Una efigie funeraria ( en francés : gisant ("acostado")) es una efigie esculpida de una persona fallecida que generalmente se muestra recostada sobre una losa rectangular, [1] presentada con el vestido ceremonial completo o envuelta en un sudario , y se muestra moribunda o poco después de la muerte. Estos relieves funerarios y conmemorativos se desarrollaron por primera vez en las culturas del Antiguo Egipto y Etrusco , y aparecen con mayor frecuencia en tumbas de Europa occidental desde fines del siglo XI, en un estilo que continuó en uso durante el Renacimiento y el período moderno temprano , y todavía se usa a veces. Por lo general, representan al difunto en un estado de "reposo eterno", con las manos juntas en oración, acostado sobre una almohada, esperando la resurrección. Un esposo y una esposa pueden ser representados acostados uno al lado del otro.
Las efigies reclinadas de tamaño natural de la Edad Media se utilizaron por primera vez en las tumbas de la realeza y de los clérigos de alto rango, antes de extenderse a la nobleza. Un tipo particular de efigie medieval tardía era el transi , o monumento cadavérico , en el que la efigie tiene la forma macabra de un cadáver en descomposición, o dicha figura yace en un nivel inferior, debajo de una efigie más convencional. Las figuras de luto o llanto, conocidas como pleurantes , se añadieron a las tumbas importantes debajo de la efigie. Los tipos de efigie no reclinadas se hicieron populares durante el Renacimiento. A principios del período moderno, las efigies europeas a menudo se mostraban vivas, ya sea arrodilladas o en una pose más activa, especialmente para las figuras militares. Las variaciones muestran al difunto acostado de lado como si estuviera leyendo, arrodillado en oración o incluso de pie. La efigie reclinada tuvo una especie de renacimiento durante el renacimiento gótico del siglo XIX , especialmente para los obispos y otros clérigos.
Algunos de los ejemplos más conocidos de esta forma se encuentran en la Abadía de Westminster en Londres, la Basílica de San Pedro en Roma, Santi Giovanni e Paolo, en Venecia (veinticinco dogos ) y la Basílica de Santa Croce, en Florencia .
Las creencias religiosas de las sociedades que produjeron las primeras efigies egipcias (que datan de c. 2700-2200 a. C., durante el Imperio Antiguo ) son desconocidas, pero los arqueólogos modernos suelen suponer que conmemoraban a dioses caídos o miembros de la realeza. [2] Su significado solo se puede adivinar: los arqueólogos modernos las ven como representaciones destinadas a albergar las almas de los muertos, destinadas a identificarlos mientras viajan a través del reino de los muertos. [2] La efigie funeraria más antigua conocida es la de Zoser ( c. 2686-2613 a. C.), encontrada en la cámara de adoración de la Pirámide de Zoser . Las efigies eran típicamente más pequeñas que el tamaño natural.
Las máscaras funerarias se utilizaron a lo largo de todos los periodos egipcios. Los ejemplos van desde las máscaras de oro de Tutankamón y Psusennes I hasta los "retratos de momias" romanos de Hawara y el Fayum . Ya sea en un contexto funerario o religioso, el propósito de una máscara era el mismo: transformar al portador de un estado mortal a un estado divino. [3] Los romanos continuaron esta tradición de idolatría y también crearon muchos otros tipos de efigies. Los rostros suelen ser claramente retratos de individuos.
