El cine de Hong Kong ( en chino :香港電影) es uno de los tres ejes principales de la historia del cine en lengua china, junto con el cine de China y el cine de Taiwán . Como antigua colonia de la Corona , Hong Kong tenía un mayor grado de libertad política y económica que China continental y Taiwán , y se convirtió en un centro cinematográfico para el mundo de habla china (incluida su diáspora mundial ).
Durante décadas, [ ¿ cuándo? ] Hong Kong fue la tercera industria cinematográfica más grande del mundo después del cine estadounidense y el cine indio , y el segundo mayor exportador. [ especificar ] A pesar de una crisis de la industria que comenzó a mediados de la década de 1990 y la transferencia de Hong Kong a la soberanía china en julio de 1997, el cine de Hong Kong ha conservado gran parte de su identidad distintiva y continúa desempeñando un papel destacado en el escenario cinematográfico mundial. En Occidente, el vigoroso cine pop de Hong Kong (especialmente el cine de acción de Hong Kong ) ha tenido durante mucho tiempo un fuerte seguimiento de culto , que ahora es parte de la corriente cultural dominante, ampliamente disponible e imitado.
Económicamente, la industria cinematográfica junto con el valor añadido de las industrias culturales y creativas representa el 5 por ciento de la economía de Hong Kong . [7]
A diferencia de muchas industrias cinematográficas, Hong Kong ha disfrutado de poco o ningún apoyo gubernamental directo, ya sea a través de subsidios o cuotas de importación. Es un cine completamente comercial: altamente corporativo, concentrado en géneros que agradan al público, como la comedia y la acción, y que depende en gran medida de fórmulas , secuelas y remakes .
El cine de Hong Kong toma elementos de Hollywood, como ciertos parámetros de género, una filosofía de "emoción constante" y un ritmo y montaje rápidos. Pero los elementos que toma están filtrados por elementos del arte y el drama tradicional chino , en particular una inclinación por la estilización y un desprecio por los estándares occidentales de realismo . Esto, combinado con un enfoque rápido y relajado del proceso de realización cinematográfica, contribuye a la energía y la imaginación surrealista que el público extranjero nota en el cine de Hong Kong.
En 2010, la recaudación de taquilla en Hong Kong fue de 1.339 millones de dólares de Hong Kong y en 2011 de 1.379 millones de dólares de Hong Kong . En 2011 se estrenaron 56 películas de Hong Kong y 220 películas extranjeras. [8]
En 2017, la taquilla bruta fue de 1.850 millones de dólares de Hong Kong, en comparación con los 1.950 millones de dólares de Hong Kong de 2016. Se estrenaron 331 películas en 2017, frente a las 348 del año anterior. [9]
Según Paul McDonald, [ cita requerida ] surgió un sistema de estrellas en Hollywood a medida que los cazatalentos, los entrenadores y los publicistas se involucraban en la búsqueda de artistas y su conversión en estrellas. En la industria cinematográfica de Hollywood integrada verticalmente de las décadas de 1920, 1930 y 1940, todas estas responsabilidades eran asumidas por los propios estudios. Los estudios creaban las estrellas y, debido a los términos notoriamente restrictivos impuestos por los contratos de servicios exclusivos, los estudios también eran dueños de las estrellas. [10] [ página necesaria ] Como es común en el cine comercial, el corazón de la industria es un sistema de estrellas altamente desarrollado . En épocas anteriores, los artistas queridos del escenario de la ópera china a menudo llevaban a su público con ellos a la pantalla. Durante las últimas tres o cuatro décadas, la televisión ha sido una importante plataforma de lanzamiento para el estrellato cinematográfico, a través de cursos de actuación y series de drama, comedia y variedades ampliamente vistas ofrecidas por las dos principales estaciones . Posiblemente aún más importante es la superposición con la industria de la música pop cantonesa . Muchas, si no la mayoría, de las estrellas de cine tienen trabajos paralelos a la grabación, y viceversa; esta ha sido una estrategia de marketing clave en una industria del entretenimiento donde las campañas publicitarias multimedia al estilo americano hasta hace poco se han utilizado poco. [11] [ página necesaria ] En el actual clima comercialmente problemático, la contratación de jóvenes ídolos del cantopop (como Ekin Cheng y los Twins ) para atraer a la importantísima audiencia juvenil es endémica.
En esta pequeña y unida industria, los actores (y otros profesionales, como los directores) están muy ocupados. Durante períodos de auge anteriores, la cantidad de películas realizadas por una figura de éxito en un solo año podía alcanzar con regularidad los dos dígitos.
Las películas suelen tener un presupuesto bajo en comparación con las películas estadounidenses . [12] Un estreno importante con una gran estrella, que busca convertirse en un éxito, normalmente costará alrededor de 5 millones de dólares. [13] Una película de bajo presupuesto puede costar mucho menos de 1 millón de dólares. Los proyectos ocasionales de gran éxito de las estrellas más grandes ( Jackie Chan o Stephen Chow , por ejemplo) o las coproducciones internacionales ("crossovers") destinadas al mercado global, pueden costar hasta 20 millones de dólares o más, pero estas son raras excepciones. [12] Las producciones de Hong Kong pueden, sin embargo, alcanzar un nivel de brillo y suntuosidad mayor que el que estas cifras podrían sugerir, dados factores como los salarios más bajos y el valor del dólar de Hong Kong.
