El dibujo es un arte visual que utiliza un instrumento para marcar papel u otra superficie bidimensional . Los instrumentos que se utilizan para realizar un dibujo son lápices , crayones , bolígrafos con tinta , pinceles con pinturas o combinaciones de estos, y en tiempos más modernos, lápices ópticos de computadora con tabletas gráficas o gamepads en software de dibujo de realidad virtual .
Un instrumento de dibujo libera una pequeña cantidad de material sobre una superficie, dejando una marca visible. El soporte más común para dibujar es el papel , aunque se han utilizado otros materiales, como cartón , pergamino , madera , plástico, cuero , lienzo y tablero . Los dibujos temporales pueden realizarse en una pizarra o en un pizarrón . El dibujo ha sido un medio popular y fundamental de expresión pública a lo largo de la historia de la humanidad. Es uno de los medios más simples y eficientes de comunicar ideas. [1] La amplia disponibilidad de instrumentos de dibujo hace que el dibujo sea una de las actividades artísticas más comunes.
Además de sus formas más artísticas, el dibujo se utiliza con frecuencia en la ilustración comercial , la animación , la arquitectura , la ingeniería y el dibujo técnico . Un dibujo rápido a mano alzada, que normalmente no está pensado como un trabajo terminado, a veces se denomina boceto . Un artista que practica o trabaja en el dibujo técnico puede denominarse dibujante , dibujante o dibujante gráfico. [2]
El dibujo es una de las formas más antiguas de expresión humana dentro de las artes visuales. Generalmente se trata de marcar líneas y áreas de tono sobre papel u otro material, donde la representación precisa del mundo visual se expresa sobre una superficie plana. [3] Los dibujos tradicionales eran monocromos , o al menos tenían poco color, [4] mientras que los dibujos modernos con lápices de colores pueden acercarse o cruzar un límite entre el dibujo y la pintura . En la terminología occidental, el dibujo es distinto de la pintura, aunque a menudo se emplean medios similares en ambas tareas. Los medios secos, normalmente asociados con el dibujo, como la tiza, se pueden utilizar en pinturas al pastel . El dibujo puede hacerse con un medio líquido, aplicado con pinceles o bolígrafos. El uso de un pincel para dibujar está muy extendido y aquí es más el proceso de usar líneas y tramas lo que caracteriza algo como un dibujo. Los soportes similares también pueden servir para ambos: la pintura generalmente implica la aplicación de pintura líquida sobre lienzo o paneles preparados, pero a veces se dibuja primero un dibujo subyacente en ese mismo soporte.
El dibujo suele ser exploratorio y pone un énfasis considerable en la observación, la resolución de problemas y la composición. El dibujo también se utiliza habitualmente como preparación para una pintura, lo que difumina aún más su distinción. Los dibujos creados con estos fines se denominan bocetos.
Existen varias categorías de dibujo, entre ellas el dibujo de figuras , la caricatura , el garabato y el dibujo a mano alzada. También existen muchos métodos de dibujo, como el dibujo lineal , el punteado, el sombreado , el método surrealista de la grafomanía entópica (en el que se hacen puntos en los lugares de impurezas en una hoja de papel en blanco y luego se hacen líneas entre los puntos) y el calco (dibujar en un papel translúcido, como papel de calco , alrededor del contorno de formas preexistentes que se ven a través del papel).
Un dibujo rápido y sin refinar puede llamarse boceto .
En campos ajenos al arte, los dibujos técnicos o planos de edificios, maquinaria, circuitos y otras cosas suelen denominarse "dibujos", incluso cuando han sido transferidos a otro medio mediante impresión.
El dibujo es una de las formas más antiguas de expresión humana, con evidencia de su existencia anterior a la de la comunicación escrita. [5] Se cree que el dibujo se utilizó como una forma especializada de comunicación antes de la invención del lenguaje escrito, [5] [6] demostrado por la producción de pinturas rupestres y rupestres hace unos 30.000 años ( Arte del Paleolítico Superior ). [7] Estos dibujos, conocidos como pictogramas, representaban objetos y conceptos abstractos. [8] Los bocetos y pinturas producidos en el Neolítico fueron finalmente estilizados y simplificados en sistemas de símbolos ( protoescritura ) y, finalmente, en sistemas de escritura primitivos .
Antes de que el papel estuviera ampliamente disponible en Europa, los monjes de los monasterios europeos utilizaban dibujos, ya fuera como dibujos de base para manuscritos iluminados sobre vitela o pergamino, o como imagen final. El dibujo también se ha utilizado ampliamente en el campo de la ciencia, como método de descubrimiento, comprensión y explicación.