Las efigies yacentes eran una tradición común en el arte funerario de los etruscos , una civilización y cultura avanzada que se desarrolló en el centro de Italia antes del 700 a. C. y floreció hasta finales del siglo II a. C. [5] Sus efigies eran típicamente talladas en alto relieve , [5] y producidas en una variedad de materiales, incluyendo cerámica , terracota , mármol , piedra caliza y alabastro . [6] Estructuralmente, se dividen en dos categorías: pequeñas urnas cinerarias cuadradas para cremación y sarcófagos rectangulares de tamaño casi natural para entierros, y la cremación se hizo más popular a lo largo de los siglos. [6] [7] La cultura etrusca consideraba que los muertos no eran menos completos que los vivos y existían en un reino donde estaban para siempre en la desesperación o disfrutando de la comodidad material. [6] Desde el 500 a. C., las efigies muestran a los difuntos como se veían en vida. A menudo están lujosamente vestidos y disfrutando de la comida y la bebida como si estuvieran en un banquete. Por lo general están reclinados (como si estuvieran vivos) en lugar de yacentes (como si estuvieran muertos), con los ojos abiertos hacia el espectador y a menudo apoyados sobre una almohada mientras se apoyan en su brazo o codo. [8]
En el siglo VII, los etruscos ya representaban cabezas humanas en urnas canopas . Cuando comenzaron a enterrar a sus muertos a finales del siglo VI, utilizaron sarcófagos de terracota , [9] con una imagen del difunto reclinado sobre la tapa, solo o con su cónyuge. [9] El estilo etrusco influyó en la Grecia antigua tardía , especialmente en la forma de mostrar a los muertos tal como habían sido en vida, normalmente en formato de estela (losas de piedra o madera que se suelen construir como marcadores funerarios). [10] Los romanos adaptaron algunos aspectos del estilo, que finalmente se extendió hasta Asia occidental. [8]
Los romanos prehistóricos del Monte Palatino solían incinerar a sus muertos (normalmente en piras ), mientras que los del Monte Quirinal enterraban el cuerpo. Con el tiempo, las dos prácticas se fusionaron, se sepultando el cuerpo real y quemando una efigie del difunto. [6] Los romanos adoptaron los formatos de tumbas etruscas, manteniendo la práctica de mostrar al difunto tal como era en vida. Los sarcófagos romanos se construían en mármol y con el tiempo adquirieron un tono iconográfico más contemplativo, espiritual y redentor, enfatizando el antiguo papel jerárquico del difunto en la sociedad. [11]
La expansión del cristianismo por toda Europa introdujo nuevas actitudes hacia la muerte y los muertos, y por primera vez se construyeron tumbas en lugares de culto, es decir, iglesias. [12] Las primeras efigies yacentes medievales ( gisants ) se produjeron en el siglo XI, y el ejemplo más antiguo que sobrevive es el de Rodolfo de Rheinfelden (fallecido en 1080) en la catedral de Merseburgo en Alemania. [13] Estas primeras efigies muestran al difunto (generalmente un clérigo real o aristócrata) vestido con ropa contemporánea. El formato proliferó en el norte de Europa a fines del siglo XII a medida que se hizo popular entre una clase creciente de élites adineradas que a menudo encargaban sus tumbas años antes de su muerte; a menudo buscando cimentar su legado histórico o espiritual o, especialmente en los primeros ejemplos, restaurar una reputación empañada por la derrota política o militar. [14] [15]
La historiadora del arte Marisa Anne Bass resumió la función de las efigies medievales escribiendo que "representar la muerte es hacer presente una ausencia". [16] Los historiadores difieren en cuanto a las influencias históricas detrás de sus diseños. En 1964, en el primer estudio general importante sobre esculturas funerarias, el historiador del arte Erwin Panofsky sugirió que se basaban en mosaicos de tumbas norteafricanas y españolas, mientras que otros historiadores del arte argumentaron que la influencia principal provenía de los monumentos funerarios clásicos, en particular los de la cultura etrusca. [17] La historiadora Shirin Fozi reconoce la influencia de formatos anteriores, pero pensó que la idea de colocar una representación "animada" de los muertos sobre su tumba es "demasiado intuitiva y obvia para que se la interprete como si los análogos antiguos fueran necesariamente fuentes de inspiración". [18] Según el historiador inglés Alfred C. Fryer, una "efigie hecha a toda prisa y animada" del difunto "con sus mismas vestiduras de estado" se convirtió en parte de la procesión fúnebre, después de lo cual la representación se dejó encima o cerca del lugar del entierro. [19] Se colocaron en muchos tipos de tumbas; al principio en losas de tumbas antes de que las tumbas de mesa o de cofre ( tumba ) se convirtieran en el estándar. [20] Más tarde, las tumbas construidas en cavidades en las paredes se hicieron populares en Francia y España. [21]
Las efigies de la Alta Edad Media suelen estar hechas de piedra caliza , arenisca , mármol o, más raramente, de bronce o madera (normalmente roble). El alabastro se hizo popular a principios del siglo XIV y, hacia 1500, en Inglaterra era el material principal más popular. El bronce siguió utilizándose, pero debido a su valor intrínseco, estas tumbas solían desmantelarse y el material se vendía; hoy en día solo sobreviven ejemplos ingleses. [22]
