Un instrumento musical electrónico o electrófono es un instrumento musical que produce sonido mediante circuitos electrónicos . Este tipo de instrumento suena emitiendo una señal de audio eléctrica, electrónica o digital que finalmente se conecta a un amplificador de potencia que acciona un altavoz , creando el sonido que escuchan el intérprete y el oyente.
Un instrumento electrónico puede incluir una interfaz de usuario para controlar su sonido, a menudo ajustando el tono , la frecuencia o la duración de cada nota . Una interfaz de usuario común es el teclado musical , que funciona de manera similar al teclado de un piano acústico , donde las teclas están conectadas mecánicamente a los martillos de cuerda que se balancean, mientras que con un teclado electrónico, la interfaz del teclado está conectada a un módulo de sintetizador , computadora u otro generador de sonido electrónico o digital, que luego crea un sonido. Sin embargo, es cada vez más común separar la interfaz de usuario y las funciones de generación de sonido en un controlador de música ( dispositivo de entrada ) y un sintetizador de música , respectivamente, con los dos dispositivos comunicándose a través de un lenguaje de descripción de interpretación musical como MIDI u Open Sound Control . La naturaleza de estado sólido de los teclados electrónicos también ofrece diferentes "sensaciones" y "respuestas", lo que ofrece una experiencia novedosa al tocar en relación con el funcionamiento de un teclado de piano conectado mecánicamente.
Todos los instrumentos musicales electrónicos pueden considerarse un subconjunto de las aplicaciones de procesamiento de señales de audio . A los instrumentos musicales electrónicos simples a veces se los llama efectos de sonido ; la frontera entre los efectos de sonido y los instrumentos musicales reales a menudo no está clara.
En el siglo XXI, los instrumentos musicales electrónicos se utilizan ampliamente en la mayoría de los estilos de música. En estilos de música popular como la música electrónica de baile , casi todos los sonidos de instrumentos utilizados en grabaciones son instrumentos electrónicos (por ejemplo, sintetizador de bajo , sintetizador , caja de ritmos ). El desarrollo de nuevos instrumentos musicales electrónicos, controladores y sintetizadores sigue siendo un campo de investigación muy activo e interdisciplinario. Se han organizado conferencias especializadas, como la Conferencia Internacional sobre Nuevas Interfaces para la Expresión Musical , para informar sobre trabajos de vanguardia, así como para proporcionar un escaparate para los artistas que interpretan o crean música con nuevos instrumentos de música electrónica, controladores y sintetizadores.
En musicología, los instrumentos musicales electrónicos se conocen como electrófonos. Los electrófonos son la quinta categoría de instrumentos musicales según el sistema de Hornbostel-Sachs . Los musicólogos suelen clasificar la música como electrófonos solo si el sonido se produce inicialmente mediante electricidad, excluyendo los instrumentos acústicos controlados electrónicamente, como los órganos de tubos , y los instrumentos amplificados , como las guitarras eléctricas .
La categoría fue añadida al sistema de clasificación de instrumentos musicales de Hornbostel-Sachs por Sachs en 1940, en su libro de 1940 The History of Musical Instruments ; [1] la versión original del sistema de 1914 no la incluía. Sachs dividió los electrófonos en tres subcategorías:
La última categoría incluía instrumentos como los theremines o sintetizadores , a los que llamó instrumentos radioeléctricos.
Francis William Galpin proporcionó un grupo de este tipo en su propio sistema de clasificación, que se acerca más a Mahillon que a Sachs-Hornbostel. Por ejemplo, en el libro de Galpin de 1937 A Textbook of European Musical Instruments , enumera los electrófonos con tres divisiones de segundo nivel para la generación de sonido ("por oscilación", "electromagnético" y "electrostático"), así como categorías de tercer y cuarto nivel basadas en el método de control. [2]
Los etnomusicólogos actuales , como Margaret Kartomi [3] y Terry Ellingson [4], sugieren que, de acuerdo con el espíritu del esquema de clasificación original de Hornbostel Sachs, si uno clasifica los instrumentos según lo que primero produce el sonido inicial en el instrumento, solo la subcategoría 53 debería permanecer en la categoría de electrófonos. Así, se ha propuesto más recientemente, por ejemplo, que el órgano de tubos (incluso si utiliza la acción de teclas eléctricas para controlar válvulas solenoides ) permanezca en la categoría de aerófonos , y que la guitarra eléctrica permanezca en la categoría de cordófonos , y así sucesivamente.