Dibujar diagramas de observaciones es una parte importante del estudio científico.
En 1609, el astrónomo Galileo Galilei explicó las fases cambiantes de Venus y también las manchas solares a través de sus dibujos telescópicos de observación. [9] En 1924, el geofísico Alfred Wegener utilizó ilustraciones para demostrar visualmente el origen de los continentes. [9]
El dibujo es una de las formas más sencillas de visualizar ideas y expresar la creatividad, por lo que ha sido un elemento destacado en el mundo del arte. A lo largo de gran parte de la historia, el dibujo se ha considerado la base de la práctica artística. [10] Inicialmente, los artistas utilizaban y reutilizaban tablillas de madera para la producción de sus dibujos. [11] Tras la amplia disponibilidad del papel en el siglo XIV, el uso del dibujo en las artes aumentó. En ese momento, el dibujo se utilizaba habitualmente como herramienta de reflexión e investigación, actuando como medio de estudio mientras los artistas se preparaban para sus obras finales. [12] [13] El Renacimiento trajo consigo una gran sofisticación en las técnicas de dibujo, lo que permitió a los artistas representar las cosas de forma más realista que antes, [14] y reveló un interés por la geometría y la filosofía. [15]
La invención de la primera forma de fotografía ampliamente disponible condujo a un cambio en la jerarquía de las artes. [16] La fotografía ofreció una alternativa al dibujo como método para representar con precisión los fenómenos visuales, y se le dio menos importancia a la práctica tradicional del dibujo como una habilidad esencial para los artistas, particularmente en la sociedad occidental. [9]
El dibujo adquirió importancia como forma de arte a finales del siglo XV, con artistas y maestros grabadores como Alberto Durero y Martin Schongauer ( c. 1448-1491 ), el primer grabador del norte conocido por su nombre. Schongauer procedía de Alsacia y nació en una familia de orfebres. Alberto Durero, un maestro de la siguiente generación, también era hijo de un orfebre. [17] [18]
Los dibujos de los viejos maestros reflejan a menudo la historia del país en el que se produjeron y las características fundamentales de una nación en ese momento. En la Holanda del siglo XVII, un país protestante, casi no había obras de arte religiosas y, como no había rey ni corte, la mayor parte del arte se compraba a particulares. Los dibujos de paisajes o escenas de género a menudo se consideraban no bocetos, sino obras de arte muy acabadas. Sin embargo, los dibujos italianos muestran la influencia del catolicismo y la Iglesia, que desempeñaron un papel importante en el mecenazgo artístico. Lo mismo suele ocurrir con los dibujos franceses, aunque en el siglo XVII las disciplinas del clasicismo francés [19] hicieron que los dibujos fueran menos barrocos que sus homólogos italianos más libres, que transmitían una mayor sensación de movimiento. [20]
En el siglo XX, el modernismo fomentó la "originalidad imaginativa" [21] y el enfoque del dibujo de algunos artistas se volvió menos literal y más abstracto. Artistas de renombre mundial como Pablo Picasso, Andy Warhol y Jean-Michel Basquiat ayudaron a desafiar el status quo, ya que el dibujo ocupaba un lugar central en su práctica y, a menudo, reinterpretaba la técnica tradicional. [22]
Los dibujos de Basquiat fueron producidos en muchos medios diferentes, más comúnmente tinta, lápiz, rotulador o marcador y barra de óleo, y dibujaba sobre cualquier superficie que tuviera a mano, como puertas, ropa, refrigeradores, paredes y cascos de béisbol. [23]
A lo largo de los siglos se ha producido un canon de artistas y dibujantes notables, cada uno con su propio lenguaje de dibujo, entre los que se incluyen:
El medio es el medio por el cual se aplica tinta, pigmento o color a la superficie del dibujo. La mayoría de los medios de dibujo son secos (por ejemplo , grafito , carboncillo , pasteles , conté , punta de plata ) o utilizan un disolvente o portador líquido ( marcador , bolígrafo y tinta ). Los lápices de acuarela se pueden utilizar secos como lápices comunes y luego se humedecen con un pincel húmedo para obtener varios efectos pictóricos. Muy raramente, los artistas han dibujado con tinta invisible (generalmente decodificada) . El dibujo con punta de metal generalmente emplea plata o plomo. [25] Los más raramente utilizados son el oro, el platino, el cobre, el latón, el bronce y la punta de estaño.