Las primeras "tumbas de cofre" se construían típicamente a partir de varios paneles de piedra, con una cavidad (a menudo llena de escombros) para sostener la efigie. Estaban diseñadas para dar la impresión de que el cuerpo había sido colocado dentro de ellas, pero el cadáver generalmente era enterrado en una bóveda debajo o al lado del monumento. Excavaciones recientes indican que algunos cofres del siglo XIV actuaban como contenedores para el cuerpo. Sin embargo, relativamente pocos monumentos funerarios medievales han sido abiertos. [23] Ejemplos notables donde el cuerpo fue colocado dentro del cofre incluyen las tumbas de Enrique III de Inglaterra (completada c. 1290 ) y Eduardo I (fallecido en 1307), ambas en la Abadía de Westminster , Londres. Cuando se abrió esta última tumba en 1774, los restos se encontraron en un ataúd de mármol colocado sobre un lecho de escombros. [24]
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Los primeros ejemplos medievales son alemanes; el estilo fue desarrollado significativamente por escultores franceses durante el estilo románico entre c. 1080 y c. 1160. [ 26] [27] En el siglo XII, las efigies alemanas, holandesas, belgas y españolas siguieron en gran medida las formas y la iconografía de los modelos franceses [27] [28] y habían comenzado a adaptar elementos del estilo gótico emergente . [29]
Las efigies románicas se tallaban típicamente en mármol blanco o alabastro y representaban el cuerpo y el rostro del difunto tal como aparecían en vida, sin marcas de enfermedad o muerte. Los rostros son idealizados en lugar de representaciones precisas y a menudo muestran al difunto mucho más joven de lo que había sido al morir. [30] Las efigies siempre están recostadas, como si estuvieran muertas, y en el siglo XIV con las manos unidas en oración. El material más común son las tallas en mármol, alabastro o madera, con algunos ejemplos fundidos en bronce o latón. Los rostros y las manos de las pocas efigies de madera supervivientes están hechos de cera o yeso. Las efigies solían estar policromadas para simular la vida, pero en la mayoría de los casos, la pintura se ha desgastado hace mucho tiempo. [31]
Los primeros ejemplos seculares aparecieron en el siglo XII, tras el establecimiento de la clase caballeresca. [32] Estas tumbas se colocaban normalmente sobre losas de mármol planas sostenidas por cofres de estilo sepulcral (también conocidos como tumbas) [10] decorados con heráldica y detalles arquitectónicos. Los primeros ejemplos que muestran armadura datan de la década de 1240, y los ejemplos supervivientes más numerosos se encuentran en Inglaterra. Las dos poses más comunes de estos tipos ingleses son los caballeros sacando su espada o tumbados con las piernas cruzadas; motivos particularmente ingleses, aunque hay algunos ejemplos polacos y franceses. [33] [34]
Aunque se produjeron tumbas románicas y góticas en gran número —especialmente en Francia e Inglaterra—, se estima que más de la mitad fueron destruidas durante la iconoclasia en el período moderno temprano, y más aún durante la Revolución Francesa . La mayoría de las iglesias inglesas no fueron objeto de tal destrucción. [28]
La producción a gran escala de efigies comenzó en Gran Bretaña a mediados del siglo XIII, tras el surgimiento de la clase caballeresca. [35] Las efigies de tumbas son el tipo más numeroso de estatuaria medieval superviviente en Gran Bretaña, con alrededor de 250 efigies seculares existentes solo de cada uno de los siglos XIII y XIV. [36] Los ejemplos tempranos más numerosos son representaciones de caballeros, con más de 150 de estas efigies supervivientes del siglo XIII y casi 200 del siglo XIV. [33] Por lo general, son de tamaño inferior al natural y a menudo muestran al difunto con la espada desenvainada o con las piernas cruzadas. [37] [38] Muchas de las de caballeros producidas durante el reinado de Plantagenet se conocen como " galos moribundos ", dado que muestran al difunto alcanzando su espada como si estuviera a punto de comenzar una batalla o luchando contra la muerte. [39] [40]
Las efigies caballerescas del siglo XIII son menos rígidas y esculturales que los ejemplos franceses, lo que refleja lo que el historiador HA Tummers describe como una "perspectiva más mundana y menos espiritual". [28] Las de la iglesia del Temple de Londres se encuentran entre algunos de los primeros ejemplos e incluyen la efigie de Geoffrey de Mandeville, conde de Essex (fallecido en 1144) y la del estadista anglonormando William Marshal (fallecido en 1219), un benefactor de los Caballeros Templarios que sirvió a Enrique II . [41]
El desenvainado de la espada pretende mostrar, según la historiadora del arte Rachel Dressler, su «dinamismo físico». [33] La pose de piernas cruzadas es más difícil de interpretar. Durante mucho tiempo se creyó que indicaba que el difunto había participado en las Cruzadas o había sido un caballero templario , pero estas teorías ahora son rechazadas por los estudiosos. [42] [43]