En el siglo XVIII, los músicos y compositores adaptaron una serie de instrumentos acústicos para aprovechar la novedad de la electricidad. Así, en el sentido más amplio, el primer instrumento musical electrificado fue el teclado Denis d'or , que data de 1753, seguido poco después por el clavecín eléctrico del francés Jean-Baptiste de Laborde en 1761. El Denis d'or consistía en un instrumento de teclado de más de 700 cuerdas, electrificado temporalmente para mejorar las cualidades sonoras. El clavecín eléctrico era un instrumento de teclado con púa (púas) activadas eléctricamente. Sin embargo, ninguno de los dos instrumentos utilizaba la electricidad como fuente de sonido.
El primer sintetizador eléctrico fue inventado en 1876 por Elisha Gray . [5] [6] El "telégrafo musical" fue un subproducto casual de su tecnología telefónica cuando Gray descubrió que podía controlar el sonido a partir de un circuito electromagnético autovibratorio y así inventó un oscilador básico . El telégrafo musical usaba lengüetas de acero que oscilaban mediante electroimanes y se transmitían a través de una línea telefónica. Gray también construyó un dispositivo de altavoz simple en modelos posteriores, que consistía en un diafragma que vibraba en un campo magnético.
Un invento significativo, que más tarde tuvo un profundo efecto en la música electrónica, fue el audion en 1906. Esta fue la primera válvula termoiónica, o tubo de vacío y que condujo a la generación y amplificación de señales eléctricas, la radiodifusión y la computación electrónica, entre otras cosas. Otros sintetizadores tempranos fueron el Telharmonium (1897), el Theremin (1919), el Spharophon (1924) y Partiturophone de Jörg Mager , el Electronde (1933) similar de Taubmann , las ondes Martenot ("Ondas Martenot", 1928) de Maurice Martenot , y el Trautonium (1930) de Trautwein. El Mellertion (1933) usaba una escala no estándar, el Dynaphone de Bertrand podía producir octavas y quintas perfectas, mientras que el Emicon era un instrumento estadounidense controlado por teclado construido en 1930 y el Hellertion alemán combinaba cuatro instrumentos para producir acordes. También aparecieron tres instrumentos rusos: la Croix Sonore de Oubouhof (1934), el oboe de teclado electrónico microtonal de Ivor Darreg (1937) y el sintetizador ANS , construido por el científico ruso Evgeny Murzin entre 1937 y 1958. De este último solo se construyeron dos modelos y el único ejemplar que sobrevive se encuentra actualmente almacenado en la Universidad Lomonosov de Moscú . Se ha utilizado en muchas películas rusas, como Solaris , para producir sonidos inusuales y "cósmicos". [7] [8]
Hugh Le Caine , John Hanert, Raymond Scott , el compositor Percy Grainger (con Burnett Cross) y otros construyeron una variedad de controladores automatizados de música electrónica durante finales de la década de 1940 y la de 1950. En 1959, Daphne Oram produjo un nuevo método de síntesis, su técnica " Oramics ", impulsada por dibujos en una tira de película de 35 mm; se utilizó durante varios años en el BBC Radiophonic Workshop . [9] Este taller también fue responsable del tema de la serie de televisión Doctor Who , una pieza, creada en gran parte por Delia Derbyshire , que más que ninguna otra aseguró la popularidad de la música electrónica en el Reino Unido.