El papel se presenta en distintos tamaños y calidades, desde el papel de periódico hasta el papel de alta calidad y relativamente caro que se vende en hojas individuales. [26] Los papeles varían en textura, tono, acidez y resistencia cuando están húmedos. El papel liso es bueno para reproducir detalles finos, pero un papel más "dientes" retiene mejor el material de dibujo. Por lo tanto, un material más grueso es útil para producir un contraste más profundo.
El papel de periódico y el papel para mecanografiar pueden resultar útiles para practicar y hacer bocetos . El papel de calco se utiliza para experimentar con un dibujo a medio terminar y para transferir un diseño de una hoja a otra. El papel de calco es el tipo básico de papel de dibujo que se vende en blocs. El cartón Bristol e incluso los cartones sin ácido más pesados, frecuentemente con acabados suaves, se utilizan para dibujar detalles finos y no se distorsionan cuando se aplican medios húmedos (tinta, aguadas). El papel vegetal es extremadamente suave y adecuado para detalles muy finos. El papel de acuarela prensado en frío puede ser el preferido para dibujar con tinta debido a su textura.
El papel de calidad de archivo y libre de ácido mantiene su color y textura por mucho más tiempo que el papel a base de pulpa de madera , como el papel de periódico , que se vuelve amarillo y quebradizo mucho antes.
Las herramientas básicas son un tablero o mesa de dibujo , un sacapuntas y un borrador , y para dibujar con tinta, papel secante . Otras herramientas que se utilizan son el compás , la regla y la escuadra . Se utiliza fijador para evitar que las marcas de lápiz y crayón se corran. La cinta de dibujo se utiliza para asegurar el papel a la superficie de dibujo y también para enmascarar un área para mantenerla libre de marcas accidentales, como materiales rociados o salpicados y aguadas. Se utiliza un caballete o una mesa inclinada para mantener la superficie de dibujo en una posición adecuada, que generalmente es más horizontal que la posición utilizada en la pintura.
Casi todos los dibujantes utilizan sus manos y dedos para aplicar los medios, con la excepción de algunas personas discapacitadas que dibujan con la boca o los pies. [27]
Antes de trabajar en una imagen, el artista suele explorar cómo funcionan los distintos medios. Puede probar diferentes herramientas de dibujo en hojas de práctica para determinar el valor y la textura, y cómo aplicar la herramienta para producir distintos efectos.
La elección de los trazos del dibujo por parte del artista afecta la apariencia de la imagen. Los dibujos a pluma y tinta a menudo utilizan sombreados , grupos de líneas paralelas. [28] El sombreado cruzado utiliza sombreados en dos o más direcciones diferentes para crear un tono más oscuro. El sombreado discontinuo, o líneas con cortes intermitentes, forma tonos más claros, y el control de la densidad de los cortes logra una gradación del tono. El puntillismo utiliza puntos para producir tono , textura y sombra . Se pueden lograr diferentes texturas según el método utilizado para crear el tono. [29]
Los dibujos en medios secos suelen utilizar técnicas similares, aunque los lápices y los palitos de dibujo pueden lograr variaciones continuas en el tono. Por lo general, un dibujo se rellena en función de la mano que prefiera el artista. Un artista diestro dibuja de izquierda a derecha para evitar manchar la imagen. Los borradores pueden eliminar líneas no deseadas, aclarar tonos y limpiar marcas dispersas. En un boceto o dibujo de contorno, las líneas dibujadas suelen seguir el contorno del sujeto, lo que crea profundidad al parecer sombras proyectadas por una luz en la posición del artista.
A veces, el artista deja una sección de la imagen sin tocar mientras rellena el resto. La forma de la zona que se desea conservar se puede pintar con líquido enmascarador o recortar de un papel y aplicar sobre la superficie del dibujo, protegiendo así la superficie de marcas perdidas hasta que se retire la máscara.
Otro método para conservar una sección de la imagen es aplicar un fijador en aerosol sobre la superficie. Esto fija el material suelto con más firmeza a la hoja y evita que se corra. Sin embargo, el fijador en aerosol suele contener productos químicos que pueden dañar el sistema respiratorio, por lo que debe emplearse en un área bien ventilada, como el exterior.
Otra técnica es el dibujo sustractivo, en el que la superficie del dibujo se cubre con grafito o carbón y luego se borra para crear la imagen. [30]
El sombreado es la técnica de variar los valores tonales del papel para representar el tono del material, así como la ubicación de las sombras. Si se presta especial atención a la luz reflejada, las sombras y las luces, se puede lograr una representación muy realista de la imagen.