Los períodos de iconoclasia en Gran Bretaña no fueron tan severos ni tan extensos como los del norte de Europa continental, por lo que el número de ejemplos sobrevivientes excede incluso al de Francia. [37] Sin embargo, un gran número fue destruido durante las oleadas de iconoclasia del siglo XIV y las Guerras Cromwellianas de los Tres Reinos en el siglo XVII. [32] El principal período de destrucción fue en el siglo XVI, durante la Reforma liderada por Enrique VIII , cuando muchos asentamientos monásticos fueron destruidos, con víctimas que incluyeron muchas tumbas reales inglesas. [44]
Debido a la relativa escasez de material de piedra apropiado —especialmente en Londres y los condados circundantes— las efigies de madera se volvieron comunes durante el período románico. [45] Dada la perecibilidad de la madera, solo sobreviven cinco ejemplos, todos en roble . [46] [a]
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Los duques de Borgoña , que gobernaron en la actual Bélgica, Luxemburgo y el norte de Francia durante los siglos XIV y XV, fueron reconocidos en toda Europa como mecenas de las artes. A través de su colaboración con artistas como el escultor Claus Sluter y los pintores Jan van Eyck y Rogier van der Weyden (que se cree que pintó algunas de sus efigies), se convirtieron en claves en el desarrollo del arte neerlandés temprano y del Renacimiento nórdico en general . [50]
La iconografía de las tumbas borgoñonas desarrolla formas y motivos encontrados en los monumentos de los reyes franceses en la Basílica de Saint-Denis , cerca de París. [51] La ahora perdida tumba de Juana de Brabante ( c. 1457 ) es probablemente el ejemplo más antiguo; [52] sus filas de dolientes colocadas debajo de la losa se reprodujeron en tumbas borgoñonas posteriores, incluidas las de Isabel de Borbón , construidas entre 1475 y 1476, [53] [54] [55] donde los dolientes fueron copiados directamente del monumento de Juana. [56]
El estilo se volvió influyente en toda Europa con la tumba de Felipe el Temerario (fallecido en 1404), construida a lo largo de 30 años a partir de 1381 [57] por los escultores Jean de Marville (fallecido en 1389) y Sluter (fallecido en 1405?) para la Cartuja de Champmol , cerca de Dijon , que también alberga las tumbas de su hijo Juan el Temerario (fallecido en 1419) y la esposa de Juan, Margarita de Baviera (fallecida en 1424). [58] [59] La tumba de Felipe es descrita por el historiador de arte Frits Scholten como "una de las tumbas más magníficas de la Baja Edad Media". [59]
Las efigies borgoñonas se caracterizan por sus rostros naturalistas, ojos abiertos, ángeles sobre sus cabezas y animales (perros o leones) a sus pies. [52] La de Felipe está hecha de mármol blanco policromado que le da una palidez natural. Su cabeza reposa sobre un cojín y tiene un ángel a cada lado que lo vigila, presumiblemente guiándolo hacia el más allá. Los ojos abiertos pretenden ser una afirmación de la Resurrección , al igual que las oraciones contenidas en los libros que sostienen algunos de los dolientes en los nichos . [61]
Varias tumbas polacas del siglo XVI contenían efigies con las piernas cruzadas. Sin embargo, se cree que la iconografía difiere de los ejemplos ingleses y, en lugar de denotar a un caballero muerto en el campo de batalla, la pose probablemente simboliza el estatus principesco del difunto o, según el historiador Jan Białostocki, "su estado de reposo tranquilo y bendito". [34]
Aunque muchas de las innovaciones en las efigies de las tumbas medievales se produjeron en el norte de Europa, la influencia de la escultura renacentista es evidente en Italia desde principios del siglo XV y más tarde en España. [21] Aunque la estructura de los monumentos funerarios se mantuvo en gran medida fiel a las tradiciones románicas y góticas anteriores, la iconografía comenzó a reflejar el cambio de actitud social hacia los muertos. Esto se ve particularmente en la incorporación de imágenes seculares y humanísticas , ya que antes los imperativos religiosos detrás del diseño de las tumbas eran el deseo de solicitar la oración de intercesión de los espectadores para acelerar el paso del alma por el purgatorio . [62] [63] [64]
Los escenarios arquitectónicos se volvieron más elaborados, incorporando elementos clásicos como puttos , sirenas , centauros y cabezas de perfil de estilo romano. [63] Las tumbas y sus efigies incorporaron y fusionaron innovaciones escultóricas y pictóricas recientes con las tradiciones clásicas. [21]
Lo más significativo es que las efigies no yacentes se hicieron más populares, con variaciones que incluían a la fallecida acostada de lado, arrodillada en oración o incluso de pie. La parte superior de la tumba de Valentina Balbiani (fallecida en 1572) la muestra en vida, con un libro y un perro, reclinada en una pose de descanso que recuerda a las efigies etruscas. Un bajorrelieve en la base de la tumba muestra su cadáver descompuesto en estilo transi. [65]
En su diseño y construcción participaron varios viejos maestros , incluidos Donatello y Bernini [66].
