinastía, aunque un conjunto importante es del siglo VI y en relativamente pocos sitios, principalmente en el corazón de Sasánida. Los últimos en particular sugieren que se basan en una tradición ahora perdida de relieves similares en palacios en estuco . Los relieves rupestres probablemente estaban revestidos de yeso y pintados. [21]
Los relieves rupestres de los selúcidas y partos persas anteriores son generalmente más pequeños y toscos, y no todos son encargos reales directos como claramente lo eran los sasánidas. [28] En Behistun, un relieve anterior que incluía un león fue adaptado a un Heracles reclinado en un estilo totalmente helenístico ; se reclina sobre una piel de león. Esto sólo fue descubierto bajo los escombros hace relativamente poco tiempo; una inscripción lo fecha en el 148 a.C. [29] Otros relieves en Irán incluyen al rey asirio en relieve superficial en Shikaft-e Gulgul ; No todos los sitios con relieves persas se encuentran en el Irán moderno. [21] Al igual que otros estilos sasánidas, la forma disfrutó de un pequeño renacimiento bajo el Qajar, cuyos relieves incluyen un panel grande y animado que muestra la caza en el coto de caza real de Tangeh Savashi , y un panel, todavía en gran parte con su colorido intacto, en Taq Bostan muestra al sha sentado con sus asistentes.
El catálogo estándar de relieves persas preislámicos enumera los ejemplos conocidos (en 1984) de la siguiente manera: Lullubi #1–4; Elam #5–19; Asirio #20–21; Aqueménida #22–30; Tardíos/post-aqueménidas y seléucidas #31–35; Parto # 36–49; Sasánida #50–84; otros #85–88. [30]
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El arte de los partos era una mezcla de estilos iraní y helenístico . El Imperio Parto existió desde el 247 a. C. hasta el 224 d. C. en lo que hoy es el Gran Irán y varios territorios fuera de él. Los lugares partos a menudo se pasan por alto en las excavaciones, y las capas partas son difíciles de distinguir de las que los rodean. [31] Por lo tanto, la situación de la investigación y el estado de los conocimientos sobre el arte parto son todavía muy irregulares; La datación es difícil y los restos más importantes proceden de los márgenes del imperio, como en Hatra , en el actual Irak , que ha producido la mayor cantidad de escultura parta excavada hasta ahora. [32] Incluso después del período de la dinastía parta, el arte en su estilo continuó en las áreas circundantes durante algún tiempo. Incluso en las representaciones narrativas, las figuras miran frontalmente al espectador en lugar de mirarse entre sí, una característica que anticipa el arte de la Antigüedad tardía , la Europa medieval y Bizancio . Se presta gran atención a los detalles de la vestimenta, que en figuras de cuerpo entero se muestra decorada con diseños elaborados, probablemente bordados, incluidas figuras de gran tamaño. [33]
Las excavaciones en Dura-Europos en el siglo XX proporcionaron muchos descubrimientos nuevos. El arqueólogo clásico y director de las excavaciones, Michael Rostovtzeff , se dio cuenta de que el arte de los primeros siglos dC, en Palmira , Dura Europos , pero también en Irán hasta la India budista, seguía los mismos principios. Llamó a esta obra de arte arte parto . [34]
El rasgo más característico del arte "parto" es la frontalidad, que no es un rasgo especial del arte iraní o parto y apareció por primera vez en el arte de Palmira . [35] Hay dudas sobre si este arte puede llamarse arte "parto" o si debería asociarse con algún área regional en particular; No hay evidencia de que este arte fuera creado fuera de la región del Éufrates medio y luego llevado a Palmira, por ejemplo. [36] Es mejor considerar este arte como un desarrollo local común a la región media del Éufrates. [36] Los relieves rupestres de Partos están cubiertos arriba.
En arquitectura, los patrones en yeso eran muy populares y casi todos ahora se han perdido. Una vez desarrollada la técnica, cubrieron grandes superficies y quizás compartieron elementos de su diseño con alfombras y otros textiles, también ahora casi completamente perdidos. [37] El rhyta parto continuó el estilo aqueménida, pero en el mejor de los casos los animales en la terminal (o protomo ) son más naturalistas, probablemente bajo influencia griega.
