El impresionismo fue un movimiento artístico del siglo XIX caracterizado por pinceladas relativamente pequeñas, delgadas pero visibles, composición abierta , énfasis en la representación precisa de la luz en sus cualidades cambiantes (a menudo acentuando los efectos del paso del tiempo), temas comunes, ángulos visuales inusuales e inclusión del movimiento como un elemento crucial de la percepción y la experiencia humanas. El impresionismo se originó con un grupo de artistas afincados en París cuyas exposiciones independientes los llevaron a la prominencia durante las décadas de 1870 y 1880.
Los impresionistas se enfrentaron a una dura oposición por parte de la comunidad artística convencional en Francia . El nombre del estilo deriva del título de una obra de Claude Monet , Impression, soleil levant ( Impresión, amanecer ), lo que provocó que el crítico Louis Leroy acuñara el término en una reseña satírica de 1874 de la Primera Exposición Impresionista publicada en el periódico parisino Le Charivari . [1] El desarrollo del impresionismo en las artes visuales fue pronto seguido por estilos análogos en otros medios que se conocieron como música impresionista y literatura impresionista .
Radicales en su tiempo, los primeros impresionistas violaron las reglas de la pintura académica. Construyeron sus cuadros a partir de colores aplicados libremente con pinceladas que prevalecían sobre las líneas y los contornos, siguiendo el ejemplo de pintores como Eugène Delacroix y JMW Turner . También pintaron escenas realistas de la vida moderna y, a menudo, pintaban al aire libre. Anteriormente, las naturalezas muertas y los retratos , así como los paisajes, se pintaban generalmente en un estudio. [a] Los impresionistas descubrieron que podían capturar los efectos momentáneos y transitorios de la luz del sol pintando al aire libre o en plein air . Retrataron efectos visuales generales en lugar de detalles y utilizaron pinceladas cortas "rotas" de color mezclado y puro sin mezclar, no mezclados suavemente o sombreados, como era habitual, para lograr un efecto de intensa vibración de color. [2]
El impresionismo surgió en Francia al mismo tiempo que otros pintores, entre ellos los italianos Macchiaioli y Winslow Homer en Estados Unidos, también exploraban la pintura al aire libre . Sin embargo, los impresionistas desarrollaron nuevas técnicas específicas del estilo. Abarcando lo que sus partidarios afirmaban que era una forma diferente de ver, es un arte de inmediatez y movimiento, de poses y composiciones espontáneas, del juego de luz expresado en un uso brillante y variado del color. [2] En 1876, el poeta y crítico Stéphane Mallarmé dijo sobre el nuevo estilo: "El tema representado, al estar compuesto por una armonía de luces reflejadas y siempre cambiantes, no puede suponerse que siempre parezca el mismo, sino que palpita con movimiento, luz y vida". [4]
El público, al principio hostil, gradualmente llegó a creer que los impresionistas habían capturado una visión fresca y original, incluso si los críticos de arte y el establishment artístico desaprobaban el nuevo estilo. Al recrear la sensación en el ojo que contempla el tema, en lugar de delinear los detalles del tema, y al crear una maraña de técnicas y formas, el impresionismo es un precursor de varios estilos de pintura, incluidos el neoimpresionismo , el posimpresionismo , el fauvismo y el cubismo . [ cita requerida ]
A mediados del siglo XIX, una época de rápida industrialización y de cambios sociales inquietantes en Francia, mientras el emperador Napoleón III reconstruía París y libraba guerras, la Académie des Beaux-Arts dominaba el arte francés. [5] La Académie fue la preservadora de los estándares de contenido y estilo de la pintura francesa tradicional. Se valoraban los temas históricos, los temas religiosos y los retratos; el paisaje y la naturaleza muerta no. La Académie prefería imágenes cuidadosamente terminadas que parecieran realistas cuando se las examinaba de cerca. Las pinturas de este estilo estaban compuestas por pinceladas precisas cuidadosamente mezcladas para ocultar la mano del artista en la obra. [6] El color se restringía y, a menudo, se atenuaba aún más mediante la aplicación de un barniz dorado espeso . [7]