En Hong Kong se han realizado películas en cantonés desde el principio. En la década de 1950, también se convirtió en un centro de producción cinematográfica en mandarín después de la toma de poder comunista en China continental y el traslado de la industria del entretenimiento de Shanghái a Hong Kong. Desde la década de 1960 hasta mediados de la de 1970, las producciones cinematográficas en mandarín se volvieron dominantes, especialmente las realizadas por el estudio Shaw Brothers en Hong Kong. [14] También hubo un breve período en el que se produjeron películas en hokkien en Hong Kong, [15] y también hubo películas hechas en el dialecto teochew . [16] Las películas cantonesas regresaron en la década de 1970 y, desde la década de 1980, las películas se han hecho principalmente en cantonés.
Durante décadas, las películas se rodaban en silencio , con los diálogos y el resto del sonido doblados después. En una industria tan frenética y de bajo presupuesto, este método era más rápido y rentable que grabar sonido en directo, sobre todo cuando se utilizaban intérpretes de diferentes regiones dialectales; también ayudaba a facilitar el doblaje a otros idiomas para el vital mercado de exportación (por ejemplo, mandarín estándar para China continental y Taiwán). Muchas estrellas ocupadas ni siquiera grababan sus propios diálogos, sino que eran dobladas por un intérprete menos conocido. Rodar sin sonido también contribuía a un enfoque cinematográfico improvisado. Las películas a menudo entraban en producción sin guiones terminados, con escenas y diálogos inventados en el set; especialmente en producciones de bajo presupuesto con plazos ajustados, los actores podían incluso hablar en silencio o simplemente contar números, y el diálogo real se creaba solo en el proceso de edición.
A finales de los años 90 surgió una tendencia hacia la filmación con sonido sincronizado , y hoy en día este método es la norma, en parte debido a una asociación generalizada del público con un cine de mayor calidad.
Durante sus inicios, el cine de Hong Kong ocupó un lugar secundario en comparación con el del continente , en particular el de la ciudad de Shanghái, que en aquel entonces era la capital cinematográfica del mundo de habla china. Se conserva muy poco de esta obra: un recuento revela que sólo quedan cuatro películas de las más de quinientas que se produjeron en Hong Kong antes de la Segunda Guerra Mundial . [17] [ página necesaria ] Por lo tanto, los relatos detallados de este período tienen limitaciones e incertidumbres inherentes.
Como en la mayor parte de China, el desarrollo de las primeras películas estuvo estrechamente ligado a la ópera china , que durante siglos fue la forma dominante de entretenimiento dramático. Las escenas de ópera fueron la fuente de lo que generalmente se considera las primeras películas realizadas en Hong Kong, dos comedias cortas de 1909 tituladas Stealing a Roasted Duck y Right a Wrong with Earthenware Dish . El director fue el actor de teatro y director Liang Shaobo. El productor fue un estadounidense, Benjamin Brodsky (a veces transliterado como "Polaski"), uno de los varios occidentales que ayudaron a impulsar el cine chino con sus esfuerzos por entrar en el vasto mercado potencial de China.
El mérito de la primera película de Hong Kong suele atribuirse a Zhuangzi pone a prueba a su mujer (1913), que también se inspiró en el escenario de la ópera, estuvo a cargo de un director de escena y contó con la participación de Brodsky. El director Lai Man-Wai (Li Ming Wei o Li Minwei en mandarín ) era un colega teatral de Liang Shaobo que llegaría a ser conocido como el "Padre del cine de Hong Kong". En otro préstamo de la ópera, Lai interpretó el papel de esposa. Su hermano interpretó el papel de marido y su esposa un papel secundario como criada, convirtiéndola en la primera mujer china en actuar en una película china, un hito retrasado por tabúes de larga data con respecto a las intérpretes femeninas. [18] [ página requerida ] Zhuangzhi fue la única película realizada por Chinese American Film, fundada por Lai y Brodsky como el primer estudio cinematográfico de Hong Kong, y nunca se estrenó en el territorio. [19] [ página requerida ]
Al año siguiente, el estallido de la Primera Guerra Mundial supuso un gran obstáculo para el desarrollo del cine en Hong Kong, ya que Alemania era la fuente del acervo cinematográfico de la colonia. [20] [ página necesaria ] No fue hasta 1923 cuando Lai, su hermano y su primo se unieron a Liang Shaobo para formar la primera compañía de producción de Hong Kong de propiedad y operación totalmente china, la China Sun Motion Picture Company . En 1924, trasladaron sus operaciones al continente después de que la burocracia gubernamental bloqueara sus planes de construir un estudio. [21] [ página necesaria ]
Con la popularidad del cine sonoro a principios de la década de 1930, hubo que lidiar con el problema de los diversos dialectos hablados en China. Hong Kong era un centro importante para el cantonés , uno de los más hablados, y los factores políticos en China continental brindaban otras oportunidades. En 1932, los hermanos Shaw , que formaron la Tianyi Film Company , se asociaron con la cantante de ópera cantonesa Sit Gok-Sin para hacer la primera película sonora cantonesa, White Gold Dragon , en Shanghái. Esta película resultó ser un gran éxito y, en 1934, establecieron una sucursal del Tianyi Studio en Kowloon para hacer películas en cantonés. [22] [23] El gobierno del Kuomintang o Partido Nacionalista quería imponer una política de "solo mandarín" y era hostil a la producción cinematográfica en cantonés en China. También prohibió el género wuxia de artes marciales, esgrima y fantasía, muy popular, acusándolo de promover la superstición y la anarquía violenta. El cine cantonés y el cine wuxia siguieron siendo populares a pesar de la hostilidad del gobierno, y la colonia británica de Hong Kong se convirtió en un lugar donde ambas tendencias podían servir libremente. Tianyi pronto trasladó toda la operación de producción cinematográfica de Shanghái a Hong Kong y reorganizó Tianyi en Nanyang (南洋) Productions. [24] El nombre粵語長片( pinyin : Yuèyǔ cháng piàn ; Jyutping : jyut6 jyu5 coeng4 pin3*2 ) pronto se convirtió en el nombre estándar para las películas cantonesas en blanco y negro.