En 1897, Thaddeus Cahill patentó un instrumento llamado Telharmonium (o Teleharmonium, también conocido como Dynamaphone). Utilizando ruedas fónicas para generar sonidos musicales como señales eléctricas mediante síntesis aditiva , era capaz de producir cualquier combinación de notas y armónicos, en cualquier nivel dinámico. Esta tecnología se utilizó más tarde para diseñar el órgano Hammond . Entre 1901 y 1910, Cahill hizo fabricar tres versiones progresivamente más grandes y complejas, la primera con un peso de siete toneladas, la última de más de 200 toneladas. La portabilidad se gestionaba únicamente por ferrocarril y con el uso de treinta vagones de carga. En 1912, el interés público había menguado y la empresa de Cahill estaba en quiebra. [10]
Otro desarrollo, que despertó el interés de muchos compositores, ocurrió en 1919-1920. En Leningrado, Leon Theremin construyó y demostró su Etherophone, que más tarde fue rebautizado como Theremin . Esto dio lugar a las primeras composiciones para instrumentos electrónicos, en oposición a los generadores de ruido y las máquinas reutilizadas. El Theremin fue notable por ser el primer instrumento musical tocado sin tocarlo. [ cita requerida ] En 1929, Joseph Schillinger compuso la Primera Suite Airphonic para Theremin y Orquesta , estrenada con la Orquesta de Cleveland con Leon Theremin como solista. Al año siguiente, Henry Cowell encargó a Theremin la creación de la primera máquina de ritmo electrónica, llamada Rhythmicon . Cowell escribió algunas composiciones para ella, que él y Schillinger estrenaron en 1932.
Las ondas Martenot se tocan con un teclado o moviendo un anillo a lo largo de un alambre, creando sonidos "vacilantes" similares a un theremin . [11] Fue inventado en 1928 por el violonchelista francés Maurice Martenot , quien se inspiró en las superposiciones accidentales de tonos entre osciladores de radio militares, y quería crear un instrumento con la expresividad del violonchelo . [11] [12]
El compositor francés Olivier Messiaen utilizó las ondas Martenot en piezas como su sinfonía de 1949 Turangalîla-Symphonie , y su cuñada Jeanne Loriod fue una célebre intérprete. [13] Aparece en numerosas bandas sonoras de películas y televisión, particularmente películas de ciencia ficción y terror . [14] Los usuarios contemporáneos de las ondas Martenot incluyen a Tom Waits , Daft Punk y el guitarrista de Radiohead Jonny Greenwood . [15]
El Trautonium fue inventado en 1928. Se basaba en la escala subarmónica y los sonidos resultantes se usaban a menudo para emular sonidos de campanas o gongs, como en las producciones de Parsifal en Bayreuth en los años 50. En 1942, Richard Strauss lo usó para la parte de campanas y gongs en el estreno en Dresde de su Japanese Festival Music . Esta nueva clase de instrumentos, microtonal por naturaleza, fue adoptada lentamente por los compositores al principio, pero a principios de los años 30 hubo una explosión de nuevas obras que incorporaban estos y otros instrumentos electrónicos.
En 1929 Laurens Hammond estableció su empresa para la fabricación de instrumentos electrónicos. Pasó a producir el órgano Hammond , que se basaba en los principios del Telharmonium , junto con otros desarrollos que incluían las primeras unidades de reverberación. [16] El órgano Hammond es un instrumento electromecánico, ya que utiliza tanto elementos mecánicos como piezas electrónicas. Un órgano Hammond utiliza ruedas fónicas de metal giratorias para producir diferentes sonidos. Se utiliza una pastilla magnética de diseño similar a las pastillas de una guitarra eléctrica para transmitir los tonos de las ruedas fónicas a un amplificador y una caja de altavoces. Si bien el órgano Hammond fue diseñado para ser una alternativa de menor costo a un órgano de tubos para la música de iglesia, los músicos pronto descubrieron que el Hammond era un excelente instrumento para el blues y el jazz ; de hecho, se desarrolló todo un género de música en torno a este instrumento, conocido como el trío de órgano (normalmente órgano Hammond, batería y un tercer instrumento, ya sea saxofón o guitarra).