La Académie organizaba anualmente una muestra de arte con jurado, el Salón de París , y los artistas cuyas obras se exhibían en la muestra ganaban premios, obtenían encargos y aumentaban su prestigio. Los estándares de los jurados representaban los valores de la Académie, representados por las obras de artistas como Jean-Léon Gérôme y Alexandre Cabanel . Utilizando una mezcla ecléctica de técnicas y fórmulas establecidas en la pintura occidental desde el Renacimiento (como la perspectiva lineal y los tipos de figuras derivados del arte griego clásico ), estos artistas produjeron visiones escapistas de un mundo tranquilizadoramente ordenado. [8] En la década de 1850, algunos artistas, en particular el pintor realista Gustave Courbet , habían ganado la atención del público y la censura crítica al representar realidades contemporáneas sin la idealización exigida por la Académie. [9]
A principios de la década de 1860, cuatro jóvenes pintores —Claude Monet , Pierre-Auguste Renoir , Alfred Sisley y Frédéric Bazille— se conocieron mientras estudiaban con el artista académico Charles Gleyre . Descubrieron que compartían un interés por pintar paisajes y la vida contemporánea más que escenas históricas o mitológicas. Siguiendo una práctica —iniciada por artistas como el inglés John Constable— [10] que se había vuelto cada vez más popular a mediados de siglo, a menudo se aventuraban juntos al campo para pintar al aire libre. [11] Su propósito no era hacer bocetos para desarrollarlos en obras cuidadosamente terminadas en el estudio, como era la costumbre habitual, sino completar sus pinturas al aire libre. [12]
Al pintar a la luz del sol directamente de la naturaleza y hacer un uso audaz de los vivos pigmentos sintéticos que se habían hecho disponibles desde principios de siglo, comenzaron a desarrollar una forma de pintar más ligera y brillante que extendió aún más el realismo de Courbet y la escuela de Barbizon . Un lugar de reunión favorito para los artistas era el Café Guerbois en la Avenida de Clichy en París, donde las discusiones a menudo eran dirigidas por Édouard Manet , a quien los artistas más jóvenes admiraban mucho. Pronto se les unieron Camille Pissarro , Paul Cézanne y Armand Guillaumin . [13]
Durante la década de 1860, el jurado del Salón rechazó rutinariamente aproximadamente la mitad de las obras presentadas por Monet y sus amigos en favor de obras de artistas fieles al estilo aprobado. [2] En 1863, el jurado del Salón rechazó El almuerzo sobre la hierba ( Le déjeuner sur l'herbe ) de Manet principalmente porque mostraba a una mujer desnuda con dos hombres vestidos en un picnic. Si bien el jurado del Salón aceptó rutinariamente desnudos en pinturas históricas y alegóricas, condenó a Manet por colocar un desnudo realista en un entorno contemporáneo. [14] El rechazo severo del jurado a la pintura de Manet horrorizó a sus admiradores, y la cantidad inusualmente grande de obras rechazadas ese año perturbó a muchos artistas franceses.
Después de que el emperador Napoleón III viera las obras rechazadas de 1863, decretó que el público pudiera juzgar por sí mismo las obras y se organizó el Salón de los Rechazados . Aunque muchos espectadores acudieron sólo para reír, el Salón de los Rechazados llamó la atención sobre la existencia de una nueva tendencia en el arte y atrajo a más visitantes que el Salón normal. [15]
Las peticiones de los artistas que solicitaban un nuevo Salón de los Rechazados en 1867, y nuevamente en 1872, fueron denegadas. En diciembre de 1873, Monet , Renoir , Pissarro , Sisley , Cézanne , Berthe Morisot , Edgar Degas y varios otros artistas fundaron la Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs, graveurs, etc. [b] para exhibir sus obras de arte de forma independiente. [16] [17] Se esperaba que los miembros de la asociación renunciaran a participar en el Salón. [18] Los organizadores invitaron a varios otros artistas progresistas a unirse a ellos en su exposición inaugural, incluido el mayor Eugène Boudin , cuyo ejemplo había persuadido a Monet por primera vez a adoptar la pintura al aire libre años antes. [19] Otro pintor que influyó mucho en Monet y sus amigos, Johan Jongkind , se negó a participar, al igual que Édouard Manet. En total, treinta artistas participaron en su primera exposición, celebrada en abril de 1874 en el estudio del fotógrafo Nadar .