El arte sasánida se produjo bajo el Imperio sasánida , que gobernó entre los siglos III y VII d.C., antes de que se completara la conquista musulmana de Persia alrededor del año 651. En 224 d.C., el último rey parto fue derrotado por Ardashir I. La dinastía sasánida resultante duraría cuatrocientos años y gobernaría el Irán moderno, Irak y gran parte del territorio al este y al norte del Irán moderno. En ocasiones, el Levante, gran parte de Anatolia y partes de Egipto y Arabia estuvieron bajo su control. Comenzó una nueva era en Irán y Mesopotamia , que en muchos sentidos se basó en las tradiciones aqueménidas , incluido el arte de la época. Sin embargo, también hubo otras influencias en el arte de la época que llegaron desde lugares tan lejanos como China y el Mediterráneo. [38]
El arte superviviente de los sasánidas se ve mejor en su arquitectura, relieves y trabajos en metal, y se conservan algunas pinturas de lo que evidentemente fue una producción generalizada. Los relieves de piedra probablemente fueron muy superados en número por los interiores de yeso, de los cuales sólo han sobrevivido fragmentos. Las esculturas independientes perdieron popularidad en esta época en comparación con el período bajo los partos, pero la estatua colosal de Sapur I (r. 240-272 d. C.) es una excepción importante, tallada en una estalagmita cultivada en una cueva; [39] hay menciones literarias de otras colosales estatuas de reyes, ahora perdidas. [40] Los importantes relieves rupestres de Sasán se cubren arriba, y la tradición parta de decoración de estuco moldeado en los edificios continuó, incluyendo también grandes escenas figurativas. [39]
El arte sasánida superviviente representa escenas cortesanas y caballerescas, con una grandeza de estilo considerable, que refleja la vida lujosa y el despliegue de la corte sasánida según lo registrado por los embajadores bizantinos . Las imágenes de gobernantes dominan muchas de las obras supervivientes, aunque ninguna es tan grande como la Estatua Colosal de Sapur I. Gozaron de especial popularidad las escenas de caza y batalla, así como las bailarinas y animadores vestidos con ropa ligera. Las representaciones suelen estar dispuestas como un escudo de armas, lo que a su vez puede haber tenido una fuerte influencia en la producción artística en Europa y Asia Oriental. Aunque el arte parto prefería la vista frontal, las representaciones narrativas del arte sasánida a menudo presentan figuras mostradas de perfil o en una vista de tres cuartos. Las vistas frontales ocurren con menos frecuencia. [39]
Uno de los pocos sitios donde las pinturas murales sobrevivieron en cantidad es Panjakent en el moderno Tayikistán , y la antigua Sogdia , que apenas estuvo, o estuvo, bajo el control del poder central sasánida. La antigua ciudad fue abandonada en las décadas posteriores a que los musulmanes finalmente tomaran la ciudad en 722 y ha sido extensamente excavada en los tiempos modernos. Grandes áreas de pinturas murales sobrevivieron del palacio y de casas privadas, que ahora se encuentran en su mayoría en el Museo del Hermitage o en Tashkent . Cubrían estancias enteras y estaban acompañadas de gran cantidad de relieves en madera. Los temas son similares a otros arte sasánida, con reyes entronizados, fiestas, batallas y mujeres hermosas, y hay ilustraciones de epopeyas persas e indias, así como una compleja mezcla de deidades. En su mayoría datan de los siglos VII y VIII. [41] En Bishapur han sobrevivido mosaicos de piso de estilo ampliamente grecorromano, y probablemente estaban muy extendidos en otros entornos de élite, tal vez hechos por artesanos del mundo griego. [42]
Han sobrevivido varias vasijas de plata sasánidas, especialmente platos o cuencos bastante grandes utilizados para servir comida. Tienen decoración grabada o en relieve de alta calidad de un repertorio cortesano de reyes o héroes montados, y escenas de caza, combate y banquetes, a menudo parcialmente doradas . Los aguamaniles, presumiblemente para vino, pueden presentar bailarinas en relieve. Estos se exportaron a China y también a Occidente. [43]
El vidrio sasánida continuó y desarrolló la tecnología del vidrio romano. En formas más simples parece haber estado disponible para una amplia gama de la población, y fue una exportación de lujo popular a Bizancio y China, apareciendo incluso en entierros de élite de la época en Japón. Técnicamente, se trata de una producción de vidrio de sílice-sosa-cálcica caracterizada por vasijas gruesas de vidrio soplado de decoración relativamente sobria, evitando colores lisos en favor de la transparencia y con vasijas trabajadas en una sola pieza sin modificaciones excesivas. Así, la decoración suele consistir en motivos sólidos y visuales del molde (relieves), con facetas acanaladas y profundamente cortadas, aunque se practicaban otras técnicas como motivos arrastrados y aplicados. [39] La cerámica sasánida no parece haber sido utilizada por las élites y es principalmente utilitaria.
Evidentemente, las alfombras podían alcanzar un alto nivel de sofisticación, como lo demuestran los elogios prodigados por los conquistadores musulmanes a la perdida alfombra real de Baharestán . Pero los únicos fragmentos supervivientes que podrían proceder de la Persia sasánida son producciones más humildes, probablemente realizadas por tribus nómadas. Los textiles sasánidas eran famosos y han sobrevivido fragmentos, en su mayoría con diseños basados en animales en compartimentos, en un estilo duradero. [39]
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El arte sogdiano se refiere al arte, la arquitectura y las formas artísticas producidas por los sogdianos, un pueblo iraní que vivía principalmente en Sogdia en Asia Central , pero que también tenía una gran diáspora extendida por toda Asia, especialmente en China, donde su arte era muy apreciado. , e influyó en los chinos. Esta influencia sobre los chinos abarcó desde la metalurgia hasta la música. Hoy en día, los sogdianos son más conocidos por sus pinturas, pero también tenían una escultura y una arquitectura distintivas.