El primer sintetizador fabricado comercialmente fue el Novachord , construido por la Hammond Organ Company entre 1938 y 1942, que ofrecía polifonía de 72 notas utilizando 12 osciladores que accionaban circuitos divisores basados en monoestables , control de envolvente básico y filtros resonantes de paso bajo . El instrumento contaba con 163 tubos de vacío y pesaba 500 libras. El uso del control de envolvente en el instrumento es significativo, ya que esta es quizás la distinción más significativa entre el sintetizador moderno y otros instrumentos electrónicos.
Los instrumentos electrónicos más utilizados son los sintetizadores , llamados así porque generan sonido artificialmente utilizando una variedad de técnicas. Todas las primeras síntesis basadas en circuitos implicaban el uso de circuitos analógicos, en particular amplificadores controlados por voltaje, osciladores y filtros. Un desarrollo tecnológico importante fue la invención del sintetizador Clavivox en 1956 por Raymond Scott con subconjunto de Robert Moog . El compositor e ingeniero francés Edgard Varèse creó una variedad de composiciones utilizando bocinas electrónicas, silbatos y cintas. En particular, escribió Poème électronique para el pabellón de Philips en la Feria Mundial de Bruselas en 1958.
RCA produjo dispositivos experimentales para sintetizar voz y música en la década de 1950. El sintetizador musical Mark II , alojado en el Centro de Música Electrónica Columbia-Princeton en la ciudad de Nueva York . Diseñado por Herbert Belar y Harry Olson en RCA, con contribuciones de Vladimir Ussachevsky y Peter Mauzey , se instaló en la Universidad de Columbia en 1957. Consistía en un conjunto del tamaño de una habitación de componentes de síntesis de sonido interconectados, y solo era capaz de producir música mediante programación, [6] utilizando un secuenciador de cinta de papel perforado con agujeros para controlar las fuentes de tono y los filtros, similar a un piano mecánico pero capaz de generar una amplia variedad de sonidos. El sistema de tubo de vacío tuvo que ser parcheado para crear timbres.
En la década de 1960, los sintetizadores generalmente todavía se limitaban a los estudios debido a su tamaño. Por lo general, tenían un diseño modular, sus fuentes de señal independientes y procesadores conectados con cables de conexión o por otros medios y controlados por un dispositivo de control común. Harald Bode , Don Buchla , Hugh Le Caine , Raymond Scott y Paul Ketoff estuvieron entre los primeros en construir tales instrumentos, a fines de la década de 1950 y principios de la de 1960. Buchla más tarde produjo un sintetizador modular comercial, el Buchla Music Easel . [17] Robert Moog , que había sido alumno de Peter Mauzey y uno de los ingenieros de RCA Mark II, creó un sintetizador que los músicos podían usar razonablemente, diseñando los circuitos mientras estaba en Columbia-Princeton. El sintetizador Moog se exhibió por primera vez en la convención de la Audio Engineering Society en 1964. [18] Requería experiencia para configurar sonidos, pero era más pequeño y más intuitivo que lo que había existido antes, menos como una máquina y más como un instrumento musical. Moog estableció estándares para la interconexión de control, utilizando un voltio logarítmico por octava para el control de tono y una señal de disparo separada. Esta estandarización permitió que los sintetizadores de diferentes fabricantes funcionaran simultáneamente. El control de tono generalmente se realizaba con un teclado estilo órgano o un secuenciador musical que producía una serie temporizada de voltajes de control. A fines de la década de 1960, cientos de grabaciones populares usaban sintetizadores Moog. Otros fabricantes de sintetizadores comerciales tempranos incluyeron ARP , que también comenzó con sintetizadores modulares antes de producir instrumentos todo en uno, y la firma británica EMS .