Las óperas cantonesas filmadas tuvieron incluso más éxito que las wuxia y constituyeron el género principal de la década de 1930. Los principales estudios que prosperaron en este período fueron Grandview, Universal y Nanyang (que más tarde se convirtió en el Shaw Brothers Studio que tendría una influencia duradera en el cine chino). [21] [ página necesaria ]
Otro factor importante en la década de 1930 fue la segunda guerra chino-japonesa . Las películas de "defensa nacional" (historias patrióticas de guerra sobre los chinos que resistían a la invasión japonesa) se convirtieron en uno de los principales géneros de Hong Kong; entre los títulos más destacados se encuentran Lifeline (1935) de Kwan Man Ching, Hand to Hand Combat (1937) de Chiu Shu Sun y March of the Partisans (1938) de Situ Huimin . El género y la industria cinematográfica recibieron un nuevo impulso de los artistas y las compañías cinematográficas emigradas cuando los japoneses tomaron Shanghái en 1937.
Por supuesto, esto llegó a su fin cuando Hong Kong cayó en manos de los japoneses en diciembre de 1941. Pero a diferencia de lo que ocurrió en China continental, los ocupantes no pudieron crear una industria cinematográfica colaboracionista. Consiguieron completar solo una película de propaganda, El ataque a Hong Kong (1942; también conocida como El día del colapso de Inglaterra ) antes de que los británicos regresaran en 1945. [21] [ página requerida ] Una medida más importante de los japoneses puede haber sido fundir muchas de las películas de Hong Kong de antes de la guerra para extraer su nitrato de plata para uso militar. [17] [ página requerida ]
El cine de posguerra en Hong Kong, al igual que las industrias de posguerra en Hong Kong en general, fue catalizado por la continua afluencia de capital y talentos de China continental. La población de Hong Kong en 1940 era de alrededor de 1 millón [25] y aumentó a alrededor de 3,9 millones en 1967; [26] la población aumentó alrededor de 2,9 millones durante este período. Esto se convirtió en un aluvión con la reanudación en 1946 de la Guerra Civil China (que había estado en suspenso durante la lucha contra Japón) y luego la victoria comunista de 1949. Estos eventos trasladaron definitivamente el centro del cine en idioma chino a Hong Kong. La colonia también hizo grandes negocios exportando películas a países del sudeste asiático (especialmente, pero no exclusivamente, debido a sus grandes comunidades de expatriados chinos ) y a los barrios chinos de los países occidentales. [11] [ página necesaria ]
La era de posguerra también consolidó la bifurcación de la industria en dos cines paralelos, uno en mandarín, el dialecto dominante de los emigrados de China continental, y otro en cantonés , el dialecto de la mayoría de los nativos de Hong Kong. La distinción entre los dos idiomas está en el sonido. [27] Durante la era del cine mudo, el idioma escrito era el chino y era conocido por todos, sin importar el idioma que se hablara. [27] Los subtítulos permiten que ambos mercados accedan a las películas. [27] Las películas en mandarín a veces tenían presupuestos mucho más altos y una producción más lujosa. Las razones incluían su enorme mercado de exportación y la experiencia y el capital de los cineastas de Shanghai. Durante las décadas siguientes, las películas cantonesas, aunque a veces más numerosas, fueron relegadas a un estatus de segundo nivel. [18]
La mayoría de las películas revisadas por la Oficina de Administración de Cine, Periódicos y Artículos vienen con subtítulos, aunque no existe ninguna ley que los obligue. Según Shu Kei (también conocido como Kenneth Ip), la razón para la inclusión de subtítulos en inglés debe haber sido llegar a audiencias extranjeras, mientras que los subtítulos en chino se agregaron para llegar a aquellos que podían leer chino, pero no podían entender cantonés. [28]
Los libros City on Fire: Hong Kong Cinema (1999) y "Yang, 2003" afirman falsamente que las autoridades británicas aprobaron una ley en 1963 que obligaba a subtitular todas las películas en inglés, supuestamente para permitir ver el contenido político. Y que, haciendo de la necesidad virtud, los estudios también incluyeron subtítulos en chino, lo que permitió un acceso más fácil a sus películas para los hablantes de otros dialectos. [20]
Los subtítulos facilitaron la popularidad de las películas en Occidente.
Durante este período, la ópera cantonesa en el cine dominó. Las principales estrellas fueron el dúo femenino formado por Yam Kim Fai y Pak Suet Sin (Yam-Pak para abreviar). Yam se especializó en papeles de erudito masculino y Pak en papeles femeninos. Hicieron más de cincuenta películas juntos, siendo The Purple Hairpin (1959) una de las más populares (Teo, 1997).