El difuminado utiliza un instrumento para suavizar o extender los trazos originales del dibujo. El difuminado se realiza más fácilmente con un medio que no se fija de inmediato , como el grafito, la tiza o el carboncillo, aunque la tinta recién aplicada se puede difuminar, húmeda o seca, para lograr algunos efectos. Para sombrear y difuminar, el artista puede utilizar un difumino , un pañuelo de papel , una goma de borrar amasada , la punta de un dedo o cualquier combinación de ellos. Un trozo de gamuza es útil para crear texturas suaves y para eliminar material para aclarar el tono. Se puede lograr un tono continuo con grafito sobre una superficie lisa sin difuminar, pero la técnica es laboriosa e implica pequeños trazos circulares u ovalados con una punta algo roma.
Las técnicas de sombreado que también introducen textura al dibujo incluyen el sombreado y el punteado . Hay otros métodos que producen textura. Además de la elección del papel, el material y la técnica de dibujo afectan a la textura. Se puede hacer que la textura parezca más realista cuando se dibuja junto a una textura contrastante; una textura gruesa es más evidente cuando se coloca junto a un área suavemente difuminada. Se puede lograr un efecto similar dibujando diferentes tonos juntos. Un borde claro junto a un fondo oscuro se destaca a la vista y casi parece flotar sobre la superficie.
Medir las dimensiones de un objeto mientras se dibuja en bloques es un paso importante para producir una representación realista del objeto. Se pueden utilizar herramientas como un compás para medir los ángulos de los diferentes lados. Estos ángulos se pueden reproducir en la superficie de dibujo y luego volver a comprobar para asegurarse de que sean precisos. Otra forma de medición es comparar los tamaños relativos de las diferentes partes del objeto entre sí. Se puede utilizar un dedo colocado en un punto a lo largo del instrumento de dibujo para comparar esa dimensión con otras partes de la imagen. Una regla se puede utilizar tanto como regla como dispositivo para calcular proporciones.
Cuando se intenta dibujar una forma complicada, como una figura humana, resulta útil representarla primero con un conjunto de volúmenes primitivos. Casi cualquier forma puede representarse mediante una combinación de cubo, esfera, cilindro y cono. Una vez que estos volúmenes básicos se han reunido en una semejanza, se puede refinar el dibujo hasta obtener una forma más precisa y pulida. Se eliminan las líneas de los volúmenes primitivos y se reemplazan por la semejanza final. Dibujar la construcción subyacente es una habilidad fundamental para el arte figurativo y se enseña en muchos libros y escuelas. Su correcta aplicación resuelve la mayoría de las incertidumbres sobre los detalles más pequeños y hace que la imagen final parezca coherente. [31]
Un arte más refinado del dibujo de figuras depende de que el artista posea un conocimiento profundo de la anatomía y las proporciones humanas. Un artista capacitado está familiarizado con la estructura del esqueleto, la ubicación de las articulaciones, la colocación de los músculos, el movimiento de los tendones y cómo las diferentes partes trabajan juntas durante el movimiento. Esto le permite al artista reproducir poses más naturales que no parezcan artificialmente rígidas. El artista también está familiarizado con la forma en que varían las proporciones según la edad del sujeto, en particular cuando se dibuja un retrato.
La perspectiva lineal es un método para representar objetos sobre una superficie plana de modo que las dimensiones se reducen con la distancia. Cada conjunto de bordes rectos y paralelos de cualquier objeto, ya sea un edificio o una mesa, sigue líneas que finalmente convergen en un punto de fuga. Por lo general, este punto de convergencia se encuentra en algún lugar a lo largo del horizonte, ya que los edificios se construyen a nivel de la superficie plana. Cuando se alinean varias estructuras entre sí, como los edificios a lo largo de una calle, las partes superior e inferior horizontales de las estructuras generalmente convergen en un punto de fuga.
Cuando se dibujan tanto el frente como los lados de un edificio, las líneas paralelas que forman un lado convergen en un segundo punto a lo largo del horizonte (que puede estar fuera del papel de dibujo). Esta es una perspectiva de dos puntos. [32] La convergencia de las líneas verticales a un tercer punto por encima o por debajo del horizonte produce una perspectiva de tres puntos.