Los monumentos funerarios europeos adaptaron innovaciones de otras formas de escultura durante el período moderno temprano, incluidas las de influencia no europea. [16] Sin embargo, en parte impulsadas por las actitudes de la Ilustración hacia la religión, el cuerpo humano y la posibilidad de una vida después de la muerte, [68] en la década de 1750 las efigies habían caído en desuso en gran medida en toda Europa. Aunque el formato siguió siendo popular en Inglaterra, [69] se volvió especialmente raro en Francia a raíz de la Revolución : en 1793, los líderes de la Primera República Francesa decretaron la destrucción de las "tumbas y mausoleos de los antiguos reyes" (que estaban principalmente en la Basílica de Saint-Denis ) para celebrar el primer aniversario de la caída de la monarquía y el colapso del sistema del Antiguo Régimen . [b] [70] [71]
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En Europa continental, los entierros individuales en las grandes ciudades estaban desaconsejados, en parte por falta de espacio disponible, pero también por cuestiones de higiene. Fueron reemplazados por osarios colectivos sin marcar, como las catacumbas de París , donde los muertos eran enterrados sin ritos cristianos . [71]
Este cambio siguió a la pérdida general de la creencia religiosa tras la revolución; Panofsky se refirió a las tumbas europeas después del siglo XVII como un "asunto escéptico", mientras que otros historiadores del arte, incluido Fred Licht, notaron una indiferencia prevaleciente hacia los ritos funerarios. [71]
Las efigies yacentes volvieron a ponerse de moda a principios del siglo XIX, cuando se fundaron una serie de nuevos cementerios importantes, normalmente justo fuera de los límites de la ciudad; los más grandes fueron Montmartre en París y el Cementerio Monumental de Milán . [72] En Francia, los cementerios comenzaron a verse como lugares seculares donde todos, independientemente de la clase, podían visitar a sus muertos, y eran administrados por el gobierno local en lugar de la iglesia. [73] Así, las efigies se convirtieron en conmemorativas en lugar de funerarias y perdieron la mayoría de sus asociaciones religiosas. El cambio coincidió con la transición entre lo que la historiadora de arte Suzanne Glover Lindsay describe como el estilo barroco "dramático" al neoclasicismo "frío ". Según Lindsay, los ejemplos franceses individuales llegaron a ser considerados como "entre las más altas representaciones de la escultura... moderna" y ayudaron a aumentar la reputación de muchos escultores individuales en un período en el que el oficio tenía significativamente menos prestigio que la pintura o la arquitectura. [74]
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La gran mayoría de las efigies medievales estaban hechas de piedra, normalmente de mármol o alabastro . Las efigies de madera se hicieron populares en el sur de Inglaterra, y hay ejemplos de tumbas de aleación de cobre , especialmente en Francia y en las antiguas tierras de Borgoña. [77]
La práctica de mostrar las efigies de una pareja casada una al lado de la otra en el mismo pedestal (o losa) comenzó en Francia y Alemania a fines del siglo XIII y se extendió por el norte de Europa a fines del siglo XIV. [78] [79] Se pueden clasificar en dos tipos básicos: aquellas en las que las efigies se crearon por separado (en diferentes fechas de muerte) y luego se colocaron juntas en un solo pedestal, y aquellas creadas al mismo tiempo a partir de un solo bloque de piedra. [80] En el primer tipo, la tumba a menudo se habría encargado y construido antes de la muerte del cónyuge restante. [81] La práctica puede haber comenzado como un dispositivo para legitimar matrimonios reales controvertidos o disputados. [82] De la misma manera, las primeras tumbas dobles del gótico no necesariamente tenían la intención de celebrar el amor entre la pareja, sino de reforzar el aspecto político de su unión. [62]