La respuesta crítica fue mixta. Monet y Cézanne recibieron los ataques más duros. El crítico y humorista Louis Leroy escribió una crítica mordaz en el periódico Le Charivari en la que, haciendo un juego de palabras con el título de la Impresión, sol levant de Claude Monet , dio a los artistas el nombre con el que se los conoció. Titulando despectivamente su artículo "La exposición de los impresionistas", Leroy declaró que la pintura de Monet era, como mucho, un boceto y que difícilmente podía considerarse una obra terminada.
Escribió, en forma de diálogo entre espectadores,
"Impresión, estaba seguro de ello. Me decía a mí mismo que, ya que me había impresionado, tenía que haber alguna impresión en ello... ¡y qué libertad, qué facilidad de ejecución! El papel pintado en su estado embrionario está más acabado que ese paisaje marino". [20]
El término impresionismo ganó rápidamente aceptación entre el público. También fue aceptado por los propios artistas, a pesar de que formaban un grupo diverso en cuanto a estilo y temperamento, unificado principalmente por su espíritu de independencia y rebelión. Expusieron juntos —aunque con miembros cambiantes— ocho veces entre 1874 y 1886. El estilo de los impresionistas, con sus pinceladas sueltas y espontáneas, pronto se convertiría en sinónimo de la vida moderna. [7]
Monet, Sisley, Morisot y Pissarro pueden considerarse los impresionistas "más puros", en su búsqueda constante de un arte de espontaneidad, luz solar y color. Degas rechazó gran parte de esto, ya que creía en la primacía del dibujo sobre el color y menospreciaba la práctica de pintar al aire libre. [21] Renoir se alejó del impresionismo durante un tiempo durante la década de 1880, y nunca recuperó por completo su compromiso con sus ideas. Édouard Manet, aunque considerado por los impresionistas como su líder, [22] nunca abandonó su uso liberal del negro como color (mientras que los impresionistas evitaban su uso y preferían obtener colores más oscuros mediante mezclas), y nunca participó en las exposiciones impresionistas. Continuó enviando sus obras al Salón, donde su cuadro El cantor español había ganado una medalla de segunda clase en 1861, e instó a los demás a hacer lo mismo, argumentando que "el Salón es el verdadero campo de batalla" donde se podía labrar una reputación. [23]
Entre los artistas del grupo central (menos Bazille, que había muerto en la guerra franco-prusiana en 1870), se produjeron deserciones, ya que Cézanne, seguido más tarde por Renoir, Sisley y Monet, se abstuvieron de las exposiciones colectivas para poder presentar sus obras al Salón. Surgieron desacuerdos por cuestiones como la pertenencia de Guillaumin al grupo, defendida por Pissarro y Cézanne frente a la oposición de Monet y Degas, que lo consideraban indigno. [24] Degas invitó a Mary Cassatt a exhibir su obra en la exposición de 1879, pero también insistió en la inclusión de Jean-François Raffaëlli , Ludovic Lepic y otros realistas que no representaban las prácticas impresionistas, lo que provocó que Monet en 1880 acusara a los impresionistas de "abrir las puertas a los pintores que llegaban primero". [25]
En este sentido, la séptima exposición impresionista de París de 1882 fue la más selectiva de todas, ya que incluyó las obras de solo nueve impresionistas "verdaderos", a saber, Gustave Caillebotte , Paul Gauguin , Armand Guillaumin , Claude Monet , Berthe Morisot , Camille Pissarro , Pierre-Auguste Renoir , Alfred Sisley y Victor Vignon . El grupo se dividió nuevamente después de las invitaciones a Paul Signac y Georges Seurat para exponer con ellos en la octava exposición impresionista de 1886. Pissarro fue el único artista que expuso en las ocho exposiciones impresionistas de París.