La profundidad también se puede representar mediante varias técnicas además del enfoque de perspectiva mencionado anteriormente. Los objetos de tamaño similar deben parecer cada vez más pequeños cuanto más lejos estén del espectador. Así, la rueda trasera de un carro parece ligeramente más pequeña que la rueda delantera. La profundidad se puede representar mediante el uso de la textura . A medida que la textura de un objeto se aleja, se vuelve más comprimida y cargada, adquiriendo un carácter completamente diferente al que tendría si estuviera cerca. La profundidad también se puede representar reduciendo el contraste en los objetos más distantes y haciendo que sus colores sean menos saturados. Esto reproduce el efecto de neblina atmosférica y hace que el ojo se centre principalmente en los objetos dibujados en primer plano.
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La composición de la imagen es un elemento importante para producir una obra interesante y de mérito artístico . El artista planifica la colocación de los elementos en la obra para comunicar ideas y sentimientos al espectador. La composición puede determinar el enfoque de la obra y dar como resultado un conjunto armonioso que sea estéticamente atractivo y estimulante.
La iluminación del sujeto también es un elemento clave en la creación de una pieza artística, y el juego de luces y sombras es un método valioso en la caja de herramientas del artista. La colocación de las fuentes de luz puede marcar una diferencia considerable en el tipo de mensaje que se está presentando. Varias fuentes de luz pueden, por ejemplo, eliminar las arrugas del rostro de una persona y darle un aspecto más juvenil. Por el contrario, una sola fuente de luz, como la luz del día intensa, puede servir para resaltar cualquier textura o característica interesante.
Al dibujar un objeto o una figura, el artista experto presta atención tanto al área dentro de la silueta como a lo que se encuentra fuera. El exterior se denomina espacio negativo y puede ser tan importante en la representación como la figura. Los objetos colocados en el fondo de la figura deben aparecer correctamente ubicados dondequiera que se los pueda ver.
Un estudio es un boceto que se realiza como preparación para una imagen final planificada. Los estudios se pueden utilizar para determinar la apariencia de partes específicas de la imagen terminada o para experimentar con el mejor enfoque para lograr el objetivo final. Sin embargo, un estudio bien elaborado puede ser una obra de arte en sí mismo y se pueden dedicar muchas horas de trabajo minucioso para completarlo.
Los individuos muestran diferencias en su capacidad para producir dibujos visualmente precisos. [33] Un dibujo visualmente preciso se describe como "reconocido como un objeto particular en un momento particular y en un espacio particular, representado con poca adición de detalles visuales que no se pueden ver en el objeto representado o con poca eliminación de detalles visuales". [34]
Los estudios de investigación han tratado de explicar las razones por las que algunas personas dibujan mejor que otras. Un estudio postuló cuatro habilidades clave en el proceso de dibujo: las habilidades motoras necesarias para hacer trazos, la propia percepción del dibujante de su dibujo, la percepción de los objetos que se dibujan y la capacidad de tomar buenas decisiones de representación. [34] Siguiendo esta hipótesis, varios estudios han tratado de concluir cuáles de estos procesos son los más importantes a la hora de afectar la precisión de los dibujos.
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El control motor es un componente físico importante en la «fase de producción» del proceso de dibujo. [35] Se ha sugerido que el control motor desempeña un papel en la capacidad de dibujo, aunque sus efectos no son significativos. [34]
Se ha sugerido que la capacidad de un individuo para percibir un objeto que está dibujando es la etapa más importante del proceso de dibujo. [34] Esta sugerencia está respaldada por el descubrimiento de una relación sólida entre la percepción y la capacidad de dibujo. [36]
Esta evidencia sirvió como base para el libro de Betty Edwards sobre cómo dibujar, Drawing on the Right Side of the Brain (Cómo dibujar con el lado derecho del cerebro) . [37] Edwards tenía como objetivo enseñar a sus lectores a dibujar, basándose en el desarrollo de las habilidades perceptivas del lector.
Además, el influyente artista y crítico de arte John Ruskin enfatizó la importancia de la percepción en el proceso de dibujo en su libro The Elements of Drawing . [38] Afirmó que "estoy casi convencido de que una vez que vemos con suficiente claridad, hay muy poca dificultad en dibujar lo que vemos".
También se ha demostrado que esto influye en la capacidad de crear dibujos visualmente precisos. La memoria a corto plazo desempeña un papel importante en el dibujo, ya que la mirada se desplaza entre el objeto que se está dibujando y el dibujo en sí. [39]
Algunos estudios que comparan a artistas con no artistas han descubierto que los artistas pasan más tiempo pensando estratégicamente mientras dibujan. En particular, los artistas pasan más tiempo en actividades "metacognitivas", como considerar diferentes planes hipotéticos sobre cómo podrían progresar con un dibujo. [40]
Notas
Lectura adicional