En 1970, Moog diseñó el Minimoog , un sintetizador no modular con un teclado incorporado. Los circuitos analógicos estaban interconectados con interruptores en una disposición simplificada llamada "normalización". Aunque menos flexible que un diseño modular, la normalización hizo que el instrumento fuera más portátil y fácil de usar. Se vendieron 12.000 unidades del Minimoog . [19] Estandarizó aún más el diseño de sintetizadores posteriores con su teclado integrado, ruedas de tono y modulación y flujo de señal VCO->VCF->VCA. Se ha hecho famoso por su sonido "gordo" y sus problemas de afinación. Los componentes de estado sólido miniaturizados permitieron que los sintetizadores se convirtieran en instrumentos portátiles autónomos que pronto aparecieron en las presentaciones en vivo y rápidamente se usaron ampliamente en la música popular y la música electrónica de arte. [20]
Muchos de los primeros sintetizadores analógicos eran monofónicos y producían un solo tono a la vez. Entre los sintetizadores monofónicos más populares se encuentran el Moog Minimoog . Algunos, como el Moog Sonic Six, el ARP Odyssey y el EML 101, podían producir dos tonos diferentes a la vez cuando se pulsaban dos teclas. La polifonía (múltiples tonos simultáneos, que permiten acordes ) solo se podía conseguir en un principio con los diseños de órganos electrónicos. Entre los teclados electrónicos populares que combinaban circuitos de órgano con procesamiento de sintetizador se encontraban el ARP Omni y el Polymoog y el Opus 3 de Moog.
En 1976 empezaron a aparecer sintetizadores polifónicos asequibles, como el Yamaha CS-50, CS-60 y CS-80 , el Sequential Circuits Prophet-5 y el Oberheim Four-Voice. Estos seguían siendo complejos, pesados y relativamente costosos. La grabación de ajustes en la memoria digital permitía el almacenamiento y la recuperación de sonidos. El primer sintetizador polifónico práctico, y el primero en utilizar un microprocesador como controlador, fue el Sequential Circuits Prophet-5, presentado a finales de 1977. [21] Por primera vez, los músicos tenían un sintetizador polifónico práctico que podía guardar todos los ajustes de los mandos en la memoria de la computadora y recuperarlos con solo pulsar un botón. El paradigma de diseño del Prophet-5 se convirtió en un nuevo estándar, desplazando lentamente los diseños modulares más complejos y recónditos.
En 1935, se produjo otro avance significativo en Alemania. La Allgemeine Elektricitäts Gesellschaft (AEG) presentó el primer grabador de cinta magnética producido comercialmente , llamado Magnetophon . La cinta de audio , que tenía la ventaja de ser bastante ligera y de tener una buena fidelidad de audio, finalmente reemplazó a los voluminosos grabadores de alambre.
El término " música electrónica " (que comenzó a usarse durante la década de 1930) llegó a incluir la grabadora como un elemento esencial: "sonidos producidos electrónicamente grabados en cinta y arreglados por el compositor para formar una composición musical". [25] También era indispensable para la música concreta .
La cinta también dio origen a los primeros teclados analógicos con reproducción de muestras, el Chamberlin y su sucesor más famoso, el Mellotron , un teclado polifónico electromecánico desarrollado y construido originalmente en Birmingham, Inglaterra, a principios de la década de 1960.
Durante los años 1940-1960, Raymond Scott , un compositor estadounidense de música electrónica, inventó varios tipos de secuenciadores musicales para sus composiciones eléctricas. Los secuenciadores por pasos reproducían patrones rígidos de notas utilizando una cuadrícula de (normalmente) 16 botones o pasos, cada paso siendo 1/16 de un compás . Estos patrones de notas se encadenaban para formar composiciones más largas. Los secuenciadores de software se utilizaron continuamente desde la década de 1950 en el contexto de la música por ordenador , incluida la música reproducida por ordenador (secuenciador de software), la música compuesta por ordenador ( síntesis musical ) y la generación de sonido por ordenador ( síntesis de sonido ).