Los artistas individuales obtuvieron pocas recompensas financieras de las exposiciones impresionistas, pero su arte gradualmente ganó un grado de aceptación y apoyo público. Su comerciante, Durand-Ruel , jugó un papel importante en esto, ya que mantuvo sus obras ante el público y organizó exposiciones para ellos en Londres y Nueva York. Aunque Sisley murió en la pobreza en 1899, Renoir tuvo un gran éxito en el Salón en 1879. [26] Monet alcanzó la seguridad financiera a principios de la década de 1880 y lo mismo hizo Pissarro a principios de la década de 1890. En esta época, los métodos de la pintura impresionista, en una forma diluida, se habían convertido en algo común en el arte del Salón. [27]
Entre los pintores franceses que prepararon el camino para el impresionismo se encuentran el colorista romántico Eugène Delacroix ; el líder de los realistas, Gustave Courbet ; y pintores de la escuela de Barbizon como Théodore Rousseau . Los impresionistas aprendieron mucho de la obra de Johan Barthold Jongkind , Jean-Baptiste-Camille Corot y Eugène Boudin , que pintaron del natural en un estilo directo y espontáneo que prefiguraba el impresionismo, y que se hicieron amigos y asesoraron a los artistas más jóvenes.
Una serie de técnicas y hábitos de trabajo identificables contribuyeron al estilo innovador de los impresionistas. Aunque estos métodos habían sido utilizados por artistas anteriores (y suelen ser evidentes en la obra de artistas como Frans Hals , Diego Velázquez , Peter Paul Rubens , John Constable y J. M. W. Turner) , los impresionistas fueron los primeros en utilizarlos todos juntos y con tanta coherencia. Estas técnicas incluyen:
La nueva tecnología influyó en el desarrollo del estilo. Los impresionistas aprovecharon la introducción a mediados de siglo de pinturas premezcladas en tubos de hojalata (similares a los modernos tubos de pasta de dientes), lo que permitió a los artistas trabajar de forma más espontánea, tanto al aire libre como en interiores. [28] Anteriormente, los pintores elaboraban sus propias pinturas de forma individual, moliendo y mezclando polvos de pigmento secos con aceite de linaza, que luego se almacenaban en vejigas de animales. [29]
Durante el siglo XIX, los artistas pudieron acceder por primera vez al mercado de muchos pigmentos sintéticos de gran intensidad, entre ellos el azul cobalto , el viridiano , el amarillo de cadmio y el azul ultramar sintético , todos ellos en uso en la década de 1840, antes del impresionismo. [30] La forma de pintar de los impresionistas hizo un uso audaz de estos pigmentos, e incluso de colores más nuevos, como el azul cerúleo , [7] que se puso a disposición de los artistas en el mercado en la década de 1860. [30]
El avance de los impresionistas hacia un estilo de pintura más brillante fue gradual. Durante la década de 1860, Monet y Renoir a veces pintaban sobre lienzos preparados con el tradicional fondo marrón rojizo o gris. [31] En la década de 1870, Monet, Renoir y Pissarro solían optar por pintar sobre fondos de un color gris más claro o beige, que funcionaban como tono medio en la pintura terminada. [31] En la década de 1880, algunos de los impresionistas habían llegado a preferir los fondos blancos o ligeramente blanquecinos, y ya no permitían que el color de fondo tuviera un papel importante en la pintura terminada. [32]
Los impresionistas reaccionaron a la modernidad explorando "una amplia gama de temas no académicos en el arte", como las actividades de ocio de la clase media y "temas urbanos, incluidas estaciones de tren, cafés, burdeles, el teatro y la danza". [33] Encontraron inspiración en las avenidas recientemente ensanchadas de París, delimitadas por nuevos edificios altos que ofrecían oportunidades para representar multitudes bulliciosas, entretenimientos populares e iluminación nocturna en espacios cerrados artificialmente. [34]