Los sogdianos tenían un talento especial para trabajar los metales, y su trabajo en este campo inspiró a los chinos, que se encontraban entre sus mecenas junto con los turcos. La metalistería sogdiana puede confundirse con la metalistería sasánida, y algunos eruditos todavía los confunden en la actualidad. Sin embargo, se diferencian en la técnica y la forma, así como en la iconografía. Gracias al trabajo del arqueólogo Boris Marshak , se han establecido varias características de la orfebrería sogdiana: con respecto a las vasijas sasánidas, las producciones sogdianas son menos masivas, su forma difiere de las sasánidas, al igual que las técnicas empleadas en su producción. Además, los diseños de las producciones sogdianas son más dinámicos. [44] [45]
Los sogdianos vivían en moradas arquitectónicamente complejas que se parecían a sus templos. Estos lugares estaban decorados con notables pinturas, un arte en el que sobresalieron los sogdianos. De hecho, preferían producir pinturas y tallas de madera para decorar sus propias casas. Las pinturas murales sogdianas son brillantes, vigorosas y de notable belleza, pero también hablan de la vida sogdiana. Reproducen, por ejemplo, los trajes de la época, los equipos de juego y los arneses. También representan historias y epopeyas basadas en temas iraníes, del Cercano Oriente (maniqueo, nestoriano) e indios. El arte religioso sogdiano refleja las afiliaciones religiosas de los sogdianos, y este conocimiento se deriva principalmente de pinturas y osarios . [46] A través de estos artefactos, es posible "experimentar la vitalidad de la vida y la imaginación sogdiana". [46]
Debido a que los artistas y mecenas sogdianos estaban muy atentos a la vida social, mostrándola en sus obras, los banquetes, la caza y el entretenimiento son recurrentes en sus representaciones. Los sogdianos eran narradores: les encantaba contar historias. Por tanto, sus pinturas son de naturaleza narrativa. [47]
Los sogdianos intentaron retratar tanto el mundo natural como el sobrenatural. Este deseo "se extendió a retratar su propio mundo". Sin embargo, no "representaron sus actividades mercantiles, una fuente importante de su riqueza, sino que eligieron mostrar su disfrute, como las escenas de banquetes en Panjikent. En estas pinturas vemos cómo se veían a sí mismos los sogdianos". [47]
Muchas pinturas sogdianas fueron destruidas durante las diversas invasiones que sufrieron en sus tierras. De las obras que sobrevivieron, algunas de las más conocidas son los murales de Afrasiab y los murales de Penjikent .
Persia logró conservar su identidad cultural después de la conquista musulmana de Persia , que se completó en 654, y los conquistadores árabes pronto abandonaron los intentos de imponer la lengua árabe a la población, aunque se convirtió en la lengua utilizada por los eruditos. Los pueblos turcos se volvieron cada vez más importantes en el Gran Irán, especialmente en las partes orientales, lo que dio lugar a una tradición cultural turco-persa . La estructura política era compleja y el poder efectivo a menudo lo ejercían los gobernantes locales. [48]
Nishapur durante la Edad de Oro islámica , especialmente los siglos IX y X, fue uno de los grandes centros de alfarería y artes afines. [49] La mayoría de los artefactos cerámicos descubiertos en Nishapur se conservan en el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York y en museos de Teherán y Mashhad . La cerámica producida en Nishapur mostró vínculos con el arte sasánida y el arte de Asia central . [50]
La decoración arquitectónica geométrica islámica en estuco, azulejos, ladrillo y madera y piedra talladas se volvió elaborada y refinada, y junto con los textiles usados por los ricos fue probablemente el principal tipo de arte que podía ver toda la población, con otros tipos esencialmente restringidos a las esferas privadas de los ricos. [51] Las alfombras se registran en varios relatos de la vida en ese momento, pero no queda ninguna; Quizás eran principalmente un arte popular rural en este período. Se produjeron piezas de metal muy decoradas en aleaciones de cobre ( latón o bronce ), aparentemente para un mercado urbano sofisticado. Aparentemente existían equivalentes de oro y plata, pero en su mayoría se han reciclado por sus materiales preciosos; los pocos supervivientes fueron en su mayoría comercializados en el norte por pieles y luego enterrados como ajuar funerario en Siberia . La iconografía sasánida de héroes montados, escenas de caza y gobernantes sentados con asistentes siguió siendo popular en la cerámica y la orfebrería, ahora a menudo rodeada de elaborada decoración geométrica y caligráfica. [52] Los ricos textiles de seda que fueron una importante exportación de Persia también continuaron utilizando las figuras animales, y a veces humanas, de sus predecesores sasánidas. [53]
El período samaní vio la creación de la cerámica epigráfica. Estas piezas eran típicamente vasijas de barro con letras engobe negro en escritura kufi pintadas sobre una base de engobe blanco. Estos recipientes normalmente tenían inscritas bendiciones o proverbios y se usaban para servir comida. [54] Samarcanda y Nishapur eran centros de producción de este tipo de cerámica. [55]
Los selyúcidas , nómadas de origen turco procedentes de la actual Mongolia, aparecieron en el escenario de la historia islámica hacia finales del siglo X. Se apoderaron de Bagdad en 1048, antes de extinguirse en 1194 en Irán, aunque la producción de obras "seljuquíes" continuó hasta finales del siglo XII y principios del XIII bajo los auspicios de soberanos y mecenas más pequeños e independientes. Durante su época, el centro de la cultura, la política y la producción artística se trasladó de Damasco y Bagdad a Merv , Nishapur , Rayy e Isfahán , todos en Irán. [56] Los centros palaciegos selyúcidas a menudo presentaban figuras de estuco selyúcidas .