Las películas de artes marciales de bajo presupuesto también fueron populares. Se realizó una serie de aproximadamente 100 películas de kung fu protagonizadas por Kwan Tak Hing como el héroe popular histórico Wong Fei Hung , comenzando con The True Story of Wong Fei Hung (1949) y terminando con Wong Fei Hung Bravely Crushing the Fire Formation (1970) (Logan, 1995). Las series de fantasía wuxia (juego de espadas) con efectos especiales dibujados a mano en la película, como The Six-Fingered Lord of the Lute (1965) protagonizada por el ídolo adolescente Connie Chan Po-chu en el papel principal masculino, también fueron populares, [29] al igual que los melodramas contemporáneos de la vida familiar y hogareña, incluida la dramatización de las rivalidades entre hermanos en Our Sister Hedy (1957) protagonizada por Julie Yeh Feng . [30]
En la producción en mandarín, Shaw Brothers y Motion Picture and General Investments Limited (MP&GI, posteriormente rebautizada como Cathay) eran los principales estudios en la década de 1960 y rivales acérrimos. Los Shaw ganaron la partida en 1964 tras la muerte en un accidente aéreo del fundador y director de MP&GI, Loke Wan Tho . La rebautizada Cathay fracasó y cesó la producción cinematográfica en 1970 (Yang, 2003).
Un género musical llamado Huángméidiào (黃梅調) se derivó de la ópera china ; el éxito de los Shaw, The Love Eterne (1963), que batió récords, sigue siendo el clásico del género. Las epopeyas históricas de vestuario a menudo se superpusieron con el Huángméidiào , como en El reino y la belleza (1959). (Ambos ejemplos anteriores fueron dirigidos por el director estrella de Shaw, Li Han Hsiang ). Los melodramas románticos como Flor roja en la nieve (1956), Amor sin fin (1961), El azul y el negro (1964) y las adaptaciones de novelas de Chiung Yao fueron populares. También lo fueron los musicales de estilo Hollywood , que fueron una especialidad particular de MP&GI/Cathay en títulos como Mambo Girl (1957) y La rosa salvaje, salvaje (1960).
En la década de 1960, Motion Picture and General Investments Limited produjo un conjunto especial de películas románticas que se llamó Southern and Northern. La primera es The Greatest Civil Wall On Earth (1961), [31] [32] la segunda es The Greatest Wedding On Earth (1962) [33] [34] y la tercera es The Greatest Love Affair On Earth (1964). [35] Este conjunto de películas estaba hablado en parte en cantonés y en parte en mandarín. El conjunto de películas retrataba las diferencias entre el norte y el sur de China; además de las diferencias lingüísticas, las películas también mostraban aspectos culturales como las bodas y la comida. El tema principal de las películas era una especie de integración cultural entre el norte y el sur.
En la segunda mitad de la década de 1960, los Shaw inauguraron una nueva generación de películas wuxia más intensas y menos fantásticas con valores de producción más brillantes, movimientos acrobáticos y violencia más fuerte. La tendencia se inspiró en la popularidad de las películas de samuráis importadas de Japón, [36] así como en la pérdida de audiencia cinematográfica en favor de la televisión. Esto marcó el giro crucial de la industria desde un sistema de género centrado en la mujer a una orientación de película de acción . Entre las principales películas que marcaron tendencia se encuentran Temple of the Red Lotus (1965) de Xu Zenghong, Come Drink with Me (1966) y Dragon Inn (1967, hecha en Taiwán; también conocida como Dragon Gate Inn ) de King Hu , y Tiger Boy (1966), The One-Armed Swordsman (1967) y Golden Swallow (1968) de Chang Cheh .
El cine en dialecto mandarín en general y el estudio Shaw Brothers en particular comenzaron la década de 1970 en posiciones de aparente fuerza inexpugnable. El cine cantonés prácticamente desapareció ante los estudios en mandarín y la televisión cantonesa, que se hicieron accesibles al público en general en 1967; en 1972 no se hicieron películas en el dialecto local. [11] [ página requerida ] Los Shaw vieron a su rival de toda la vida, Cathay, cesar la producción cinematográfica, quedando ellos mismos como el único megaestudio. El subgénero de las artes marciales de las películas de kung fu explotó en popularidad a nivel internacional, con los Shaws impulsando y dominando la ola. Pero estaban comenzando cambios que alterarían en gran medida la industria a fines de la década.
Paradójicamente, la televisión pronto contribuiría al resurgimiento del cantonés en un movimiento hacia películas más realistas sobre la vida moderna en Hong Kong y su gente común.
La primera chispa fue la comedia coral The House of 72 Tenants , la única película cantonesa realizada en 1973, un éxito rotundo. Se basó en una obra de teatro muy conocida y fue producida por los Shaw como escaparate para los artistas de su pionera cadena de televisión TVB . [20] [ página necesaria ]
El regreso del cantonés realmente despegó con las comedias de las ex estrellas de TVB, los hermanos Hui (el actor, director y guionista Michael Hui , el actor y cantante Sam Hui y el actor Ricky Hui ). La lógica detrás del cambio al cantonés quedó clara en el tráiler de Games Gamblers Play (1974) de los hermanos: "Películas de jóvenes devotos pensando en ti". Este regreso al público local para el cine de Hong Kong dio sus frutos de inmediato. Games Gamblers Play inicialmente recaudó 1,4 millones de dólares en la taquilla de Hong Kong, convirtiéndose en la película más taquillera hasta ese momento. Las películas de Hui también abrieron camino al satirizar la realidad moderna de una clase media ascendente, cuyas largas horas de trabajo y sueños de éxito material estaban transformando la colonia en un gigante industrial y corporativo moderno. [21] La comedia cantonesa prosperó y la producción cantonesa se disparó; el mandarín se mantuvo hasta principios de la década de 1980, pero ha sido relativamente poco común en la pantalla desde entonces.