Un cuadro como Calle de París, día lluvioso (1877) de Caillebotte tiene un aire moderno al poner de relieve el aislamiento de los individuos en medio de los enormes edificios y espacios del entorno urbano. [35] Al pintar paisajes, los impresionistas no dudaron en incluir las fábricas que proliferaban en el campo. Los pintores de paisajes anteriores habían evitado convencionalmente las chimeneas y otros signos de la industrialización, considerándolos como plagas del orden natural e indignos del arte. [36]
Antes de los impresionistas, otros pintores, en particular los pintores holandeses del siglo XVII como Jan Steen , habían enfatizado temas comunes, pero sus métodos de composición eran tradicionales. Organizaban sus composiciones de modo que el tema principal captara la atención del espectador. JMW Turner , aunque fue un artista de la era romántica , anticipó el estilo del impresionismo con sus obras de arte. [37] Los impresionistas relajaron el límite entre el tema y el fondo de modo que el efecto de una pintura impresionista a menudo se asemeja a una instantánea, una parte de una realidad más grande capturada como por casualidad. [38] La fotografía estaba ganando popularidad y, a medida que las cámaras se volvieron más portátiles, las fotografías se volvieron más espontáneas. La fotografía inspiró a los impresionistas a representar la acción momentánea, no solo en las luces fugaces de un paisaje, sino en la vida cotidiana de las personas. [39] [40]
El desarrollo del impresionismo puede considerarse en parte como una reacción de los artistas al desafío que planteaba la fotografía, que parecía devaluar la habilidad del artista para reproducir la realidad. Tanto los retratos como los paisajes se consideraban algo deficientes y carentes de veracidad, ya que la fotografía "producía imágenes realistas de forma mucho más eficiente y fiable". [41]
A pesar de ello, la fotografía inspiró a los artistas a buscar otros medios de expresión creativa y, en lugar de competir con ella para emular la realidad, se centraron «en lo único que podían hacer inevitablemente mejor que la fotografía: desarrollar aún más, como forma de arte, la propia subjetividad en la concepción de la imagen, la misma subjetividad que la fotografía eliminaba». [41] Los impresionistas buscaban expresar sus percepciones de la naturaleza, en lugar de crear representaciones exactas. Esto permitió a los artistas representar subjetivamente lo que veían con sus «imperativos tácitos de gusto y conciencia». [42] La fotografía animó a los pintores a explotar aspectos del medio pictórico, como el color, del que entonces carecía la fotografía: «Los impresionistas fueron los primeros en ofrecer conscientemente una alternativa subjetiva a la fotografía». [41]
Otra influencia importante fueron los grabados japoneses ukiyo-e ( japonismo ). El arte de estos grabados contribuyó significativamente a los ángulos de "instantánea" y las composiciones poco convencionales que se volvieron características del impresionismo. Un ejemplo es el Jardín de la Santa Dirección de Monet , 1867, con sus audaces bloques de color y composición en una marcada inclinación diagonal que muestra la influencia de los grabados japoneses. [44]
Edgar Degas era un ávido fotógrafo y coleccionista de grabados japoneses. [45] Su obra La clase de danza (La classe de danse) de 1874 muestra ambas influencias en su composición asimétrica. Los bailarines parecen sorprendidos en varias poses extrañas, dejando una extensión de espacio vacío en el cuadrante inferior derecho. También capturó a sus bailarines en esculturas, como La pequeña bailarina de catorce años .