El patrocinio popular se expandió debido a una economía en crecimiento y nueva riqueza urbana. Las inscripciones en arquitectura tendían a centrarse más en los patrocinadores de la pieza. Por ejemplo, los sultanes, visires o funcionarios de menor rango a menudo se mencionaban en las inscripciones de las mezquitas. Mientras tanto, el crecimiento de la producción y venta de arte en el mercado masivo lo hizo más común y accesible para comerciantes y profesionales. [57] Debido al aumento de la producción, muchas reliquias han sobrevivido de la era selyúcida y pueden fecharse fácilmente. Por el contrario, la datación de obras anteriores es más ambigua. Por lo tanto, es fácil confundir el arte selyúcida con nuevos desarrollos y no con una herencia de fuentes clásicas iraníes y turcas. [58]
Las innovaciones en cerámica de este período incluyen la producción de cerámica mina'i , pintada con esmaltes y figuras sobre un fondo blanco. Esta es la primera cerámica que utiliza pintura esmaltada sobre vidriado , que comenzó en China un poco más tarde y en Europa en el siglo XVIII. Este y otros tipos de cerámica fina utilizan frita , una pasta a base de silicona , en lugar de arcilla. [59] Los trabajadores metalúrgicos resaltaron sus intrincados diseños martillados con incrustaciones de metales preciosos. [60] A lo largo de la era selyúcida, desde Irán hasta Irak, se puede ver una unificación de la pintura de libros. Estas pinturas tienen figuras animales que transmiten un fuerte significado simbólico de fidelidad, traición y coraje. [61]
Los persas adoptaron gradualmente las escrituras árabes después de la conquista, y la caligrafía persa se convirtió en un medio artístico importante, utilizado a menudo como parte de la decoración de otras obras en la mayoría de los medios. [62]
Durante el siglo XIII, los mongoles bajo el liderazgo de Genghis Khan arrasaron el mundo islámico. Después de su muerte, su imperio se dividió entre sus hijos, formando muchas dinastías: los Yuan en China, los Ilkhanids en Irán y la Horda de Oro en el norte de Irán y el sur de Rusia; los dos últimos se convirtieron al Islam en unas pocas décadas. [63]
Una rica civilización se desarrolló bajo estos "pequeños khans", que originalmente estaban subordinados al emperador Yuan, pero rápidamente se volvieron independientes. La actividad arquitectónica se intensificó a medida que los mongoles se volvieron sedentarios y conservaron vestigios de sus orígenes nómadas, como la orientación norte-sur de los edificios. Al mismo tiempo se produjo un proceso de "iranización" y se reanudaron las construcciones según tipos previamente establecidos, como las mezquitas del "plan iraní". El arte del libro persa también nació bajo esta dinastía, y fue alentado por el mecenazgo aristocrático de grandes manuscritos como el Jami' al-tawarikh compilado por Rashid-al-Din Hamadani , y el Demotte o Gran Shahnameh mongol , probablemente encargado por su hijo. Aparecieron nuevas técnicas en cerámica, como la lajvardina (una variación de la cerámica ), y la influencia china es perceptible en todas las artes. [64] [65]
Durante el reinado de los timuríes , comenzó la edad de oro de la pintura persa, y la influencia china continuó, mientras los artistas timuríes refinaban el arte persa del libro, que combina papel, caligrafía, iluminación, ilustración y encuadernación en un conjunto brillante y colorido. [66] Desde el principio se utilizó papel, en lugar de pergamino como en Europa. Fue la etnia mongol de los Khans Chaghatayid y Timurid la que es la fuente de la representación estilística de la figura humana en el arte persa durante la Edad Media. Estos mismos mongoles se casaron con los persas y turcos de Asia Central, adoptando incluso su religión y sus idiomas. Sin embargo, su simple control del mundo en esa época, particularmente en los siglos XIII y XV, se reflejó en la apariencia idealizada de los persas como mongoles. Aunque la composición étnica se fue mezclando gradualmente con las poblaciones locales iraníes y mesopotámicas , el estilo mongol continuó mucho después y llegó a Asia Menor e incluso al norte de África. [67]
El tejido de alfombras es una parte esencial de la cultura y el arte persa . Dentro del grupo de alfombras orientales producidas por los países del llamado "cinturón de alfombras", la alfombra persa destaca por la variedad y elaboración de sus diseños. [68]