Muchos ejemplos de finales del siglo XIV y principios del XV muestran a las parejas tomadas de la mano. Si bien el motivo se utilizó sin duda para reflejar el afecto entre la pareja, también debe verse en el contexto ritual y legal de la contemporaneidad. En un escrito de 2021, la historiadora de arte Jessica Barker dijo que el gesto debe verse como análogo a un apretón de manos moderno que "simboliza y efectúa un acuerdo entre dos partes". [83] Un ejemplo temprano es la tumba ahora perdida de Blanca de Lancaster (fallecida en 1368) y su segundo marido, Juan de Gante (fallecido en 1399). Los dos ejemplos medievales más famosos son los de Ricardo II de Inglaterra (fallecido en 1400) y Ana de Bohemia (fallecida en 1394), y Juan I de Portugal (fallecido en 1433) y Felipa de Lancaster (fallecida en 1415), que Barker describe como "que ponen un énfasis extraordinario en el amor entre el rey y la reina". [81] El conocido poema de Philip Larkin An Arundel Tomb , terminado en 1964, describe y reflexiona sobre las efigies de Richard Fitzalan (fallecido en 1376) y Leonor de Lancaster (fallecida en 1372) en la catedral de Chichester . [82] [84]
![Dibujo de las efigies de Juan I de Portugal y la reina Felipa de Lancaster. Monasterio de Batalha, Batalha, Portugal.[86]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c4/The_Effigies_of_King_John_the_First_and_Queen_Philippa_-_James_Newton_(engraver),_after_James_Cavanagh_Murphy_(cropped).png/1280px-The_Effigies_of_King_John_the_First_and_Queen_Philippa_-_James_Newton_(engraver),_after_James_Cavanagh_Murphy_(cropped).png)
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La práctica de mostrar al difunto como un cadáver en descomposición comenzó en Francia a fines del siglo XIV y pronto se extendió por el norte de Europa. [87] [88] Conocidas como monumentos cadavéricos (en francés: Transi ), [c] estas efigies muestran al difunto como un cadáver demacrado, generalmente con los ojos cerrados, vistiendo un sudario o desnudo (pero con las manos dispuestas para preservar la modestia). El formato contrasta marcadamente con los gigantes, que siempre están vestidos de gala, con los ojos abiertos y, a menudo, con las manos entrelazadas y levantadas en oración. [90] [91] Los ejemplos más conocidos fueron producidos por miembros del primer rango de escultores contemporáneos, incluido Conrad Meit (m. c. 1550 ). Una variación conocida como demigisant o gisant accounde ("acostado sobre su hombro") muestra la figura acostada de lado, sostenida por los codos al estilo etrusco mientras espera la muerte, mientras que el tipo mourant assiste muestra al difunto vivo pero solo, acostado sobre su espalda. [72]
Los monumentos cadavéricos aparecieron por primera vez en la década de 1380 y siguieron siendo populares durante 200 años. [92] Generalmente pensados como una forma de memento mori , muestran la transición del cuerpo humano de la vida a la descomposición, [ 93] [94] resaltando el contraste entre las riquezas y la elegancia mundanas y la degradación de la muerte. [91] Una miniatura iluminada de c. 1435-1440 de una dama en una tumba de los folios de "El amanecer de Makabre" en el manuscrito adicional 37049 (ahora en la Biblioteca Británica ) muestra la tumba escalonada (doble o "de dos cuerpos") [95] de una dama inglesa de moda, con ella mostrada en vida sobre la losa, y como un cadáver descompuesto dentro del cofre de la tumba. El verso que se encuentra debajo de la ilustración dice: "Presta atención a mi figura aquí abajo, y observa cuán fresca y alegre era en algún momento, y ahora me convertí en gusanos y en corrupción, como tierra de paja y lodo y arcilla apestosos". [96] Sin embargo, la historiadora de arte Kathleen Cohen señala algunas diferencias importantes con el memento mori, principalmente que los Transi representan a individuos fallecidos específicos, y no a la muerte en sí . [97]
Los monumentos cadavéricos supusieron un cambio radical con respecto a la práctica habitual de representar a los fallecidos en vida o de una forma más idealizada. El impulso hacia la expresión gráfica de la mortalidad refleja en parte el shock y el trauma social que siguieron a la Peste Negra , que azotó Europa en 1346 y mató a la mitad de la población de Eurasia en los cuatro años siguientes. Sus secuelas se vieron reflejadas en la literatura, la pintura, la ilustración de manuscritos y la escultura de los siglos XV y XVI , un énfasis pronunciado en lo macabro y el memento mori, lo que indica una preocupación por la brevedad y la fragilidad de la vida humana. [98] [99]