En 1970, los ex ejecutivos de Shaw Brothers, Raymond Chow y Leonard Ho, se marcharon para formar su propio estudio, Golden Harvest . El enfoque más flexible y menos tacaño del advenedizo hacia el negocio superó en maniobras al estudio de estilo antiguo de los Shaw. Chow y Ho consiguieron contratos con jóvenes intérpretes en ascenso que tenían ideas nuevas para la industria, como Bruce Lee y los hermanos Hui, y les permitieron una mayor libertad creativa de la tradicional. Bruce Lee, nacido en California, al principio solo encontró papeles menores en películas y televisión estadounidenses, ya que los actores extranjeros a menudo eran criticados y no eran ampliamente aceptados por la audiencia durante la década de 1970 en América del Norte. Bruce expresó que los verdaderos orientales no se mostraban, especialmente en Hollywood, y la mayoría de las audiencias todavía veían a los asiáticos como estereotipos (por ejemplo, con ojos planos y coletas). Además, los directores generalmente le pedían que hiciera algo solo para ser exótico. [37] Cuando The Big Boss (también conocida como The Fists of Fury , 1971) de Golden Harvest llegó a los cines, impulsó la carrera de Lee al estrellato e hizo de las artes marciales y el kung fu una tendencia mundial. [38]
En 1976, Shaw Brothers hizo una serie de películas sobre crímenes reales. La primera, The Criminals , recaudó HK$838,067, ubicándose en el puesto 33 en la taquilla de Hong Kong para ese año. [39] Después de su éxito, Shaw Brothers hizo The Criminals 2 - Homicides ese mismo año, seguida de tres películas más ( The Criminals 3 - Arson , [40] The Criminals 4 - Assault [41] y The Criminals 5 - The Teenager's Nightmare [42] ) el año siguiente. La primera película de la serie The Criminals incluyó tres historias reales: The Human Torsos , The Stuntmen y Valley of the Hanged ; cada historia fue filmada por un director diferente. Valley of the Hanged contaba la historia de un triple asesinato en Hong Kong, así como una historia sobre una esposa infiel que humilla a su marido. [43] Las películas de Shaw Brothers atrajeron al público con extrañas historias reales con escenas eróticas y violentas. Sus películas también retrataron aspectos cotidianos de la vida de los habitantes de Hong Kong, como jugar al mahjong, una forma popular de juego.
A finales de los años 1970, Golden Harvest era el estudio más importante, y contrató a Jackie Chan, el actor y cineasta de comedia de kung fu que pasaría los siguientes 20 años como la mayor atracción de taquilla de Asia. [44] [11] [ página necesaria ] Raymond Chow se basó en el éxito de Lee con The Big Boss (también conocida como Fists of Fury , 1971), Fist of Fury (también conocida como The Chinese Connection , 1972) y The Way of the Dragon (también conocida como The Return of the Dragon , 1972), cada una de las cuales rompió récords de taquilla en Hong Kong. Bruce Lee apareció con actores menores de Hollywood en la película de mayor presupuesto Enter the Dragon (1973), una coproducción con Warner Bros. La muerte de Lee en circunstancias misteriosas lo convirtió en un héroe de culto. Lee jugó un papel clave en la apertura de los mercados extranjeros a las películas de Hong Kong. Las películas de Lee, disfrutadas en todo el Tercer Mundo, a menudo se consideraban un símbolo del orgullo rebelde de la Asia insurgente. [45]
Mientras tanto, la explosión del cantonés y el kung fu y el éxito de Golden Harvest crearon más espacio para productores y compañías de producción independientes. La era de los grandes estudios había pasado. No obstante, los Shaw continuaron con la producción cinematográfica hasta 1985, antes de dedicarse por completo a la televisión. [21] [ página necesaria ]
La creciente permisividad en el contenido cinematográfico que era general en gran parte del mundo afectó también al cine de Hong Kong. Un género de erotismo suave conocido como fengyue se convirtió en un elemento básico local (el nombre es una contracción de una frase china que implica decadencia seductora). Este tipo de material no sufrió tanto estigma en Hong Kong como en la mayoría de los países occidentales; era más o menos parte de la corriente principal, a veces con contribuciones de directores importantes como Chor Yuen y Li Han Hsiang y a menudo se cruzaba con otros géneros populares como las artes marciales, el cine de época y especialmente la comedia. [21] [ página necesaria ] [20] [ página necesaria ] La violencia también se volvió más intensa y gráfica, particularmente por instigación de los cineastas de artes marciales.