Los primeros sintetizadores digitales fueron experimentos académicos en síntesis de sonido utilizando computadoras digitales. La síntesis FM fue desarrollada para este propósito; como una forma de generar sonidos complejos digitalmente con el menor número de operaciones computacionales por muestra de sonido. En 1983 Yamaha presentó el primer sintetizador digital independiente, el DX-7 . Utilizaba síntesis de modulación de frecuencia (síntesis FM), desarrollada por primera vez por John Chowning en la Universidad de Stanford a fines de los años sesenta. [26] Chowning licenció en exclusiva su patente de síntesis FM a Yamaha en 1975. [27] Posteriormente, Yamaha lanzó sus primeros sintetizadores FM, el GS-1 y el GS-2, que eran costosos y pesados. Siguieron un par de versiones más pequeñas y preestablecidas, los CE20 y CE25 Combo Ensembles, dirigidos principalmente al mercado de órganos domésticos y que presentaban teclados de cuatro octavas. [28] La tercera generación de sintetizadores digitales de Yamaha fue un éxito comercial; consistió en el DX7 y el DX9 (1983). Ambos modelos eran compactos, de precio razonable y dependían de circuitos integrados digitales personalizados para producir tonalidades FM. El DX7 fue el primer sintetizador totalmente digital para el mercado masivo. [29] Se volvió indispensable para muchos artistas musicales de la década de 1980 y la demanda pronto superó la oferta. [30] El DX7 vendió más de 200.000 unidades en tres años. [31]
La serie DX no era fácil de programar, pero ofrecía un sonido detallado y percusivo que llevó a la desaparición del piano electromecánico Rhodes , que era más pesado y más grande que un sintetizador DX. Tras el éxito de la síntesis FM, Yamaha firmó un contrato con la Universidad de Stanford en 1989 para desarrollar la síntesis de guía de ondas digital , lo que llevó al primer sintetizador de modelado físico comercial , el VL-1 de Yamaha, en 1994. [32] El DX-7 era lo suficientemente asequible para que lo compraran aficionados y bandas jóvenes, a diferencia de los costosos sintetizadores de generaciones anteriores, que eran utilizados principalmente por profesionales de alto nivel.
El Fairlight CMI (Computer Musical Instrument), el primer sampler digital polifónico , fue el precursor de los sintetizadores basados en samples. [33] Diseñado en 1978 por Peter Vogel y Kim Ryrie y basado en una computadora de microprocesador dual diseñada por Tony Furse en Sydney, Australia, el Fairlight CMI les dio a los músicos la capacidad de modificar el volumen, el ataque, el decaimiento y usar efectos especiales como el vibrato. Las formas de onda de sample se podían mostrar en la pantalla y modificar usando un lápiz óptico . [34] El Synclavier de New England Digital era un sistema similar. [35] Jon Appleton (con Jones y Alonso) inventó el sintetizador digital Dartmouth, que luego se convertiría en el Synclavier de New England Digital Corp. El Kurzweil K250 , producido por primera vez en 1983, también fue un sintetizador de música digital polifónico exitoso, [36] conocido por su capacidad de reproducir varios instrumentos de manera sincrónica y por tener un teclado sensible a la velocidad. [37]
Un importante avance fue la aparición de las computadoras con el propósito de componer música, en lugar de manipular o crear sonidos. Iannis Xenakis comenzó lo que se llama musique stochastique, o música estocástica , que es un método de composición que emplea sistemas de probabilidad matemática. Se utilizaron diferentes algoritmos de probabilidad para crear una pieza bajo un conjunto de parámetros. Xenakis utilizó papel cuadriculado y una regla para ayudar a calcular las trayectorias de velocidad del glissando para su composición orquestal Metastasis (1953-54), pero más tarde recurrió al uso de computadoras para componer piezas como ST/4 para cuarteto de cuerdas y ST/48 para orquesta (ambas de 1962).
El impacto de las computadoras continuó en 1956. Lejaren Hiller y Leonard Issacson compusieron la Suite Illiac para cuarteto de cuerdas , la primera obra completa de composición asistida por computadora utilizando composición algorítmica . [38]
En 1957, Max Mathews, del Laboratorio Bell, escribió la serie MUSIC-N , la primera familia de programas informáticos para generar formas de onda de audio digital mediante síntesis directa. A continuación, Barry Vercoe escribió MUSIC 11 , basado en MUSIC IV-BF , un programa de síntesis musical de última generación (que más tarde evolucionó a csound , que todavía se utiliza ampliamente).