Los impresionistas, en distintos grados, buscaban formas de representar la experiencia visual y los temas contemporáneos. [46] Las mujeres impresionistas estaban interesadas en estos mismos ideales, pero tenían muchas limitaciones sociales y profesionales en comparación con los hombres impresionistas. [47] Fueron particularmente excluidas de la imaginería de la esfera social burguesa del bulevar, el café y el salón de baile. [48]
Además de las imágenes, las mujeres fueron excluidas de los debates formativos que dieron lugar a reuniones en esos lugares. Allí era donde los impresionistas hombres podían formar y compartir ideas sobre el impresionismo. [48] En el ámbito académico, se creía que las mujeres eran incapaces de manejar temas complejos, lo que llevó a los profesores a restringir lo que enseñaban a las alumnas. [49] También se consideraba poco femenino sobresalir en el arte, ya que se creía que los verdaderos talentos de las mujeres se centraban en el cuidado del hogar y la maternidad. [49]
Sin embargo, varias mujeres lograron alcanzar el éxito durante su vida, a pesar de que sus carreras se vieron afectadas por circunstancias personales: Bracquemond, por ejemplo, tenía un marido que estaba resentido con su trabajo, lo que la llevó a abandonar la pintura. [50] Las cuatro más conocidas, a saber, Mary Cassatt , Eva Gonzalès , Marie Bracquemond y Berthe Morisot , son, y fueron, a menudo referidas como las "Mujeres impresionistas". Su participación en la serie de ocho exposiciones impresionistas que tuvieron lugar en París entre 1874 y 1886 varió: Morisot participó en siete, Cassatt en cuatro, Bracquemond en tres y Gonzalès no participó. [50] [51]
Los críticos de la época agruparon a estas cuatro sin tener en cuenta sus estilos personales, técnicas o temáticas. [52] Los críticos que vieron sus obras en las exposiciones a menudo intentaron reconocer el talento de las artistas mujeres, pero las circunscribieron dentro de una noción limitada de feminidad. [53] Argumentando sobre la idoneidad de la técnica impresionista para la forma de percepción de las mujeres, el crítico parisino SC de Soissons escribió:
Se puede comprender que las mujeres no tengan originalidad de pensamiento y que la literatura y la música no tengan carácter femenino; pero seguramente las mujeres saben observar, y lo que ven es muy diferente de lo que ven los hombres, y el arte que ponen en sus gestos, en su arreglo personal, en la decoración de su ambiente es suficiente para dar la idea de un instinto, de un genio peculiar que reside en cada una de ellas. [54]
Si bien el impresionismo legitimó la vida social doméstica como tema, de la que las mujeres tenían un conocimiento íntimo, también tendió a limitarlas a ese tema. Las representaciones de modelos a menudo identificables en entornos domésticos, que podían ofrecer encargos, fueron dominantes en las exposiciones. [55] Los sujetos de las pinturas eran a menudo mujeres que interactuaban con su entorno mediante la mirada o el movimiento. Cassatt, en particular, era consciente de la colocación de los sujetos: evitó que sus figuras predominantemente femeninas cayeran en la cosificación y el cliché; cuando no están leyendo, conversan, cosen, beben té y, cuando están inactivas, parecen perdidas en sus pensamientos. [56]
Las mujeres impresionistas, al igual que sus homólogos masculinos, luchaban por la "verdad", por nuevas formas de ver y nuevas técnicas de pintura; cada artista tenía un estilo de pintura individual. [57] Las mujeres impresionistas, en particular Morisot y Cassatt, eran conscientes del equilibrio de poder entre las mujeres y los objetos en sus pinturas: las mujeres burguesas representadas no se definen por los objetos decorativos, sino que interactúan con las cosas con las que viven y las dominan. [58] Hay muchas similitudes en sus representaciones de mujeres que parecen a la vez cómodas y sutilmente confinadas. [59] Palco en la Ópera Italiana de Gonzalès representa a una mujer que mira a la distancia, cómoda en una esfera social pero confinada por el palco y el hombre de pie junto a ella. La pintura de Cassatt Jovencita en una ventana tiene un color más brillante, pero permanece limitada por el borde del lienzo mientras mira por la ventana.
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A pesar de su éxito en su capacidad de tener una carrera y la desaparición del impresionismo atribuida a sus características supuestamente femeninas (su sensualidad, dependencia de la sensación, fisicalidad y fluidez), las cuatro mujeres artistas, y otras mujeres impresionistas menos conocidas, fueron en gran medida omitidas de los libros de texto de historia del arte que cubrían a los artistas impresionistas hasta que se publicó Mujeres impresionistas de Tamar Garb en 1986. [60] Por ejemplo, Impresionismo de Jean Leymarie, publicado en 1955, no incluía información sobre ninguna mujer impresionista.