En paralelo, las tribus nómadas, en los talleres de pueblos y ciudades, y también las fábricas de la corte real, tejían alfombras persas de diversos tipos. Como tales, representan líneas de tradición diferentes y simultáneas y reflejan la historia de Irán y sus diversos pueblos. Las alfombras tejidas en las fábricas de la corte safávida de Isfahán durante el siglo XVI son famosas por sus elaborados colores y diseño artístico, y hoy en día son atesoradas en museos y colecciones privadas de todo el mundo. Sus patrones y diseños han establecido una tradición artística para las fábricas de la corte que se mantuvo viva durante todo el Imperio Persa hasta la última dinastía real de Irán. Las alfombras safávidas individuales excepcionales incluyen la alfombra Ardabil (ahora en Londres y Los Ángeles) y la alfombra Coronation (ahora en Copenhague ). Mucho antes, la alfombra de Baharestan es una alfombra sasánida perdida para el palacio real de Ctesifonte , y la alfombra más antigua e importante, la alfombra Pazyryk , posiblemente se fabricó en Persia. [68]
Las alfombras tejidas en ciudades y centros regionales como Tabriz , Kerman , Mashhad , Kashan , Isfahan , Nain y Qom se caracterizan por sus técnicas de tejido específicas y el uso de materiales, colores y patrones de alta calidad. Las fábricas urbanas como las de Tabriz han desempeñado un papel histórico importante en el resurgimiento de la tradición del tejido de alfombras después de períodos de decadencia. Las alfombras tejidas por los pueblos y diversas tribus de Irán se distinguen por su lana fina, sus colores brillantes y elaborados y sus patrones tradicionales específicos. Los tejedores nómadas y de pequeñas aldeas suelen producir alfombras con diseños más atrevidos y a veces más toscos, que se consideran las alfombras más auténticas y tradicionales de Persia, a diferencia de los diseños artísticos y planificados previamente de los lugares de trabajo más grandes. Las alfombras Gabbeh son el tipo de alfombra más conocido de esta línea tradicional. [68]
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El arte y la artesanía de tejer alfombras han pasado por períodos de declive durante épocas de agitación política o bajo la influencia de demandas comerciales. Sufrió especialmente la introducción de tintes sintéticos durante la segunda mitad del siglo XIX. El tejido de alfombras todavía desempeña un papel importante en la economía del Irán moderno. [68] La producción moderna se caracteriza por el resurgimiento de la tintura tradicional con tintes naturales , la reintroducción de patrones tribales tradicionales, pero también por la invención de diseños modernos e innovadores, tejidos con la técnica centenaria. Las alfombras y tapetes persas tejidos a mano fueron considerados objetos de alto valor y prestigio artístico y utilitario desde la primera vez que fueron mencionados por los escritores griegos antiguos hasta hoy.
Aunque el término "alfombra persa" se refiere con mayor frecuencia a tejidos de pelo, las alfombras y tapetes de tejido plano como Kilim , Soumak y telas bordadas como Suzani son parte de la rica y variada tradición del tejido persa. Persia era famosa por sus textiles al menos tan pronto como por sus alfombras. [68]
En 2010, las "habilidades tradicionales de tejido de alfombras" en Fārs y Kashan se inscribieron en las Listas del Patrimonio Cultural Inmaterial de la UNESCO . [69] [70]
Una miniatura persa es una pequeña pintura sobre papel, ya sea una ilustración de un libro o una obra de arte separada destinada a guardarse en un álbum de dichas obras llamado muraqqa . Las técnicas son ampliamente comparables a las tradiciones occidentales y bizantinas de miniaturas en manuscritos iluminados . Aunque existe una tradición persa más antigua de pintura mural, la tasa de supervivencia y el estado de conservación de las miniaturas son mejores, y las miniaturas son con mucho la forma más conocida de pintura persa en Occidente, y muchos de los ejemplos más importantes se encuentran en Occidente. , o museos turcos. La pintura en miniatura se convirtió en un género persa importante en el siglo XIII, recibiendo influencia china después de las conquistas mongolas , [71] y el punto más alto de la tradición se alcanzó en los siglos XV y XVI. [72] La tradición continuó, bajo cierta influencia occidental, después de esto, [73] y tiene muchos exponentes modernos. La miniatura persa fue la influencia dominante en otras tradiciones de miniaturas islámicas, principalmente la miniatura otomana en Turquía y la miniatura mogol en el subcontinente indio.