El director Lung Kong mezcló estas tendencias con los dramas de temática social en los que ya se había especializado con clásicos cantoneses de finales de los años 60 como Historia de un prisionero liberado (1967) y Teddy Girls (1969). En los años 70, comenzó a dirigir en mandarín y aportó elementos de explotación a películas serias sobre temas como la prostitución ( The Call Girls y Lina ), la bomba atómica ( Hiroshima 28 ) y la fragilidad de la sociedad civilizada ( Yesterday, Today and Tomorrow (1970), que retrataba un Hong Kong del futuro cercano diezmado por la plaga). [21] [ página necesaria ]
La breve carrera de Tang Shu Shuen , la primera directora de cine de renombre del territorio, produjo dos películas, The Arch (1968) y China Behind (1974), que fueron pioneras de un cine de arte local y socialmente crítico . También se las considera precursoras del último gran hito de la década, la llamada Nueva Ola de Hong Kong , que surgiría de fuera de la jerarquía tradicional de los estudios y señalaría nuevas posibilidades para la industria. [11] [ página necesaria ]
En la década de 1980 y principios de 1990, las semillas plantadas en la década de 1970 dieron sus frutos: el triunfo del cantonés, el nacimiento de un cine nuevo y moderno, el estatus de superpotencia en el mercado del este asiático y el giro de la atención de Occidente hacia el cine de Hong Kong.
Rápidamente surgió un cine de mayor refinamiento técnico y un estilo visual más sofisticado, que incluía las primeras incursiones en la tecnología de efectos especiales más moderna. A este deslumbramiento superficial, el nuevo cine agregó una mezcla ecléctica de géneros y una tendencia a traspasar los límites del contenido sensacionalista. La comedia de payasadas , el sexo, lo sobrenatural y, sobre todo, la acción (tanto de artes marciales como de policías y criminales) eran los protagonistas, a veces todo en la misma película. [46] [47]
Algunas de las películas emblemáticas de este período incluyen The Killer (1989), de John Woo , que es un arquetipo del género de derramamiento de sangre heroico .
Durante este período, la industria de Hong Kong fue una de las pocas del mundo que prosperó frente al creciente dominio global de Hollywood. De hecho, llegó a ejercer un dominio comparable en su propia región del mundo. El público regional siempre había sido vital, pero ahora más que nunca los productos de Hong Kong llenaban los cines y las estanterías de vídeo en lugares como Tailandia , Singapur , Malasia , Indonesia y Corea del Sur . Taiwán se convirtió en un mercado al menos tan importante para el cine de Hong Kong como el local; a principios de la década de 1990, la otrora robusta industria cinematográfica taiwanesa estuvo a punto de extinguirse bajo la avalancha de importaciones de Hong Kong. [11] [ página necesaria ] Incluso encontraron un punto de apoyo en Japón, con su propio cine altamente desarrollado y bien financiado y un fuerte gusto por las películas estadounidenses; Jackie Chan y Leslie Cheung fueron algunas de las estrellas que se hicieron muy populares allí. [48]
Casi por accidente, Hong Kong también llegó a Occidente, aprovechando la atención que despertó la locura del kung fu en los años setenta. La disponibilidad de películas en los cines y videoclubs de Chinatown permitió que los fanáticos del cine occidental, atraídos por sus cualidades "exóticas" y sus excesos, descubrieran las películas . En los años siguientes, poco a poco, se fueron incorporando a la cultura popular en general.
La pionera fue la productora Cinema City , fundada en 1980 por los comediantes Karl Maka , Raymond Wong y Dean Shek . Se especializó en comedia contemporánea y acción, producidas hábilmente según fórmulas comerciales explícitamente prescritas. La fastuosa parodia de espías llena de efectos especiales Aces Go Places (1982) y sus numerosas secuelas personificaron el muy imitado "estilo Cinema City". [20] [ página necesaria ]
Los directores y productores Tsui Hark y Wong Jing pueden ser señalados como figuras definitivas de esta era. Tsui fue un notorio novato de la nueva ola de Hong Kong que simbolizó la absorción de ese movimiento en la corriente principal, convirtiéndose en el creador de tendencias y experimentador técnico central de la industria [49]. El aún más prolífico Wong es, según la mayoría de las opiniones, el cineasta de Hong Kong más exitoso comercialmente y más criticado por la crítica de las últimas dos décadas, [ ¿hasta ahora? ] con su incansable producción de películas pulp agresivamente complacientes con el público y comercializadas astutamente. [50] [51]
Otros sellos distintivos de esta era incluyeron la tendencia cinematográfica de gángsters o " Tríada " lanzada por el director John Woo, el productor y actor de larga data Alan Tang y dominada por el actor Chow Yun-fat ; melodramas románticos y fantasías de artes marciales protagonizadas por Brigitte Lin ; las comedias de estrellas como Cherie Chung y Stephen Chow; películas tradicionales de kung fu dominadas por Jet Li ; y acción contemporánea de kung fu basada en acrobacias personificada por el trabajo de Jackie Chan.