A mediados de los 80, Miller Puckette en IRCAM desarrolló un software de procesamiento de señales gráficas para 4X llamado Max (en honor a Max Mathews), y más tarde lo adaptó a Macintosh (con Dave Zicarelli extendiéndolo para Opcode [39] ) para control MIDI en tiempo real , brindando disponibilidad de composición algorítmica a la mayoría de los compositores con conocimientos modestos de programación informática.
En 1980, un grupo de músicos y comerciantes de música se reunieron para estandarizar una interfaz mediante la cual los nuevos instrumentos pudieran comunicar instrucciones de control con otros instrumentos y con el microordenador predominante. Este estándar se denominó MIDI ( Interfaz digital para instrumentos musicales ). Dave Smith, de Sequential Circuits , escribió un artículo y lo propuso a la Audio Engineering Society en 1981. Luego, en agosto de 1983, se finalizó la Especificación MIDI 1.0.
La llegada de la tecnología MIDI permite que con una sola pulsación de tecla, un movimiento de rueda de control, un movimiento de pedal o un comando de una microcomputadora se activen todos los dispositivos del estudio de forma remota y sincronizada, y cada dispositivo responda según las condiciones predeterminadas por el compositor.
Los instrumentos y el software MIDI hicieron que el control potente de instrumentos sofisticados fuera fácilmente accesible para muchos estudios y particulares. Los sonidos acústicos se reintegraron a los estudios a través del muestreo y de instrumentos basados en ROM muestreados.
El aumento de la potencia y la disminución del coste de la electrónica generadora de sonido (y especialmente de la computadora personal), combinados con la estandarización de los lenguajes de descripción de interpretación musical MIDI y Open Sound Control , han facilitado la separación de los instrumentos musicales en controladores musicales y sintetizadores musicales.
El controlador musical más común es, con diferencia, el teclado musical . Otros controladores son el radiodrum , el EWI de Akai y los controladores de viento WX de Yamaha, el SynthAxe , similar a una guitarra , el BodySynth, [40] el Buchla Thunder , el Continuum Fingerboard , el Roland Octapad , varios teclados isomorfos como el Thummer y el Kaossilator Pro , y kits como el I-CubeX .
Reactable es una mesa redonda translúcida con una pantalla interactiva retroiluminada . Al colocar y manipular bloques llamados tangibles sobre la superficie de la mesa, mientras se interactúa con la pantalla visual mediante gestos con los dedos, se opera un sintetizador modular virtual que crea música o efectos de sonido.
AudioCubes son cubos inalámbricos autónomos alimentados por un sistema informático interno y una batería recargable. Tienen iluminación RGB interna y son capaces de detectar la ubicación, orientación y distancia de los demás. Los cubos también pueden detectar distancias a las manos y dedos del usuario. A través de la interacción con los cubos, se puede operar una variedad de software de música y sonido. Los AudioCubes tienen aplicaciones en diseño de sonido, producción musical, DJ y presentaciones en vivo.
El Kaossilator y el Kaossilator Pro son instrumentos compactos en los que la posición de un dedo sobre el panel táctil controla dos características de nota; normalmente, el tono se cambia con un movimiento de izquierda a derecha y la propiedad tonal, el filtro u otro parámetro cambia con un movimiento de arriba a abajo. El panel táctil se puede configurar para diferentes escalas y tonalidades musicales. El instrumento puede grabar un bucle repetitivo de duración ajustable, configurado a cualquier tempo, y se pueden superponer nuevos bucles de sonido sobre los ya existentes. Esto se presta a la música electrónica de baile, pero es más limitado para secuencias controladas de notas, ya que el panel de un Kaossilator normal no tiene características.
El Eigenharp es un instrumento de gran tamaño parecido a un fagot , con el que se puede interactuar mediante botones grandes, un secuenciador de batería y una boquilla. El procesamiento del sonido se realiza en un ordenador independiente.
AlphaSphere es un instrumento esférico que consta de 48 pads táctiles que responden a la presión y al tacto. Un software personalizado permite programar indefinidamente los pads de forma individual o por grupos en términos de función, nota y parámetro de presión, entre muchos otros ajustes. El concepto principal de AlphaSphere es aumentar el nivel de expresión disponible para los músicos electrónicos, permitiendo el estilo de interpretación de un instrumento musical.