La tradición surgió de la ilustración de libros, que ilustra muchas escenas narrativas, a menudo con muchas figuras. Las convenciones de representación que se desarrollaron son efectivas pero diferentes de la perspectiva gráfica occidental . Las figuras más importantes pueden ser algo más grandes que las que las rodean, y las escenas de batalla pueden estar muy concurridas. La recesión (profundidad en el espacio de la imagen) se indica colocando figuras más distantes más arriba en el espacio. Se presta gran atención al fondo, ya sea de un paisaje o de edificios, y el detalle y la frescura con la que se muestran plantas y animales, las telas de tiendas de campaña, tapices o alfombras, o los patrones de azulejos es uno de los grandes atractivos del formulario. La vestimenta de las figuras también se muestra con gran cuidado, aunque es comprensible que los artistas a menudo eviten representar la tela estampada que muchos habrían usado. Los animales, especialmente los caballos que aparecen con mucha frecuencia, se muestran en su mayoría de lado; incluso las historias de amor que constituyen gran parte del material clásico ilustrado se desarrollan en gran medida en la silla de montar, en lo que respecta al príncipe protagonista. Los paisajes son muy a menudo montañosos (las llanuras que constituyen gran parte de Persia rara vez se intentan), lo que indica un horizonte alto y ondulado y afloramientos de roca desnuda que, como las nubes en el área normalmente pequeña de cielo que queda sobre el paisaje, están representados en convenciones derivadas del arte chino. Incluso cuando se muestra una escena en un palacio, el punto de vista a menudo parece estar situado a algunos metros de altura. [74]
El arte persa bajo el Islam nunca había prohibido por completo la figura humana, y en la tradición en miniatura la representación de figuras, a menudo en grandes cantidades, es central. Esto se debe en parte a que la miniatura es una forma privada, guardada en un libro o álbum y solo mostrada a quienes el propietario elige. Por lo tanto, era posible ser más libre que en las pinturas murales u otras obras vistas por un público más amplio. No se sabe que el Corán y otras obras puramente religiosas hayan sido ilustradas de esta manera, aunque las historias y otras obras literarias pueden incluir escenas relacionadas con la religión, incluidas aquellas que representan a Mahoma , después de 1500, generalmente sin mostrar su rostro. [75]
Además de las escenas figurativas en miniaturas y cenefas, existía un estilo paralelo de decoración ornamental no figurativa que se encontraba en cenefas y paneles de páginas en miniatura, y espacios al principio o al final de una obra o sección, y a menudo en su totalidad. páginas que actúan como frontispicios. En el arte islámico esto se conoce como "iluminación", y los manuscritos del Corán y otros libros religiosos a menudo incluían un número considerable de páginas iluminadas. [76] Los diseños reflejaban el trabajo contemporáneo en otros medios, en períodos posteriores estaban especialmente cerca de las portadas de libros y las alfombras persas, y se cree que muchos diseños de alfombras fueron creados por artistas de la corte y enviados a los talleres de las provincias. [77]
El arte safávida es el arte de la dinastía persa safávida de 1501 a 1722. Fue un punto culminante para el arte del libro y la arquitectura; e incluye también cerámica, metal, vidrio y jardines. Las artes del período safávida muestran un desarrollo mucho más unitario que en cualquier otro período del arte persa, [78] con el mismo estilo, difundido desde la corte, apareciendo en alfombras, azulejos arquitectónicos, cerámicas e iluminación de manuscritos. [79]
Cuando los safávidas tomaron el trono, el arte persa se había dividido en dos estilos: en el este una continuación de los estilos timúridas y en el oeste un estilo turcomano . Dos gobernantes de la nueva dinastía lograron fomentar nuevos estilos que se extendieron por todos sus territorios: Shah Tahmasp I , que reinó entre 1524 y 1576 pero perdió interés en el arte después de 1555 aproximadamente, y Shah Abbas I (r. 1588-1629). [80]
Los dibujos de imitación chinos surgieron en el arte persa del siglo XV. Los estudiosos han observado que las obras existentes del período posmongol contienen una gran cantidad de motivos comunes al arte chino como dragones, simurgh , bandas de nubes, troncos de árboles nudosos y flores de loto y peonía . La chinoiserie fue popular durante este período. Los temas que se habían convertido en estándar en el arte persa en los siglos XVI y XVII incluían escenas de caza, paisajes con animales y jinetes luchando contra leones. Escenas literarias que representan fábulas de animales y dragones también aparecieron en las obras de arte de este período. Los estudiosos no han encontrado evidencia de dibujos persas antes de las invasiones mongolas, pero se cree que la caza, el combate entre hombres y animales y las fábulas de animales son temas persas o de Asia central. [81]
Bajo los safávidas, el arte del libro, especialmente la pintura persa en miniatura , constituía la fuerza impulsora esencial de las artes. El ketab khaneh , la biblioteca-taller real, proporcionó la mayor parte de las fuentes de motivos para objetos como alfombras, cerámica o metal. Se copiaron, iluminaron, encuadernaron y a veces ilustraron varios tipos de libros: libros religiosos ( el Corán , pero también comentarios sobre el texto sagrado y obras teológicas) y libros de literatura persa (el Shahnameh , el Khamsa de Nizami , Jami al-Tawarikh de Rashid) . -al-Din Hamadani , y relatos más breves del Mi'raj , o "Viaje Nocturno" del Profeta. [82]