La introducción por parte del gobierno de un sistema de clasificación de películas en 1988 tuvo un efecto ciertamente no deseado en las tendencias posteriores. La clasificación de "Categoría III" (solo para adultos) se convirtió en un paraguas para el rápido crecimiento de películas pornográficas y generalmente estrafalarias; sin embargo, aunque se consideran gráficas según los estándares chinos, estas películas estarían más a la par con las películas clasificadas "R" o "NC-17" en los Estados Unidos, y no "XXX". En el auge del auge a principios de la década de 1990, aproximadamente la mitad de las películas cinematográficas producidas eran eróticas suaves clasificadas en la Categoría III descendientes de las películas fengyue de la década de 1970. [20] [ página necesaria ] Un ejemplo definitivo de un éxito generalizado de la Categoría III fue Sex and Zen (1991) de Michael Mak, una comedia de época inspirada en The Carnal Prayer Mat , el clásico del siglo XVII de la literatura cómico-erótica de Li Yu . [52] [ página necesaria ] Naked Killer (1992) también se convirtió en un clásico de culto internacional . [53]
La clasificación también cubrió una tendencia hacia las películas de terror y explotación espeluznantes que alteran tabúes , a menudo supuestamente basadas en historias de crímenes reales, como Men Behind the Sun (1988), Dr. Lamb (1992), The Untold Story (1993) y Ebola Syndrome (1996). Las películas que representan rituales de la Tríada también recibirían una clasificación de Categoría III, un ejemplo de esto fue Crime Story (1993), protagonizada por Jackie Chan. [54]
Desde mediados de la década de 1990, la tendencia se ha marchitado con la contracción del mercado cinematográfico general de Hong Kong y la mayor disponibilidad de pornografía en formatos de video doméstico. [11] Pero en la década de 2000, tres películas de categoría III: Election , su secuela, Election 2 (también conocida como Triad Election ) y Mad Detective , todas dirigidas por Johnnie To , todavía disfrutaron de sorprendentes éxitos de taquilla en Hong Kong.
En este panorama de pulpa, todavía quedaba algo de espacio para un cine alternativo o cine de arte , debido al menos en parte a la influencia de la Nouvelle Vague . Algunos cineastas de esta corriente, como Ann Hui y Yim Ho, siguieron cosechando elogios con películas personales y políticas realizadas al margen de la corriente dominante.
La segunda mitad de la década de 1980 también vio el surgimiento de lo que a veces se llama una "Segunda Ola". Estos directores más jóvenes incluían nombres como Stanley Kwan , Clara Law y su socio Eddie Fong, Mabel Cheung , Lawrence Ah Mon y Wong Kar-wai . [55] Al igual que los New Wavers, tendían a ser graduados de escuelas de cine extranjeras y aprendizajes de televisión local, y estaban interesados en ir más allá de los temas y estilos comerciales habituales. [21] [ página necesaria ]
Estos artistas comenzaron a ganarse una atención y un respeto sin precedentes en Hong Kong en los círculos de la crítica internacional y en el circuito de festivales de cine mundial. En particular, las obras de Wong Kar-wai protagonizadas por Leslie Cheung , Tony Leung Chiu-Wai y Maggie Cheung en la década de 1990 lo convirtieron en un cineasta aclamado y galardonado a nivel internacional.
Durante la década de 1990, la industria cinematográfica de Hong Kong sufrió un drástico declive del que no se ha recuperado. Las ventas de entradas en el país ya habían comenzado a caer a fines de la década de 1980, pero la audiencia regional mantuvo a la industria en auge hasta los primeros años de la década siguiente. [21] Pero a mediados de la década de 1990, entró en caída libre. Los ingresos se redujeron a la mitad. Para el final de la década, el número de películas producidas en un año típico cayó de un máximo de principios de la década de 1990 de más de 200 a alrededor de 100 (una gran parte de esta reducción se produjo en el área de pornografía blanda de "Categoría III"). [11] [ página necesaria ] Las importaciones de éxitos de taquilla estadounidenses comenzaron a encabezar regularmente la taquilla por primera vez en décadas. Irónicamente, este fue el mismo período durante el cual el cine de Hong Kong surgió en la visibilidad general en los EE. UU. y comenzó a exportar figuras populares a Hollywood.
Se han atribuido numerosos factores convergentes a la crisis:
El mayor acceso al continente que se produjo con la entrega de soberanía a China en julio de 1997 no tuvo el impacto esperado y presentó sus propios problemas, en particular con respecto a la censura.
La industria tuvo uno de sus años más oscuros en 2003. Además de la continua caída, un brote del virus SARS mantuvo a muchos cines prácticamente vacíos por un tiempo y cerró la producción cinematográfica durante cuatro meses; solo se hicieron cincuenta y cuatro películas. [56] Las muertes no relacionadas de dos de los famosos cantantes y actores de Hong Kong, Leslie Cheung , de 46 años, y Anita Mui , de 40, completaron las malas noticias.
En abril de 2003, el Gobierno de Hong Kong introdujo un Fondo de Garantía Cinematográfica como incentivo para que los bancos locales se involucraran en la industria cinematográfica. La garantía sirve para asegurar un porcentaje de los fondos que los bancos prestan a las compañías productoras cinematográficas. El Fondo ha recibido una acogida desigual por parte de los participantes de la industria y una acogida poco entusiasta por parte de las instituciones financieras, que perciben la inversión en películas locales como empresas de alto riesgo con pocas garantías. Los documentos legales de garantía cinematográfica encargados por el Gobierno de Hong Kong a finales de abril de 2003 se basan en documentos canadienses, que tienen una relevancia limitada para la industria local. [ cita requerida ]
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Los esfuerzos de los cineastas locales por renovar sus productos han tenido resultados dispares en general. Estos incluyen imágenes técnicamente más brillantes, que incluyen muchas imágenes digitales ; un mayor uso de técnicas de marketing masivo al estilo de Hollywood; y una gran dependencia de la contratación de estrellas de la música cantopop aptas para adolescentes . Los ciclos de género exitosos a fines de la década de 1990 y principios de la década de 2000 han incluido: películas de acción de alta tecnología de estilo estadounidense como Downtown Torpedoes (1997), Gen-X Cops y Purple Storm (ambas de 1999), The Legend of Zu , Gen-Y Cops , The Avenging Fist (las tres se estrenaron en 2001), el subgénero "Triad kids" lanzado por Young and Dangerous (1996-2000); comedias románticas centradas en los yuppies como The Truth About Jane and Sam (1999), Needing You... (2000), Love on a Diet (2001); y películas sobrenaturales de terror como Horror Hotline: Big-Head Monster (2001) y The Eye (2002), a menudo inspiradas en las películas de terror japonesas que entonces estaban teniendo éxito internacional.