En su estudio (incompleto pero representativo) de monumentos cadavéricos existentes de 1973, Cohen enumera 200 ejemplos, de los cuales 82 son ingleses (producidos entre 1424 y 1689), 61 son franceses (producidos entre 1391 y 1613), 36 son alemanes (1456-1594) y 20 están en las Tierras Bajas (1387-1645). [100] Se desarrollaron diferencias considerables en el estilo a lo largo de las regiones y el tiempo. Los primeros ejemplos muestran al difunto cubierto con un sudario (popular en Francia, Borgoña e Inglaterra), como un cadáver arrugado con la piel tirante (especialmente popular en Inglaterra), o un cuerpo en descomposición cubierto de ranas y serpientes (Alemania y Austria). La práctica de mostrar el cuerpo repleto de gusanos se hizo popular en Francia. [101]
Con el paso de los siglos, las representaciones se volvieron más realistas y horripilantes, mientras que la tendencia inicial de revestir las tumbas con inscripciones moralizadoras sobre las vanidades de la vida fue abandonada. La convención alcanzó su apogeo a finales del siglo XVI, cuando las efigies más extremas representaban cadáveres putrefactos fuera del contexto del monumento funerario y ocupaban el centro del escenario como esculturas independientes. [88]
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Los estudios histórico-artísticos de la escultura de tumbas y la iconografía sepulcral tienden a centrarse en estudios de casos de ejemplos individuales o grupos regionales en lugar de en una visión general de los orígenes, el desarrollo y los contextos sociológicos del tipo. [103] El principal obstáculo es la amplia naturaleza interdisciplinaria requerida cuando se escribe ampliamente sobre el área. Como señala Barker, el conocimiento exhaustivo y autorizado de un tema tan amplio requeriría "invadir los dominios de la arqueología, la egiptología , la teología , la historia de la religión y la superstición , la filología y muchas otras [disciplinas]". [104] Otra dificultad práctica es que los muchos ejemplos supervivientes están dispersos en iglesias, abadías y catedrales a lo largo de un amplio lapso temporal y geográfico, lo que dificulta especialmente la investigación de campo exhaustiva. [105]
En 1954, Henriette s' Jacob publicó "Idealismo y realismo: un estudio del simbolismo sepulcral", que se centró en los diversos aspectos iconográficos de las imágenes de las tumbas. [106] Esto fue seguido en 1964 por la influyente monografía de Panofsky Escultura de tumbas: sus aspectos cambiantes desde el Antiguo Egipto hasta Bernini , que se basó en cuatro conferencias que había dado y fue el estudio más amplio y completo hasta la fecha del arte funerario europeo. [104] Panofsky reconoció el desafío del alcance en su introducción, admitiendo su reserva en incidir en las "reservas de muchas disciplinas adyacentes" en las que no es experto. [2] [107] Aunque más amplias que cualquier publicación anterior sobre el tema, las conferencias a menudo se desvían hacia descripciones de obras específicas y su alcance termina en el siglo XVII. En una reseña contemporánea muy positiva, el historiador de arte Jan Białostocki elogia las conferencias de Panofsky como un gran avance, pero aclara que su "tratamiento del tema es sintético y que solo se dan los lineamientos más generales del desarrollo de la escultura funeraria, tanto en el campo de la iconografía como del estilo". [107] La historiadora de arte Susie Nash señaló en su artículo de 2016 "Cincuenta años desde la 'escultura funeraria' de Panofsky" que el tema estaba en ese momento tan poco estudiado que el lector puede discernir que Panofsky "intentó codificar la imaginería funeraria formulando su terminología". Ella le atribuye la introducción de muchos términos nuevos (generalmente en francés) en el discurso, incluidos "enfeu", "Arts Bereft" y "activación de la efigie". Describió las tumbas de cadáveres de dos pisos como tombeaux de grande cérémonie y originó el término demi-gisants para describir las efigies que muestran al difunto sentado y sostenido por sus codos. [108]