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Siempre se utilizó el papel español musulmán , llegado temprano a Irán (siglo XIII). Es frecuente el uso de papeles de colores. Hacia 1540 apareció también un papel jaspeado, que sin embargo volvió a desaparecer rápidamente. Las encuadernaciones eran en su mayoría de piel marroquí teñida de muy buena calidad. Podían estar dorados y estampados con motivos geométricos, florales o figurativos, o repujados en azul. En la segunda mitad del siglo XVI, perforaron las cubiertas de cuero para dejar ver las páginas de papel de colores o de seda. En el mismo período, en Shiraz , aparecieron encuadernaciones lacadas, que sin embargo siguen siendo muy raras y muy apreciadas en Irán. La decoración de los márgenes de las páginas se realizaba de diversas formas: a veces se insertaban en un papel diferente (una tradición que apareció en el siglo XV); salpicado de oro, siguiendo una costumbre china; o pintado con colores u oro. El estilo de las ilustraciones varió mucho de un manuscrito a otro, según el período y el centro de producción. [83]
Tahmasp I fue durante los primeros años de su reinado un generoso financiador del taller real, responsable de varios de los manuscritos persas más magníficos, pero a partir de la década de 1540 se vio cada vez más preocupado por los escrúpulos religiosos, hasta que en 1556 finalmente publicó un " Edicto de Arrepentimiento Sincero" que intenta prohibir la pintura en miniatura, la música y otras artes. [84] Esto trastornó enormemente las artes, y muchos pintores como Abd al-Samad y Mir Sayyid Ali se mudaron a la India para desarrollar la miniatura mogol ; estos dos fueron los pioneros, perseguidos por el emperador mogol Humayun cuando estaba en el exilio en 1546. Otros encontraron trabajo en los tribunales provinciales de las relaciones de Tahmasp. [85]
A partir de esta dispersión del taller real hubo un cambio en el énfasis de los grandes libros ilustrados para la corte a la producción de hojas sueltas diseñadas para ser incluidas en una muraqqa o álbum. Esto permitió a los coleccionistas con presupuestos más modestos adquirir obras de pintores destacados. A finales de siglo, las escenas narrativas complicadas con muchas figuras eran menos populares y fueron reemplazadas por láminas con figuras individuales, a menudo sólo parcialmente pintadas y con un fondo de jardín dibujado en lugar de pintado. El maestro de este estilo fue Reza Abbasi , cuya carrera coincidió en gran medida con el reinado de Abbas I, su principal empleador. Aunque pintó figuras de ancianos, sus temas más comunes eran hombres jóvenes hermosos y (con menos frecuencia) mujeres o parejas de amantes. [86]
El estudio y la datación de la cerámica de Shah Ismail y Shah Tahmasp es difícil porque hay pocas piezas fechadas o que mencionen el lugar de producción. La porcelana china era coleccionada por la élite y más valorada que las producciones locales; Shah Abbas I donó gran parte de la colección real a los santuarios de Ardabil y Mashad , renovando una sala en Ardabil para exhibir piezas en nichos. [88] Se han identificado muchas ubicaciones de talleres, aunque no con certeza, en particular: Nishapur , cerámica Kubachi , Kerman (piezas monocromáticas moldeadas) y Mashhad . Se revivió Lusterware , utilizando una técnica diferente a la de la producción anterior y, por lo general, produciendo piezas pequeñas con un diseño en un color cobre oscuro sobre un fondo azul oscuro. A diferencia de otros productos, estos utilizan formas y decoración tradicionales del Medio Oriente en lugar de formas de inspiración china . [79]
En general, los diseños tienden a imitar a los de la porcelana china, con la producción de piezas azules y blancas con formas y motivos chinos, con motivos como nubes chi y dragones. [79] El azul persa se distingue del azul chino por sus matices más numerosos y sutiles. A menudo, en los patrones de las volutas aparecen cuartetas de poetas persas, a veces relacionadas con el destino de la pieza (una alusión al vino para una copa, por ejemplo). Un tipo de diseño completamente diferente, mucho más raro, presenta una iconografía muy específica del Islam (zodíaco islámico, escamas de yemas, arabescos) y parece influenciado por el mundo otomano, como lo demuestran los himnos con bordes de plumas (adornos de madreselva) muy utilizados en Turquía. . Aparecieron nuevos estilos de figuras, influidos por el arte del libro: coperos jóvenes y elegantes, mujeres jóvenes de siluetas curvas o incluso cipreses enredados en sus ramas, que recuerdan a las pinturas de Reza Abbasi .
Se produjeron numerosos tipos de piezas: copas, platos, botellas de cuello largo, espitas, etc. Una forma habitual son las petacas con cuello muy pequeño y cuerpo aplanado por un lado y muy redondeado por el otro. Son características las formas tomadas de la orfebrería islámica con una decoración inspirada en gran medida en la porcelana china. [89] Con el cierre del mercado chino en 1659, la cerámica persa se elevó a nuevas alturas para satisfacer las necesidades europeas. La aparición de falsas marcas de talleres chinos en el reverso de algunas cerámicas marcó el gusto que se desarrolló en Europa por la porcelana del Lejano Oriente, satisfecho en gran parte con la producción safávida. Este nuevo destino propició un uso más amplio de la iconografía china y exótica (elefantes) y la introducción de nuevas formas, a veces sorprendentes ( pipas de agua , platos octogonales, objetos con formas de animales).