En la década de 2000, ha habido algunos puntos brillantes. Milkyway Image , fundada por los cineastas Johnnie To y Wai Ka-Fai a mediados de la década de 1990, ha tenido un considerable éxito crítico y comercial, especialmente con películas policiales poco convencionales e impulsadas por los personajes como The Mission (1999) y Running on Karma (2003). Un ejemplo aún más exitoso del género fue la exitosa trilogía Infernal Affairs (2002-2003) de thrillers policiales codirigidos por Andrew Lau y Alan Mak (la película ganadora del Oscar The Departed , se basó en esta película). El comediante Stephen Chow, la estrella de cine más popular de la década de 1990, dirigió y protagonizó Shaolin Soccer (2001) y Kung Fu Hustle (2004); estas utilizaron efectos especiales digitales para llevar su humor distintivo a nuevos reinos de lo surrealista y se convirtieron en las dos películas más taquilleras del territorio hasta la fecha, obteniendo numerosos premios a nivel local e internacional. Las dos películas de categoría III de Johnnie To : Election y Election 2 también disfrutaron de éxitos de taquilla en Hong Kong. Election 2 incluso se ha estrenado en los cines de los EE. UU. bajo el nuevo título Triad Election ; esta película recibió críticas muy positivas en los Estados Unidos, con una calificación de "Fresh" de más del 90% en Rotten Tomatoes . [57] Nuevas películas LGBT como City Without Baseball (2008), Permanent Residence (2009) y Amphetamine (2009) siguieron el éxito de películas anteriores de la década de 1990 como Bugis Street (una coproducción de Hong Kong y Singapur de 1995) y Hold You Tight (1998). [58] [ ¿Fuente poco confiable? ]
Sin embargo, algunos observadores creen que, dada la situación deprimida de la industria y el rápido fortalecimiento de los vínculos económicos y políticos entre Hong Kong, China continental y Taiwán, la entidad distintiva del cine de Hong Kong que surgió después de la Segunda Guerra Mundial puede tener una vida útil limitada. Las líneas divisorias entre las industrias de China continental y Hong Kong son cada vez más difusas, especialmente ahora que China está produciendo cada vez más películas populares de gran atractivo. Las predicciones son notoriamente difíciles en esta parte del mundo que cambia rápidamente, pero la tendencia puede ser hacia un cine más panchino, como el que existía en la primera mitad del siglo XX. [59]
En junio de 2021, la Autoridad de Censura Cinematográfica de Hong Kong (OFNAA) introdujo una nueva política de seguridad nacional. [60] Esta ley, aprobada el 27 de octubre de 2021, otorga al secretario jefe el poder de revocar la licencia de una película si se descubre que "respalda, apoya, glorifica, alienta e incita a actividades que puedan poner en peligro la seguridad nacional". Según la nueva ley, las penas máximas por exhibir películas no aprobadas son tres años de cárcel y una multa de un millón de dólares de Hong Kong. [61] Críticos como el profesor Kenny Ng y el cineasta Kiwi Chow expresan su preocupación por la censura política, lo que genera temores de que la nueva ley afecte negativamente a la industria cinematográfica. [62] [63]
En junio de 2022, The Dancing Voice of Youth fue censurada, y en agosto de 2022, Losing Side of a Longed Place fue censurada. [64] En octubre de 2022, la OFNAA recomendó que se cancelara la proyección de The Dark Knight . [64] En octubre de 2022, la OFNAA también prohibió la proyección de The Lucky Woman debido a las escenas de protesta que tuvieron lugar en el edificio de oficinas presidenciales de Taiwán . [65]
En abril de 2023, Wake in Silence no obtuvo la aprobación de la OFNAA, supuestamente porque la película mostraba una bandera que decía "100% libertad". [66]
En junio de 2023, la OFNAA censuró más películas en un festival de cine local de Hong Kong. [67] En junio de 2023, la OFNAA dijo que la Ordenanza de Censura Cinematográfica, que estipula que las películas deben ser aprobadas previamente por la OFNAA antes de su estreno público, no se aplicaba a las películas producidas por el gobierno. [68]
{{cite AV media}}: CS1 maint: numeric names: authors list (link){{cite AV media}}: CS1 maint: numeric names: authors list (link)Cabe señalar que "[c]ada año, desde 1978, el HKIFF ha publicado tanto un catálogo de películas estrenadas ese año como un libro retrospectivo y, a veces, una o dos publicaciones de interés especial en forma de libros y folletos. En 1996, se publicó un especial del décimo aniversario y, a partir de 1997, ha habido libros anuales de interés especial 'Panorama' además de los catálogos anuales, libros retrospectivos y folletos ocasionales. En 2003, el HKIFF también comenzó a publicar publicaciones del Archivo de Cine de Hong Kong". Bibliografía de libros retrospectivos del Festival Internacional de Cine de Hong Kong relacionados con el cine de acción de Hong Kong Archivado el 12 de julio de 2015 en Wayback Machine.