Las publicaciones más influyentes tras el estudio de Panofsky son en su mayoría en alemán e incluyen Das mittelalterliche Grabbild: figürliche Grabmäler des 11. bis 15. Jahrhunderts in Europa (1976) de Kurt Bauch y Grabmonumente des Mittelalters (1996) de Hans Körner . El estado de la cuestión: Reflexiones sobre el estado de la investigación en monumentos eclesiásticos de Nigel Llewellyn analiza las dificultades para proporcionar una historia completa y contextualizada del arte funerario inglés. [103] Escribiendo en 2023, la historiadora del arte Joan Holladay señaló que la literatura sobre el arte funerario había "explotado" en el cuarto de siglo anterior. Clasificó las publicaciones en cinco tipos principales; los dos primeros son aquellos que examinan muchos ejemplos de una región determinada o que están conectados estilísticamente. En tercer lugar, menciona publicaciones que detallan las fuentes de elementos iconográficos particulares. El cuarto tipo son aquellos que clasifican las tumbas en tipologías particulares, mientras que finalmente y más raramente, están los libros y artículos que ofrecen visiones generales amplias y exhaustivas. [109]
![Ataúd de Neskhons, c. 945-715 a. C., Museo de Arte de Cleveland, Ohio[4]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f0/Clevelandart_1914.714.jpg/1280px-Clevelandart_1914.714.jpg)
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![Tumba de Eduardo, el Príncipe Negro, de aleación de cobre dorado fundido, después de 1376, Catedral de Canterbury, Kent[47][48]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/TOMB_OF_THE_BLACK_PRINCE,_CANTERBURY_CATHEDRAL.jpg/1280px-TOMB_OF_THE_BLACK_PRINCE,_CANTERBURY_CATHEDRAL.jpg)
![Tumba del Lobo de Badenoch (fallecido en 1394), Catedral de Dunkeld, Perth y Kinross[49]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/25/Dunkeld_Cathedral_20090617_tomb_Wolf_of_Badenoch.jpg/1280px-Dunkeld_Cathedral_20090617_tomb_Wolf_of_Badenoch.jpg)
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![Tumba de Philippe Pot (fallecido en 1493) con armadura y escudo heráldico[60]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/67/Effigie_du_chevalier_Philippe_Pot_(d%C3%A9tails)..jpg/1280px-Effigie_du_chevalier_Philippe_Pot_(d%C3%A9tails)..jpg)
![Tumba de los hijos de Carlos VIII y Ana de Bretaña, 1506[67] Catedral de Tours, Francia](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/bd/Loire_Indre_Tours6_tango7174.jpg/1280px-Loire_Indre_Tours6_tango7174.jpg)
![Cristo velado, Giuseppe Sanmartino, 1753. Cappella Sansevero, Nápoles, Italia.[75]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/44/Cappella_Sansevero_(15041603867)_(cropped).jpg/1280px-Cappella_Sansevero_(15041603867)_(cropped).jpg)
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![Efigie de la tumba de Elizabeth Boott Duveneck, 1891. Cimitero degli Allori, Florencia, Italia.[76]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/61/Tomb_Effigy_of_Elizabeth_Boott_Duveneck.jpg/1280px-Tomb_Effigy_of_Elizabeth_Boott_Duveneck.jpg)
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![Losa efigie de Sir William de Bayous (fallecido en 1327) y su esposa. Iglesia de San Esteban, Careby, Lincolnshire, Inglaterra.[85]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/7a/A_14th_century_knight_and_lady_(geograph_3626398)_(cropped).jpg/1280px-A_14th_century_knight_and_lady_(geograph_3626398)_(cropped).jpg)
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![Tumba cadavérica de Guillaume de Harsigny, c. 1394. Musée d'art et d'archéologie de Laon, Francia.[102]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/99/Gisant_Guillaume_de_Harcigny_Mus%C3%A9e_de_Laon_280208_1.jpg/1280px-Gisant_Guillaume_de_Harcigny_Mus%C3%A9e_de_Laon_280208_1.jpg)
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