Al pintor Androniqi Zengo Antoniu se le atribuye la introducción del impresionismo en Albania. [61]
Las figuras centrales en el desarrollo del impresionismo en Francia, [62] [63] enumeradas alfabéticamente, fueron:
Los impresionistas
Entre los colaboradores más cercanos de los impresionistas, Victor Vignon es el único artista fuera del grupo de nombres prominentes que participaron en la Séptima Exposición Impresionista de París en 1882, la más exclusiva, que fue de hecho un rechazo a las exposiciones anteriores menos restringidas organizadas principalmente por Degas. Originario de la escuela de Corot , Vignon fue amigo de Camille Pissarro , cuya influencia es evidente en su estilo impresionista después de fines de la década de 1870, y amigo del postimpresionista Vincent van Gogh .
Hubo otros colaboradores cercanos de los impresionistas que adoptaron sus métodos hasta cierto punto. Entre ellos se encuentran Jean-Louis Forain , que participó en exposiciones impresionistas en 1879, 1880, 1881 y 1886, [67] y Giuseppe De Nittis , un artista italiano que vivía en París y que participó en la primera exposición impresionista por invitación de Degas, aunque los otros impresionistas menospreciaron su trabajo. [68] Federico Zandomeneghi fue otro amigo italiano de Degas que expuso con los impresionistas. Eva Gonzalès fue una seguidora de Manet que no expuso con el grupo.
James Abbott McNeill Whistler fue un pintor nacido en Estados Unidos que participó en el impresionismo, aunque no se unió al grupo y prefirió los colores grises. Walter Sickert , un artista inglés, fue inicialmente un seguidor de Whistler y más tarde un importante discípulo de Degas. No expuso con los impresionistas. En 1904, el artista y escritor Wynford Dewhurst escribió el primer estudio importante de los pintores franceses publicado en inglés, Impressionist Painting: its genesis and development , que hizo mucho por popularizar el impresionismo en Gran Bretaña.
A principios de la década de 1880, los métodos impresionistas estaban afectando, al menos superficialmente, el arte del Salón. Pintores de moda como Jean Béraud y Henri Gervex alcanzaron el éxito crítico y financiero al iluminar sus paletas mientras conservaban el acabado suave que se esperaba del arte del Salón. [69] Las obras de estos artistas a veces se denominan casualmente impresionismo, a pesar de su lejanía de la práctica impresionista.
La influencia de los impresionistas franceses perduró mucho después de que la mayoría de ellos falleciera. Artistas como J. D. Kirszenbaum siguieron adoptando técnicas impresionistas a lo largo del siglo XX.
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A medida que la influencia del impresionismo se extendió más allá de Francia, varios artistas, demasiado numerosos para enumerarlos, comenzaron a ser identificados como practicantes del nuevo estilo. Algunos de los ejemplos más importantes son:
While Edgar Degas was primarily known as a painter in his lifetime, he began to pursue the medium of sculpture later in his artistic career in the 1880s. He created as many as 150 sculptures during his lifetime. Degas preferred the medium of wax for his sculptures because it allowed him to make changes, start over, and further explore the modelling process.[73] Only one of Degas's sculptures, Little Dancer of Fourteen Years, was exhibited in his lifetime, which was exhibited at the Sixth Impressionist Exhibition in 1881. Little Dancer proved to be controversial with critics. Some considered Degas to have overthrown sculptural traditions in the same way that Impressionism had overthrown the traditions of painting. Others found it to be ugly. [74] Following the Degas's death in 1917, his heirs authorized bronze castings from 73 of the artist's sculptures.[75]
The sculptor Auguste Rodin is sometimes called an Impressionist for the way he used roughly modeled surfaces to suggest transient light effects.[76] The sculptor Medardo Rosso has also been called an Impressionist.[77]
Some Russian artists created Impressionistic sculptures of animals in order to break away from old world concepts. Their works have been described as endowing birds and beasts with new spiritual characteristics.[78]
While his photographs are less known than his paintings or his sculptures, Edgar Degas also pursued photography later in his life. His photographs were never exhibited during his lifetime, and not much attention was given to them following his death. It was not until the late 20th century that scholars started to take interest in Degas's photographs.[79]
Pictorialist photographers, whose work is characterized by soft focus and atmospheric effects, have also been called Impressionists. These Impressionist photographers used various techniques such as photographing subjects out of focus, using soft focus lenses or pinhole lenses, and manipulating the gum bichromate process to create images that resembled Impressionist paintings.[80]
French Impressionist Cinema is a term applied to a loosely defined group of films and filmmakers in France from 1919 to 1929, although these years are debatable. French Impressionist filmmakers include Abel Gance, Jean Epstein, Germaine Dulac, Marcel L'Herbier, Louis Delluc, and Dmitry Kirsanoff.