La orfebrería experimentó un declive gradual durante la dinastía Safavid y sigue siendo difícil de estudiar, especialmente debido al pequeño número de piezas fechadas. Bajo Shah Ismail, se perpetúan las formas y decoraciones de las incrustaciones timúridas: motivos de glorias almendradas, de shamsa (soles) y de nubes de chi se encuentran en los tinteros en forma de mausoleos o en cántaros globulares que recuerdan a Ulugh. El de jade de Beg . Bajo Shah Tahmasp, las incrustaciones desaparecieron rápidamente, como lo atestigua un grupo de candelabros en forma de pilares. [90]
Las incrustaciones de pasta de colores (rojo, negro, verde) comienzan a reemplazar las incrustaciones anteriores de plata y oro. Aparecen paneles calados de acero, para usos como elementos de puertas, placas con inscripciones y cabezas de 'alams, los estandartes que se llevan en las procesiones religiosas chiítas. [91] A los santuarios importantes se les dieron puertas y rejas jali en plata e incluso oro. [92]
Las tallas de piedra dura persa , que alguna vez se pensó que databan en su mayoría de los siglos XV y XVI, ahora se cree que se extienden a lo largo de un período más amplio. El jade fue cada vez más apreciado a partir del período Ilkhanid. Además de las copas de vino, [93] hay una serie de cántaros de vientre globular, montados sobre una pequeña base en forma de anillo y de cuello ancho y corto. Dos de ellos (uno de jade negro con incrustaciones de oro y el otro de jade blanco) llevan grabado el nombre de Ismail I. El mango tiene forma de dragón, lo que delata una influencia china, pero este tipo de cántaro existe en hecho directamente del período anterior: su prototipo es el lanzador de Ulugh Beg. También conocemos hojas y mangos de cuchillos de jade, a menudo incrustados con alambre de oro y grabados. La piedra dura también sirve para fabricar joyas para incrustar en objetos metálicos, como la gran botella de zinc con incrustaciones de oro, rubíes y turquesas que data del reinado de Ismail y que se conserva en el museo de Topkapi en Estambul .
El arte Qajar se refiere al arte, la arquitectura y las formas artísticas de la dinastía Qajar del último Imperio Persa , que duró de 1781 a 1925. El auge de la expresión artística que se produjo durante la era Qajar fue el afortunado efecto secundario del período de relativa paz que acompañó al gobierno de Agha Muhammad Khan y sus descendientes. Con su ascensión, la sangrienta agitación que había sido el siglo XVIII en Persia llegó a su fin e hizo posible que las artes en tiempos de paz volvieran a florecer. La influencia europea fue fuerte y produjo nuevos géneros como la decoración con esmalte pintado sobre metal, típicamente con flores que claramente se inspiran en los estilos francés y otros estilos europeos. La laca sobre madera se utiliza de forma similar. [94]
La pintura adoptó ahora la técnica europea de la pintura al óleo . Se produjeron grandes murales de escenas de juerga y escenas históricas como murales para palacios y cafeterías, y muchos retratos tienen una parte superior arqueada que muestra que estaban destinados a insertarse en las paredes. El arte Qajar tiene un estilo distintivo de retrato. Las raíces de la pintura tradicional Qajar se pueden encontrar en el estilo de pintura que surgió durante el anterior imperio Safavid . Durante esta época, hubo una gran influencia europea en la cultura persa , especialmente en las artes de la realeza y las clases nobles. Aunque se utiliza algo de modelado, predomina la aplicación intensa de pintura y grandes áreas de colores planos, oscuros, ricos y saturados . [95]
Si bien la representación de objetos inanimados y naturalezas muertas se considera muy realista en la pintura Qajar, la representación de los seres humanos está decididamente idealizada . Esto es especialmente evidente en la representación de la realeza Qajar, donde los temas de las pinturas están ubicados de manera muy formulada con características estandarizadas. Sin embargo, el impacto de la fotografía aumentó enormemente la individualidad de los retratos a finales del siglo XIX. [96]
Kamal-ol-molk (1845-1940) provenía de una familia de pintores de la corte, pero también se formó con un pintor que había estudiado en Europa. Después de una carrera en la corte, visitó Europa en 1898, a la edad de 47 años, donde permaneció unos cuatro años. Fue uno de los artistas que introdujo un estilo más europeo en la pintura persa. [97]
Las obras de arte Qajar más famosas son los retratos que se hicieron de los distintos shas persas . Cada gobernante, y muchos de sus hijos y otros familiares, encargaron retratos oficiales de sí mismos, ya sea para uso privado o exhibición pública. Los más famosos son los innumerables retratos que se pintaron de Fath Ali Shah Qajar , quien, con su cintura estrecha, su larga barba negra bifurcada y sus ojos profundos, ha llegado a ejemplificar la imagen romántica del gran gobernante oriental. Muchas de estas pinturas fueron del artista Mihr 'Ali . Si bien los retratos fueron realizados en varios momentos de la vida del Shah , se adhieren a un canon en el que se enfatizan los rasgos distintivos del gobernante. [98]
Hay retratos de Fath Ali Shah en una variedad muy amplia de escenarios, desde el rey guerrero con armadura hasta el caballero que huele a flores, pero todos son similares en su representación del Shah, diferenciándose sólo ligeramente, generalmente debido al artista específico. del retrato. Es apropiado que este sha en particular quede tan inmortalizado en este estilo, ya que fue bajo su gobierno como segundo sha Qajar cuando el estilo realmente floreció. Una de las razones de esto fueron los lazos diplomáticos cada vez más fuertes que los gobernantes Qajar estaban cultivando con las potencias europeas. [99]
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