Chiptune , chipmusic o música chip es música escrita en formatos de sonido donde muchas de las texturas de sonido son sintetizadas o secuenciadas en tiempo real por un chip de sonido de computadora o consola de videojuegos , a veces incluyendo síntesis basada en samples y reproducción de samples de baja frecuencia. Muchos dispositivos de música chip presentaban sintetizadores junto con reproducción de samples de baja frecuencia.
A finales de la década de 1970 y principios de la de 1980, se publicaron diseños "hazlo tú mismo" en revistas de electrónica para aficionados (como el sintetizador modular Formant, un clon "hazlo tú mismo" del sistema Moog, publicado por Elektor ) y los kits fueron suministrados por empresas como Paia en los EE. UU. y Maplin Electronics en el Reino Unido.
En 1966, Reed Ghazala descubrió y comenzó a enseñar matemáticas el " circuit bending ", la aplicación del cortocircuito creativo, un proceso de cortocircuito aleatorio, creando instrumentos electrónicos experimentales, explorando elementos sonoros principalmente de timbre y con menos consideración al tono o ritmo, e influenciado por el concepto de música aleatoria de John Cage . [41]
Gran parte de esta manipulación directa de circuitos, especialmente hasta el punto de su destrucción, fue iniciada por Louis y Bebe Barron a principios de la década de 1950, como su trabajo con John Cage en el Williams Mix y especialmente en la banda sonora de Forbidden Planet .
El circuit bending moderno es la personalización creativa de los circuitos dentro de dispositivos electrónicos como efectos de guitarra de bajo voltaje y a batería , juguetes para niños y pequeños sintetizadores digitales para crear nuevos instrumentos musicales o visuales y generadores de sonido. Las técnicas de circuit bending, que enfatizan la espontaneidad y la aleatoriedad, se han asociado comúnmente con la música noise , aunque se sabe que muchos músicos y grupos musicales contemporáneos más convencionales experimentan con instrumentos "bent". El circuit bending generalmente implica desmontar la máquina y agregar componentes como interruptores y potenciómetros que alteran el circuito. Con el renovado interés por los sintetizadores analógicos, el circuit bending se convirtió en una solución barata para muchos músicos experimentales para crear sus propios generadores de sonido analógicos individuales. Hoy en día se pueden encontrar muchos esquemas para construir generadores de ruido como la consola Atari Punk o el Dub Siren, así como modificaciones simples para juguetes para niños como el Speak & Spell que a menudo se modifican con circuit benders.
El sintetizador modular es un tipo de sintetizador que consta de módulos independientes intercambiables. También se encuentran disponibles en forma de kits para constructores aficionados. Muchos diseñadores aficionados también ofrecen placas de circuito impreso y paneles frontales para su venta a otros aficionados.
Tecnologías
Familias de instrumentos
Instrumentos individuales (históricos)
Instrumentos individuales (modernos)
En la música tradicional india y asiática
En 1969, una versión portátil del Moog de estudio, llamada Minimoog, se convirtió en el sintetizador más utilizado tanto en la música popular como en la música electrónica de arte.
El panel de control del Mellotron M4000 es idéntico al del M400, salvo por la incorporación de cuatro botones y una pantalla LED para operar el mecanismo de ciclado.
La interfaz de usuario del panel frontal tiene dos pantallas TFT de alta calidad que pueden mostrar imágenes de los instrumentos reales.
Este elemento de aceptar los errores es el centro de Circuit Bending, se trata de crear sonidos que no se supone que ocurran ni se escuchen (Gard, 2004). En términos de musicalidad, al igual que con la música electrónica de arte, se preocupa principalmente por el timbre y tiene poco en cuenta el tono y el ritmo en un sentido clásico. ... . En una línea similar a la música aleatoria de Cage, el arte del Bending depende del azar, cuando una persona se prepara para hacer un bending no tiene idea del resultado final.