Musical Impressionism is the name given to a movement in European classical music that arose in the late 19th century and continued into the middle of the 20th century. Originating in France, musical Impressionism is characterized by suggestion and atmosphere, and eschews the emotional excesses of the Romantic era. Impressionist composers favoured short forms such as the nocturne, arabesque, and prelude, and often explored uncommon scales such as the whole tone scale. Perhaps the most notable innovations of Impressionist composers were the introduction of major 7th chords and the extension of chord structures in 3rds to five- and six-part harmonies.
The influence of visual Impressionism on its musical counterpart is debatable. Claude Debussy and Maurice Ravel are generally considered the greatest Impressionist composers, but Debussy disavowed the term, calling it the invention of critics. Erik Satie was also considered in this category, though his approach was regarded as less serious, more musical novelty in nature.
Paul Dukas is another French composer sometimes considered an Impressionist, but his style is perhaps more closely aligned to the late Romanticists. Musical Impressionism beyond France includes the work of such composers as Ottorino Respighi (Italy), Ralph Vaughan Williams, Cyril Scott, and John Ireland (England), Manuel De Falla and Isaac Albeniz (Spain), and Charles Griffes (America).
American Impressionist music differs from European Impressionist music, and these differences are mainly reflected in Charles Griffith's poetry of flute and orchestral music. He is also the most prolific Impressionist composer in the United States.[81]
The term Impressionism has also been used to describe works of literature in which a few select details suffice to convey the sensory impressions of an incident or scene. Impressionist literature is closely related to Symbolism, with its major exemplars being Baudelaire, Mallarmé, Rimbaud, and Verlaine. Authors such as Virginia Woolf, D.H. Lawrence, Henry James, and Joseph Conrad have written works that are Impressionistic in the way that they describe, rather than interpret, the impressions, sensations and emotions that constitute a character's mental life. Some literary scholars, such as John G. Peters, believe literary Impressionism is better defined by its philosophical stance than by any supposed relationship with Impressionist painting.[82]
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During the 1880s several artists began to develop different precepts for the use of colour, pattern, form, and line, derived from the Impressionist example: Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Georges Seurat, and Henri de Toulouse-Lautrec. These artists were slightly younger than the Impressionists, and their work is known as post-Impressionism. Post-Impressionist artists reacted against the Impressionists' concern with realistically reproducing the optical sensations of light and colour; they turned instead toward symbolic content and the expression of emotion.[83]
Post-Impressionism prefigured the characteristics of Futurism and Cubism, reflecting the change of attitude towards art in European society.[84] Some of the original Impressionist artists also ventured into this new territory; Camille Pissarro briefly painted in a pointillist manner, and even Monet abandoned strict plein air painting. Paul Cézanne, who participated in the first and third Impressionist exhibitions, developed a highly individual vision emphasising pictorial structure, and he is more often called a post-Impressionist. Although these cases illustrate the difficulty of assigning labels, the work of the original Impressionist painters may, by definition, be categorised as Impressionism.
General:
Many of the independent artists chose not to apply the thick golden varnish that painters customarily used to tone down their works.
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